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PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE A CURA DEL SAINT LOUIS COLLEGE OF MUSIC

PARACADUTARIA TI SI APRE UN PORTAL LE MADRI DELLE

Primavera 2009

FIDANZATE
di Adriano Mazzoletti
di Romina Ciuffa
Pochi sanno - o meglio è ormai dimenticato - Confondiamo Opera

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
di Giosetta Ciuffa
Giovanni Allevi si è laureato in Filosofia con
la tesi «Il vuoto nella Fisica contemporanea»; un
suo omonimo, Giovanni, conosce bene il vuoto
di un uomo in un corpo di donna (sempre fisica
è). Lo interpreta un grande Roberto Herlitzka
in Aria, film che lo stesso regista Valerio
D’Annunzio definisce «un lancio senza paraca-
dute». È proprio nell’aria che si lancia un paraca-
dute, poi si sta in silenzio ad ascoltare suoni
naturali e attendere l’impatto con la terra, morbi-
do o duro, il confronto tra il sogno - quello fatto
volando - e la veglia di chi non dorme mai. (...)

CONTINUA NELLA PAGINA SOUNDTRACKING
che il primo ad utilizzare il clarinetto basso nel
jazz moderno è stato un italiano, Aurelio
Ciarallo, clarinettista diplomato a Santa Cecilia.
Una sera uscendo dal Conservatorio di Via dei
Greci, passando da Via del Corso di fronte alla
«Conchiglia» all’epoca sede del Jazz Club
Roma, incuriosito dalla musica che ascoltava in
lontananza entrò nell’ultima sala dove si stava
svolgendo una jam session. Colpito da quella
musica che non aveva mai udito prima, abban-
donò Mozart per dedicarsi al jazz. (...)

CONTINUA NELLA PAGINA JAZZ&BLUES
ed operai tutte le volte
in cui trattiamo i musi-
cisti come salariati e,
ciononostante, li pri-
viamo di una dignità
professionale.
Succede perché le
madri delle fidanzate
li considerano «scansafatiche», perché le
Scuole di musica non sono equiparate alle
Università alla stregua dell’Accademia di Belle
Arti (che un impervio percorso ha dovuto com-
piere per dare un senso al «pezzo di carta»),
perché il sindaco di Roma è anche presidente
del Teatro dell’Opera di Roma, e perché il
Fondo Unico dello Spettacolo è gestito sempre
da politici che sono i genitori delle fidanzate.
Io - quando il ministro dei Beni Culturali
Sandro Bondi ha commissariato il Teatro capito-
lino e nominato commissario straordinario, nella
patria delle multiple cariche, il sindaco di Roma
- nel dubbio ho sentito Federico Mollicone. (...)

CONTINUA NELLA PAGINA BEYOND

BALLET JOAQUIN CORTES

Ppop&rock
OPCK LENNY KRAVITZ

Direttore
ROMINA CIUFFA

Direttore Responsabile
SALVATORE MASTRUZZI

Redazione
Romina CIUFFA redazione@musicin.eu
Flavio FABBRI classica@musicin.eu
Rossella GAUDENZI jazzblues@musicin.eu
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Progetto grafico
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Impaginazione
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Logo Caterina MONTI

CLASSI
CA BEYOND
Redazione SHROEDER E LUCY
BRONZO DI TIVOLI TOO NORA, THE PIANO CAT
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UN PESO E DUE MISURE

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Guidonia Montecelio - Roma L’uomo ha bisogno di misurare tutto il suo mondo per stico per il quale chi segna ha sempre ragione. Si tende pur-
poterlo definire nel suo peso, nel suo spessore, nella sua troppo a confondere l’arte con lo spettacolo, la cultura con
importanza, e per poterlo facilmente paragonare ad altri gli indici di ascolto, una bella canzone con l’estratto
Contributi oggetti omologhi e compilare le classifiche su tivvu- conto Siae, a giudicare la passione di un pianista in
Elisa Angelini, Lorenzo Bertini sorrisiecanzoni. Mi occupo di musica da più di ven- base alla sua notorietà o la qualità di un chitarrista dai
Nicola Cirillo, Giosetta Ciuffa
Stefano Cuzzocrea, Cristina D’Eramo t’anni, ma solo recentemente ho compreso quali siano salti che fa sul palco.
Alessandra Fabbretti, Gianluca Gentile i vari gradi di percezione che il pubblico utilizza per Johann Sebastian Bach ha definito la musica come
Chiara Grimaldi, Adriano Mazzoletti definire un artista come un genio o squalificarlo l’arte che ci permette di non sentire dentro il silenzio
Paolo Romano, Eugenio Vicedomini come pezzente. che c’è fuori; magari ai suoi tempi sarà stato pure
Livia Zanichelli Secondo una probabile futura indagine Istat, il vero, ora però là fuori c’è un gran rumore. Con
96 per cento degli italici - fra cui comprendiamo la internet che ha reso possibile la libera e istantanea -
maggior parte dei senatori - misura la statura di un ma non sempre proficua - circolazione delle idee,
personaggio, cantante, attore o musicista che dir si anche le più idiote; con il computer che consente a
Anno III n. 9 voglia, in base al successo: quindi Lori Del Santo ha tutti di dire la propria, spesso senza alcuna cognizione
Primavera 2009 più spessore di Arnold Schoenberg (nella foto). Da un o competenza; con la televisione che crea personaggi del
Registrazione presso il Tribunale di Roma
certo punto di vista non posso che trovarmi d’accordo, tutto impreparati che la gente si beve; ma questo non è il
n. 349 del 20 luglio 2007 anche se lo spessore cui penso poco inerisce al bello della democrazia, è il turpe del dilettantismo.
talento artistico. D’altronde ancora c’è chi definisce Carla Bruni una donna in
L’altro parametro è quello della monetizza- gamba, ma se lo fosse stata davvero sarebbe diventata lei
zione: se dalla tua occupazione ottieni un gua- presidente di un Paese e non avrebbe dovuto sposarne uno
dagno hai comunque vinto, il tuo pensiero merita di per sedere in un’auto ministeriale; per non parlare poi di
STEFANO essere amplificato nel salotto di Raiuno e certamente come canta.
MASTRUZZI varrà di più rispetto a quello del carrozziere da mille
EDITORE euro al mese. Quasi a riprendere un po’ il concetto calci- Stefano Mastruzzi
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J AZZ
& blues
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
TI SI APRE UN PORTAL
(...) Era il 1950. Immediatamente Nunzio
Rotondo gli propose di entrare nel suo
gruppo e di utilizzare il clarinetto basso strumen-
to fino allora assai poco impiegato nel jazz. Solo
Jelly Roll Morton in If Someone Would Love Me
(1930) aveva previsto una parte scritta per questo
strumento eseguita, forse, da Ernie Bullock.
Anche Harry Carney con Duke Ellington lo uti-
lizzava soprattutto negli assieme orchestrali
(Mood Indigo) assai raramente in assolo.
La prima volta che il clarinetto basso in sibe-
molle venne utilizzato negli Stati Uniti, in una
incisione di jazz moderno, fu nell’aprile 1958
quando a Los Angeles Eric Dolphy incise con il
Quintetto di Chico Hamilton. Ben cinque anni
dopo le incisioni di Rotondo, dove il suono del
clarone di Aurelio Ciarallo, si amalgamava per-
fettamente, nelle parti arrangiate, a quello della
tromba del leader e del sassofono di Gino
Marinacci. Non so se furono le incisioni di
Ciarallo con Rotondo a destare l’interesse per
questo strumento oppure quelle di Eric Dolphy.
LE MUSE
RACCOLTE
i sono quattro Muse quest’oggi sedute
C alla tavola rotonda delle Arti. C’è Clio,
musa della Storia, incoro-
nata d’alloro; c’è Euterpe, musa
della Musica, che si accompagna
con il flauto, ghirlande e fiori tra
i capelli; c’è Calliope, musa
dell’Eloquenza e della Poesia
Epica con stilo e tavoletta tra le
mani, e c’è Melpomene, musa
della Tragedia, che sorregge la
maschera tragica ed un pugnale
insanguinato. Dialogano a bassa
voce, hanno il difficile compito
di stabilire in quale modo e attra-
verso quali artisti diffondere i
propri talenti.
Non impiegano poi molto tempo. Hanno
deciso, e la scelta è caduta sul trombettista
Enrico Rava, sullo scrittore Andrea Camilleri e
sull’attore Sergio Rubini.
«Requiem per Chris», in scena all’Auditorium
Parco della Musica il 24 aprile, è il risultato di
un lavoro corale. Tratto da un soggetto inedito
di Andrea Camilleri, è stato inserito tra i proget-
ti curati da Enrico Rava, che ha gestito per que-
sta stagione la rassegna Carta Bianca.
Alla voce narrante di Rubini, affermato nome
del cinema italiano (pregevole attore-sceneggia-
tore-regista non a caso scoperto da Fellini) si
affida la vicenda del trombettista Chris
Lamartine, personaggio di fantasia morto suici-
da in giovane età nel 1917. Si intrecciano passa-
to remoto e passato recente, le origini e la storia
del jazz afro-americano alle vicende della Sicilia
fascista; si sovrappongono Palermo, Roma e la
New Orleans devastata dall’uragano Katrina.
Frammenti sospesi tra tempo e spazio, in bili-
co tra la tromba di Enrico Rava e quella di Chris
Lamartine.
Il trombettista italiano più celebre al mondo
che ha collaborato con i grandi del jazz (da Jack
de Johnette a Pat Metheny, da John
Abercrombie a Richard Galliano, a Steve Lacy)
con il suo spirito indomito e la sua immediatez-
za dà linfa vitale e ritmo all’opera di Camilleri.
Tragica, suggestiva e struggente.
Rossella Gaudenzi
MICHEL PORTAL Poliedrico, sceglie Brahms e
Stockhausen, Galliano e Fresu, libera improvvisa-
zione ed Ellington. Tutti per uno (uno per tutti).
di ADRIANO MAZZOLETTI
Sta di fatto che, quasi contemporaneamente,
due musicisti europei - il francese di origine
basca Michel Portal e il bergamasco Gianluigi
Trovesi - si dedicarono a questo strumento.
Il settantaquattrenne Portal è da tempo il
solista di clarinetto basso più ammirato e sti-
mato non solo nel mondo della musica improv-
visata, ma anche in quello
della musica classica con-
temporanea.
Nella prima è ben nota la
sua attività con musicisti
europei e americani, Bernard
Lubat, Daniel Humair, John
Surman, Richard Galliano,
Paolo Fresu, Jack De
Johnette, Dave Liebman,
Howard Johnson, Sonny
Murray. Nella seconda è il
prediletto di grandi musicisti
contemporanei che lo richie-
dono per l’interpretazione
delle loro composizioni.
Difensore ad oltranza del
free e dell’incontro musicale
aperto, il suo gusto lo porta verso l’enfatizza-
zione, che raggiunge spesso momenti di brio
con un trascinante senso del ritmo ed altri di
grande tragicità. A Portal va anche il merito di
aver dato al jazz europeo una sua originalità,
avulsa dall’imitazione del jazz originale.
È stato uno dei primi, inizialmente con il
New Phonic Art, basato sulla improvvisazione
collettiva e, nel 1971 con il Michel Portal Unit,
ad inserire nel linguaggio jazzistico elementi
della cultura musicale europea, colta, ma
soprattutto popolare. Se vogliamo, Portal nel
jazz europeo è stato un caposcuola, ma è soprat-
tutto un musicista colto con stile e sonorità stru-
mentali assolutamente personali.
Le Muse scelgono Enrico Rava, Sergio Rubini e
Andrea Camilleri per un requiem: il primo lo
suona, il secondo lo narra, il terzo lo scrive.
È la storia di un suicida, le origini del jazz
afro-americano, le vicende della Sicilia fascista.
Poi Roma, Palermo e la New Orleans
dell’uragano Katrina
SESSION VOICES Cosa succede a CAMILLERI-RAVA-
Music In  Primavera 2009
proporre un po’ di Seeger-Springsteen? RUBINI Un ellepi fanta-
Coro femminile e recupero del folk sma, l’uragano alle porte
ALAMBICCO GOSPEL
Il
Dal Tennessee allontanato ogni rischio di erudizione e di alambicco filologico
recupero della tradizione folk statunitense
pare essere operazione in voga nel corso
degli ultimi anni; dopo la nascita dei molti cen-
dietro ognuna di loro (ma non trascuriamo l’im-
portante apporto della chitarra e della batteria)
c’è una brava solista e musicista, capace di far
tri di studio e ricerca nati qua e là nella «pan- brillare le canzoni con arrangiamenti solidi e
cia» degli Usa, a partire dalle tante cittadine del ricchi di tessiture intriganti.
Tennessee intorno a Nashville (dove sorge il più La tradizione musicale cui il gruppo fa riferi-
grande museo di musica country e folk naziona- mento è trattata con grande sensibilità, frutto di
le), giù giù fino alla Louisiana (che è e resta il autentica passione di conoscenza, e trova riferi-
brodo primordiale della musica afroamericana menti sicuri nelle signore in nero del blues e del
prima del big bang che ha prodotto la fortunata jazz (da Bessie Smith, ad Ella Fitzgerald fino a
«diaspora» dei musicisti verso le coste e il cen- Carmen Mac Rae), nei moderni stilemi dei Take
tro degli Stati Uniti). 6 e anche nelle riletture del Vocalese dei
Con operazione un po’ «furbacchiona» ma Manhattan Transfer.
commercialmente lungimirante, come pure è Ma soprattutto è l’entusiasmo contagioso che
avvezzo, è stato il Boss Springsteen a intuire le sanno trasmettere a fare da stella cometa per
potenzialità di questo recupero e allontanatolo entrare in contatto con il pianeta delle SV, che
subito da ogni rischio di erudizione e di alam- fanno della musica popolare, folk in senso
bicco filologico s’è
impossessato della
musica di Pete Seeger e
ha registrato un album
(molto bello a dire la
verità), con tanti brani
di uno dei padri nobili
del folk bianco, riar-
rangiati a puntino e
stratosfericamente
energici e vitali.
Dev’essere questo,
forse, il contesto che ha
mosso Laura Montanari
e le sue complici a pro-
vare a verificare cosa
poteva succedere a pro-
porre un po’ di Seeger-
Springsteen (perché
quanto il secondo abbia
mediato nella sensibili-
tà delle ragazze è evi-
dente) in formato
gospel.
E così le Session
Voices hanno iniziato a
cantare brani meravigliosi da Oh Mary don’t pieno e autentico, il luogo eletto per celebrare la
you weep, fino a Jacob’s ladder e ancora John
Henry. E già la contaminazione è servita: coro
femminile bianco, recupera la tradizione folk
americana nella forma nera del gospel. E da lì,
musica e i suoi simboli.
Molti i progetti in cantiere e molte le date live
per poterle ascoltare (entrambi disponibili sul
loro myspace virtuale) e che già le hanno porta-
le sette «voices» hanno iniziato ad arrangiare e
cantare un vasto repertorio di musica tradizio-
nale spiritual, soul e blues.
te lo scorso luglio al prestigioso e oramai ultra-
decennale Varese Gospel Fest. Insomma, ci
sono tutte le premesse per dare una buona noti-
E la ricetta funziona! A dispetto di una qual- zia alla musica italiana, mentre può legittima-
che perplessità con la quale pure avevo approc- mente crescere la curiosità per l’avvio di una
ciato l’iniziativa (confesso e abiuro). Funziona
perché le Session Voices trasmettono una carica
produzione originale di brani che - garantisco-
no le SV - è in via di realizzazione.
ed una effervescenza davvero notevoli con le
loro performance dal vivo e funziona perché Paolo Romano
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Music In
Primavera 2009

JUDY NIEMACK Una californiana che è un tributo alla notte, a

JAZZ
& blues
MARIA PIA DE VITO Non esiste una voce, ma «le» 7 anni cantava nelle chiese, il suo jazz «twists, turns, scats, leaps
voci. Non esiste una personalità, ma «le» personalità. and bounds» con grazia olimpionica

MARIA PIA DE VITO:

LA MOTIVATRICE di Rossella Gaudenzi

P otremmo definirla Maria Pia la pasionaria, volendo osare e puntare il tutto e per tutto sulla
sua forte personalità innovatrice, «rivoluzionaria» appunto. La celebre cantante, compositri-
ce ed arrangiatrice partenopea che il mondo della musica jazz segue con interesse e stima da oltre
trent’anni è una delle perle nostrane che all’estero tanto ci invidiano – il suo nome è stato inserito
dalle più celebri firme del giornalismo musicale americano nella prestigiosa categoria Beyond Artist
del Down Beat Critics Poll 2001 accanto ad artisti come Caetano Veloso, Joni Mitchell, Cesaria
Evora…–. Ha iniziato l’attività concertistica a metà anni Settanta come cantante e strumentista,
accompagnandosi con percussioni e piano e concentrando l’attenzione sulla musica etnica, in par-
ticolar modo mediterranea e balcanica. Poco dopo viene rapita dalla scena jazzistica, collezionan-
do collaborazioni importantissime: da Kenny Wheeler a John Taylor; da Joe Zawinul a Michael
Brecker; da Dave Liebman a Steve Turre, a Paolo Fresu, a Giorgio Gaslini, a Rita Marcotulli, per
citarne alcuni.
La sua ultima opera discografica è Dialektos (per l’etichetta Parco della Musica/Egea, 2008),
disco nato dall’incontro tra la sua vocalità ricca di sfumature e le note pianistiche dell’inglese Huw
Warren: è lo scambio di due menti creative, versatili, fantasiose e raffinate che hanno saputo tro-
varsi in un progetto volto a sperimentare le molteplici possibilità della voce insieme ad innovazio-
ni pianistiche.
La vita artistica di Maria Pia De Vito si scinde tra registrazioni, concerti ed insegnamento. La
dimensione della didattica rappresenta un momento di particolare rilievo, vitale e necessario. Per il
secondo anno consecutivo Maria Pia tiene presso il Saint Louis College of Music un Corso di
Perfezionamento di Canto Jazz con cadenza mensile, ogni incontro della durata di oltre sei ore,
seguito con altissimo interesse da allievi provenienti dalle regioni più diverse.
Così racconta la propria formazione.
Sono totalmente autodidatta, sul versante jazzistico. Anche se poi non si impara mai del tutto da
soli, quando si è insieme ad altri musicisti. Il pianoforte è stato il mio strumento guida, mi sono cir-
condata di libri e libri di piano e armonia; tutto ciò al fine di sviluppare la mia vena compositiva.
Napoli, la mia città, è un focolaio di talenti, lì non mancano mai, è stato un ambiente sempre molto
stimolante.
Il passaggio da Napoli a Roma avviene quando Maria Pia ha ventisei anni, e già possiede
un’esperienza di insegnamento.
Avevo ventun anni quando ho iniziato a insegnare tecnica di canto, risiedevo ancora a Napoli.
L’insegnamento del canto jazz
è arrivato dopo tre o quattro
anni. La didattica è stata per
me una fonte di lavoro e di
sostentamento vera e propria.
L’insegnamento mi garanti-
va da vivere e non solo, mi ha
dato la possibilità di fare le
scelte per ciò che amavo.
Dopo una lunga fase di inse-
gnamento del canto jazz,
ormai in pianta stabile a Roma, è arrivato un momento molto significativo: dal ‘90 ho iniziato a pren-
dere parte ai seminari del Nuoro Jazz Festival. Il seminario rappresenta la forma di insegnamento a
me più congeniale, entro un contesto importantissimo. Quei dieci giorni annui trascorsi con allievi e
altri musicisti danno vita ad uno scambio, ad un laboratorio creativo.
Questa è la mia vena di didatta, l’essere una motivatrice. Mi considero in primis una concertista,
e ciò che è per me importante trasmettere è un’esperienza, un metodo. Nessuno mi deve riprodurre,
nessuno mi deve somigliare. Non esiste una voce, ma «le» voci, non una personalità, ma «le» perso-
nalità… Certamente tutto si impara per imitazione, ma per trovare poi «le proprie cose». Ecco che
allora il mio diventa un lavoro di formazione dell’artista.
C’è stato anche un periodo di assenza dalla didattica; dal ‘95 ha poi smesso di insegnare pri-
vatamente, l’incremento dell’attività di concertista le ha imposto delle scelte. Credendo fer-
mamente nella necessità di continuità e di costanza per apprendere, ha deciso di lavorare con
allievi già indipendenti.
Accolgo con maggiore entusiasmo le richieste di livello avanzato. Cerco di far misurare gli allievi
con l’armonia, con la trascrizione degli assoli. Non creo le fondamenta, ma vado ad operare laddo-
ve c’è già un livello intuitivo, psicologico, emotivo. Una volta che si dà per scontato che ci siano A,
B, C e D, ossia il «cosa», si passa al «come».
Da tutto ciò io traggo un arricchimento pazzesco. Toccare con mano il talento dei miei studenti è
commovente: mi sento utile, ho davvero costruito qualcosa. Incontrarli a distanza di tempo e consta-
tare la loro crescita… Ciò che ho dato torna indietro decuplicato.

JUDY NIEMACK
AUDIOLEZIONI DA BERLINO
Quando hai capito che volevi fare della tua
voce il tuo lavoro?
All’età di 17 anni. Ho cominciato a studiare
con un insegnante della mia città, Pasadena,
California. Si chiamava Primo Lino Puccinelli,
era un cantante d’Opera giunto in America
dall’Italia durante la seconda guerra mondiale.
Lui mi ha insegnato il metodo del Belcanto.
Faceva anche del buon vino che ogni tanto mi
faceva assaggiare dopo la lezione. È stato un
insegnante favoloso.
So che una delle tue prime esibizioni interna-
zionali è stata quella del Pisa Jazz Festival…
Si, viaggiavo con un clarinettista free-jazz,
che in una sola prova è venuta fuori la versione
definitiva perfetta!
Come definiresti la tua voce in tre parole?
Bellezza, colore, espressione. Queste sono le
mie priorità.
Qual è il brano che avresti voluto scrivere?
The Cost of Living di Don Grolnick
C’è qualche artista con cui ti piacerebbe colla-
borare?
Si, ho intenzione di collaborare con Gil
Goldstein per il mio prossimo progetto a mi pia-
cerebbe inoltre lavorare con Til Brönner, Curtis
Steiger e Simone Zanchini.
Ti piace solo il jazz o ascolti anche altro? Nel
a cura di Valentina Giosa
vocalist eccezionali. Inoltre mi piace molto ascol-
tare Enrico Pieranunzi al piano.
Oltre ad essere una vocalist sei anche
un’ottima insegnante. Dove insegni attual-
mente?
Sono responsabile del corso di Vocal Jazz al
Jazz Institute di Berlino e al Musikene
Conservatory a San Sebastian, Spagna. Mi piace
molto lavorare con i cantanti e aiutarli a trovare
la propria strada.
So che da poco dai anche lezioni via internet…
Si, sul mio sito (www.judyniemack.com) è pos-
sibile prendere delle audiolezioni da me ad una
cifra molto limitata tramite ArtistShare, il sito

Ho avuto il piacere di incontrare Judy al

Jazz Institute di Berlino dove è responsa-
bile del corso di canto jazz. L’appuntamento era
previsto nella grande sala d’attesa di questo
punto di riferimento per i giovani e aspiranti
musicisti tedeschi. In sottofondo note di piano,
melodie di sax, una voce lontana che intona la
spensierata Beautiful Love. Ecco che arriva:
capelli rossi, sorriso smagliante e una bellezza
tipica delle vecchie attrici di Hollywood. Una
carriera luminosa e tante le soddisfazioni. Inizia
a girare l’Europa con il gruppo Pipedreams e da
quel momento non si è più fermata. Collabora
con David Byrne, George Benson, Lee Konitz,
Dave Brubeck, Cedar Walton, Kenny Werner,
Joe Lovano, Eddie Gomez, inciso nove dischi,
pubblicato metodi di canto.
Una voce che racchiude innocenza e universa-
lità. Attualmente Judy Niemack vive fra Berlino
e New York dove sta ultimando il suo nuovo
libro All Kinds of Blues: The Jazz/ Pop vocalist’s
guide to improvising e sta lavorando al suo
nuovo disco In the Sundance, album che si pre-
annuncia fresco ed estivo e che fra le cover con-
tiene anche il brano italiano Estate.
Com’è nata la tua passione per il jazz?
Sono arrivata al jazz dopo aver esplorato la
musica classica, il folk e il rock.
Perry Robinson, un chitarrista e un altro
vocalist. Il gruppo si chiamava Pipedreams. È
stata una meravigliosa esperienza, a tratti
surreale per me. Non capivo una sola parola
di italiano e mi sentivo come in un film... ma
ho trascorso delle giornate bellissime e la
gente era stupenda.
Hai collaborato con David Byrne, George
Benson, Lee Konitz, Eddie Gomez, tanto per
nominarne qualcuno. Qual’è stata
l’esperienza per te più memorabile?
Quando ho cantato con George Benson in
Finlandia al Pori Jazz Festival. Mentre stavo
eseguendo Moody’s Mood For Love, George è
spuntato all’improvviso sul palco suonando la
chitarra e cantando insieme a me. È stato molto
divertente.
E poi suonare con Eddie Gomez al basso è
sempre emozionante. È un vero maestro di into-
nazione, suono e groove. Durante una session
di registrazione di About Time (Sony Jazz),
Eddie si stava preparando per andare via ma il
taxi tardava trenta minuti. Allora mi ha chiesto:
«C’è qualcos’altro che vuoi fare?».
Mio marito, Jeanfrançois Prins, che ha pro-
dotto e suonato la chitarra del disco voleva pro-
vare un’altra canzone Time Remembered, che
Eddie aveva originariamente registrato con Bill
Evans. E Eddie: «Certo, proviamola!». Ed ecco
tuo disco Blue Nights c’è per esempio
un’emozionante versione di Blue di Joni
Mitchell e fra i tuoi riarrangiamenti compaio-
no anche brani di Stevie Wonder, Sting,
Beatles e Cindy Lauper…
Ascolto tantissimi tipi di musica, per esempio
cantanti e cantautori come Steely Dan, Bjork,
Paul Simon e Jacques Brel. Sono affascinata
inoltre dalla musica indiana.
Ho un progetto con una cantante classica
indiana di Mumbai, Sangeeta Bandyopadhyay e
sto inoltre scrivendo i testi di pezzi strumentali di
compositori classici.
Credi che sia cambiata la scena jazz negli ulti-
mi anni?
Certo. A causa di internet e della proliferazio-
ne delle scuole di jazz c’è una maggiore consa-
pevolezza della musica jazz. Perciò ci sono più
musicisti e più cantanti jazz. Ora abbiamo solo
bisogno di più pubblico!
Cosa pensi della scena jazz italiana?
Visto che vivo tra Berlino e New York e insegno
ogni due settimane in Spagna, non ho una gran-
de conoscenza della scena jazz italiana. Però ci
sono stata spesso e so che c’è una scena jazz
molto forte. Ho inoltre cantato con meravigliosi
musicisti come Claudio Fasoli, Dado Moroni e
Simone Zanchini. Maria Pia De Vito e Roberta
Gambarini sono molto diverse ma entrambe delle
creato da Maria Schneider. Ci sono lezioni di
improvvisazione e di fraseggio.
Hai scritto anche dei metodi…
Si, ho scritto due metodi: Hear It and Sing It!
Exploring Modal Jazz (Second Floor Music), un
book/cd molto utile per l’improvvisazione dove
gli allievi sono invitati a ripetere frasi e patterns
costruiti sui sette modi della scala maggiore.
Vocal Jazz Standards, (Hal Leonard) è stato rea-
lizzato lo scorso anno e riporta le melodie e i
solo di dieci fra gli standard jazz più conosciuti
che lo studente può imparare ad orecchio e con
la trascrizione.
A cosa stai lavorando ora?
Sto ultimando il mio nuovo libro All Kinds of
Blues: The Jazz/ Pop vocalist’s guide to improvi-
sing e mixando il mio prossimo cd, In the
Sundance, che ho registrato a New York lo scor-
so anno. Include anche una canzone italiana
resa famosa da Chet Baker, Estate e riarrangia-
menti di How About You?, Summertime e alcuni
brani originali.
Sono molto soddisfatta di questo cd. È ricco di
energia positiva ed è molto estivo!
Dove suonerai nei prossimi mesi? Verrai
anche in Italia?
Ho alcuni concerti in Germania, Spagna e
New York ma non in Italia. Mi piacerebbe davve-
ro venirci presto.
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:50 Pagina 4
PO PCK
pop&rock
a cura di CORINNA NICOLINI
a ltro che moda veloce. Il loro nome di bat-
tesimo sembra dare un tocco scaramanti-
co ad una longeva e seminale carriera: sono 29
anni che i Depeche Mode smuovono le masse.
Non farà eccezione la folla che si lascerà cattura-
re dalla quintessenza dell’electro-pop, per l’en-
nesima volta, il 16 giugno allo Stadio Olimpico
di Roma. Il tour si preannuncia lunghissimo,
anche se sono in agenda solo due show italiani.
Il loro Tour of Universe 2009, già dal titolo è un
viaggio, e sbarca prima in Europa, poi in
America del Nord e in quella del Sud. «Si chia-
ma Tour dell’Universo–ironizza David
Gahan–perché l’esercito americano ci ha assi-
curato che c’è vita su altri pianeti, e così noi
saremo i primi. Non vogliamo suonare in Paesi
dove c’è la guerra–aggiunge Fletcher–ma non
consideriamo Israele un Paese in guerra per-
manente e quindi vogliamo ritornarci».
Questa serie di show porterà sui palchi il
suono di Sounds Of The Universe e segna la
reunion tra i Depeche Mode e Ben Hillier, che
aveva già prodotto Playing The Angel, il loro
album del 2005.
Eclettico ed energico, il dodicesimo album
della band é stato registrato tra Santa Barbara e
New York, e arriva nei negozi di dischi ad apri-
le. Parlare di uno spirito di fondo vintage sem-
bra essere un paradosso. La band, seminale per
un’infinità di fermenti sonori, porta tra le pro-
prie note iniziali, avvertite nel 1980, un prima-
to: quello di aver stimolato e fecondato la
techno di Detroit, ovvero di essere stata, assie-
me ai Kraftwerk, la prima realtà musicale occi-
dentale ad aver ispirato un genere afroamerica-
no, divenuto tra l’altro la chiave di volta del
sound che fa vibrare il presente a suon di loop
da due decenni. Unici.
Tra l’altro Sounds of the universe continua a
percorrere le innovazioni d’equipe inaugurate
nell’assetto compositivo nel passato più recente.
È solo nel 2005, dopo 25 anni dal loro esordio
e 50 milioni di dischi venduti, che i Depeche
Mode al completo entrano in studio di registra-
zione e ne escono con il singolo Precious e con
l’album Playing The Angel.
E poi, una nuova particolarità: per la prima
volta Dave Gahan è coinvolto nella scrittura. E
anche questa volta Gahan firma alcune canzoni,
prendendo comunque le dovute distanze dai
meriti principali: «Quando sei in una band devi
sperimentare, mettere in gioco le tue idee, senza
preservarle. Martin ha fatto un lavoro incredi-
bile, aiutandomi anche a vestire le canzoni.
Non posso paragonarmi a lui, anche solo per la
quantità delle canzoni che scrive. Diciamo che
adesso mi sento come un giocatore che non è
razie a Che farò, nel 2005, la Differenza
G si è imposta tra le giovani band italiane
consacrando un successo radiofonico confer-
mato dalla loro presenza, per svariati mesi,
nelle classifiche dei singoli più venduti.
Dopo una significativa esperienza live
all’estero, eccoli tornati con un nuovo lavoro, in
uscita nei negozi a maggio. Fabio Falcone ci
parla di 3, e non solo.
BOB DYLAN Sapevo bene quando
DEPECHE MODE Altro che moda mi sono dedicato alla musica folk che LA DIFFERENZA Musica è la cosa
veloce: sono 29 anni di seminale carriera. si trattava di una cosa molto più seria più bella che un avvocato sa fare.
L’ESERCITO
AMERICANO
RASSICURA
CI SONO I DEPECHE MODE SU ALTRI PIANETI
più in tribuna, ma in panchina e può giocare 10
minuti a partita». Lui, del resto, pur essendo
arrivato più tardi degli altri all’interno del com-
plesso, gli ha fornito un'impronta decisiva. I
semi della lineup vengono, infatti, gettati a
Basildon, Essex, nel lontano 1976, quando il
tastierista Vince Clarke e Andrew Fletcher for-
mano i No Romance in China, duo che non dura
a lungo ma che sfocia, nel 1979, prima nei
French Look e poi nei Composition of Sound,
dei quali fa parte anche il chitarrista e tastierista
Martin Gore.
Il moniker definitivo viene assunto solo nel
1980, appunto quando Dave Gahan diventa il
cantante ufficiale della band; fino a quel
momento era stato Clarke a cantare, ma è con la
tonalità di Dave che la band assume una strut-
tura stabile. Speak And Spell, il disco di debut-
to, è subito un successo, ma la dipartita dell’ir-
requieto Clarke sembra minare la stabilità della
band. Ma Some Great Reward del 1984 con-
quista Usa e Europa.
Il termine contemporanei, per loro, sembra
essere riduttivo. Infilando in un lettore uno
qualsiasi dei loro album, e premendo il tasto
play, si avverte un’attitudine a non invecchiare.
Complice un certo, modaiolo, ritorno in auge
del sound anni 80, certo, ma anche la minuzio-
sa tendenza dei Depeche a sperimentare, ad
osare e ad avanzare a colpi di elettronica.
Sounds of the universe è un disco semplice,
almeno nella realizzazione. «Mentre Dave face-
va il suo secondo album solista, Martin scrive-
va canzoni», spiega Fletch. «ci siamo trovati
l’anno scorso, e abbiamo iniziato a registrare».
Le loro nuove ed ultime tracce incrociano
passato e presente. «È un album quasi vinta-
ge–chiarisce Martin–realizzato con strumenti
antichi come sintetizzatori di prima generazio-
ne, drum machine, chitarre e pedali che ho
acquistato su ebay e sono arrivati in studio
ogni giorno, nei mesi scorsi, in grandi pacchi».
La tendenza, però, è quella di rimarcare i propri
tratti somatici: «Qualsiasi cosa facciamo, per
quanto proviamo a mutare, suoniamo sempre
come noi stessi».
Del resto la loro tempra è forte, ha genera-
to un carattere che ha saputo riscrivere la storia
della musica mondiale e ha dominato le scene
e le nicchie degli ultimi 30 anni. «La voce di
Dave è inconfondibile, per esempio. Ma ci
piace pensare che suoniamo contemporanei,
che andiamo avanti».
Il resto è storia recente che accomuna più
generazioni. Pop ancora moderno e sempre di
gran moda.
Stefano Cuzzocrea
LA MUSICA CHE FA
LA DIFFERENZA
Il vostro nuovo cd: come
si pone rispetto agli altri,
c’è un senso di continui-
tà, di crescita, o è un
punto di arrivo?
Semmai siamo giunti a
un punto di «non ritorno»;
la nostra musica continua
ad evolversi insieme a noi.
Ci rappresenta, ci contiene
e ci sfugge. Il nuovo album
è ricco e variegato.
Energico nei brani veloci,
intenso nelle ballad, che
secondo me sono le più belle che abbiamo mai
scritto. Il sound, quello de La Differenza ma con
più chitarre elettriche e ritmiche serrate. La mia
voce, finalmente senza compromessi.
Quanto vi hanno contaminato le vostre
numerose esperienze all’estero?
L’estero ci ha resi liberi di suonare la musica
che volevamo. È stata una sorta di fuga per puri-
ficarci. Qui in Italia eravamo ingabbiati in una
GIUDA!
Le canzoni folk sono disperazione e trionfo
« Ho imparato più dalle canzoni che da
qualsiasi altra entità. Le canzoni sono il
mio lessico. Io credo nelle canzoni.
Sapevo bene, quando mi sono dedicato
alla musica folk, che si trattava di una cosa
molto più seria. Le canzoni folk sono colme di
disperazione, di tristezza, di trionfo, di fede nel
sovrannaturale, tutti sentimenti molto più pro-
fondi. [...] C’è più vita reale in una sola frase di
queste canzoni di quanta ce ne fosse in tutti i
temi del rock’n’roll. Io avevo bisogno di quella
musica.»
Menestrello, cantore, oracolo, profeta, tradito-
re, Bob Dylan regala (il 17 aprile) quel folk al
Palalottomatica. Più di
quarant’anni di carriera e un
continuo sfuggire alle defi-
nizioni e agli stereotipi,
quasi una costante contrad-
dizione delle infinite aspet-
tative legate indissolubil-
mente al suo nome.
L’America e gli anni
Sessanta. La riscoperta del
folk e del blues tradizionali
si iscrivono in un quadro
generale in cui tra le vie del
Greenwich Village si discu-
te del movimento per i dirit-
ti civili e nei locali ognuno
può salire sul palco e canta-
re con la propria chitarra.
Appassionato instancabi-
le di Woody Guthrie,
Robert Allen Zimmerman,
in arte Bob Dylan comincia a suonare nei club
della grande mela, poco meno che ventenne, con
chitarra e armonica; le armi di battaglia che lo
accompagneranno sin dal primo disco omonimo
(1962), passando per The Freewheelin’ (1963) e
The Times They are a-changing (1964) tra lan-
guide ballate folk, canzoni d’amore, di attualità,
ironia e talking blues surreali.
Partecipe, tra gli altri eventi, alla marcia su
Washington in cui Martin Luther King pronunciò
il suo famoso discorso «I have a dream», Dylan
e la sua musica sono spesso stati innalzati a
icone e simboli del movimento folk per i diritti
civili. Le pressioni dell’opinione pubblica
aumentano nel 1965, l’anno della svolta elettri-
ca con Bringing it all back home e il seguente
tour accompagnato per la prima volta da una
band al completo. Fan e soprattutto sostenitori
del movimento folk rimangono scandalizzati.
Emblematico quel concerto al Newport Folk
Festival dove Dylan, fischiato, lasciò il palco
"solo dopo" tre canzoni. Giuda! gli gridavano. Ma
il cammino dell’arte e delle sensazioni prosegue
a prescindere da tutto. Dylan percorre gli inter-
minabili chilometri di quella Highway 61 tra i
campi assolati che separano il Minnesota da
New Orleans, cullato dal caldo sound dei blues
del delta del Mississippi, per poi spostarsi a
Nashville e dare vita al capolavoro Blonde on
Blonde. Poi buio. Quell’incidente con la sua
motocicletta quasi gli costa la pelle ma gli offre
serie di limiti strutturali e secondo me anche cul-
turali che ci stavano distruggendo. In Europa e
poi in Thailandia ci siamo completati e siamo
venuti a contatto con musica totalmente diversa
dalla nostra che ci ha fatto crescere, questo già
da Un posto tranquillo ma con 3 ancora di più.
Alla domanda «che musica ti piace», in molti
rispondono: «tutta». Tu cosa ne pensi?
Anni fa avrei saputo rispondere a questa
domanda. In questo preciso momento no. Oggi il
tutto e il niente si accavallano e si intrecciano
rendendo pericolosa la fruizione moderna, tec-
nologica della musica. C’è troppa offerta, trop-
pa musica in circolazione, molta della quale sca-
dente.
Penso che la cosa migliore da fare sia tornare
ad affezionarsi a quei cinque album che ascolta-
vi quando eri adolescente e conoscevi a memo-
ria, persino nelle pause tra una traccia e l’altra.
La grande musica classica, Chopin,
Mozart, l’opera di Puccini: pensi che ci sia
una «sottile linea rossa» che la unisce con la
musica di oggi?
Music In  Primavera 2009
l’occasione di scappare dalle opprimenti pres-
sioni che lo ossessionavano, e scappa a rifugiar-
si in un periodo di isolamento lungo 18 mesi.
Nei successivi anni 70 dovette subire diverse
accuse e critiche, complice quel Self Portrait
tanto bistrattato e odiato dalla critica. Nel ‘73 si
torna on the road e le canzoni che man mano
prendono forma nel suo bloc notes rosso nei
ritagli di tempo, diventano Blood on the Tracks
(1975), considerato uno dei suoi migliori album
di sempre. Il tour con la incredibile Rolling
Thunder Revue, collettivo di artisti itineranti,
musicisti e non, tra cui Allen Ginsberg, è una
delle esperienze più profonde e significative vis-
sute da Dylan. La fine dei
Seventies significa rinascita
cristiana e si porta dietro,
oltre che un aspro dibattito
tra fans e critica, una serie di
album, Slow Train Coming
(1979) su tutti, in cui si fa
più forte il simbolismo reli-
gioso delle liriche ma senza
modificare il suo tempera-
mento iconoclasta.
L’andamento negli anni
80 è molto altalenante e pro-
babilmente l’unico bagliore
è rappresentato da Infields
(1983). D’obbligo per uno
come lui è la partecipazione
al progetto di We are the
world con conseguente Live
Aid e nel 1988 inizia quello
che ancora oggi è il suo
«Neverending Tour».
Quando entra nella Rock ‘n Roll Hall of
Fame, Bruce Springsteen afferma: «Suonava
come qualcuno che avesse aperto a calci la
porta della tua mente. [...] Sapevo di star ascol-
tando la voce più forte che avessi mai sentito.»
Me è solo l’inizio di una sfilza interminabile di
riconoscimenti internazionali, grammy e lauree
ad honorem che lo vedono protagonista per tutti
gli anni 90 e il nuovo millennio e che culmine-
ranno con l’Oscar per Things Have Changed,
nel film Wonder Boys fino al 2006 e al grande
successo dell’ultimo Modern Times.
Con 40 anni di carriera alle spalle e collabora-
zioni con i più grandi della musica di tutti i
tempi (Tom Petty, Joan Baez, George Harrison,
Johnny Cash, Eric Clapton, Neil Young, Van
Morrison solo per fare qualche nome), cantauto-
re ma anche scrittore, pittore, attore e condutto-
re radiofonico, Bob Dylan è sicuramente tra le
figure artistiche più importanti e significative di
tutti i tempi. Parole e melodie di brani quali
Blowing in the Wind, Knockin on Heaven’s
Door, Like a Rolling Stone, Mr. Tambourine
Man, Just like a Woman sono scritte indelebil-
mente nei cuori di nuove e vecchie generazioni
e continueranno ad accompagnarci, trasportate
dal soffio del vento, per le strade che ognuno di
noi dovrà percorrere prima di poter bussare alle
porte del paradiso.
Gianluca Gentile
a cura di Chiara Grimaldi
C’è un collegamento, per forza! Basta ascolta-
re le grandi opere di artisti come Bach o Mozart
per scoprire che gran parte della musica moder-
na proviene da lì. In un’opera di Bach ci trovi
una decina di canzoni pop, è incredibile. Ogni
buon musicista dovrebbe studiare questi artisti
immortali per completarsi.
Sei un avvocato: l’amore per la musica e
l’amore per il diritto. Ti va di parlarcene?
Con gli anni mi sono accorto che se non faces-
si l’avvocato, probabilmente, avrei smesso anche
di fare musica. Il cosiddetto «lavoro serio» mi ha
salvato, mi ha reso libero e più consapevole
dello spazio e del tempo intorno a me.
Oggi è difficilissimo vivere di sola musica,
cosa che magari qualche anno fa era ancora
possibile. E poi, da quando gestisco tutta la con-
trattualistica de La Differenza, le cose girano
meglio.
Fabio, che farai da domani?
Comincio a scrivere le canzoni per il nuovo
album… è ancora la cosa più bella che so fare.
RIVISTA primaveraNEW:Layout 1 24-04-2009 18:00 Pagina 5

Music In
Primavera 2009

VINICIO CAPOSSELA La terra si spezza in due in

POpop&rock
PCK
Irpinia, strade chiassose, un terremoto e molto randagismo LENNY KRAVITZ Dopo
musicale. Il risultato? Una specie di abbuffata secolare GIORGIA Scioccamente in tour tutto questo rock, altro rock

AFFITTATE GIULIETTA
IL SALONE E LENNY
PER LE FESTE Torna il Romeo blu coi suoi vent’anni
Venite, venite! Vestitevi eleganti, mettete abiti da sera, lucidate bottoni e mostrine! di carriera sulle spalle. Vent’anni in cui,
a partire dal 1989 e da quel Let Love
Rule, Lenny Kravitz ha dimostrato

R
trombe,
ullino i tambu-
ri, squillino le
venghino
maginazione e dell’esistenza.
«I suoni fanno da sfondo al mio mondo immaginario. Un mondo pieno
di guai, affollato di guitti stralunati, strade chiassose e vecchie macchi-
cosa voglia dire suonare rock contami-
nato dalla black music ed essere tra i
migliori a farlo.
signori, venghino! ne». Sentimento, poesia, humor, attitudine teatrale. Vent’anni e 9 album, una serie infini-
Ecco Vinicio Quello di Capossela è un randagismo musicale che si nutre di visioni e ta di grammy vinti per i suoi singoli di
Capossela al Teatro personaggi surreali. grande successo e la stima a livello
Sistina, un mago e il Tra i blues deliranti alla Tom Waits e il mood jazzistico intriso di popo- internazionale da parte di critica e arti-
suo circo errante sulla larità alla Paolo Conte, tra divertissment esotico e riscoperta delle proprie sti. Quegli stessi artisti coi quali ha
vita e la sua magia. radici popolari antiche, tra le mille suggestioni letterarie e teatrali, tra avviato sempre interessanti collabora-
Un lungo viaggio che Geofrey Chaucer, John Fante, Celine, Wilde e Brecht, Capossela, coi suoi zioni come mucisista, produttore e
Vinicio comincia in nove album all’attivo, i tre premi «Luigi Tenco» ed il libro Non si muore compositore e che rispondono ai nomi
Germania 44 anni fa, tutte le mattine (2004) è tra i cantautori italiani più originali ed estrover- di Guns ‘n Roses, Michael Jackson,
passando per l’Italia, si di sempre. Puff Diddy, Jay Z, N.E.R.D., Lennon,
l’Irpinia, sua terra La sua carriera inizia nel segno dell’incontro emozionante con un certo Aerosmith, Alicia Keys e soprattutto
d’origine - qualcosa Francesco Guccini con quel All’una e trentacinque circa nel 1990. Madonna. La signora Ciccone gli apre
che oggi più che ieri Passando per le atmosfere pittoriche di Modì (1991), la canzone popo- le porte del successo nel 1990 cove-
fa pensare a un terre- lare italiana e mediterranea de Il ballo di San Vito (1996), le splendide, rizzando la sua Justify My Love stando-
moto - per approdare affascinanti e immaginarie Canzoni a Manovella (2000) e le grandi col- gli vicino proprio nel periodo in cui
nel nuovo mondo, tra laborazioni con il chitarrista Marc Ribot (che ha collaborato spesso con stava divorziando dalla moglie Lisa
le sconfinate strade di Tom Waits) e i desertici Calexico, l’istrionico cantautore italiano torna Bonet.
New York, e tornare con nuovo album.
in Italia. Da Solo è un lavoro più intimo ed interiore pur senza tralasciare il suo
Viaggio infinito e costante e tipico sincretismo di stili. E allora, «Venite!, Venite! Affittate il
interminabile che si salone per le feste, vestitevi eleganti, mettete i vostri abiti da sera, luci-
porta dietro come simbolici souvenir i suoni, le atmosfere, le culture, date i bottoni e le mostrine, perché l’orchestra ce l’abbiamo messa noi,
sapori perduti e suggestioni aliene. Le contaminazioni tra canzone italia- ed è a vostra disposizione. Una specie di abbuffata secolare, questo è in
na, mambo, swing, jazz, tango, twist, marce e ballate, filastrocche, polke, definitiva il risultato».
ninnananne e gli incredibili strumenti magici e sognanti, al limite dell’im- Gianluca Gentile

CON TUTTO QUEL CHE GIORGIA HA DA FARE

Tra dire e fare tra terra e mare / tra tutto quello che avrei da dire sto qua a parlare d’amore
tra dire e fare tra bene e male / con tutto quello che avrei da fare sto qua

«Q uando guardo il cielo, cerco te/

Distrattamente guardo il cielo e
cerco te/E scioccamente mi solle-
Un poderoso Greatest hits, speciale cofanetto
che conterrà oltre ai tre cd, un dvd con 19
videoclip di Giorgia e alcune chicche televisi-
vo/su con te, su con te, su con te…». Saranno in ve: dal debutto sul palco di Sanremo nel 1994 al
tanti a cantarla, aggrappati con gli occhi e le live di Capodanno.
orecchie all’eleganza delle movenze e alle Più di 40 canzoni, completamente riarrangia- Polistrumentista e grande appassio-
magie vocali di Giorgia. te e reinterpretate, in cui ogni disco è stato pen- nato di funk, soul, black music, ma
Il 15 aprile al Palalottomatica di Roma e il 17 sato come un viaggio tra ricordi, foto, amici e anche di jazz, pop, reggae, elettronica,
al Dutchforum di Milano, le prime due date che voglia di raccontarsi: un primo cd («Per riab- Lenny Kravitz è diventato negli anni
aprono ufficialmente lo ‘Spirito libero tour’, bracciarsi») più intimista, un secondo più rit- uno degli artisti più eclettici attualmen-
nato dall’ultima tripla raccolta della cantante mato («Per liberarsi») e un terzo per ripropor- te esistenti. Ma è sul palco che si sca-
romana: «Spirito libero, viaggi di voce 1992- re i live e alcune tra le più belle collaborazioni tena tutta la sua energia devastante.
2008» (Sony BMG). dell’artista («Per ®incontrarsi») con Ronan Forte del successo mondiale di Time
Più di quindici anni di canzoni, successi, per- Keating, Pino Daniele, Herbie Hancock e Mina. For a Love Revolution (2008), misto
formance live, video e videclip con l’aggiunta Un assaggio, insomma, di quello che i più viscerale di rock classico anni 60 e
di 4 inediti, tra cui il singolo «Per fare a meno fortunati potranno godere a Roma il prossimo 70, Kravitz ha posticipato il tour causa
di te», già doppio disco di platino che ha antici- aprile, mentre per tutti gli altri non resterà che ricovero in ospedale per problemi di
pato l’uscita del tris di cd. La canzone, che i più attendere le numerose date che porteranno salute. Ma si è rimesso e il 5 giugno
maligni hanno subito additato come scopiazza- Giorgia in giro per l’Italia: 10/05 Bologna, sarà a Roma a riempire di rock il
tura della bellissima «Philadelphia» di Neil 13/05 Genova, 15/05 Torino, 16/05 Firenze, Palalottomatica.
Young, è stata scritta da Giorgia con la collabo- 18/05 Ancona, 19/05 Napoli, 21/05 Barletta,
razione di Fabrizio Campelli e ha fatto parte 23/05 Catania. Gianluca Gentile
della colonna sonora per il film di Luca Lucini
«Solo un padre» (2008). Flavio Fabbri
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:50 Pagina 6
ALTER
NATIVE
a cura di VALENTINA GIOSA
CRISTINA DONÀ: NIDO DI EMOZIONI
i nizia a lavorare come scenografa ese-
guendo importanti opere (fra cui quelle
per la Scala di Milano) e ricevendo grandi sod-
disfazioni professionali. Il suo crescente amore
per la musica e in particolare per le canzoni di
Bruce Springsteen la portano in breve tempo ad
imbracciare la chitarra e salire sul palco dando
vita ad ipnotiche esibizioni. La sua prima pro-
duzione, Tregua, risale al 1997 per conto del-
l’etichetta indipendente Mescal.
Dopo gli acclamatissimi Nido (1999) e Dove
sei tu (2003), il 2007 segna l’approdo ad una
major, la EMI, con cui incide La Quinta
Stagione. Piccola Faccia (2008) è il suo ultimo
lavoro, intimo ed acustico e in assoluto uno dei
suoi dischi più ispirati. Tanti i riconoscimenti
ed attestazioni di stima da parte di critica e pub-
blico anche a livello internazionale, e numerose
le collaborazioni fra cui Manuel Agnelli
(Afterhours), Mauro Pagani, Morgan, Robert
Wyatt, Davey Ray Moor e Peter Walsh, il pro-
duttore dei suoi due ultimi lavori.
Music In ha avuto il piacere di scambiare due
chiacchiere con una delle artiste femminili più
affascinanti del panorama italiano, che a breve
sarà anche mamma.
Prima di diventare una musicista, hai dedi-
cato molti anni all’arte, al teatro, la sceno-
grafia e i videoclip. Per Springsteen è stato
l’attacco della canzone Like a Rolling Stone
di Bob Dylan, per te quale è stata la molla
che ti ha portato a scrivere canzoni?
In realtà secondo me lui ha avuto le idee molto
più chiare delle mie fin da subito. Non a caso ha
iniziato molto prima di me. Per quanto mi
riguarda, nonostante avvertissi fin da piccola
un’attrazione fortissima verso la musica ho indi-
rizzato i miei studi verso il liceo artistico e l’ac-
cademia di scenografia ricevendo anche grandi
soddisfazioni professionali. Sotto sotto però,
ardeva sempre quella fiamma per la musica che
ho alimentato solo come ascoltatrice per tantis-
simi anni. Poi ho avuto la fortuna di incontrare
I LOVE THE
BLOODY
BEETROOTS
Alcuni loro pezzi si trovano in CSI Miami,
amano punk, colonne sonore e cartoni animati
ma sulla Luna porterebbero Fred Buscaglione
on è certo la prima volta che un gruppo italiano viene notato all’estero molto prima che a casa propria. È successo anche ai The Bloody Beetroots,
N oramai fenomeno di fama mondiale in continua e veloce ascesa (basta guardare la lista interminabile di date del loro ultimo tour) tanto da poter
essere considerati uno dei gruppi rivelazione degli ultimi anni.
Originari di Bassano del Grappa (vicino Venezia), Bob Rifo e Tommy Tea danno vita al progetto nel 2007 e dopo pochissimo tempo divengono il
fenomeno più chiacchierato e scaricato del web. Etienne De Crecy e Alex Gopher (Solid, V2France) li «arruolano» subito come remixer ufficiali e
poco dopo iniziano anche le collaborazioni con Martin Solveig, Crookers, South Central, Rinocerose, The Whip, The Toxic Avenger e AudioPorno,
tanto per citarne qualcuna. Un concentrato esplosivo di Electro, Punk e Tropical che rimanda tanto ai Misfits quanto ai Daft Punk e dove estro e linea-
rità sembrano trovare un equilibrio perfetto ed estremamente attuale. Rombo Ep è il titolo del loro recente album uscito per la Dim Mak Records (casa
produttrice anche di Steve Aoki e Mstrkrft) che il «duo mascherato» sta portando in giro per il mondo registrando continuamente il sold out.
La band sarà a Roma in occasione di Deepsession il 6 maggio al Brancaleone (Via Levanna, 11).
CRISTINADONÀ L’inter- BLOODY BEETROOTS Sono pepe-
vista La sua Rolling Stone è roni o barbabietole, comunque sanguina-
stata suo marito ri. Salvo voler tradurre «bloody» con...
personaggi importanti all’interno dell’ambiente
e fondamentale è stato l’incontro con Davide
Sapienza, oggi mio marito che all’epoca - ti
parlo dell’86 - lavorava per Fire una rivista nata
come primo fans club degli U2 (tra parentesi il
nuovo disco nuovo degli U2 è strepitoso). È stato
Davide la mia «Like a Rolling Stone». Un gior-
no mi ha detto: «Ma tu non puoi non fare la can-
tante», e così è stato.
1997-2009. Sono passati dodici anni da
Tregua. Cosa è cambiato in te in questi anni?
Penso di aver acquisito una maggiore maturi-
tà, sebbene a scapito della perdita dell’istinto
degli esordi. Quando ho iniziato, mi sembrava
bello solo ciò che fosse difficile ed ostico. Poi,
con il passare del tempo, ho approfondito la mia
conoscenza musicale ed imparato ad apprezzare
altre realtà che solo apparentemente potevano
sembrare più semplici, come le canzoni dei
Beatles e quelle di Lucio Battisti. Non mi ritengo
ancora una artista completa: ho studiato canto,
ho preso lezioni di chitarra, ogni tanto faccio le
mie escursioni sul pentagramma ma faccio
ancora troppa fatica.
Nel 2007 con il disco La quinta stagione sei
passata ad una major come la EMI. Com’è
andata?
Trovo che sia stato un passaggio molto positi-
vo. La Mescal, in precedenza, ha fatto degli
autentici miracoli per promuovere me ed altri
artisti del calibro di Afterhours e Massimo
Volume. Una major però, ti apre delle porte che
una label indipendente fa fatica ad aprire.
Come nasce una tua canzone?
Ai tempi di Tregua partivo sempre dalle paro-
le perché mi piaceva pensarmi come una cantau-
trice che avesse testi particolari. Adesso mi capi-
ta spesso di cominciare anche prima con l’ idea
melodica.
Qual’è la canzone a cui sei più affezionata?
Ce ne sono diverse canzoni di cui mi sento orgo-
gliosa: Dove sei tu (prodotta da Davey Ray
Moor, leader del gruppo inglese dei Cousteau),
Universo e Goccia (scritta con Robert Wyatt)
molto amata questa anche dal mio pubblico.
E la cover che senti più tua?
Premetto che decido di fare una cover solo
quando penso di poter dare qualcosa di mio. Mi
sto affezionando sempre di più a quella di
Labbra blu di Federico Fiumani, un «must» dei
miei ascolti giovanili. Tra l’altro la canzone è
suonata e prodotta interamente da me.
Quali voci femminili ti hanno emozionata?
La prima è Ginevra di Marco. Anche Sinead
O’ Connor mi ha influenzata moltissimo: Old
England è stata la mia prima cover dal vivo. La
canzone L’aridità dell’aria è ispirata ad un suo
brano intitolato Just Like You Said It Would Be.
Hai riscosso moltissimi riconoscimenti a
livello internazionale ed attestati di stima da
artisti di primo piano (primo fra tutti Robert
Wyatt). Quanto è difficile per un’artista ita-
liana ritagliarsi uno spazio a livello interna-
zionale?
Ci sono tanti fattori che rendono difficile il
percorso di un artista italiano alternativo per-
ché, se si parla di persone del target di Eros
Ramazzotti e di Laura Pausini, il problema non
Music In  Primavera 2009
NANNUCCI Chiude il più antico rivenditore di
dischi per corrispondenza, sogno rocker della pro-
vincia italiana rimpolpata a colpi di vinili introvabili
a cura di Eugenio Vicedomini
ALTA
FEDELTÀ
si pone. Però se tu fai qualcosa di meno «nazio-
nal popolare» e vuoi uscire fuori, è piuttosto dif-
ficile. Spesso sono le stesse major che, come nel
NANNUCCI
mio caso, focalizzano le loro strategie commer- La notizia, recapitata fredda come un
ciali esclusivamente sul mercato italiano. lancio di agenzia, non gli rende davvero
Per un artista italiano la vita è più dura in onore: «Chiude ad aprile Nannucci, il più
quanto si trova ad operare, da una parte, all’in- antico venditore
terno di una crisi che non è solo quella discogra- di dischi per cor-
fica e, dall’altra, in una dimensione prettamente rispondenza in
domestica con un mercato di sbocco per forza di Italia. Dopo anni
cose più ridotto. di lento calo del
La lingua può essere una barriera culturale fatturato per
in questo senso? cause facilmente
Sicuramente. Tanto è vero che quando uscì il intuibili legate alla
mio terzo disco con l’etichetta indipendente crisi del mercato
Mescal, la Ryco, pur esprimendo attestati di del disco, la deci-
stima, decise subito di farne una versione in lin- sione di chiudere.
gua inglese per il mercato internazionale. È stato firmato
Come vivi la dimensione live? l’accordo di mobi-
Il live per me è un momento molto importante lità con i 9 dipen-
con cui sento un legame imprescindibile. Bruce denti». Perché
Springsteen in questo senso è il mio punto di rife- Nannucci era
rimento. Quando suono dal vivo mi piace far qualcosa di molto
uscire quella parte di me che magari all’interno di più. Nato nel
delle canzoni non si sente o si sente meno. ‘36 come nego-
Ritengo che ogni concerto abbia una sua iden- zio di elettrodo-
tità. Il pubblico crea l’atmosfera che di volta in mestici, si era poi
volta cerco di assecondare. Mi piace pensare che convertito in toto
una persona che viene a vedere più volte un con- alla musica, con
certo possa vivere, ogni volta, delle emozioni una politica di
diverse. distribuzione
Hai partecipato lo scorso 15 marzo a capillare di dischi
Generazione X in qualità di madrina della di importazione a basso costo.
Marcosbanda. Cosa pensi di manifestazioni Nannucci diventò allora un’eco, un sapo-
di questo genere? re, alimentando nei foschi e gloriosi anni
Sicuramente esse sono importanti per tutti i 70 e 80 il sogno rocker della provincia
talenti emergenti che vogliono farsi conoscere. italiana, rimpolpata a colpi di vinili intro-
Ma - come dice anche il mio amico Morgan - vabili alle nostre latitudini, quando l’uni-
bisognerebbe lavorare su quella che è la forma- ca navigazione possibile non era quella
zione scolastica dei ragazzi e magari spiegar algida del download, ma quella fisica e
loro che prima dei Tokyo Hotel c’erano i Led contrabbandistica tra le copertine dei
Zeppelin. dischi, all’uscita dalle scuole, o nei neb-
C’è qualche artista contemporaneo che ti è biosi pomeriggi d’inverno.
piaciuto particolarmente fra i tuoi ultimi Quando l’arrivo a casa del disco ago-
ascolti? gnato, rigorosamente segnato all’ango-
In Italia i Baustelle e Beatrice Antolini. Per lo da punzonatura postale era precedu-
quanto riguarda l’estero, mi sono innamorata di to da ferventi attese messianiche. E con
Joan as Police Woman. Mi piace molto anche i pochi spiccioli racimolati si partiva alla
My Brighest Diamond, con cui ho avuto il piace- volta della storica sede di Via Oberdan 7
re di condividere il palco quest’estate. di Bologna, in una sorta di muto pellegri-
Quante opportunità per gli artisti e bands naggio. Era il mondo prima dell’avvento,
alternativi vedi derivare dalla rete (come il mondo pre-digitale.
MySpace per esempio)? Oggi un manipolo di aficionados si è
Penso che sia una strada importante che attivato su facebook nel comitato «Quelli
potrebbe portare maggiori possibilità per tutti che non vogliono chiudere Nannucci».
quegli artisti che vivono una realtà discografica Cose, direbbe Nick Hornby, «da Alta
indipendente e aumentare la possibilità di svi- Fedeltà».
luppare contatti con etichette straniere e con Lorenzo Bertini
locali. Conosco molta gente che ci riesce ma con
grande fatica. Si va all’estero, se va bene a rim-
borso spese e spesso ci si rimette del proprio.
Hai già idee per un nuovo disco?
Sto già lavorando alle nuove canzoni per un
TECHNO
disco in uscita a giugno 2010. In realtà c’è un
evento che ha una priorità assoluta sia come
BERLINO
tempistiche che come importanza che sarà la
nascita di mio figlio fra qualche mese: evento Lost and Sound
straordinario che mi rende immensamente felice.
Giornalista, dj, critico musicale ed estremo
conoscitore della scena musicale tedesca,
Tobias Rapp è music editor per Die
Tageszeitung e collabora regolarmente con la
Deutschland Radio oltre che scrivere per
numerosi magazine come Spex, Groove,
De:Bug, Spiegel. Lost and Sound. Berlin,
Techno und der Easyjetset, edito dalla casa
editrice Suhrkamp Taschenbuch, è la sua ulti-
ma pubblicazione.
Un accurato ritrat-
to dell’affascinan-
te, estrema e
influente cultura
Techno berlinese
(che non è mai
stata così concen-
trata in un unico
luogo) con tutti i
suoi potagonisti: i
dj, le discoteche, i
produttori e il feno-
meno dell’easyjet-
set. «Ogni fine set-
timana arrivano a
Berlino giovani da
tutta Europa con
voli low cost e ci restano fino a quando l’ultimo
after hour si fonde nel weekend successivo»,
dice l’autore. Il libro è disponibile al momento
solo in lingua originale.
Valentina Giosa Valentina Giosa
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:50 Pagina 7

Music In  Primavera 2009 ALTER

NATIVE
RECENSIONE Is Tiny Dancer Really Elton’s Little John? La domanda sulle parruc- COMMAND CLIENT Volete il
che, ma anche che voti avesse Mick Jagger alla London School of Economics. Risponde vostro sogno erotico latino materia-
un curioso, Gavin Edwards, che è andato alla ricerca del capello (è il caso di dire). lizzato dal vivo?

DO YOU WANT COMMAND CLIENT

TO KNOW V olete il vostro sogno erotico latino materia-
lizzato dal vivo? Bene, prendete queste tre
algide bellezze d’oltremanica, fasciatele in abiti
del 2003, è stata la prima produzione della
Toast Hawaii, la label di Andrew Fletcher), più
svariate collaborazioni, dalla coppia Doherty-

A SECRET? da hostess scandinave, adagiatele sul palco. Ma

attenzione, maneggiare con cura, non aspettate-
vi candore o dolcezza, perché lo spettacolo ha il
Barat (i fratellini dispersi dei Libertines), a
Martin Gore fino a Tim Burgess dei Charlatans,
le Client approdano al loro quarto album,
lucore lucido e opaco del latex. Estetica da regi- Command, uscito a marzo per la Out of Line
«1. His lack of compositional abilities aside, me sovietico, tappezzerie sonore acuminate e Records, affidandosi alla produzione di Joe
is Ringo Starr generally considered as a drummer: sottili come strisce di neon, vibrazioni da Wilson (già Sneaker Pimps) e Youth (tra gli
A. A very talented instrumentalist whose abilities are/ nightclubbing berlinesi, o, come da auto-defini- altri, collaborazione con Sir Paul McCartney).
were underestimated? B. A not-bad musician elevated by zione, «un mix di Il risultato è elettropop
his good fortune in winding up a Beatle? C. A pretty lame pastiglie, sesso e pro- elegante e acido, fedele
musician by comparison not just to his bandmates but stituzione», questo il alla linea Client. Si
to most of his contemporaries in successful rock bands? manifesto programma- parte con la corrosiva
I have thought both B and C at various points, but heard tico delle Client, Your love is like petrol,
(possibly fulsome/insincere) testimony to A. Help me out!» «commando» gla- per poi scivolare sui
(Gavin Edwards) mour-futurista al fem- battiti di Can you feel,
minile (Kate Holmes nuovo singolo da dan-
ualcuno si è mai chiesto se Mick Jagger a parte Elton John che si è fatto una bella risata aka Client a ai synth, cefloor. Atmosfere in
Q abbia preso buoni voti alla London
School of Economics? Oppure sapete se Bob
quando il pubblico si è reso conto che i suoi
capelli non erano veri, che cercano di nasconde-
Sarah Blackwood aka
Client b alla voce, la
puro stile Pet Shop
Boys in Lullaby, men-
Dylan ha davvero avuto un incidente con la sua re la loro età e apparire ancora «giovincelli» e top-model e dj Emily tre con Blackheart si
moto o se stava solo «coprendo» qualcosa? E vigorosi. E addirittura Edwards sostiene che Mann, aka Client e, al fila dritto nel cuore
cosa rappresentano quei simboli sulla copertina questa particolare vanità è una caratteristica basso, più all’occor- della notte, seduti su
di Led Zeppelin IV? E ancora Robert Johnson tipica dei cantanti e dei chitarristi; i membri renza altre performer comodi sedili vinilitici.
ha poi venduto la sua anima al diavolo? della sezione ritmica sembrerebbero invece più rigorosamente recluta- Satisfaction è la traccia
Tutto ciò e tante altre risposte a domande che aperti e inclini a lasciare che la natura prenda il te sotto l’identità più suggestiva e spet-
forse mai vi sareste fatti potete trovarlo in Is proprio corso. Lo spunto per questo divertente «client») in orbita trale, con recitativo e
Tiny Dancer Really Elton’s Little John?: capitolo, da cui è nata poi questa insolita e spas- ormai da un decennio e backvocals smozzati in
Music’s Most Enduring Mysteries, Myths, and sionata storia del rock, è nato dall’incontro del- di passaggio al Circolo sottofondo. In tutto
Rumors Revealed, il nuovo libro di Gavin l’autore con David Bowie. Mentre il duca bian- degli Artisti a Roma dodici pezzi lineari e
Edwards. «Durante gli anni in cui ho lavorato a co si trovava in tour con Moby, Edwards lo ha l’8 maggio. Con alte compatti. Da mandare
questo capitolo [NdR capitolo 15] che poi mi ha raggiunto al Jones Beach Theater, a pochi chi- referenze alle spalle, giù lisci come vodka
dato lo spunto per il mio nuovo libro, c’erano lometri da New York City, per intervistarlo e alla voce Kraftwerk, orange.
alcune domande a cui non trovavo risposta – dopo che Bowie gli aveva già offerto tanto New Order, Ladytron e
dice Edwards -. Alcune erano banali, altre trop- materiale e curiosità riguardo a Moby e Busta Depeche Mode (Client, Lorenzo Bertini
po specifiche e alcune sembravano fuori dalla Rhymes ecco balzar fuori l’ ossessione «antica»
mia portata. E non riuscivo a capacitarmi di non di Edwards: la domanda sulle parrucche.
essere in grado di placare la mia sete di curiosi- «Ma perché vuoi saperlo?» pare sia stata la
tà e scoprire finalmente: quali rockstar indossa- risposta di Bowie. «Gli ho esposto la mia nobi-
no la parrucca?». le volontà di sapere – dice Edward –. Lui è
La domanda secondo lo scrittore americano, scoppiato a ridere, ha riflettuto. «Oh – ha detto
giornalista di Rolling Stones, Details, Wired, – ovviamente morendo dalla voglia di spettego-
Spin, New York, GQ, nonché già autore di un lare – non dovrei». Pare che la «questione par-
altro avvincente libro ‘Scuse Me While I Kiss rucca» abbia dovuto attendere un altro giorno
This Guy and Other Mishead Lyrics, ha una fin quando poi Bowie si sia finalmente deciso a
bellezza elementare: sono così tante le rockstar parlare. E da quel giorno ecco l’idea di un libro,
che vanno ormai per i sessanta che senza alcun un tesoro di piccole e incredibili chicche e
dubbio ci deve essere qualcuno la cui folta cri- risposte a tanti e immortali misteri del rock.
niera dei bei tempi andati deve averlo già
abbandonato da molto! Così come ci sono tanti, Valentina Giosa

POCO PIÙ
DI UNA RAGAZZINA
Sono uscite fuori resta impressa nella memoria e quasi non si
tante one-woman direbbe che a cantare sia poco più di una ragaz-
show negli ultimi zina. Solo un pianoforte e un laptop accompa-
tempi, ma non si può gnano la musicista austriaca in una conturbante
non restare colpiti da e teatrale ode alla Notte.
Anja Plaschg, crea- Anja Plaschg si era già fatta notare nel 2006,
tura decadente in all’età di soli sedici anni, con Mr. Gaunt Pt
arte Soap & Skin. Un 1000, brano inserito nella compilation
universo misterioso, Shitkatapult Empfiehlt!, insieme ad artisti fra
inquietante e fragile. cui Apparat e Fenin. Dopo un ep composto da
Un dipinto espressionista, un’essenza introspet- quattro brani ecco finalmente arrivare il suo
tiva e a tratti ultraterrena tanto da richiamare primo disco, Lovetune for Vacuum (Pias, 2009),
Dead Can Dance, Sinead O’Connor e Cat un racconto mistico dove la parola d’ordine non
Power, Shannon Wright e Bat for Lashes allo può che essere: malinconia.
stesso tempo. Una voce che fra sussurri e urla Valentina Giosa

TUTTE LE EMOZIONI DEL PIANETA

La voce eterea e sognante
di Antony Hegarthy
contrapponendo efficacemente la vita e la
morte in un’unica immagine.
torna a regalarci impalpabi- «Il mio nuovo album The Crying Light è
li dipinti sonori con l’ulti- dedicato al grande ballerino Kazuo Ohno -
mo lavoro, The Crying dice Antony - lo vidi in uno spettacolo get-
Light. Sulla copertina: il tare un cerchio di luce sul palco, entrarci
volto di Kazuo Ohno, dentro, e svelare i sogni e i desideri del suo
attore e co-fondatore del- cuore. Erano i suoi occhi a danzare ema-
l’arte Butoh del 1977 nando mistero e creatività; in ogni gesto
da uno scatto di incarnava la bellezza femminile e il bambino.
Naoya Ikegami a È come se la mia arte fosse stata generata da
Tokio. Un volto quel momento».
intenso quello Un nuovo disco dall’ estetica impeccabile,
di Ohno, una così come da copione per il dandy neworkese,
posa reclinata, seguito da un nuovo tour, ha portato Antony
un mood goti- and the Johnson a Roma in una sensibilità
co-espressio- antica e «ultraterrena», in una voce che -
nista che come ha ammesso anche Diamanda Galas
riecheggia - riesce a racchiudere «tutte le emozioni
sensazioni del pianeta».
che vanno
dalla culla Valentina Giosa
alla tomba,
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:50 Pagina 8
MUSICALL
a cura di ROMINA CIUFFA
ROCKOPERA
L o Rockopera
introduce il direttore Simone Giusti:
è un progetto nato nel 1998.
Si tratta di una struttura che opera nell’ambito
artistico sotto vari profili: produzione, organiz-
zazione di eventi e formazione. Al centro di ogni
attività c’è la musica, che ovviamente è sempre
dal vivo. Questo perché noi non conosciamo
altro tipo di esecuzione.
Se il musical sgocciola e lo si trova - quello di
qualità - per puro caso, c’è un progetto, quello
di Rockopera, che unisce un gruppo di giovani
da ben 10 anni e li fa credere in una sorta di
«resurrezione». Proprio come quella pasquale -
e non sarà un caso che tra i più grandi successi
di questi artisti ci sia proprio Jesus Christ
Superstar.
Il primo spettacolo prodotto è stato proprio
Jesus Christ Superstar che abbiamo portato in
scena fino al 2001. Sono seguiti altri progetti
fino al 2002, anno in cui abbiamo realizzato la
prima produzione italiana di Joseph and the
amazing technicolor dreamcoat di A.L. Webber
e T. Rice. Lo spettacolo vedeva la partecipazio-
ne di Antonello Angiolillo e
Rossana Casale, per la regia
di Claudio Insegno e le
coreografie di Fabrizio
Angelini. A supportare il
tutto naturalmente l’orche-
stra dal vivo. Lo spettacolo è
realizzato su licenza dell’edi-
tore inglese.
Con vocazione imprendito-
riale Rockopera decide di
realizzare le repliche in auto-
produzione, e la consacrazio-
ne avviene nel 1999 quando
viene invitata a partecipare al
Festival La Versiliana e ottie-
ne un risultato eccellente
(tutto esaurito per 2 repli-
che). Ciò convince la dire-
zione a riconfermare lo spet-
tacolo che viene replicato nel cartellone 2000
con il medesimo risultato. La produzione di
Jesus Christ Superstar viene replicata 30 volte
tra il 1999 ed il 2000.
È un’opera meravigliosa. Rappresentarla è
sempre una grandissima emozione. Questa
nuova produzione è fresca e vivace con un cast
motivatissimo ed un’orchestra combattiva. Lo
spettacolo raccoglie tantissimi consensi ed il
pubblico è entusiasta.
Nel 2001 Rockopera è tra i finalisti del proget-
to regionale Il debutto di Amleto e si esibisce
per il Teatro della Pergola di Firenze. Nel con-
tempo Rockopera sviluppa nuovi progetti come
Musical Greatest Hits, Beatles Forever, Radio
Hollywood: progetti in cui la musica (sempre
dal vivo) è la base sulla quale la drammaturgia
si articola. Parallelamente all’attività teatrale si
sviluppano iniziative di formazione e nel 2001
a Lucca il Jam-Centro Musica Moderna, un
centro per l’insegnamento della musica leggera
che vanta attualmente oltre 300 allievi.
Nel 2002 il gruppo realizza la produzione di
Joseph e la strabiliante tunica dei sogni in
technicolor di Andrew Lloyd Webber e Tim
Rice. La regia è affidata a Claudio Insegno e le
parti principale sono di Antonello Angiolillo,
ROCKOPERA L’intervista Quando ci si mette in
testa di fare musical entra in ballo anche Jesus Christ
di ROMINA CIUFFA
Lighea ed Ivan Cattaneo. Lo spettacolo debutta
a Lucca e compie un tour di prova tra Trieste,
Novara, Grosseto, Bari e Viareggio. Nel 2002
viene realizzata la produzione dello spettacolo-
recital Sì, Viaggiare, dedicato a Lucio Battisti.
Lo spettacolo è costituito da un collage delle
più significative canzoni del compositore, ese-
guite da 3 solisti ed un’orchestra dal vivo. La
coreografia è affidata alla compagnia del
Balletto di Milano diretta da Carlo Pesta.
È un omaggio alla figura di Lucio Battisti. Non
si tratta di un tributo di carattere imitativo. In
poche parole, niente teste cotonate e foulard.
La line-up prevede 4 musicisti e 3 solisti. Gli
arrangiamenti vocali sono molto curati è c’è
spazio anche per le interpretazioni femminili
dei grandi classici di Lucio. L’atmosfera è
molto intima e lo spettacolo, che portiamo in
scena dal 2001, è stato rappresentato sia in
forma teatrale che in forma di concerto.
Nell’estate 2004, Rockopera produce lo spetta-
colo Back to Beatles, basato sulle musiche del
quartetto di Liverpool; in autunno 2004 il musi-
cal Cannibal di Trey Parker, autore della fortu-
natissima serie televisiva South Park; nel 2005
il tour dello spettacolo Joseph e la strabiliante
tunica dei sogni in technicolor è inserito nelle
stagioni teatrali ufficiali del Teatro Nuovo di
Milano, il Teatro delle Celebrazioni di Bologna,
il Teatro Sociale di Trento, il Teatro Alfieri di
Torino ed altri. Lo spettacolo si avvale di un
nuovo cast con la partecipazione di Rossana
Casale e le coreografie di Fabrizio Angelini.
Normalmente mi occupo io della direzione
musicale ma operiamo sempre in squadra. Per
le produzioni più grandi abbiamo sempre fatto
dei casting, mentre per le produzioni più picco-
le possiamo attingere da una rosa di professio-
nisti di grande talento.
Nel 2006 Simone Giusti, direttore di
Rockopera, riceve l’incarico di direttore del
Teatro Oscar di Milano, acquisito dal gruppo
Sogete del Teatro Nuovo di Milano. E come
vede lui il Musical in Italia?
Di quali musical stai parlando? In Italia gira-
no solo mega karaoke con basi e cori registra-
ti. Non ricordo di aver visto produzioni di musi-
cal fatta eccezione per qualche produzione
della Compagnia della Rancia e poche altre
eccezioni.
ROBIN HOOD L’intervista Valeria Monetti è Marianna,
Robin Hood il suo superladro. E mentre ruba, canta e balla
RUBA
AI RICCHI
PER DONARE
A LEI
Valeria Monetti, attrice giovane e versatile, è
in tournee con Robin Hood accanto al bravo
Manuel Frattini, già al Teatro Brancaccio di
Roma e in giro fino a Civitavecchia, dove li
aspettano a maggio. Lei comincia a recitare
all’età di 13 anni, studia canto e segue corsi di
danza classica e moderna, è finalista alla V edi-
zione del concorso teatrale femminile ‘La paro-
la e il gesto’ e lì per due volte vince il premio del
pubblico. La sua carriera professionale inizia nel
2001 quando è ammessa alla trasmissione
Saranno Famosi, oggi Amici, un’esperienza che
le apre le porte del mondo dello spettacolo.
Quindi è la protagonista del musical Sette spose
per sette fratelli nel ruolo di Milly, al fianco
prima di Raffaele Paganini e Manuel Frattini,
quindi di Michele Carfora; dopo c’è il musical
Lungomare di Maurizio Costanzo e Alex Britti.
Nel 2007 è in scena con due spettacoli: la com-
media musicale Datemi tre caravelle! con
Alessandro Preziosi e il Rugantino Dance
Opera di Gino Landi e Renato Greco.
Robin Hood è la nuova celebrazione del viag-
gio di un uomo alla ricerca di se stesso, che si
ritrova nel più debole e nell’amore per
Marianna. Una leggenda eterna di eroi e malva-
gi dove un ladro gentiluomo sarà il principe
della foresta incantata di Sherwood. Ambizione,
coraggio, amore e avventura: tutto in un grande
musical originale di Beppe Dati con Manuel
Frattini e Valeria Monetti.
Che ci dice:
Valeria, è già passato qualche anno ormai dal
tuo debutto.
Ormai 7 anni. Nel 2001 terminai la trasmis-
sione Saranno famosi di Maria De Filippi e
subito dopo cominciai a lavorare in Sette spose
per sette fratelli.
La ricordi ancora come la tua esperienza più
significativa.
Sì, pensa che era anche il mio sogno recitare
in quel musical. Poi ne sono venuti altri, ovvia-
mente, tutti molto belli.
Sette spose per sette fratelli è un classico,
Robin Hood un musical originale. È stato più
difficile affrontarlo senza avere riferimenti?
No, anzi, io l’ho vista come un’opportunità,
una fortuna. In questo modo ho potuto dare al
personaggio che interpreto un carattere molto
vicino alla mia personalità, al mio gusto.
In cosa siete simili tu e Marianna?
Ci sono aspetti in cui è simile a me, altri in cui
è lontana. Sicuramente è una donna dalle molte
sfaccettature: è vanitosa ma con uno spirito
forte, sicura, fiera. Una donna moderna per
quei tempi. Comunque una donna con le sue
paure. Un po’ è facile identificarsi: Marianna è
innamorata ed è innamorata anche Valeria.
Una storia vera, dunque, non una favola con
supereroi.
Music In  Primavera 2009
Esatto. Robin Hood non è un eroe coi super-
poteri, ma un ragazzo che diventa uomo, uno
splendido uomo, e nella sua crescita impara ad
assumersi le proprie responsabilità, credendo in
valori come l’altruismo e la generosità.
Tu la senti questa responsabilità «educativa»
dello spettacolo?
Be’, un po’ sì. Quando vedi tra il pubblico
tanti bambini e ragazzi è confortante sapere che
stai trasmettendo dei valori che condividi. Ma
devo essere onesta: se mi presentassero un
copione che presenta contenuti in cui non credo,
prima di rifiutare ci penserei due volte. Il lavo-
ro è lavoro e per me è prioritario farlo bene.
In effetti molti ragazzi possono vedere in voi
dei modelli di riferimento, proprio oggi che il
musical sta rivivendo una stagione d’oro.
Come ti spieghi questo successo?
Il motivo è che il musical riesce a coinvolge-
re un pubblico davvero eterogeneo che va dai
ragazzi alle persone più mature. C’è chi ama la
danza, chi il canto, chi lo spettacolo in sé.
Ultimamente vedo anche molti artisti che ven-
gono dalla prosa pura o cantanti e ballerini che
si mettono in gioco nelle altre arti, e questo
ovviamente contribuisce al successo del genere.
Nei vari musical che hai interpretato hai
cambiato impostazione vocale, fisicità, a
seconda dei personaggi. Ma Valeria Monetti
non vuole uscire sul palco come Valeria
Monetti? Non hai mai pensato a una carriera
da cantante?
No, io cerco di mettere la mia personalità nei
vari ruoli che interpreto. Non ho mai pensato a
un futuro discografico. Sin da piccola ho studia-
to danza, canto, recitazione, proprio perché il
musical era quello che volevo fare. E tra tutti,
sognavo proprio il primo che mi è toccato fare,
«Sette spose per sette fratelli».
L’esperienza di «Saranno famosi» dunque
l’hai vissuta con questo spirito? Sei cresciuta
all’interno di quel programma?
Dal punto di vista didattico c’è poco tempo,
non si riesce a fare un percorso approfondito.
Abbiamo cercato di imparare, ma il periodo
della trasmissione non è certo sufficiente a
formare una professionalità. Però come
formazione artistica, come contatto col mondo
dello spettacolo è molto utile.
Tutte le sere una recita. Massacrante?
Tutte le sere troviamo un motivo per divertir-
ci. Direi solo che è un lavoro impegnativo. Lo
svago, il divertimento, il relax ce lo concediamo
durante la giornata, magari andando al cinema
o seguendo i nostri colleghi nelle matinée.
Cercando di risparmiare la voce per la sera.
Cosa chiedi al futuro?
Di fare ancora tanti musical.
a cura di Nicola Cirillo
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 14:57 Pagina 9

Music In  Primavera 2009

BALLET
JOAQUIN CORTES Noi rom siamo stati perseguitati, umiliati e maltrattati CARMEN STORY Antonio Gades
per molti secoli. Da sempre la musica e la danza sono il nostro grido di libertà. Company Ha lasciato tutto a una fonda- a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Credo prima di tutto nello spirito di ribellione. Salvifica solitudine. zione. Compresa la sua eredità artistica

Le soglie dell’intimo tablao sono state varcate da un pezzo. Con il

passo di chi possiede l’energia straripante di un fiume in piena e
carisma e sensualità tali da rompere gli argini, un talento del flamenco è
dello sperimentatore. Questo è il flamenco: la danza che colpisce dritto al
cuore, sapendo che si passa da un cuore messo a nudo per arrivare all’ani-
ma. Non ha catturato l’interesse di storici e accademici, ma ha contami-
destinato ad andare oltre. Ad imporsi come solista e a diffondere prepo- nato da sempre il mondo dei poeti, dei musicisti, degli scrittori. Nella sto-
tentemente la propria arte in giro per il mondo, tanto più se ha lo spirito ria del flamenco c’è la storia del gitano Joaquín Cortés, nato quarant’an-
ni fa a Cordova, che grazie al prestigioso Balletto Nazionale di Spagna ha
presto raggiunto i lontani palchi di Mosca e New York ed è stato forte-
mente voluto da registi del calibro di Almodóvar e Carlos Saura per esse-
re consacrato al successo mondiale. Lo spettacolo Mi Soledad, dal 23 al
ROM SOLO di Rossella Gaudenzi
25 giugno in scena al Teatro Sistina, ha debuttato il 3 maggio 2005 pres-
so l’Auditorium di Città del Messico; da oltre due anni continua ad esse-
re richiesto dai maggiori teatri del mondo e questo successo non accenna
a diminuire. La musica originale è qui commistione di stili ed è stata com-
posta dallo stesso Cortés, da José e Antonio Carbonell: il jazz, la classica
«Credo prima di tutto nello spirito di ribellio- e la musica cubana si intersecano alla musica flamenca. La scenografia è
ne. Noi rom siamo stati perseguitati, umiliati e semplice, i costumi eleganti e sobri, creazioni di Jean-Paul Gaultier. La
maltrattati per molti secoli. Da sempre la città di Londra, divenuta da tempo suo quartier generale, lo ha ringrazia-
musica e la danza sono il nostro grido di liber- to con 17 sold out alla Royal Albert Hall.
tà. È la nostra unica arma, la forza dei miei Il più celebre ballerino di flamenco dei nostri giorni ha messo in scena
spettacoli, il perno della mia popolarità. Dopo il viaggio che attraversa le emozioni umane, giungendo alla desolante,
tutto chi sono io se non un nomade del ventu- salvifica, suggestiva, misteriosa solitudine. Solitudine che è al contempo
nesimo secolo?». luce ed ombra, e che appartiene a noi tutti. Donataci con la freschezza, la
Joaquín Cortés maturità artistica, l’eleganza di cui è capace da sempre.

AND THE WINNER IS…

Il Premio Equilibrio va a Samuele Cardini e Marina Giovannini. Acqua scrosciante
Battiti, forse battiti del cuore. Acqua scro-
sciante, forse acqua di pioggia lontana, intermi-
nabile. Una radio, a intermittenza, si sintonizza
con i ballerini e gli spettatori. Accenni di canzo-
ni jazz. Musica elettronica. Poi nuovamente
acqua, e poi nuovamente battiti.
Questa come vera e propria colonna sonora
della coreografia Luogo Comune-Pausa
Paradiso del duo Samuele Cardini-Marina
Giovannini, vincitrice del Premio Equilibrio
2008, in scena come prima assoluta lo scorso 21
febbraio all’Auditorium Parco della Musica. Si
parte dalla musica perché i ballerini e coreogra-
fi in questione di musica se ne intendono pro-
fondamente, come specifica Marina:
Siamo dei cultori musicali molto appassionati.
Abbiamo scelto di comporre in prima persona,
per la nostra coreografia, per far riecheggiare
ciò che suona dentro di noi. Si tratta della colon-
na sonora che è il filtro che c’è tra me, Samuele
e coloro che hanno contribuito attivamente a
questo progetto. È stato proprio Samuele a mon-
tare l’apparato musicale, denso di passaggi elet-
tronici forti, di schitarrate. La radio che torna, il
battito che torna, hanno il fine di riportare il
tutto ad una circolarità.
Marina e Samuele sono i vincitori della prima
edizione di un concorso importante, all’interno
di Equilibrio Festival della nuova danza, la ras-
segna giunta alla quinta edizione prodotta dalla
Fondazione Musica per Roma e curata da
Giorgio Barberio Corsetti. La finalità del con-
corso è quella di stimolare la creazione nell’am-
bito della danza contemporanea, sostenendo e
promuovendo il lavoro di artisti emergenti. I
coreografi toscani si sono fatti largo tra ben
novantotto gruppi partecipanti, e si sono impo-
sti tra i dieci progetti finalisti con un’idea di
«luogo comune», coreografia della durata di
venti minuti, poi sviluppatasi in un lavoro omo-
geneo che rapisce lo spettatore per oltre un’ora,
sul filo di un’energia ad altissimo livello che
mai tradisce cali di tensione.
Definiamo questo nostro lavoro come l’evolu-
zione di una serie di appunti, i primi dei quali
risalgono al settembre del 2007. Lo stesso titolo
iniziale, Studi per Luogo Comune, voleva appro-
dare, come attraverso un percorso, ad altro da
sé. Ad una Pausa Paradiso, appunto, ossia il
risultato di materiale stratificato, di movimenti
molto diversi da loro seppure amalgamati. Si
giunge ad una sosta di contemplazione tra una
figura e l’altra, come se si aprisse un immagina-
rio sull’Eden, un paradiso ideale per tutti: è la
Pausa Paradiso.
Rispetto al momento del concorso (febbraio
2008) il lavoro di Marina e Samuele è stato
enormemente arricchito: dalla presenza dei
ballerini Martina Gregori e Leone Barilli e
da una serie di elementi singolari portati in
scena.
Avere altre persone, altri danzatori attorno, la
voglia di confrontarsi con loro è stata importan-
te. Una pianta, una mazza da baseball, un
impermeabile bianco, una coda… Non vogliono
essere elementi metaforici di difficile lettura.
Abbiamo trasformato le figure in scena per
descrivere la cultura che ci appartiene, per esse-
re riconoscibili.
I tempi non sono ancora maturi per fare
bilanci, valutare la reale portata di questo
successo.
Avvertiamo indubbiamente una sensazione di
cambiamento, ma ora tutto è «in fieri»: le propo-
ste iniziano ad arrivare, c’è un gran fermento
attorno a noi e dentro di noi. Stiamo da un lato
cercando di riprendere fiato dopo aver fatto una
fatica sovrumana, perché questa esperienza ci
ha obbligati a cercare tutto da soli, da un punto
di vista tecnico ed organizzativo.
La ricerca delle sale prova, ad esempio, è
stata estenuante. Nel contempo, siamo in movi-
mento, Pontedera, poi il Festival Danae, a
Milano. E davvero la vita a volte manda strani
segnali: la prima del nostro spettacolo ha coin-
ciso con l’unica data romana del lavoro di
Virgilio Sieni, nostro maestro. Tu prova ad inter-
pretarla, questa coincidenza…
LIBERA
LIBERA
NASCEMUORE
Antonio Gades: Carmen Story, la cosa più grande che esiste al mondo è la libertà.
ochi mesi prima della sua scomparsa
P avvenuta nel 2004, Antonio Gades aveva
dato vita ad una Fondazione a cui lasciare la
propria eredità artistica, una compagnia stabile
grazie alla quale i cinque lavori più importanti
da lui creati vengono ancora oggi riproposti con
ciclicità sui palcoscenici di tutto il mondo, la
Antonio Gades Company.
Tra questi un classico meraviglioso come
Suite Flamenca del 1968, Nozze di Sangue del
1974, ispirato all’opera Bodas de Sangre di
Federico García Lorca e la sofferta e appassio-
nata Carmen del 1983, un esempio di un’inimi-
tabile eleganza e nobiltà.
L’idea del balletto era venuta fuori dopo le
fortunate riprese di Carmen Story, film nato dal
sodalizio di Gades con Carlos Saura, premiato
al festival di Cannes e nominato agli Oscar
come migliore film straniero. Ma la Carmen qui
appare un po’ diversa dalla versione «storica»
di Bizet. Nella versione Gades – Saura la
Carmen è non solo una donna attraente, sensua-
le e spregiudicata ma soprattutto indipendente,
libera, non frivola e proprio per questo ancor
più ricca di fascino e potenza.
«La cosa più grande che esiste al mondo è la
libertà-afferma Gades-. E per la libertà bisogna
lottare, perché non te la regala nessuno. Nella
mia Carmen Story, in fondo, è di questo che si
tratta. Ne hanno fatto spesso un personaggio fri-
volo, ma Carmen non ha niente di frivolo! È
una donna che si fa rispettare dagli uomini, e va
con gli uomini, e non crede nella proprietà pri-
vata dei sentimenti.
Quando ama, ama e quando smette di amare,
smette di amare. Pur di non perdere la sua liber-
tà, si precipita verso la morte: la morte è presen-
te e visibile fin dall’inizio, non arriva all’im-
provviso.
Carmen sa che la uccideranno, ma per lei è
molto più importante questo senso, così nobile,
della libertà. No, non è frivola e non è sciocca!
È una ribelle. Contro determinate situazioni, e
contro determinate classi. Una Carmen molto
più vicina a quella «autentica» di Prosper
Mérimée, da cui Bizet si ispirò nel 1872: un’
eroina rivoluzionaria che crede nell’intangibili-
tà dei sentimenti tanto da preferir morire invece
che rinunciare alla sua libertà.
Stella Arauzo and Adrian Galia, insieme ad
un cast di 26 cantanti, musicisti e ballerini, sono
stati i protagonisti del riadattamento di questo
classico di tutti i tempi in scena al Teatro
Olimpico ad aprile. A seguire, Nozze di
Sangue+Suite Flamenca.
Sul palco, rispettando l’estetica rigorosa di
Gades, pochi elementi saranno sufficienti a
creare la giusta l’atmosfera, minimale e priva di
inutili orpelli e proprio per questo ancora più
incisiva. La Antonio Gades Company è reduce
dalla fortunata ed acclamata esibizione al
Festival Flamenco Festival London 2009.
Valentina Giosa

LES BALLETS RUSSES

Agli inizi del ‘900 i migliori ballerini dei due teatri più importanti al mondo, il Bolshoi di Mosca e il Mriinskij di San Pietroburgo, vennero
selezionati per far parte di un nuovo corpo di ballo, fondato dal brillante impresario Sergei Diaghilev: nasceva Les Ballets Russes, la compagnia
di danza destinata a divenire la più prestigiosa del XX secolo. L’intento era quello di diffondere nell’Europa Occidentale l’arte della danza russa,
ricca di balletti di breve durata ed intrisa di tecnicismi. Forte di un immediato successo, dovuto a celeberrimi ballerini e coreografi - Vaslav
Nijnskij, Adolph Bolm, Michel Fokine - la compagnia si stabilì dapprima nella Ville Lumière, per spostarsi in seguito a Monte Carlo. L’ondata
di esotismo catturò presto l’attenzione dei maggiori artisti del tempo: pittori come Picasso, Henri Matisse, Giorgio De Chirico si prestarono alla
creazione di scene e costumi; tra i compositori si annoverano Claude Debussy, Sergej Prokofiev, Maurice Ravel, Ottorino Respighi, Richard
Strauss… Diaghilev fu anche un «talent scout», aprendo le porte al successo di un giovane Igor Stravinskij.
L’Orchestra e il Corpo di ballo del Teatro dell’Opera metteranno in scena le migliori coreografie di Fokine, Massine e Nijinska: Les
Sylphides, Les Biches, Cléopâtre, Il Cappello a Tre Punte, L’uccello di Fuoco.

Dal 17 al 22 aprile; dal 28 aprile al 3 maggio

TEATRO DELL’OPERA Piazza Beniamino Gigli, 7 - Tel. 06 481 601 - www.operaroma.it
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CLASSICA
MENTE
Music In  Primavera 2009

KURT WEILL-MARIANNE FAI- FRANZ JOSEPH HAYDN Bicentenario

a cura di FLAVIO FABBRI PEANUTS Schroeder e Charles THFULL Voglio che la mia musica Le ultime sette parole di Cristo sulla croce
Schulz Beethoven suona più buffo si ascolti adesso, finché sono vivo le sapeva tutte lui

UN CASSETTO DI CALZE DI LANA, HAYDN

QUESTO È SICUREZZA È MORTO!
Beethoven è meglio di Bach perché ‘Suona più buffo’: la storia del piano giocattolo che Shulz ha regalato a Schroeder

isognerebbe riprendere in mano un numero
B qualsiasi dei Peanuts e cercare di capire
perché Schroeder si arrabbiava così tanto quan-
do Lucy lo tormentava con le sue battute, o
quando i suoi amici lo chiamavano per le solite
interminabili partite di baseball. Stiamo parlan-
do di Charlie Brown, di Linus e la sua coperta,
di Snoopy, Piperita e Mercie. Mentre
Schroeder, con la sua maglia a
righe verdi e nere, eterno
oggetto dell’amore non
corrisposto di Lucy,
voleva solo stare col
suo piccolo piano
giocattolo e tutte
quelle
note
che
gli volteggiavano sulla testa. Un ottimo pianista
ovviamente, perché così l’ha voluto il suo crea-
tore Schulz, quasi un virtuosista, con una profon-
da venerazione per Ludwig van Beethoven, di
cui il 16 dicembre festeggiava sempre l’anni-
versario della nascita.
È da qui che sono nate tutte quelle magnifi-
che note che inondavano gli spazi bianchi del
foglio. Le straordinarie melodie fuoriuscite dal
piano di Schroeder, anzi, sarebbe meglio dire
dall’amore del suo disegnatore per Beethoven.
Note vere, trascritte una per una dagli spartiti
del Maestro di Bonn. Si proprio lui, il grande
Ludwig van, il genio indiscusso, tempestoso
indagatore dell’animo umano, la prima grande
rock-star dei tempi moderni. Qui musa ispiratri-
ce di un piccolo Schroeder e del suo papà
Charles Schulz. Certo, ma solo per un motivo:
l’idolo di Schroeder avrebbe dovuto essere
Bach, ma il disegnatore preferì alla fine
Beethoven. Perché? Semplice, «suonava più
buffo». Così vuole la leggenda e le leggende
devono essere rispettate, altrimenti si perde la
magia: come quella che ogni tanto faceva appa-
rire, sopra il pianoforte giocattolo del nostro
giovane talento, un busto che riproduceva la
testa di Ludwig van Beethoven.
Il soggetto di Schroeder, secondo i
fumettofili, compare in realtà solo nel
1951 e viene subito fatto crescere nel-
l’arco di tre anni per raggiungere
un’età simile a quella degli altri
compagni di giochi. Al debutto non
mostrava caratteristiche particolari, ma
quando Schulz volle inserire nel fumet-
to il pianoforte giocattolo (un regalo per
la figlia Meredith), nacque immediata-
mente un personaggio davvero singola-
re: il pianista estatico, scontroso e
incompreso che tutti gli appassionati
della striscia oggi conoscono. Ogni volta
che Schroeder si piega sul pianoforte e i
suoi occhi
diventano
due fessure,
cadendo
quasi in tran-
ce, le note
che fluttuano
sulla sua
testa non
sono sempli-
ci macchie di
inchiostro
disposte a caso o in chiave di Sol. Schulz aveva
accuratamente scelto ogni singolo brano di
musica che ha disegnato, trascrivendo tutte le
note dagli spartiti. Più che un’illustrazione, la
musica era diventata così la colonna sonora
della striscia, un assaggio di quello che oggi
chiamiamo multimedialità, un anticipo preliba-
to di quello che sarebbe stato l’ipertesto, il trait
d’union tra le pagine, la ‘chiave’ per legare tra
loro gli stati emotivi dei personaggi, passando
dall’uno all’altro con una nota, formulando una
domanda o sottolineando un’esclamazione.
La musica ha assunto nelle pagine di Charlie
Brown le dimensioni e lo spessore di ‘un perso-
naggio’ del fumetto, al pari degli altri, perché è
la musica a dare alle strisce la giusta tonalità.
Questo amava raccontare spesso la figlia
Meredith quando gli chiedevano cosa avesse
spinto Shultz a scegliere Beethoven e ad inseri-
re quelle nuvole di note nelle strisce. E proprio
la figlia ha impiegato oltre un anno a identifica-
re le composizioni, raccogliere le registrazioni e
reinterpretare le strisce, per rendere possibile la
mostra intitolata Schulz’s Beethoven:
Schroeder’s Muse (Il Beethoven di Schulz, la
musa di Schroeder), allestita al Charles M.
Schulz Museum in California, con la collabora-
zione del Beethoven Center e conclusasi il 26
gennaio scorso.
Una mostra che, oltre la possibilità di riper-
correre la storia dei Peanuts, ha fornito lo spun-
to per qualche riflessione su come la musica
possa interagire con le arti visive, in questo
caso il fumetto. Musicologi ed esperti come
William Meredith, direttore dell’Ira F. Brilliant
Center for Beethoven Studies all’università sta-
tale di San Jose in California e profondo cono-
scitore delle strisce dei Peanuts dedicate alla
musica di Beethoven, hanno scoperto una forte
correlazione tra le note disegnate sulle strisce e
il grado di comprensione profonda del messag-
gio. C’è molto di più di un semplice tratto di
matita nella passione per la musica di
Beethoven da parte di Charles Schulz e già
negli anni Settanta in molti, soprattutto pianisti,
l’avevano capito.
Come ricorda in un’intervista rilasciata al
quotidiano La Repubblica, un particolare fan di
Brown & Co., Nicola Piovani: «… Eravamo
ragazzi, innamorati di Charlie Brown, provam-
mo a suonare quelle note e scoprimmo che cor-
rispondevano a opere reali, delle vere suonate
per pianoforte».
Questo ci aiuta a capire che se non si legge la
musica, se non si identificano i brani degli spar-
titi nelle varie strisce, si perde una grande parte
del loro significato. Leggere le note ci permette
di considerare la musica come un vero perso-
naggio al pari degli altri, perché è la musica a
dare alle scene la giusta tonalità.
Schulz, bisogna ricordarlo, amava la musica
classica e l’ha sempre ascoltata, fin dai tempi
dell’Istituto d’arte, quando con i compagni gio-
cava ‘all’indovina chi suona’, ascoltando per
ore adagi e sonate. Chissà se l’indovinava tutte,
colui che diceva sempre: «… Non pretendo di
avere tutte le risposte… A dire la verità non
m’interessano nemmeno tutte le domande».
Pensiamo proprio di si, «Good grief!».
Flavio Fabbri
In occasione del bicentenario della
morte di Franz Joseph Haydn, avvenu-
ta a Vienna il 31 maggio del 1809,
l’Orchestra Sinfonica di Roma, sotto
la direzione di Francesco la Vecchia,
ha scelto di eseguire presso
l’Auditorium della Conciliazione della
Capitale alcune delle composizioni per
le quali il genio austriaco è più noto.
Saranno presentate le ultime cinque
opere che fanno parte delle 12 sinfonie
cosiddette «londinesi» (la Sinfonia n.
100 Militare il 19 e il 20 aprile, la
Sinfonia n. 101 La Pendola il 26 - 27
aprile, la Sinfonia n. 102 il 2 e il 3 mag-
gio, la Sinfonia n. 103 Rullo di timpani il
10 e l’11 maggio, la Sinfonia n. 104
Londra il 17 e il 18 maggio), e due
composizioni sacre: il Die letzen worte
unseres erlosers am kreuze (Le ultime
sette parole di Cristo sulla croce) e il
Die Schopfung (La Creazione).
La scelta di eseguire le ultime sinfo-
nie di Haydn (a volte conosciuto, forse
con un eccesso di enfasi, come ‘il
padre della sinfonia’) rende omaggio a
chi, comunque, contribuì enormemen-
te a riscattare la musica sinfonica (e
più in generale quella strumentale)
dalla subalternità rispetto a quella
vocale, che in quel tempo si stava impo-
nendo sia nelle corti che negli altri
ambiti sociali. Lo stile di Haydn (che
oggi porta l’etichetta di classico, ma
che tra i suoi contemporanei fu consi-
derato come uno stile innovativo, con
orchestrazioni complesse e chiassose)
si manifesta al meglio in queste sinfo-
nie, che incontrarono un successo
senza precedenti.
La ragione è da attribuirsi, probabil-
mente, al grande richiamo ‘popolare’

AL DIAVOLO I POSTERI della sua musica, che pure mantiene

una struttura colta e rigorosa: l’inseri-
mento di elementi folcloristici (in parti-
I vizi umani prendono forma come mali sociali della borghesia in sette peccati capitali. Marianne Faithfull li compie tutti colare nei finali delle sonate o nell’aper-
tura del tema finale) creava una certa

«Al diavolo i posteri, voglio che la mia musica si ascolti adesso,

finché sono vivo», disse Kurt Weill poco prima di morire. In
questa frase è compendiato tutto il valore della sua opera attraverso cui,
borghesia. Non a caso Weill e Brecht scrissero l’opera quando si trovava-
no entrambi in esilio dalla Germania nazista.
L’Accademia di Santa Cecilia propone la versione inglese dell’opera:
continuità e riconoscibilità in composi-
zioni che avevano una struttura forma-
le molto elaborata. Elementi stilistici
finalmente, la distanza tra la musica colta e quella popolare - ampia a quel diretta da Ingo Metzmachei, va in scena a Roma il 25, il 27 e il 28 apri- che si trovano anche nelle due opere
tempo - cominciò a ridursi in maniera significativa. le, nella Sala Santa Cecilia, in una serata che prevede la messa in scena con cui l’Orchestra sinfonica di Roma,
Con gli anni l’opera di Kurt Weill è diventata oggetto di culto, soprat- di un altro celebre balletto, il Petruska di Igor Stravinskij, oltre che l’ese- terminerà le celebrazioni haydniane: Le
tutto da parte di artisti marcatamente rock: il regista canadese Larry cuzione di Storie di altre storie di Salvatore Sciarrino, uno di più geniali ultime sette parole di Cristo sulla
Weinstein ne ha tratto ispirazione per il progetto cinematografico compositori contemporanei. Insieme con Marianne Faithfull su palco ci croce (il 24 e 25 maggio,) e l’oratorio
September song; Sting, Tom Waits, Lou Reed. Nick Cave, PJ Harvey e saranno Mark Bleeke (tenore), Eric Edlund (baritono), Peter Becker Die Schopfung (La Creazione), che
tanti altri hanno inciso (o hanno in repertorio) alcuni dei suoi brani. La (bass-baritono), Wilbur Pauley (basso), ovvero l’Hudson Shad Quartet, a sarà eseguito proprio la sera del 31
ragione di tanta devozione del rock per un autore di musica classica è interpretare i ruoli dei familiari di Anna. maggio (e replicato il giorno successi-
anche la comune concezione dell’arte come luogo della riflessione, della vo). Opere che appartengono all’ultima
protesta, della divulgazione di istanze sociali e politiche. Nicola Cirillo fase della vita del compositore e che
Marianne Faithfull, che interpreta Anna nei Sette peccati capitali (tito- riflettono anche una maggiore maturi-
lo originale Die sieben Todsünden), una delle opere più eseguite del tà nella scelta dei temi. In particolare
musicista tedesco, si inserisce perfettamente tra questi due mondi musi- «La creazione» contiene il tema del
cali: il primo rappresentato dalla raffinatezza colta della musica classica, significato della vita e dell’umanità e
l’altro dalla necessità di utilizzare l’arte come strumento di riflessione e rappresenta - per il religiosissimo
provocazione per i contemporanei. Haydn - un tentativo di rappresentare
Celebre per essere autrice di alcune canzoni leggendarie e provocato- in musica l’idea del sublime.
rie - scritte con il compagno di allora Mick Jagger - ma anche per essere Francesco La Vecchia, direttore sta-
una delle più intense interpreti del pop, nonché attrice di successo (come bile dell’Orchestra, in tre occasioni
ha confermato nella sua interpretazione cinematografica più recente, cede il podio ai colleghi Edward
Irina Palm di Sam Garbarski del 2007), Marianne Faithfull ha già inciso Cumming (il 19 e 20 aprile), Muhai
in inglese i brani dei I sette peccati capitali nel 1998; negli ultimi anni Tang (2-3 maggio), Edvard Tchivzhel
l’ha rappresentata con enorme successo di pubblico e di critica nei prin- (17-18 maggio) per una serie di con-
cipali teatri del mondo. certi con grandi solisti come Gilad
L’opera, scritta su libretto di Bertold Brecht, è un balletto cantato, di Karni, Angela Hewitt, Gesualdo Coggi,
cui sono protagonisti due personaggi femminili di nome Anna: la prima, Marco Fiorni, Andrea Noferini, Anita
immagine della razionalità e del senso pratico, si rivela danzando; la Selvaggio, Michael Smallwood, David
seconda, che invece si esprime col canto e con la recitazione, rappresen- Wilson Johnson.
ta l’istinto, la passionalità. Probabilmente due aspetti della stessa perso-
nalità, o voci contrastanti all’interno della stessa coscienza. Nicola Cirillo
La forma del balletto dà una maggiore enfasi all’amara ironia della sto-
ria, che sottintende una critica sociale spietata, facendo muovere Anna tra
sette scenari in cui i vizi umani prendono forma come mali sociali della
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Music In
Primavera 2009 CLASSICA

MENTE
FUTURISMO Centenario Tutti gli innovatori sono stati logicamente futuristi, in relazione ai loro tempi. Palestrina
avrebbe giudicato pazzo Bach, e così Bach avrebbe giudicato Beethoven, e così Beethoven avrebbe giudicato Wagner.
Rossini si vantava di aver finalmente capito la musica di Wagner leggendola a rovescio.

DISERTARE I CONSERVATORI
Cento anni di Futurismo e di musica d’avanguardia: ‘Bad boys’ per un piano, quello di Daniele Lombardi

M acchine al lavoro, echi

di motori lontani,
rumori diffusi, urla, rottura
stetica e storicamente proiettata all’indietro. Sì, proprio al passato, lungo un percorso in cui i colo-
ri, le luci, la musica, la danza e i filmati saranno la miscela base per rinnovare il clima futurista del
tempo, tutto lanciato, invece, verso quello spettacolare futuro tecnologico e multisensoriale in cui
di giunture metalliche, sinte- noi oggi viviamo.
si, forse un teatro della sor- Anche gli allestimenti grafici, con evidenti richiami ai lavori di Antonio Sant’Elia, lo stesso
presa, un ‘cabaret epilettico Alberto Savinio, Pablo Picasso e Fernand Léger, spingeranno il pubblico tra le braccia della storia,
che fa tanta musica’, con la quella dimensione temporale che i futuristi non hanno mai amato, rivolti anima e corpo al futuro e
suggestione infine di avere il alla radice del progresso, al domani radioso, che qualcun’altro ha chiamato Il sol dell’avvenir. Uno
signor Igor Fëdorovic spettacolo pensato sulle linee teoriche dell’avanguardismo, con il corpo di ballo del Teatro
Stravinskij tra il pubblico. dell’Opera, il soprano Susanna Rigacci e le coreografie di Ileana Citaristi, Vittorio Di Rocco,
Un mondo atonale e anar- Tadashi Eudo, Mario Piazza, Luca Veggetti e Gillian Whittingham. Una tempesta animata dalle
monico che avrebbe cambia- linee-forza dinamiche delle note, dalla potenza visiva e visionaria del cinema, dalla poesia fisica
to per sempre il modo di fare della danza, dal sex appeal immateriale del video e quindi dalla musica deformata a rumore e a lin-
musica. Questo e molto di guaggio delle macchine.
più ci aspetta al Teatro Franco Casavola (1891-1955) è stato forse il più conosciuto del folto gruppo dei Bad boys of
dell’Opera di Roma dal 7 piano: compositore, direttore d’orchestra, critico d’arte e scrittore, porterà la sua firma il Manifesto
al 10 maggio, con il ritorno sul Futurismo musicale in Puglia. Ebbe come maestro il grande Ottorino Respighi e nello stile alcu-
dei Bad boys of piano, gli ni vi ritrovano anche la poetica colorita e pedissequa di Giuseppe Mulè. Non meno interessanti sono
anarcoidi esteti dell’arte le produzioni musicali di Silvio Mix e Francesco Pratella, tra i firmatari del Manifesto dei musici-
musicale, i camaleonti del sti futuristi nel 1911 e del successivo La musica futurista-Manifesto tecnico: «… Tutti gli innovato-
Futurismo sonoro: Alberto Savinio, Arthur Vincent Lourié, Alfredo Casella, Virgilio Mortari, Silvio ri - scriveva Pratella nel Manifesto dei musicisti - sono stati logicamente futuristi, in relazione ai
Mix, Franco Casavola, George Antheil e Aldo Giuntini. Gli alfieri di un grande movimento artisti- loro tempi. Palestrina avrebbe giudicato pazzo Bach, e così Bach avrebbe giudicato Beethoven, e
co italiano di respiro internazionale, nato nel 1909 e che proprio quest’anno festeggia i suoi primi così Beethoven avrebbe giudicato Wagner. Rossini si vantava di aver finalmente capito la musica
100 anni. di Wagner leggendola a rovescio!».
Il Teatro dell’Opera di Roma renderà così omaggio a quella che da molti è stata definita l’ultima Tentativi di rinnovare la musica, di strapparle di dosso quel velo di popolarità, tradizione o fol-
avanguardia artistica del Novecento nel nostro Paese, forgiata dal furore creatore dei suoi esponen- clore che tanto il movimento rifiutava, fino all’incitamento a «disertare i conservatori, i licei e le
ti più carismatici: da colui che ne coniò il termine, Filippo Tommaso Marinetti, da Umberto accademie, e determinatene la chiusura; si vorrà certamente provvedere alle necessità dell’espe-
Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Luigi Russolo, Gino Severini e tanti altri nomi più o meno rienza, col dare agli studi musicali un carattere di libertà assoluta».
noti. Una vita, quella del futurista, che doveva essere scandita dalla creazione continua e dal tremo- La ricerca profetica di ‘sgocciolii’ e ‘fruscii’, intesi quali suoni e non come rumori, quindi le anti-
re delle idee, fino al fanatismo tecnologico e all’abisso oscuro, cosciente o meno, in cui il fascismo cipatrici realizzazioni meccano-sonore dell’Intonarumori e dell’Arte dei rumori di Luigi Russolo,
prima e la Grande Guerra poi trascinò molti di loro. Alcuni abbracciarono l’impeto bellicoso, facen- oggi riconosciuto come antesignano della musica elettronica contemporanea. Fino ai cosiddetti
do del Futurismo più una fede politica che una pratica culturale, altri se ne allontanarono portando «rumori trovati», già sperimentati negli spettacoli radiofonici di Marinetti e alla base delle avan-
con sé, comunque, la forza pura e primigenia dell’istinto creatore futurista. Casella non si definì guardie musicali anni Sessanta, di artisti eclettici come John Cage e Steve Reich.
mai un futurista, come non lo era Savinio, ma le loro opere portavano e portano inevitabilmente i Concludendo, con le parole del Manifesto della musica futurista di Pratella, per i Futuristi biso-
semi dell’avanguardia artistica, come i Deux contrastes dedicati a Boccioni e alla sua prematura gna sempre e solo: «… Liberare la propria sensibilità musicale da ogni imitazione o influenza del
scomparsa, o gli Chants con il loro carico di innovazione tecnica. passato, sentire e cantare con l’anima rivolta all’avvenire, attingendo ispirazione ed estetica dalla
Vale lo stesso per gli altri autori in programma, fin da subito dichiaratisi figli del Futurismo, vi natura, attraverso tutti i suoi fenomeni presenti umani ed extraumani». Che il pubblico romano del
dedicarono la loro vita artistica, sociale e politica, tesa alla creazione di suoni e mondi sonori ine- Teatro dell’Opera si prepari.
diti, che il pianista Daniele Lombardi riproporrà al Teatro dell’Opera di Roma in un’atmosfera sine- Flavio Fabbri

CRONACHE DI BRUEGHELLANDIA
Un’anti-anti-opera, un «pastiche» grottesco, frivolo ed assurdo, dal music hall al teatro delle marionette jazz, folclore magiaro,
citazioni classiche, echi verdiani, rossiniani, beethoveniani. Pur sempre la Morte, nel Grand Macabre di Gyorgy Ligeti

a cosa dobbiamo quel senso di inquietu-

dine e terrore che ci pervade mentre
assistiamo alle scene salienti del film
horror Shining di Stanley Kubrick,
come il palesarsi definitivo della pazzia di Jack
Torrance, alias Jack Nicholson o l’apparizione
delle gemelle Grady a suo figlio Danny? È pos-
sibile che, se non del tutto, almeno in parte tale
sensazione ci derivi dall’incalzare delle note
dell’opera per orchestra Lontano di Gyorgy
Ligeti. Dello stesso Ligeti, è anche la musica
Atmospheres che aleggia lungo le scene di 2001
Odissea nello spazio insieme a molte altre
opere del compositore transilvano.
È in questi e in numerosi altri componimenti
di Ligeti che emerge l’anticonvenzionalismo
del suo linguaggio artistico; che si concretizza
quell’abbandono totale di melodia, armonia,
ritmo, in favore della supremazia del timbro del
suono; che prende forma
quel fenomeno chia-
mato, con un termi-
ne coniato da
Ligeti stesso,
micro polifo-
nia. Una tec-
nica tramite
cui l’autore,
servendosi di
canoni e rata ai toni grotteschi,
scrittura poli-
fonica, toglie
alle varie voci
la loro specifica
identità melodica,
rendendo l’organico
una densità sonora che
modifica il timbro. La
micropolifonia e l’uso antidogmatico
del linguaggio musicale quanto verbale
permeano tutta la produzione di Ligeti
fino agli anni 70 rendendo i suoi lavori
delle vere e proprie anti-opere, radicalmen-
te distaccate dalla tradizione, cui si guarda
solo attraverso una lente deformante. Ma qual-
cosa cambia nell’ultimo periodo creativo di
questo compositore ebreo nato nel 1923 nella
città ungherese Dicsoszenmarton. Ligeti sente
infatti di dover ripensare il proprio linguaggio:
da un lato sviluppando la componente mimica,
già presente in sue opere precedenti, dall’altro
recuperando elementi più vicini alla tradizione.
È in questo contesto «retrospettivo» che
nasce Le Grand Macabre, opera in due atti e
quattro scene composta tra il 1975 ed il 1977,
revisionata nel 1966, definita dal suo stesso
autore un’anti-anti-opera, caratterizzata da
due coppie di amanti dai nomi ridicoli: Amando
e Amanda; Mescalina ed Astradamors; nonché
nel principe Go-Go nel cui palazzo Nekrotzar
fa la sua apparizione accompagnato da una
musica terrificante, tema distorto del finale
un’azione evidente e da un testo comprensibile, dell’Eroica di Ludvig van Beethoven. Ma le
in contrapposizione all’anti-operismo di peripezie dei personaggi culminano in un ina-
Maurice Kagel. Anti-operismo che trova la sua spettato finale, non si sa se più lieto o grottesco,
massima espressione nello Staatstheater in cui la Morte unitasi agli stravizi di Piet e
(Balletto per non danzatori) del compositore Astradamors stramazza al suolo ubriaca, essen-
argentino fautore del teatro strumentale, la cui do così l’unica a perire in questo parodistico
opera, improntata al teatro dell’assurdo, si allon- Giorno del Giudizio.
tana dai classici del passato ripensandoli e dis- La trama di Le Grand Macabre è già emble- Verdi, Gioachino Rossini e Ludvig van
sacrandoli in una deformazione parodistica. matica della dimensione ironica che caratteriz- Beethoven dall’altro; sono gli ingredienti di
Le Grand Macabre sarà per la prima volta in za quest’opera di Ligeti, incontro felice tra i più questo pastiche dalle tinte umoristiche ed ironi-
scena a Roma al Teatro dell’Opera con 5 reci- disparati generi teatrali e musicali. Tradizione che che tuttavia non possono non imprimere un
te: il 18-19-20-21-23 giugno. Un nuovo allesti- operistica, music hall, teatro delle marionette, forte senso di inquietudine ed irrequietezza in
mento del Teatro La Monnaie di Bruxelles in teatro Alfred Jarry da un lato; jazz, musica fol- chi vi assista.
coproduzione con il teatro dell’Opera di Roma, klorica magiara citazioni classiche di Giuseppe Livia Zanichelli
l’English National Opera di Londra e il Gran
Teatro Liceu di Barcellona, diretto del Maestro
Zoltan Peskò e per la regia di Alex Ollè.
Rappresentata per la prima volta il 12 apri-
le 1978 al Teatro Reale dell’Opera di
Stoccolma, ente e committente tramite
Goran Gentele direttore del Teatro, Le
Grand Macabre è un’opera in due atti e
quattro scene, su libretto di Michael
Meschke, liberamente ispi-
all’atmosfera misti-
ca e carnevalesca
presenti nella
pièce teatrale
La ballade du
grand maca-
bre del
drammatur-
go belga
Michel de
Ghelderode,
nonché ai
temi fantastici,
ai raccapriccian-
ti, apocalittici sce-
nari dei quadri di
Brueghel.
È infatti proprio a Brueghellandia che giunge
Nekrotzar, le grand macabre, per annunciare la
fine del mondo e dare il via con l’aiuto del-
l’ubriacone Piet al dies irae. L’angelo della
morte si imbatterà nel corso della sua opera in
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:51 Pagina 12

SOUND
tracking
Music In  Primavera 2009

MOKADELIK L’intervista a CHE GUEVARA Alberto ONDA Disoccupazione, ingiustizie sociali,

a cura di ROBERTA MASTRUZZI Cristian Marras Nella moka caffè, Iglesias, un eclettico, racconta in malcontento, inflazione, nazionalismo esa-
Salvatores e Ammaniti. Da servire caldo musica la vita del Comandante sperato favoriscono la nascita di una dittatura

COME SALVATORES COMANDA

QUATTRO FORMAGGI È OSSESSIONATO DA DIO, DAL PRESEPIO E DA UNA PORNODIVA (MA CHI NON LO È?)

N ati nel 2000 con l’iniziale nome Moka, i

romani Mokadelic mescolano sapiente-
mente post rock e suggestioni psichedeliche in
un impasto sonoro denso e rarefatto allo stesso
tempo nel suo incedere esclusivamente stru-
mentale. Con due dischi e diversi ep all’attivo,
già protagonisti con la loro musica di diversi
cortometraggi e partecipi del progetto Violenza
124 con Niccolò Fabi, vengono in seguito inca-
ricati dal registra Gabriele Salvatores di com-
porre la colonna sonora per il suo film Come
Dio comanda, tratto dall’omonimo romanzo di
Niccolò Ammaniti. Music In approfondisce
questa interessantissima realtà alla ribalta.
Com’è avvenuto l’incontro con Gabriele
Salvatores?
L’incontro artistico è avvenuto quasi per caso:
un giorno Gabriele Salvatores ha sentito a casa
di un amico comune il nostro precedente lavoro
Hopi e giudicando le atmosfere che avevamo
descritto nel nostro precedente album in linea
con quelle che aveva intenzione di descrivere in
Come Dio comanda siamo entrati in contatto.
Niccolò Ammanniti l’avete conosciuto?
Lo abbiamo conosciuto di persona a casa sua
a Roma in occasione dell’ascolto collettivo del-
l’opera Violenza 124 di Niccolò Fabi.
La vostra musica già in passato era diventa-
ta colonna sonora per alcuni cortometraggi.
Salvatores invece vi ha chiesto di scrivere
brani liberamente ispirati alle atmosfere e ai
temi che sarebbero stati affrontati nel film:
composizioni suggerite dalla sceneggiatura,
dai luoghi, dai personaggi. Cosa ha compor-
tato questo modo di procedere differente per
il vostro approccio alla composizione?
Questo ha comportato per noi una immersione
nel mondo che veniva descritto da Ammaniti, un
mondo dalle tinte molto forti, decise, drammati-
che, un metodo per noi assolutamente nuovo e
inusuale anche nel cinema. Fino a Come Dio
comanda infatti abbiamo avuto esperienze come
colonne sonore ma in maniera differente, i nostri
brani venivano utilizzati a commento delle imma-
gini dopo che questi erano già ultimati effettuan-
do così solo un lavoro di editing. In questo caso
invece siamo partiti dalla psicologia dei perso-
naggi, dalle sensazioni che noi per primi aveva-
mo provato nel conoscere la storia e le abbiamo
trasportate nei temi principali che poi sono anda-
ti a comporre la colonna sonora del film.
Avevate già letto il romanzo di Ammaniti
prima di accettare l’incarico di comporre la
colonna sonora per Come Dio comanda?
Alcuni di noi si, altri no, in ogni caso leggere
il libro e la sceneggiatura, firmata anch’essa
dallo stesso autore, è stato un passaggio fonda-
mentale e precedente all’intero lavoro dunque il
vero punto di partenza di tutto il processo. Senza
leggere il libro sarebbe stato tutto molto più dif-
ficile, mentre conoscere i personaggi fino al loro
profondo ha aiutato ad esprimere in musica ciò
che con le parole non è possibile esprimere.
Una volta terminate le riprese, come è stato
vedere il film con la vostra
musica ad accompagnarlo?
È stata davvero una forte
emozione. Una caratteristica
del film è quella di far
parlare i personaggi attraverso
la musica, che quindi ha rico-
perto anche un ruolo fonda-
mentale, per questo essere
investiti di una tale responsabi-
lità ci ha lusingato.
Come Dio comanda, oltre che
un romanzo ed un film, è anche un disco dei
Mokadelic a tutti gli effetti. Post rock e psi-
chedelica gli ingredienti principali per un
tipo di musica strumentale che spesso sem-
bra nascere anche dall’improvvisazione. Da
cosa o da chi vi sentite ispirati nel momento
in cui prende vita un brano dei Mokadelic?
Niente in particolare se non dalle sensazioni
che proviamo nel momento in cui iniziamo a suo-
nare. Sicuramente l’incipit è l’improvvisazione,
che è per noi il metodo di creazione più natura-
le che avviene per ognuno in maniera molto libe-
ra. Una volta individuate delle idee interessanti
si inizia a condividere e lì nasce il lavoro di
gruppo. Il risultato che assume le sembianze
mokadeliche però è qualcosa che va al di là delle
volontà e delle abilità di ognuno di noi.
Il 2008 è stato sicuramente un anno impor-
tante per voi. Vi ha visti protagonisti anche
del progetto Violenza 124 con Niccolò Fabi,
a cura di Gianluca Gentile
che tra l’altro è presente al piano anche in
alcuni brani di Come Dio comanda. Cosa ha
significato per voi questo progetto e in parti-
colare la collaborazione con un artista affer-
mato da anni nel panorama italiano?
Ha rappresentato innanzitutto una grande
possibilità: collaborare con Niccolò infatti ci ha
lusingato, anche perché ha coinvolto nel proget-
to persone che stima tantissimo e per noi fare
parte di quella cerchia è stato motivo di grande
soddisfazione. Inoltre la natura del progetto ci è
sembrata davvero particolare, una occasione
per sperimentare un metodo nuovo di fare musi-
ca e per noi una sfida molto appassionante.
Cosa c’è invece nel futuro dei Mokadelic?
Portare il più possibile in giro la nostra musi-
ca con i live. Dopo tanto tempo passato in stu-
dio, ora fare concerti è diventata una vera neces-
sità per noi che siamo una band che ha sempre
suonato più dal vivo che in studio.

CHE GUEVARA Flavio Fabbri L’ONDA Roberta Mastruzzi

Ne sono stati fatti davvero pochi di film su

Che Guevara. Considerando la mole del
personaggio, il mito che alimenta se stesso e la
forza catalizzatrice, non si capisce perché dal
1969 sono state girate solo 7 pellicole. Steven
spagnolo Alberto Iglesias, fedelissimo collabo-
ratore di Pedro Almodovar (Tutto su mia madre,
Parla con lei, La mala educación) con cui ha
vinto sei Goya, ricevendo anche una nomina-
tion ai Golden Globe per la miglior colonna
« Quali sono i fattori che favoriscono la
nascita di una dittatura in un Paese?»
«La disoccupazione, le ingiustizie socia-
li, il malcontento, l’inflazione, il nazionalismo
esasperato »
situazione è inevitabilmente compromessa e
l’esperimento deve essere interrotto.
Per una volta, non parleremo della colonna
sonora, seppur essa risulti perfettamente inte-
grata al contesto, con i suoi ritmi incalzanti e
Soderbergh ne ha sonora di Il cacciatore di aquiloni e agli Oscar Queste sono le risposte degli allievi di Rainer frenetici, quasi volesse gridare un disagio trop-
firmate addirittu- per The Costant Gardener. Wenger, docente che tenta di spiegare ai suoi po grande da sopportare, per dare invece risalto
ra due, in realtà Un compositore eclettico, esperto malgrado ragazzi cosa sia l’autarchia. Siamo in al senso profondo del film, che è prima di tutto
un unico prodotto la giovane età, che spesso è passato a comporre Germania, ma potrebbe essere l’Italia o qualsia- un monito contro chi pensa che il fascismo e il
cinematografico dalla musica sinfonica a quella da camera, dalla si altro Paese del mondo. Siamo ai giorni nostri, nazismo siano episodi storici e isolati.
che il mercato ha danza classica a quella moderna. In questa ma ciò che viene raccontato nel film L’onda è Cambiano nome, forma ed appartenenza politi-
chiesto di scinde- soundtrack sono da evidenziare due pezzi molto realmente capitato nel 1967 in una scuola di ca ma sono sempre lì, negli angoli più nascosti
re in due: Che- significativi: Fusil contra fusil di Silvio Palo Alto, California. Per far capire ai propri del nostro animo, perché l’uomo è anche istin-
L’argentino e Rodriguez e Balderrama di Mercedes Sosa. studenti come il pericolo del nazismo sia sem- to. Ed è un istinto di sopravvivenza, innanzitut-
Che-Guerriglia Due score piene di malinconia, passione, amore pre dietro l’angolo, un inse- to. Non a caso sono le per-
(sugli schermi per la vita e per i propri ideali, che vedono la gnante inizia un esperimen- sonalità più deboli a cedere
italiani rispettiva- partecipazione di due artisti molto popolari, to: trasforma la sua classe per prime al richiamo del-
mente ad aprile e rispettivamente dalla tradizione cubana e argen- in un movimento - «l’on- l’ideologia: per sentirsi
maggio). tina. Tracce di forte impatto narrativo, come da» che dà il titolo al film finalmente gratificati dal-
Sono questi Sierra Maestra o Luces Y Sombras, che fanno del regista Dennis Gansel - l’appartenenza ad una
due ottimi film in da cassa armonica al coinvolgimento del Che invitando tutti a seguire una comunità e per sopravvive-
fondo, che vedo- Guevara nella ribellione di Fidel Castro contro rigorosa disciplina, a re all’interno di una società
no Benicio Del il regime di Fulgenzio Batista nel 1959 a Cuba. vestirsi in un determinato sempre più indifferente
Toro interpretare Mentre nel secondo episodio, quando il Che modo, inventando gesti di all’esigenze più profonde
in modo superbo accoglie su di sé la missione di diffondere l’idea riconoscimento e piccoli dell’animo umano. Il
il Comandante Guevara, tanto da aggiudicarsi la rivoluzionaria in tutta l’America Latina parten- riti e assumendo egli stesso rischio è quello di cadere
Palma d’Oro come Miglior Attore a Cannes do dalla Bolivia, emergono le tracce I Want To il ruolo di guida. Nulla di nell’errore di pensare che
2008. Una produzione cinematografica molto Take The Revolution To Latin America e Patria pericoloso all’apparenza. I certe debolezze capitino
lunga (sette anni), tra biografie più o meno uffi- O Muerte che fermano in note drammatiche ragazzi accettano con entu- solo agli altri. Ma già rite-
ciali e consulenze, che poi in fin dei conti non quanto evocative i momenti più emozionanti. siasmo il compito, quasi un nere di essere migliori del
stravolgono più di tanto la biografia del ‘Che’ Si arriva così all’epilogo, che per noi coinci- gioco per loro, sperimen- resto dell’umanità è forse il
che tutti conosciamo. Una storia infinita, tra libri, derà al cinema con l’episodio Che-L’argentino, tando la potenza e il fascino primo passo verso l’autar-
pellicole, ricordi e speranze mai infrante, che quando il Comandante troverà la morte nel del sentirsi parte di un chia, concetto ben sintetiz-
anche la musica ha continuato ad alimentare ed 1967, fucilato da un reparto militare antiguerri- gruppo. Ma quando l’ugua- zato da uno dei protagonisti
accrescere. glia boliviano assistito da agenti speciali della glianza diventa omologa- all’inizio del film: «quando
La colonna sonora del ‘Che’ di Soderbergh, CIA, che il tema musicale La Higuera, October zione, non c’è più spazio un singolo uomo o un grup-
(in Italia ancora non disponibile), è uscita negli 9, 1967 (luogo, giorno e anno della sua morte) per le voci fuori dal coro e po ha il potere di fare le
Stati Uniti con l’etichetta Varese Saraband e in sottolinea solennemente, accompagnando la la coesione del gruppo diventa violenza contro leggi per sé e per il proprio gruppo senza alcu-
un unico cd. Musica curata dal compositore fine dell’uomo e la nascita del mito. chi non ne fa parte. Dopo soli sei giorni, la na reale opposizione».

THE WRESTLER SE MAI VEDESSI UN CANE CON UNA ZAMPA SOLA, QUELLO SONO IO Roberta Mastruzzi

H ave you ever seen a one-legged dog making its way

down the street? La ballata acustica che Bruce
Springsteen ha scritto per The Wrestler di Darren Aronofsky
non è solo la musica che accompagna i titoli di coda, ma è
anche la sua chiave di lettura.
Mickey Rourke interpreta Randy «The Ram» Robinson,
eroe del wrestling americano degli anni 80, che venti anni
dopo aver raggiunto l’apice del proprio successo, si trova a
fare i conti con se stesso. La vita non è facile, soprattutto se
sei stato acclamato come un eroe, ti hanno fatto credere di
essere indistruttibile e invece ti ritrovi con un corpo che riven-
dica il suo diritto ad invecchiare.
È cosa abbastanza nota che nel wrestling tutto sia finto e il
regista ci mostra come negli spogliatoi ogni botta, ogni colpo
basso sia pianificato a tavolino. Forse non tutti sanno però che, al contrario di quanto succede nei
film, il sangue è tutto vero. Come in molti mestieri, più o meno leciti che siano, il corpo è strumen-
to di lavoro, ma qui è anche un corpo che volontariamente soffre, si procura ferite profonde, sop-
porta i dolori più estremi fino a diventare carne da macello. E tutto perché lo spettacolo continui.
Poi, quando si spengono i riflettori, ci si ritrova fare i conti con l’altra parte della vita.
Quella in cui non puoi sbagliare, perché un colpo dato male è una ferita nell’anima di qualcun’al-
tro. È così che Randy deve confrontarsi con una figlia (Evan Rachel Wood) che ha abbandonato e
con la quale tenterà di riavvicinarsi, con l’amore per una ballerina di lap-dance non più giovanissi-
ma (Marisa Tomei) con cui vorrebbe ricostruire una famiglia, con un cuore malato che non gli con-
sente di fare ciò che più ama al mondo, il suo lavoro. Ma il destino non si può cambiare e alla fine,
come salmoni che risalgono la corrente per tornare al luogo in cui sono nati, ognuno arriva alla pro-
pria meta.
Il richiamo è troppo forte, la gente vuole il suo spettacolo e l’avrà, anche a costo della tua stessa
vita. La risposta è nelle parole del Boss, che ogni volta che viene chiamato dal cinema non delude
gli spettatori e come già con Philadelphia, Dead Man Walkin’ e The Fuse (scritta per La 25° ora)
aveva inchiodato il pubblico alle poltroncine del cinema fino all’ultimo dei credits, così anche in
the wrestler Springsteen incanta e invita a riflettere sul triste destino di certi eroi: If you’ve ever seen
a one-legged dog then you’ve seen me.
RIVISTA primavera.QXP 22-04-2009 13:51 Pagina 13
Music In  Primavera 2009
ARIA L’intervista a Roberto Herlitzka
Respirare non vuol dire aspirare se nei pol-
moni non c’è aria, ma vuoto.
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
ARIA
PARACADUT
(...) La colonna sonora la scrive quello stes-
so Allevi che considera la musica
«parente stretta della settima arte», che è la
cinematografia, una «colonna sonora di film
immaginari». Questa volta il film c’è, è uscito
solamente in due sale a Roma nel Warner
Village Parco dei Medici e nel Cineplex
Gulliver - e rischia di passare inosservato come
quei piccoli capolavori coraggiosi che affronta-
no temi delicati. La disforia sessuale, l’infelici-
tà, il buio, la rinnegazione di se stessi sino alla
rinuncia a suonare il pianoforte. Roberto
Herlitzka è qui ed è un uomo, una donna e un
pianista.
Cosa ha trovato in Giovanni?
Ho trovato il significato del percorso che ho
compiuto per immedesimarmi. L’aspirazione a
un tipo di bellezza che non si possiede si identifi-
ca, nell’uomo, con il significato attribuito all’im-
magine femminile, quella che Giovanni diversa-
mente non desidera possedere indirettamente,
tramite una donna, ma avere per se stesso.
Essendo un artista trasferisce il proprio desi-
derio dentro quell’aspirazione alla bellezza che
anche l’artista vuole rappresentare. Nel caso di
NOTIZIE: UNA BELLA
UNA BRUTTA
«ASPETTANDO IL SOLE» E «IL CASO DELL’INFEDELE KLARA»
La bella notizia è: esistono registi italiani
che tentano di battere nuove strade
espressive, cosa insolita per il cinema nostrano
degli ultimi anni. Quella cattiva è che il risulta-
to è a volte deludente, e non solo a livello di
«incasso al botteghino».
È il caso ad esempio di Aspettando il sole,
prima opera di Ago Panini, regista che viene dal
bel mondo della pubblicità: nonostante un cast
di tutto rispetto, formato dagli attori più noti del-
l’ultima generazione - Giuseppe Cederna,
Claudio Santamaria, Raoul Bova, Claudia
Gerini, Vanessa Incontrada e molti altri - è rima-
sto in pro-
grammazione
nelle sale il
breve spazio
di una setti-
mana o poco
più.
Al pubbli-
co, ma anche
a parte della
critica, non è
piaciuto il
tentativo di
«confeziona-
re» un film
che ricorda
troppo da
vicino nella
trama e nel
suo svolgi-
mento registi
come Robert
Altman (un
complicato
intreccio di
vite e destini)
e Quentin Tarantino (il rac-
conto si svolge nelle camere
di un albergo - vedi Four
Rooms - e non mancano
scene alla Pulp Fiction).
Ambientato in una notte
qualsiasi del 1982, quando -
come dice il regista - era
ancora possibile perdersi
prima che l’avvento di telefo-
nini, internet e navigatori
satellitari ci rendesse tutti
costantemente rintracciabili,
il film è da apprezzare per la
scelta coraggiosa di affidare
la colonna sonora a Nicola
Tescari, giovane compositore
autore della colonna sonora
di Texas.
Tra gli interpreti del film
c’è Raiz, voce storica degli Almamegretta, e
sarebbe stato logico affidare la musica del film a
lui che invece si limita ad interpretare nel finale
un suo brano, Sole, in una nuova versione com-
CINEMA ITALIANO Le colon-
ne sonore di Enzo Pietropaoli,
Fulvio Maras e Giovanni Venosta
questo personaggio l’identificazione è addirittura
fisica, pur sempre impossibile, quindi dolorosa.
La musica svolge un ruolo di catarsi?
Nella storia ciò non accade, niente catarsi: la
musica rappresenta sì un richiamo a qualcosa
che Giovanni aveva molto desiderato ma a cui
lui rinuncia. Durante l’infanzia e la giovinezza
attraverso di essa riusciva ad ottenere parte di
quanto nascostamente desiderava; poi, per cre-
arsi una vita normale, reprime tutto.
Abbandona anche la musica e, all’apparire di
quel bisogno ecco che essa diventa un tormen-
to più che una salvezza.
Lei suona qualche strumento?
Ho studiato da ragazzo il pianoforte, per lun-
ghi anni ho letto la musica di mia iniziativa,
nello spettacolo teatrale Le tre sorelle di
Cechov suonavo il piano.
Nel film ho suonato solo nella scena in cui ese-
guo in un bar un «mio» brano, in realtà compo-
sto da Giovanni Allevi; nel resto del film fingo di
suonare Bach durante il concerto o Brahms in
casa con mia figlia, ma si tratta di riproduzioni
da dischi.
Com’è stata la collaborazione con Allevi,
avendo voi un punto di incontro che è stata la
musica e una necessità di collaborare che
immagino più forte per lei rispetto agli altri?
Devo ammettere che Allevi l’ho visto una sola
volta quando, prima che cominciassimo a gira-
re, venne chiamato dalla produzione per mostra-
pletamente riarrangiata dallo stesso Tescari ed
eseguita dagli Hotel Bellevue (dal nome dell’al-
bergo in cui si svolgono le vicende), gruppo di
musicisti del calibro di Enzo Pietropaoli e
Fulvio Maras, riuniti insieme per l’occasione. Il
risultato è un’ottima colonna sonora, inconsueta
e in linea con lo spirito noir che accompagna il
film. Le corde del contrabbasso di Enzo
Pietropaoli - che già con Note di basso, il suo
ultimo lavoro per contrabbasso solo, ha lasciato
intendere quanta forza inespressa ci sia nel suo
strumento - lasciano vibrare nell’aria un suono
morbido e doloroso allo stesso tempo.
Molto più convenzionale invece
la colonna sonora che Giovanni
Venosta ha scritto per il nuovo film
di Roberto Faenza, Il caso dell’in-
fedele Klara. Il tema centrale del
film, tratto da un romanzo di
Michal Viewegh, è l’eccessiva
gelosia di Luca, musicista italiano
interpretato da Claudio
Santamaria, verso la fidanzata
Klara (Laura Chiatti) che lo porte-
rà ad assumere un investigatore
privato per trovare le prove dell’in-
fedeltà della ragazza.
Il film gioca su due piani, la pas-
sione e il dramma di Luca contro la
freddezza e lo sguardo cinico del-
l’investigatore, e la musica si tiene
in equilibrio nel gioco delle parti,
spaziando tra vari stili, dal jazz al
reggae, e utilizzando strumenti
come il cimbalom
ungherese e il mandoli-
no (il film si svolge tra
Praga e Venezia).
Venosta, finora noto
soprattutto per le colon-
ne sonore dei film di
Silvio Soldini, si ispira
deliberatamente a Il titolo non inganni: Revolutionary è solo il
Ennio Morricone
(Indagine su un cittadi-
no al di sopra di ogni
sospetto) ed inserisce
suoni un po’ vintage,
come lo scacciapensieri
o il fischio, che richia-
mano i tempi d’oro dei
film polizieschi anni 70
e della commedia
all’italiana. Una colon-
na sonora costruita ad
arte, un po’ scontata
forse, ma capace di far
rivivere i tempi in cui il
cinema italiano era
ancora capace di emozionare e divertire senza
far sentire stupidi gli spettatori.
Roberta Mastruzzi
SOUND
tracking
REVOLUTIONARY ROAD Thomas
Newman ancora su un film di Sam Mendes
a cura di GIOSETTA CIUFFA
re come si sta seduti al piano- allo spirito, la canzone
forte agli attori Olivia Magnani si ferma a uno stadio più
e Francesco Martino (che inter- sentimentale.
preta me da giovane). Io non ne Quale pezzo le ha dato
ho avuto bisogno. L’ho cono- un’emozione?
sciuto allora e, con gli altri Se ne citassi solamen-
attori, abbiamo trascorso delle te uno farei un torto ad
ore insieme ma non c’è stata altri; mi piacevano mol-
una collaborazione vera e pro- tissimo le canzoni di
pria, anche perché la colonna Lucio Battisti e Mina,
sonora è stata composta dopo brani che fanno parte
aver girato il film. della mia giovinezza, un
Che cosa la musica aggiunge momento in cui interes-
al film? sano di più le canzoni;
Le composizioni originali di mentre, per la musica
Allevi per accompagnare il film classica, quando sento
sono suggestive; accanto ad Chopin mi pare sia il più
esse i classici come Bach, bello, ma Bach mi emo-
Brahms, Chopin, Beethoven, di ziona di più.
certo «non guastano». A quali altri progetti si
Cosa rappresenta per lei la dedicherà?
musica e quale genere prefe- Girerò la versione
risce? cinematografica di
Sono appassionato, la ascolto, vado ai concer- Edipo a Colono, uno spettacolo teatrale scritto e
ti. Ho ascoltato tanti cantanti quando ero ragaz- ridotto per il cinema dal regista Ruggero
zo, ora di meno. Apprezzo la musica classica, Cappuccio, che a teatro ho già interpretato in un
non direi che la preferisco ma è difficile fare una monologo anche calandomi in altre parti con i
distinzione tra classica e leggera perché se una burattini, come vecchio puparo siciliano. Nella
canzone è molto bella può dare un’emozione non sceneggiatura cinematografica sarò un profes-
tanto diversa da una composizione; la musica sore un po’ fuori di testa con dei ricordi simili
classica tocca più nel profondo, arriva proprio alla vicenda di Edipo. Un Edipo vedente.
REVOLUTIONARY ROAD
Dsuo,opo American Beauty Sam Mendes torna a
raccontare la famiglia americana a modo
pri sogni, Parigi. Mai sottovalutare la potenza
dell’immaginazione: l’idea di lasciarsi tutto alle
e così anche in Revolutionary Road la vita spalle e ricominciare da capo in un’altra città
familiare è rappresentata senza ipocrisie e sembra appianare ogni conflitto. Il risveglio dal
romanticismi. La sceneggiatura nasce dal libro
di Richard Yates e nella sua versione cinemato-
grafica il ruolo dei protagonisti è affidato a
sogno sarà brusco e inevitabilmente tragico.
La tesi di Sam Mendes è che la nuova forma
di schiavitù sia il mutuo da pagare, invenzione
Leonardo Di dell’età moderna per consentirci di vivere l’illu-
Caprio e Kate sione che a questo mondo tutto si possa com-
Winslet. prare, a rate. Ma queste ti legano per sempre a
Ancora una un progetto che può cambiare, a un amore che
volta, come può finire, a un lavoro che non puoi lasciare. Lo
in tutti i pre- scontro con la realtà può essere molto duro e
cedenti film per fuggire da essa (e da se stessi) ci si inventa
di Mendes, un posto dove essere felici. È così in tutto il
la colonna mondo, che siano gli anni Cinquanta o il ventu-
sonora è di nesimo secolo, che sia il Connecticut o
T h o m a s l’Europa, ognuno sogna di essere da qualche
Newman. altra parte: Parigi o New York, cambia solo la
Nella sound- sponda da cui si guarda l’Oceano. La felicità
track il com- sembra essere sempre al di là di qualcos’altro.
positore
sembra quasi Roberta Mastruzzi
citare se
stesso: la
musica ricor-
da molto quella scritta nel 1999 dallo stesso
Newman per il film interpretato da Kevin
Spacey e Annette Bening con cui il regista
inglese esordì e che gli valse l’Oscar. Ma qui, in
Revolutionary Road, nella sceneggiatura e nella
musica, manca quella nota di ironia e leggerez-
za con cui in American Beauty il regista ripren-
deva i suoi personaggi.
A guardar bene, la differenza sta proprio nel
fatto che nel primo film erano «personaggi»
appunto, rappresentativi ognuno di un partico-
lare tipo di genere umano: il quarantenne in
crisi, la madre in carriera, la ragazzina un po’
lolita, il padre severo e così via. Nell’ultimo
film di Mendes, i personaggi sono diventati
«persone» e hanno acquisito sfumature ancora
più reali e proprio per questo drammatiche. La
musica che in American Beauty quasi commuo-
veva ora è tragica, la poesia ha lasciato il posto
alla realtà.
nome della strada di una cittadina nel
Connecticut dove vivono i protagonisti, Frank e
April. Quando si conoscono lui ancora non sa
cosa fare della sua vita, lei studia per diventare
attrice e si sentono destinati a diventare qualco-
sa di speciale. Il tempo passa e Frank si ritrova
intrappolato in un lavoro che non ha scelto,
April ha rinunciato alle sue ambizioni artistiche
per dedicarsi alla famiglia.
I sogni giovanili hanno ceduto il passo all’ur-
genza della realtà: la casa da comprare, i figli da
crescere, le regole della convivenza sociale.
Sono gli anni Cinquanta e il conformismo è la
risposta all’insicurezza di una società appena
uscita dalla guerra: gli uomini con abito scuro e
cappello al lavoro e le donne con grembiule da
cucina e messa in piega perfetta accanto al
focolare. Qualcosa non va nel rapporto tra i due
e la donna immagina un futuro diverso in un
luogo dove poter vivere liberi e realizzare i pro-
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BEY&further
OND
POLITICA Intervista a Federico Mollicone Ci siamo
a cura di ROMINA CIUFFA domandati se il direttore del Teatro dell’Opera non debba, per
caso, essere sordo, oltre che Muti.
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA a cura di ROMINA CIUFFA
LE MADRI
DELLE FIDANZATE
(...) Al presidente della Commissione Cultura di Roma ho chiesto se per
caso non ci sia qualcosa che non va nel nostro sistema, considerato
che, per cause politiche che nulla hanno a che vedere con la musica, stava per
saltare l’Ifigenia del Maestro Riccardo Muti.
Mutatis mutandis: questa figlia di Agamennone non era stata già una volta
immolata ad Artemide su consiglio di un indovino, per placare le tempeste
che la dea aveva provocato nel mare che bagnava Aulide, sulle coste della
Beozia, per impedire che Agamennone partisse per Troia?
Ne avevamo parlato su Music In, prima
ancora che accadesse il «fattaccio». Teatro
dell’Opera o degli Operai?
Le linee di indirizzo per il rilancio del
Teatro dell’Opera prospettate dal Sindaco
Gianni Alemanno contengono indissolubil-
mente la difesa dei dipendenti del Teatro
dell’Opera, dagli artisti del coro dell’orche-
stra fino all’ultimo figurante o tecnico.
Perché non si considera lo spettacolo
un’industria e l’artista un lavoratore?
Il problema risiede nella forma giuridica
che vede i teatri dell’Opera rappresentati da
fondazioni liriche, e questo rende complesso
sia il discorso dei finanziamenti pubblici che
quello delle sponsorizzazioni private.
La dignità professionale degli artisti è
compromessa, considerarli «scansafati-
che» è prerogativa italiana; noi non dimentichiamo mai che alle
Accademie di Musica non è ancora stato riconosciuto il grado di
Università. Non è necessario riqualificare gli artisti anche «dal basso»?
Il Comune di Roma ha dato il via ad una serie di iniziative che afferma-
no il riconoscimento delle eccellenze giovanili artistiche. Il Festival
«Adrenalina-L’arte emerge in nuove direzioni» è il paradigma di questa
politica culturale che ha promosso giovani emergenti nelle arti visive, musi-
cali e coreografiche.
Si è parlato, nel dibattito sul rilancio del Teatro dell’Opera, di elimina-
re gli sprechi. Ciò vuol dire eliminare gli artisti: vero o falso?
È vero che i tagli del FUS colpiscono soprattutto le produzioni: purtrop-
po, per come sono stati gestiti gli enti lirici e i teatri pubblici in passato, ci
sono stati e ci sono ancora molti sprechi che possono essere eliminati.
Fus: come «ripartire»? In entrambi i sensi: ri-partenza e ri-partizione.
Il Fus è un contesto sicuramente da ripensare, in quanto troppo condizio-
nato da influenze politiche ma anche da scelte apparentemente tecniche, in
realtà discrezionali.
Quali i punti principali della discussione in corso in Commissione
Cultura sui finanziamenti pubblici allo spettacolo?
In Commissione Cultura abbiamo aperto una fase di ascolto che ha già
esaminato le audizioni del Teatro dell’Opera e dell’Auditorium.
Proseguiremo nei prossimi mesi con il Teatro di Roma, Santa Cecilia e tutte
le realtà istituzionali che hanno come interlocutori la Commissione stessa.
Da questi incontri purtroppo emerge una mala gestione negli anni passati
che porterà a scelte dolorose e comunque obbligate nel prossimo futuro.
Quale, idealisticamente, il modello di sostegno che in Italia più si addir-
rebbe alle attività musicali?
Un modello basato sul concetto sussidiario degli investimenti privati
nella Cultura. Ogni realtà dovrà potenziare gli uffici di Fund Raising e met-
tersi sul mercato. Penso alle grandi potenzialità che avrebbe l’Opera ita-
liana sul mercato orientale, mentre oggi siamo costretti ad acquistare
l’Aida da registi texani.
Tante case (una del Jazz, una del Cinema, una delle Letterature,
l’Auditorium e così via) pochi (selezionati) inquilini?
Il riordino delle strutture create dalla precedente Amministrazione è una
delle urgenze a cui sto lavorando, in collaborazione con l’assessore
Umberto Croppi. La cosa incredibile che abbiamo trovato è la disomoge-
neità nella gestione amministrativa. Alcune case sono autonome, altre addi-
rittura sono uffici comunali. Occorre mettere ordine, razionalizzare e vede-
re chi ha avuto capacità e successo, e chi no.
Cultura e fondazioni. È solo un problema di soldi?
Sicuramente, oltre alla copertura di budget delle stagioni, il problema è
il confronto con il mercato culturale. Ci sono delle programmazioni talvol-
ta incomprensibili di spettacoli teatrali sperimentali in teatri classici, met-
teremo ordine anche in questo ambito al più presto.
Dicono che l’udito del Maestro Muti sia assicurato per 10 milioni di
euro. Considerato che le sollecitazioni politiche sono di gran lunga
maggiori di quelle musicali - non sarebbe meglio un sordo a dirigere un
grande ente lirico in Italia?
Il prestigio che il Maestro Muti porterebbe al Teatro dell’Opera è condi-
zione necessaria ma non sufficiente al suo rilancio, se non accompagnata
da una direzione artistica capace di affermare il repertorio tradizionale e
rilanciarlo nel mondo, inserendo solo episodicamente opere sperimentali. In
sostanza non si capisce per quale arcano motivo non vendiamo al mondo che
ce le invidia le opere classiche e ci facciamo rifilare sperimentazioni già vec-
chie e già viste in Europa venti anni fa.
NORA THE PIANO CAT Intervista a una gatta
pianista In Pennsylvania c’è una gatta che sa suo-
nare il piano da quando aveva un anno
NORA
GATTA
PIANISTA
G ioacchino Rossini aveva scritto un Duetto buffo di
due gatti, un brano per piano e due voci femminili
che interpretano il miagolio suadente e lamentoso di
due mici. Il testo faceva proprio «miao». Un pezzo ironico
composto per ricordare quei due gatti che lo svegliavano
tutte le mattine nella sua residenza di Padua e che apparte-
nevano alla padrona di casa, alla quale lo dedicava. Oggi in
Pennsylvania c’è Nora, una gatta che sa suonare il piano da
quando aveva un anno: sa scegliersi le note, cerca quelle
nere, conosce il ritmo e lo segue, sa cambiare il volume.
Appoggia anche la testolina sulla tastiera mentre suona,
come faceva Beethoven da che divenne sordo. Non sarà un
caso, allora, che ha ottenuto milioni di visite su Youtube
questa micia. Vive con altri cinque gatti e due umani, Betsy
Alexander e Burnell Yow, che la presero per caso in un
negozio di animali del New Jersey, il Cherry Hill.
Betsy, diplomata in Composizione, suona e canta dal
1978, a 15 anni scrisse il suo primo musical, su Caino e
Abele, si trasferì a New York, scrisse i musical Stakin’ My
Claim, Another Kind Of Hero, poi un musical su Anna
Frank, un altro basato sulla commedia I Never Saw Another
Butterfly e molti altri per bambini. Per la sua gatta ha scrit-
to duetti, che ha pubblicato perché i suoi allievi potessero
studiarli: Nora the Piano Cat’s Easy Piano Duets (because
not everything in life should be hard) e Nora The Piano
Cat’s Impressive Sounding Duets (because sometimes you
just want to impress other people). Burnell è un pittore e un
musicista autodidatta. Insieme a Betsy ha creato il Raven
Wings Studio (www.ravenswingstudio.com).
Nora, come hai imparato a suonare il pianoforte?
Ho vissuto con Betsy e Burnell per circa un anno prima di
cominciare a suonare. Mentre i miei fratelli sonnecchiavano
al piano di sopra, io trascorrevo tutto il mio tempo sotto,
nello studio con Betsy e i suoi allievi. Ballavo - specchiando-
mi nel riflesso delle mie zampe - sopra la coda del pianofor-
te formando circoli mentre loro suonavano, e dalla coda del
piano osservavo dall’alto i libri di musica sul leggio e le loro
dita; altre volte mi sedevo accanto agli allievi sulla panca o
sulla poltrona e guardavo Betsy fare lezione. Mi piaceva
soprattutto infilarmi nel fodero della chitarra. Vedevo l’at-
tenzione che Betsy dava ai suoi allievi mentre suonavano ed
io adoro essere al centro dell’attenzione.
Di solito non faccio follie per essere coccolata o tenuta in
braccio, ma mi piacciono gli applausi e i complimenti: un
giorno semplicemente sono saltata sulla panca e mi sono
seduta proprio come gli altri allievi, ho usato i cuscinetti
delle zampe per premere sulle note e mi sono compiaciuta di
ascoltare i suoni che ne uscivano. Betsy e Burnell mi hanno
sentito e sono corsi giù per le scale esultanti: è lì che ho deci-
so di continuare a studiare pianoforte. È stato come un viag-
gio premio: ricevo mail da tutto il mondo e i fans mi vengo-
no a trovare per sentirmi suonare. Sono felice di ispirare gli
altri a raggiungere il proprio potenziale e scoprire la gioia
di suonare uno strumento.
Ti viene mai da cacciare una mosca che ti ronza intorno
mentre suoni? O meglio: i tuoi istinti animali prevalgo-
no mai sui tuoi talenti umani privandoli di razionalità?
Come ho scritto sul mio libro, Nora The Piano Cat’s Guide
to Becoming a Good Musician (or How To Get Good At
Anything Hard), in vendita su Amazon.com, Betsy è umana e
ha l’attenzione di un umano; io sono un gatto e, per natura,
Music In  Primavera 2009
a cura di ROMINA CIUFFA
ho l’attenzione di un felino. Il rumore più sottile, il movimen-
to più fine mi distraggono, ahimé, così procedo a intervalli,
ma riesco molto perché sono molto concentrata durante le
lezioni di pratica e lavoro duramente sulle parti più difficili.
Tuttavia, se un insetto mi vola davanti, devo smettere di fare
ciò che sto facendo e vado a cacciarlo. Sono un predatore,
dopo tutto. E se uno dei miei fratelli si avvicina al piano
mentre sto suonando, devo interrompermi e dirgli di andar
via: è il mio pianoforte e non mi piace dividerlo con nessu-
no, nemmeno con Betsy.
È importante non doversi comparare agli altri mentre
s’impara a suonare uno strumento. Naturalmente traggo
ispirazione dai musicisti talentuosi, ma accetto chi sono e
faccio il meglio con ciò che ho. Betsy ha dieci dita ma io ho
solo due zampe e la mia testa da usare, e suono con passio-
ne ed entusiasmo a prescindere da questi limiti. Credo di
essere come il primo astronauta che ha camminato sulla
luna: sono un pioniere, un esempio per tutti gli altri gatti del
pianeta, e ispiro tutti a esaudire i proprio sogni.
Chi è il tuo musicista preferito? Chi ti fa fare più fusa,
chi ti esalta, chi ti fa venir voglia di suonare di più?
Facile: Betsy è la mia musicita preferita! L’ascolto ogni
giorno. Faccio rumorose fusa anche mentre sono io a suona-
re il piano (le faccio a volte anche quando dormo e mi acca-
rezzano la pancia). Il solo fare musica è in grado di eccitare
ogni parte di me, come accade ad ogni altro musicista pro-
fessionista.
Ho anche degli artisti preferiti: innanzitutto Johann
Sebastian Bach, un genio. Tutte le volte che ascolto suonare
il suo Minuetto in Sol, dal libro di Anna Magdalina, o il dol-
cissimo, delirante Preludio in Do, o qualunque altra sua bril-
lante composizione, devo correre al piano e suonare, anche
se stavo riposando. Sono anche una grande fan di
Beethoven, in particolare di Per Elisa. E sono stranamente
colpita da Mary Had A Little Lamb.
Qual è il tuo genere preferito?
Sono una musicista classica. Essendo un’intellettuale, non
posso che immergermi nella perfezione matematica ed emo-
tiva di questo genere, ma sono aperta a tutti i tipi di musica
e di strumenti. Se solo potessi tenere un flauto, proverei a
suonarlo: grazie al cielo sono stata adottata in una casa con
un pianoforte!
Mi dicono sempre che sembra che suoni del jazz, e sono
d’accordo: è facile per me suonare il tritono perché tra il si
e il do o tra il mi e il fa non ci sono tasti neri. Per questo mi
ascolterete spesso suonare un si e un fa insieme: è un inter-
vallo buonissimo per la mia zampetta. Ma posso anche rag-
giungere i tasti neri, che aggiungono molto sapore al suono.
Preferisco le note sopra il do5: sono sempre stata attratta
dalle note alte poiché posso ascoltarle molto meglio di quan-
to non facciate voi umani. Eh già, tutti abbiamo dei limiti da
superare nella vita.
Sai davvero cosa stai facendo mentre suoni il pianofor-
te, o suoni a caso?
Mi prendi in giro? Certo che so quello che faccio. Se guar-
di i miei video, noterai che spesso nei duetti suono nella
medesima chiave in cui suonano gli allievi. Non è un caso:
decido davanti a quali note sedermi prima di suonare. Suono
anche ritmi diversi e ripeto note da pianissimo a forte e al
contrario. Quando l’allievo smette di suonare, anche io ter-
mino nel duetto. Ogni volta. Sempre. Quando lui smette, io
smetto. Come potrebbe essere un caso?
Una volta, sotto Natale, Betsy insegnava usando il mio
piano, così mi sono seduta all’altro e ho suonato: la la la, la
la la, la do fa sol la in ritmo perfetto, l’esatta introduzione di
Jingle Bells. Quando sono da sola, improvviso. Se Betsy e
Burnell entrano per riprendermi, io mi interrompo e salto giù
- non mi piace essere interrotta durante momenti di intensa
creatività -. A volte utilizzo una zampa per tenere una nota e
uso l’altra per suonarne un’altra, così posso produrre un
suono uniforme.
Cantare è un’ipotesi?
Una volta Betsy e Burnell stavano rilasciando un’intervi-
sta al piano di sopra, ed io ho cominciato a suonare furiosa-
mente e a cantare (mi piace essere sempre nello «spotlight»)
miagolando più forte che potevo: nel futuro proverò anche a
cantare mentre suono.
Ti senti un gatto differente, o un umano differente?
Mi sento un gatto. Ultimamente mi hanno detto che sono
ingrassata: perché la gente comune ha queste aspettative
rispetto a una celebrità? Perché bada solo alle apparenze?
Noi siamo come tutti. Come Oprah, mi piace mangiare e ho
un metabolismo lento. Mi piace stare da sola, o con Betsy. Il
mio unico amico è mio fratello Ronnie, i miei fan mi adora-
no e per me è un piacere essere intervistata da Music In.
Saluto tutti i miei ammiratori italiani e auguro che i loro
sogni di tonno divengano realtà.
RIVISTA primaveraNEW:Layout 1 24-04-2009 17:37 Pagina 15

Music In
Primavera 2009

RAF FERRARI QUARTET VANESSA PETERS & ICOM LUCA OLIVIERI La

FEED
back
UMBERTO TOZZI Non solo Pauper Un menù di bordo di Sweetheart, Keep Your Chin Quarta Dimensione a cura di ROMINA CIUFFA
live Una guerra di carta igienica venti portate (e vino a profusione) Up Volo Itaca-Amsterdam Come un film muto

VANESSA PETERS & ICOM - SWEETHEART, KEEP YOUR CHIN UP

UMBERTO TOZZI - NON SOLO LIVE
UMBERTO TOZZI - Non solo live
Un soldo in aria, e in attesa che tocchi terra penso. Una canzone che fa
«ti amo» e lo ripete per più di dieci volte di fila non strazia? ti-amo-ti-amo-
ti-amo-ti-amo-ti-amo-ti. E il giro di do? do-laminore-fa-sol. E la censura
anni 70? Nel letto comando io ma tremo davanti al tuo seno. La mia moneta non accen-
na ad atterrare, se viene testa vuol dire che basta. Attendo.
Umberto Tozzi, a vent’anni dal suo celeb-
re disco live Royal Albert Hall, canta nel
suo nuovo Non solo live le storiche - per
Gloria, per Anna (Perdendo Anna), per gli
altri e per noi (Gli altri siamo noi), per gli
Innamorati e per la Gente di mare - e aggi-
unge 5 inediti e due cover - Lullabye
Goodnight my Angel di Billy Joel, e Petit
Marie (Stella d’amore) di Francis Cabrel - e
due ghost tracks, Vida e Un corpo e
un’anima, brano con cui nel 1974 Dori
Ghezzi e Wess vinsero ‘Canzonissima’ e
che per la prima volta il torinese propone
in versione studio. Tra gli inediti Anche se
tu non vuoi, primo singolo in radio,
Muchacha, un’ironica ballata ispirata a
una giovanile fuga d’amore del figlio
Gianluca (anche produttore dell’album
per Momy Records) e Oriental Song,
brano in cui sperimenta il genere lounge.
Ascolto questo guerriero di carta igienica
mentre mi fa la guerra (ti-amo-ti-amo-ti-
amo-ti-amo-ti-amo-ti) e lui mi chiede: 1)
vino leggero, 2) lenzuola di lino, 3) il sonno
di un bambino, 4) un po’ di lavoro, 5) di stirare cantando. Pretenzioso? Mi prende pure
in giro. Ma poi mi chiede perdono. È a quel punto che il cd si arresta, il soldo cade a
terra. Vuol dire basta, lasciamoci. Ma (finalmente) è primo maggio: su coraggio.
Romina Ciuffa
RAF FERRARI QUARTET - PAUPER
Pauper è il debutto discografico musica proveniente da tanti generi diversi, da
JAZZ
& blues del Raf Ferrari Quartet. Eppure Keith Emerson, a Chick Corea, a Horace Silver
il pianista lucano sfoggia una a Theolonius Monk fino al pianismo lirico di
sicurezza e una solidità compositiva che dopo Claudio Arrau, ma questo è parso un surplus
cinque battute della prima traccia comanda di di valore perché il carattere di Ferrari si sente
chiudere gli occhi al più arcigno dei critici. Ci fin dalle prime due (affatto lineari) tracce: Il
sono suoni talmente diversi, tutti talmente evo- Vuoto e Semisfera. Sontuoso del ritmo, varia-
cativi e fortemente personali, da causare un zioni di tempi semplici e composti, difficili acce-
senso di vertigine. Il Caronte di questa imbar- lerando e rallentando sempre sincronizzatissi-
cazione francescana (che «pauper» sia latino mi e poi melodie ed improvvisazioni esatonali,
o inglese poco importa, ma la nobile povertà ottofoniche, lirica-
già in sé racconta il tipo di cammino ricercato) mente dense di
si fa accompagnare da tre musicisti capaci di jazz fresco e tradi-
intuire al volo la mappa melodica ed armonica zionale allo stesso
del nocchiero; il contrabbasso di Guerino tempo. Il quadro
Rondolone dimostra una sobria eleganza, pre- complessivo,
ciso, ritmicamente fantasioso e mai conven- ricco di colori,
zionale. Claudio Sbrolli si muove tra i pezzi della esclude di incasel-
batteria con decisione e sensibilità, padrone lare questo
del tocco e attento al flusso. Vito Stano con il Pauper in alcun
suo archetto accarezza le quattro corde del genere perché il
suo violoncello sempre in perfetta interplay risultato è musica
con Ferrari e crea sonorità inattese da uno e la sua gioiosa celebrazione. Eppur si ha
strumento che pareva destinato a non uscire come l’impressione che Ferrari abbia da dire
che dalle camere sinfoniche degli auditori clas- troppo e subito, un’urgenza espressiva, quella
sici. Il resto è l’itinerario personalissimo propo- di quando ti invitano a pranzo e - per far bella
sto attraverso le otto tracce, brani inediti e figura - ti sfornano un menu da venti portate:
sofisticati con arrangiamenti originali, che evi- alla fine ci si alza leggermente frastornati.
tano tanto il baratro dell’elitarismo sonoro Pauper presenta, appunto, un menù di bordo
quanto una certa piaggeria da citazioni a cate- da venti portate (ma vino a profusione).
na che spesso invade i debutti d’autore. È vero,
tra le dita di Ferrari c’è parsa scorrere tanta Paolo Romano
Al sicuro die- umani stessi con la natura,
ALTER
NATIVE tro le pareti con Dio. I quattordici brani
domestiche di «Sweetheart, Keep
diventa naturale e sempli- Your Chin Up» sono un
ce percorrere i sentieri del viaggio nel country-folk ame-
nostro io, mentre l’amato ricano più autentico, impre-
fuori naviga nella tempe- ziosito dalle esperienze rock
sta, parte, ritorna, vola, mediterranee e mitteleuro-
sogna, promette, tradisce. pee dei musicisti coinvolti:
Vanessa Peters attraver- oltre agli Ice Cream on
so la rivisitazione dei miti Mondays (ICOM), sono ospi-
greci racconta sentimenti ti del disco Guglielmo
universali che rivivono tra Gagliano (violoncello), il can-
Austin e Itaca, tra Cnosso tautore danese MC Hansen
e Amsterdam. I testi, scrit- e l’olandese Eva (cori) e Alex
ti con un lirismo intenso e ispirato, sembrano Akela (violino, mandolino e cori). Prodotto con
frammenti raccolti da una storia d’amore, ma Salim Nourallah, il nuovo disco di Vanessa
in realtà raccontano un sentimento più vasto Peters & ICOM è una finestra aperta sul
che coinvolge le relazioni tra gli umani, smarri- mare. E dall’altra parte scorgi l’America.
ti in un’egoistica incomunicabilità, e degli Nicola Cirillo
LUCA OLIVIERI - LA QUARTA DIMENSIONE
La Quarta Dimensione è colonna sonora che scorre liscia e morbida e
tempo e titolo dell’ultimo dov’è l’ascoltatore a crearsi di volta in volta
album di Luca Olivieri (AG Prod nuove immagini. Tinte malinconiche e nostalgi-
2008). Dodici brani, tra realizzati per spetta- che nelle prime tre tracce, fra cui spiccano
coli teatrali e sonorizzazioni di film muti Angelina, le chitarre a là Ry Cooder e la seducen-
d’epoca, o nati te fisarmonica de Il sogno di Napo, uno dei
come brevi migliori brani del disco. Timbriche più intricate e
frammenti e scure per la batteria tribale de L’Attesa, spensie-
rielaborati in ratezza arabeggiante in Un Mondo Segreto,
tempi diversi. circo e mazurca in Fantasmi; in Alibi un coinvol-
Avanguardia, gente rullante.
new age, world Dopo una reprise di Angelina il disco si chiude
music, classi- con l’elettronico-minimale Le Ali del tempo e la
ca ed elettroni- sognante Ricordo. Oltre a Luca Olivieri, alle prese
ca abitano con tastiere, wurlitzer, Korg MS 20, program-
questa dimen- mazioni, glockenspiel, melodica e, percussioni
sione come hanno preso parte numerosi musicisti tra cui
figure danzanti Mario Arcari, storico collaboratore di Fabrizio
o flussi sonori di una conchiglia, elemento in De Andrè, Ivano Fossati, Mauro Pagani ed altri.
primo piano del progetto grafico del disco. Il
risultato è una raccolta di brani strumentali, Valentina Giosa
MALIKA AYANE - MALIKA AYANE
Ultimo e unico album di Malika te da un violoncello discreto e non invadente,
Ayane (per la Caterina Caselli strumento che lei studia dall’età di undici anni
Sugar, 2008), venticinquenne e che torna in Someday e Sospesa, scritta per
di Milano, a cui la paternità marocchina ha lei da Pacifico, versione italiana di Soul
donato forse la parte più interessante del suo Weaver. Come Foglie (firmata da Giuliano dei
talento: «Il colore della sua voce è un arancio- Negramaro), rivela l’impronta della canzone
ne scuro che sa di spezia italiana. Blue Bird che si
amara e rara», secondo apre con un assolo di chitar-
Carlo Conte e Caterina ra, presenta una voce ruvida
Caselli, suoi genitori artistici. e profonda, vagamente
Lo stile è deciso, e capace di drammatica e molto interes-
adattarsi a generi e musica- sante. Moon e Fandango,
lità differenti: soul, trip hop, pezzi più dark e pop, sono i
anche vicino alla black più forti e incisivi. Degna di
music, contagiato dalle nota anche la divertente
melodie della musica interpretazione della celebre
d’autore italiana e da quelle Over the Rainbow, di cui
africane, con un timbro mor- Malika offre una lettura soul
bido e una personalità gene- che svela la grande capacità
re Amy Winhouse+Norah di fare suoi elementi diver-
Jones. In italiano e in inglese riesce a far emer- sissimi rielaborandoli con una personalità che
gere queste doti con naturalezza disarmante. ricorda spezie orientali di color arancio.
Felling better, successo dell’estate scorsa, e
True Life sono ballate allegre e vivaci arricchi- Alessandra Fabbretti

GINEVRA DI MARCO - DONNA GINEVRA

LORENZO MARSILI - SUCCEDE
In Bretagna e Macedonia va chetta - il profondo legame con la tradizione
Un album, quello di Lorenzo BEYOND
&further a ritrovare antichi canti napoletana e il senso di libertà). Prendere un
ALT ER Marsili, in cui Succede. Cosa?
NATIVE d’amore e da matrimonio aereo poi, destinazione Cuba: La Maza di Silvio
Innanzitutto un po(p) di introspe- (Au bord de la fontaine del 1842 e Usti usti Rodriguez sul senso della vita.
zione: sulla società, la solitudine, le scelte. Lui baba, canto in lingua rom); poi in Albania sco- La nave va e ci sono momenti in cui, al suo
vorrebbe fare la canzone di questa generazio- pre una lingua difficile in un antico canto stori- posto, Gabriella Ferri sembra tenere l’àncora
ne, la Pablo del 2000, ma non è proprio in que- co (Ali Pasha). Attraversando l’Italia, ritrova la (la passione è romana, l’accento toscano).
sto album. Anche tradizione elettronica Toscana con La Malontenta - ninna nanna dal Calda e duttile. Smodata temperante. Un viag-
d’oltremanica, da techno a jungle, dunque sapore amaro (il babbo gode la mamma sten- gio nel viaggio.
influenze fac-Tiromancino (e infatti questo ta) - e In Maremma - spaccato della Toscana Romina Ciuffa
Marsili nel 2005 incontra Luigi Pulcinelli-ex contadina del Novecento -. Verso sud si va in
Tiromancino che lo produce interamente); Campania con un canto cilentano del XVI seco-
ecco a cosa si deve la sperimentazione di lo (Li’ffiglile) rielaborato in dialetto fiorentino, la
sonorità e di testo italiano su atmosfere elet- macchietta napoletana del dopoguerra
troniche internazionali. Ma è anche un aman- M’aggia curà, e ancora Il crak delle banche,
te del primo Fossati, di Francesco De Gregori, brano di fine Ottocento sullo scandalo della
comunque della scuola romana e genovese, Banca di Roma.
ha frequentato Franco Battiato, ama Ginevra Di Marco - dopo un primo disco dal
Portishead, Massive Attaks e Subsonica. Poi, vivo, Smodato Temperante - rende omaggio
adora il cartone animato Yattaman. Sarà per alla musica d’autore con matrice popolare: Io
questo che cerca, e cerca ancora: i quattro sì di Luigi Tenco (quasi un sirtaki greco) e
frammenti della pietra Dokrostone sono spar- Terra mia (un vecchio, migliore Pino Daniele
si e guerra di bottoni ricomincerà. che cantava - prima di tradirli con una mar-
Romina Ciuffa