Mauro

Giuliani
MAURO GIULIANI (1781-1829)

Concerto for Guitar and Orchestra

Concertos
No. 1 in A op. 30 for Guitar
Concerto for Guitar and Orchestra and Orchestra
No. 2 in A op. 36
Nos. 1 & 2
Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)

Wiener Akademie Edoardo

Martin Haselböck Catemario
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
Wiener
Recording: Hofburgkapelle, Vienna (Austria) - 11 . 2002
Akademie
Production and Recording Supervision/Produktion und Aufnahmeleitung
Directeur de la production et de l’enregistrement/Direttore della produzione e della registrazione
Gian Andrea Lodovici
Sound Engineer/Tonmeister/Ingénieur du son/Tecnico del suono Martin
Matteo Costa
Front cover photo: Giacomo Lombardo Haselböck
47688-8

Audiophile Recording
see details inside Performed with Original Instruments
THIS IS AN AUDIOPHILE RECORDING
This Super Audio CD plays in multichannel surround sound and two-channel stereo
MAURO GIULIANI
on all SACD players. (1781-1829)
It can also be played on a standard CD player though only in stereo.

Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A Major op. 30

(A-Dur, La majeur, La maggiore)
1 I - Allegro maestoso 15.43
2 II - Siciliana (Andantino) 6.07
Technical Information 3 III - Rondò alla Polacca (Allegretto) 8.28
Recording: Wien, Hofburg Chapel, November 2002
24 bit/96 kHz recording and editing: Eng. Matteo Costa, Padova Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A Major op. 36
Microphones: Schoeps MK-2S linear (2), Schoeps MK-4 (2), Neumann KM-140 (4), Schoeps MK-4V,
(A-Dur, La majeur, La maggiore)
Sennheiser MKH-20 (2)
On stage microphone preamplifiers: Millennia Media HV-3D (2)
On stage 24 bit/96 kHz/16 tracks AD converter: Prism Sound ADA-8
4 I - Maestoso 13.55
Digital Recorder: Tascam DA-98HR (2), Tascam DA-78HR 5 II - Andantino 6.02
Microphone cables:Van den Hul MDC 403 6 III - Rondò (Allegretto) 9.29
Digital cables: Proel 8xAES-EBU 24 bit 96 kHz
Editing: Studio Audio Artemis 32 v.4.02 Performed with Giuliani’s original Guitar Pons l’Aîné 1825
Monitor: ESB 2010P with four subwoofer ESB 2001 and supertweeter JBL; four ways electronic crosso- Aufgenommen mit Giulianis original Gitarre Pons l’Aîné 1825
ver Lake People; power amplifier Hafler; 24 bit/96 kHz DA converter: Prism Sound DA-2.
Executée avec la guitar originale Pons l’Aîné 1825 de Giuliani
Esecuzione con la chitarra originale Pons l’Aîné 1825 di Giuliani
Multichannel Mix:Yamaha 02R-96
DSD conversion and SACD Authoring: SADiE DSD-8.

Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)

Wiener Akademie
Martin Haselböck
The signal was not compressed or equalized at any step during production. (Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
2 3
THIS IS AN AUDIOPHILE RECORDING
This Super Audio CD plays in multichannel surround sound and two-channel stereo
MAURO GIULIANI
on all SACD players. (1781-1829)
It can also be played on a standard CD player though only in stereo.

Concerto for Guitar and Orchestra No. 1 in A Major op. 30

(A-Dur, La majeur, La maggiore)
1 I - Allegro maestoso 15.43
2 II - Siciliana (Andantino) 6.07
Technical Information 3 III - Rondò alla Polacca (Allegretto) 8.28
Recording: Wien, Hofburg Chapel, November 2002
24 bit/96 kHz recording and editing: Eng. Matteo Costa, Padova Concerto for Guitar and Orchestra No. 2 in A Major op. 36
Microphones: Schoeps MK-2S linear (2), Schoeps MK-4 (2), Neumann KM-140 (4), Schoeps MK-4V,
(A-Dur, La majeur, La maggiore)
Sennheiser MKH-20 (2)
On stage microphone preamplifiers: Millennia Media HV-3D (2)
On stage 24 bit/96 kHz/16 tracks AD converter: Prism Sound ADA-8
4 I - Maestoso 13.55
Digital Recorder: Tascam DA-98HR (2), Tascam DA-78HR 5 II - Andantino 6.02
Microphone cables:Van den Hul MDC 403 6 III - Rondò (Allegretto) 9.29
Digital cables: Proel 8xAES-EBU 24 bit 96 kHz
Editing: Studio Audio Artemis 32 v.4.02 Performed with Giuliani’s original Guitar Pons l’Aîné 1825
Monitor: ESB 2010P with four subwoofer ESB 2001 and supertweeter JBL; four ways electronic crosso- Aufgenommen mit Giulianis original Gitarre Pons l’Aîné 1825
ver Lake People; power amplifier Hafler; 24 bit/96 kHz DA converter: Prism Sound DA-2.
Executée avec la guitar originale Pons l’Aîné 1825 de Giuliani
Esecuzione con la chitarra originale Pons l’Aîné 1825 di Giuliani
Multichannel Mix:Yamaha 02R-96
DSD conversion and SACD Authoring: SADiE DSD-8.

Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)

Wiener Akademie
Martin Haselböck
The signal was not compressed or equalized at any step during production. (Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
2 3
MAURO GIULIANI
Concertos Nos. 1 & 2
for Guitar and Orchestra
The repertoire for guitar music experienced an
extraordinary upturn in the first decades of the
19th century, which more or less coincided with an
important development concerning the instrument
itself. In addition to its five strings, the guitar received
towards the end of the 18th century a further sixth
string. In this new version, the guitar soon became
very popular throughout Europe. And so it came that
a considerable number of guitarists took to the stage,
particularly in Spain and Italy, and coming from their
respective country of origin, introduced guitar music
to the great European metropolitan centres, especially
Vienna and Paris. Thus these two cities became the
most important production and distribution centres of
this repertoire for almost half a century. Among the
guitar composers and virtuosos were, among others,
Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor,
Dionisio Aguado, Filippo Gragnani and Matteo Carcassi.
Their names are associated with one of the most
renowned epochs in the history of the guitar.
Mauro Giuliani was probably the greatest guitarist
and composer for the guitar in the 19th century.
He was born in Bisceglie, near Bari, on July 27, 1781.
We hardly know anything of his study years in Italy.
However, at the end of 1806 we encounter him as an
accomplished artist in Vienna, where he would later
experience the most successful period of his career
and where he became acquainted with Beethoven,
Hummel, Moscheles and many of the most important
instrumentalists and composers who were active
in the capital city of Austria at the time. In 1813 for
example, Giuliani played a part in the premiere of
Beethoven’s Seventh Symphony as cellist. Without a
doubt, the composer from Bonn was an admirer of
this Italian colleague, whom he always referred to with
the greatest respect in his conversation notes. Giuliani
worked together several times with Ignaz Moscheles
and Johann Nepomuk Hummel, two composers and
piano virtuosos who were very popular in Vienna at
the time, and gave concert performances together
with them which were very popular and greatly
appreciated by all. Giuliani remained in the Austrian
capital city until 1819, after which he returned to Italy.
However, instrumental music was by no means as
popular in his native country as compared to the other
side of the Alps. Thus Giuliani was unable to continue
his Viennese successes, despite the publication of a
number of his compositions by Ricordi and other
publishing houses. He died in Naples on May 8, 1829.
As a very receptive man for artistic influences, Giuliani
with much skill succeeded in combining the heritage
of the Italian instrumental tradition of the 18th
century, whose direct descendant he was, with the
achievements of Viennese music culture, which at the
time were among the most progressive in Europe.
His works are written in the purest classical style,
yet they also present grace and melodic spontaneity
which are typically Italian. His repertoire includes
over 150 catalogued works, as well as various other
unnumbered or manuscript works. Among his most
successful compositions are without a doubt the three
concertos for guitar and orchestra, op. 30, 36 and 70,
as well as several virtuoso and effective pieces for
solo guitar such as, for example the Grand Overture
op. 61 and the Sonata op. 15. In his compositions,
Giuliani markedly extended the technical possibilities
of the guitar, transforming it into a perfect concert
instrument and liberating it from its limited role as
an accompanying instrument given to it in the field
of chamber music. The “orchestral role” provided
by Giuliani, which, for example, is reflected in the
aforementioned Grande Overture op. 61, becomes
particularly apparent when the guitar is faced by a real
orchestra. Together with Ferdinando Carulli, Giuliani
was one of the first composers in the 19th century,
perhaps even the first, to write a concerto for guitar
and orchestra. This achievement was not without its
risks and problems, as the guitar with its low volume
level can easily be overpowered by a more weighty
ensemble.
The Concerto No. 1 in A major op. 30 was presumably
4 5
performed for the first time in Vienna on April 3, 1808
with the composer as soloist and is undoubtedly
the best-known and most performed piece of the
three solo concertos for guitar which Giuliani had
composed. It was printed in two different versions
in Vienna in 1810, an original version for guitar and
strings and a second with additional wind section
(Hummel was supposedly involved in this second
version). It is as usual a work in three movements in
a typical classical style, an illuminating example of the
blending of Viennese Classic of Mozart’s successors
with the intellectual-humorous song-like manner
characteristic of the best of Rossini. In the first
movement, Allegro maestoso, in correct opening
sonata form, we encounter a broad orchestra
exposition of the Viennese style, which subsequently
leaves the space entirely to the soloist, who is given
two cadenzas instead of the customary one. Giuliani
handles the orchestra with much sensitivity, makes
sure that it never clashes with the guitar but rather
accompanies it always in an very restrained manner.
The second movement, Siciliana, is a charming
Andantino in E minor, entirely imbued by delicate
songfulness, in which some folkloristic ideas appear
as if transformed into an elegant surrounding. The
concerto ends with a piquant Rondò alla polacca,
Allegretto, a true firework display of instrumental
virtuosity.
The Concerto No. 2 in A major op. 36 was printed
in 1812, two years after the op. 30 by the Artaria
publishing house and is a composition which follows
the previous concerto both in musical form and in
the manner of instrumentation, and is also in Giuliani’s
favourite key of A major.
At the same time it differs from the previous work
with a more complex, more introverted, eminently
lyrical character. This already becomes apparent in the
orchestra exposition of the introductory Maestoso, in
which the song-like character of op. 30 gives way to a
broken melody, pointing to a new sensitivity. Also the
second movement, Andantino, an exceptionally delicate
piece as regards tone, leaves behind the flattering
notes of the corresponding movement in op. 30, in
order to find a more subtle expressiveness. The Finale,
Rondo - Allegretto, advances in a marching rhythm,
however, not without virtuosity and progressive
harmonies with quite modern use or chromatics.
Danilo Prefumo
Translation by Alan Bagge
The Pons family and the
“Pons l’aîné”- guitar Paris 1825
César Pons, born in Paris, was a guitar, violin, harp
and hurdy-gurdy instrument maker. He had two
sons, Joseph and Louis David, who both learnt his
craftsmanship. For the most part of his life, Louis David
worked in Grenoble together with his father César.
The first-born, Joseph, was the more enterprising and
dynamic of the two and left behind the provincial town
of Grenoble. In his search for a more select clientele,
who would appreciate the quality of his work to a
greater degree, he moved to Paris. There is evidence
that his brother Louis David also came to Paris with
his father César for a while, presumably to help the
older brother complete order backlog.
Joseph, who up until then had signed his instruments
as “Pons fils” (“Pons’ son”) as did Louis David in
Grenoble, began signing his instruments as “Pons
l’aîné” (“Pons, the elder”) after the arrival of his
brother in Paris in order to distinguish himself.
Subsequently Louis David changed his signature from
“Pons fils” to “Pons jeune” (“Pons, the younger”).
The guitar of “Pons l’aîné”, which maestro Edoardo
Catemario has used for the recording of the first two
concertos by Giuliani, was built by Joseph Pons in Paris
in 1825 and is based on a design which he had been
experimentally developing a few years earlier.
This instrument is in actual fact identical to the one
which Joseph had made for Empress Marie-Louise of
Habsburg, the wife of Napoleon, who later gave it to
the virtuoso Mauro Giuliani. This instrument became
one of his favourites.
Not only the model is the same, but also are the
different types of wood used for its construction.
MAURO GIULIANI
Concertos Nos. 1 & 2
for Guitar and Orchestra
The repertoire for guitar music experienced an
extraordinary upturn in the first decades of the
19th century, which more or less coincided with an
important development concerning the instrument
itself. In addition to its five strings, the guitar received
towards the end of the 18th century a further sixth
string. In this new version, the guitar soon became
very popular throughout Europe. And so it came that
a considerable number of guitarists took to the stage,
particularly in Spain and Italy, and coming from their
respective country of origin, introduced guitar music
to the great European metropolitan centres, especially
Vienna and Paris. Thus these two cities became the
most important production and distribution centres of
this repertoire for almost half a century. Among the
guitar composers and virtuosos were, among others,
Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor,
Dionisio Aguado, Filippo Gragnani and Matteo Carcassi.
Their names are associated with one of the most
renowned epochs in the history of the guitar.
Mauro Giuliani was probably the greatest guitarist
and composer for the guitar in the 19th century.
He was born in Bisceglie, near Bari, on July 27, 1781.
We hardly know anything of his study years in Italy.
However, at the end of 1806 we encounter him as an
accomplished artist in Vienna, where he would later
experience the most successful period of his career
and where he became acquainted with Beethoven,
Hummel, Moscheles and many of the most important
instrumentalists and composers who were active
in the capital city of Austria at the time. In 1813 for
example, Giuliani played a part in the premiere of
Beethoven’s Seventh Symphony as cellist. Without a
doubt, the composer from Bonn was an admirer of
this Italian colleague, whom he always referred to with
the greatest respect in his conversation notes. Giuliani
worked together several times with Ignaz Moscheles
and Johann Nepomuk Hummel, two composers and
piano virtuosos who were very popular in Vienna at
the time, and gave concert performances together
with them which were very popular and greatly
appreciated by all. Giuliani remained in the Austrian
capital city until 1819, after which he returned to Italy.
However, instrumental music was by no means as
popular in his native country as compared to the other
side of the Alps. Thus Giuliani was unable to continue
his Viennese successes, despite the publication of a
number of his compositions by Ricordi and other
publishing houses. He died in Naples on May 8, 1829.
As a very receptive man for artistic influences, Giuliani
with much skill succeeded in combining the heritage
of the Italian instrumental tradition of the 18th
century, whose direct descendant he was, with the
achievements of Viennese music culture, which at the
time were among the most progressive in Europe.
His works are written in the purest classical style,
yet they also present grace and melodic spontaneity
which are typically Italian. His repertoire includes
over 150 catalogued works, as well as various other
unnumbered or manuscript works. Among his most
successful compositions are without a doubt the three
concertos for guitar and orchestra, op. 30, 36 and 70,
as well as several virtuoso and effective pieces for
solo guitar such as, for example the Grand Overture
op. 61 and the Sonata op. 15. In his compositions,
Giuliani markedly extended the technical possibilities
of the guitar, transforming it into a perfect concert
instrument and liberating it from its limited role as
an accompanying instrument given to it in the field
of chamber music. The “orchestral role” provided
by Giuliani, which, for example, is reflected in the
aforementioned Grande Overture op. 61, becomes
particularly apparent when the guitar is faced by a real
orchestra. Together with Ferdinando Carulli, Giuliani
was one of the first composers in the 19th century,
perhaps even the first, to write a concerto for guitar
and orchestra. This achievement was not without its
risks and problems, as the guitar with its low volume
level can easily be overpowered by a more weighty
ensemble.
The Concerto No. 1 in A major op. 30 was presumably
4 5
performed for the first time in Vienna on April 3, 1808
with the composer as soloist and is undoubtedly
the best-known and most performed piece of the
three solo concertos for guitar which Giuliani had
composed. It was printed in two different versions
in Vienna in 1810, an original version for guitar and
strings and a second with additional wind section
(Hummel was supposedly involved in this second
version). It is as usual a work in three movements in
a typical classical style, an illuminating example of the
blending of Viennese Classic of Mozart’s successors
with the intellectual-humorous song-like manner
characteristic of the best of Rossini. In the first
movement, Allegro maestoso, in correct opening
sonata form, we encounter a broad orchestra
exposition of the Viennese style, which subsequently
leaves the space entirely to the soloist, who is given
two cadenzas instead of the customary one. Giuliani
handles the orchestra with much sensitivity, makes
sure that it never clashes with the guitar but rather
accompanies it always in an very restrained manner.
The second movement, Siciliana, is a charming
Andantino in E minor, entirely imbued by delicate
songfulness, in which some folkloristic ideas appear
as if transformed into an elegant surrounding. The
concerto ends with a piquant Rondò alla polacca,
Allegretto, a true firework display of instrumental
virtuosity.
The Concerto No. 2 in A major op. 36 was printed
in 1812, two years after the op. 30 by the Artaria
publishing house and is a composition which follows
the previous concerto both in musical form and in
the manner of instrumentation, and is also in Giuliani’s
favourite key of A major.
At the same time it differs from the previous work
with a more complex, more introverted, eminently
lyrical character. This already becomes apparent in the
orchestra exposition of the introductory Maestoso, in
which the song-like character of op. 30 gives way to a
broken melody, pointing to a new sensitivity. Also the
second movement, Andantino, an exceptionally delicate
piece as regards tone, leaves behind the flattering
notes of the corresponding movement in op. 30, in
order to find a more subtle expressiveness. The Finale,
Rondo - Allegretto, advances in a marching rhythm,
however, not without virtuosity and progressive
harmonies with quite modern use or chromatics.
Danilo Prefumo
Translation by Alan Bagge
The Pons family and the
“Pons l’aîné”- guitar Paris 1825
César Pons, born in Paris, was a guitar, violin, harp
and hurdy-gurdy instrument maker. He had two
sons, Joseph and Louis David, who both learnt his
craftsmanship. For the most part of his life, Louis David
worked in Grenoble together with his father César.
The first-born, Joseph, was the more enterprising and
dynamic of the two and left behind the provincial town
of Grenoble. In his search for a more select clientele,
who would appreciate the quality of his work to a
greater degree, he moved to Paris. There is evidence
that his brother Louis David also came to Paris with
his father César for a while, presumably to help the
older brother complete order backlog.
Joseph, who up until then had signed his instruments
as “Pons fils” (“Pons’ son”) as did Louis David in
Grenoble, began signing his instruments as “Pons
l’aîné” (“Pons, the elder”) after the arrival of his
brother in Paris in order to distinguish himself.
Subsequently Louis David changed his signature from
“Pons fils” to “Pons jeune” (“Pons, the younger”).
The guitar of “Pons l’aîné”, which maestro Edoardo
Catemario has used for the recording of the first two
concertos by Giuliani, was built by Joseph Pons in Paris
in 1825 and is based on a design which he had been
experimentally developing a few years earlier.
This instrument is in actual fact identical to the one
which Joseph had made for Empress Marie-Louise of
Habsburg, the wife of Napoleon, who later gave it to
the virtuoso Mauro Giuliani. This instrument became
one of his favourites.
Not only the model is the same, but also are the
different types of wood used for its construction.
Furthermore, the interior structural elements were
also made using the same pattern and inserted on
the same scale. It should in particular be emphasised,
that the headstock with its ingenious system of pegs
is identical with the other instrument both as regards
design and technique.
The innovative tuning mechanism consists of six ebony
pegs which are fitted with a thread and a locking
wing nut at the end. As soon as the desired tuning
pitch has been established, the string can be locked by
tightening the wing nut. By this means the instrument
stays in tune for a longer period of time. The acoustic
results of this mechanism were so good, that it was
later adopted and developed by René Lacote who was
Joseph Pons’ best student.
Gianni Accornero
Translation by Alan Bagge
MAURO GIULIANI
Konzerte Nr. 1 & 2
für Gitarre und Orchester
In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erlebte
das Repertoire für Gitarre einen außergewöhnlichen
Aufschwung, der mehr oder weniger zeitgleich mit
einer wichtigen Veränderung am Instrument selbst
stattfand: gegen Ende des 18. Jahrhunderts bekam die
Gitarre zu den fünf Saiten, die sie schon besaß, eine
sechste hinzu. In dieser neuen Ausführung wurde die
Gitarre in ganz Europa schnell sehr populär. So kam es,
daß vor allem in Spanien und Italien eine beträchtliche
Zahl an Gitarristen die Bühne betrat und ausgehend
von dem jeweiligen Herkunftsland die Gitarrenmusik
in die großen europäischen Metropolen brachte,
insbesondere nach Wien und Paris. Diese beiden
Städte wurden dadurch für fast ein halbes Jahrhundert
die wichtigsten Produktions- und Vertriebsstätten
dieses Repertoires. Zu diesen Gitarrenkomponisten
und -virtuosen gehörten u. a. Mauro Giuliani,
Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado,
Filippo Gragnani und Matteo Carcassi. Ihre Namen
sind mit einer der ruhmreichsten Epochen der
Geschichte der Gitarre verbunden.
Mauro Giuliani war wahrscheinlich der größte Gitarrist
und Komponist für Gitarre des 19. Jahrhunderts.
Er wurde in Bisceglie, nahe Bari, am 27. Juli 1781
geboren. Wir wissen kaum etwas über die Jahre
seiner Ausbildung in Italien. Ende 1806 treffen wir
ihn jedoch schon als vollendeten Künstler in Wien,
wo er die besten Zeiten seiner Karriere erleben
sollte, Beethoven, Hummel, Moscheles und viele der
bedeutendsten Instrumentalisten und Komponisten,
die in der österreichischen Hauptstadt tätig waren,
kennenlernte und mit ihnen Freundschaft schloß. 1813
war Giuliani z. B. als Violoncellist an der Uraufführung
der Siebten Symphonie von Beethoven beteiligt.
Der Bonner Komponist war sicher ein Bewunderer
des italienischen Kollegen, den er in seinen
Konversationsheften immer mit viel Respekt erwähnt.
Mit Ignaz Moscheles und Johann Nepomuk Hummel,
zwei damals in Wien sehr beliebten Komponisten
6 7
und Klaviervirtuosen, arbeitete Giuliani mehrfach
zusammen und trat mit ihnen in allseits beliebten
und geschätzten Konzerten auf. Giuliani blieb in der
österreichischen Haupstadt bis 1819 und kehrte dann
nach Italien zurück.
In seinem Heimatland war die Instrumentalmusik
jedoch weit davon entfernt, so populär zu sein wie
jenseits der Alpen. Giuliani konnte deshalb nicht an
die Wiener Erfolge anknüpfen, auch wenn er bei
Ricordi und anderen Verlegern verschiedene seiner
Kompositionen veröffentlichte. Er starb in Neapel am
8. Mai 1829.
Als für künstlerische Einflüsse sehr empfänglicher
Mann wußte Giuliani mit großem Geschick das
Erbe der italienischen Instrumentaltradition des 18.
Jahrhunderts, deren direkter Nachkomme er war,
mit den Errungenschaften der Wiener Musikkultur
zu verbinden, die damals zu den fortschrittlichsten
in Europa gehörte. Seine Werke sind im reinsten
klassischen Stil verfaßt, zeigen aber eine Grazie und
melodische Spontaneität, die typisch italienisch sind.
Sein Schaffen umfaßt mehr als 150 Werknummern,
plus verschiedene weitere nicht nummerierte oder
nur handschriftlich überlieferte Werke. Zu den
gelungensten Kompositionen gehören ohne Zweifel
seine drei Konzerte für Gitarre und Orchester
op. 30, 36 und 70 sowie einige sehr virtuose und
effektvolle Stücke für Sologitarre, wie z. B. die Grand
Ouverture op. 61 und die Sonate op. 15. Giuliani hat in
seinen Kompositionen die technischen Möglichkeiten
der Gitarre bedeutend erweitert, aus ihr ein Konzert-
Instrument im vollendeten Sinne gemacht und sie
aus der beschränkten Rolle des Begleitinstruments,
die ihr im Bereich der Kammermusik zuerkannt
wurde, befreit. Die “Orchesterhaftigkeit”, die Giuliani
der Gitarre verleiht, und die z.B. auch in der schon
erwähnten Grande Ouverture op. 61 zutage tritt,
zeigt sich vor allem dann, wenn das Instrument
einem wirklichen Orchester gegenüber gestellt wird.
Zusammen mit Ferdinando Carulli war Giuliani
nämlich einer der ersten Komponisten des 19.
Jahrhunderts, wenn nicht sogar der erste, der ein
Konzert für Gitarre und Orchester schrieb. Ein
Unterfangen, das nicht ohne Risiko und ohne Probleme
war, da die Gitarre mit ihrem geringen Klangvolumen
leicht von einem etwas gewichtigeren Ensemble
überdeckt wird.
Das Konzert Nr. 1 in A Dur op. 30 wurde vermutlich
in Wien am 3. April 1808 mit dem Komponisten
als Solisten uraufgeführt und ist zweifelsohne das
bekannteste und meistgespielte der drei Solokonzerte
für Gitarre, die Giuliani uns hinterlassen hat. Es
wurde 1810 in Wien in zwei verschiedenen Ausgaben
gedruckt, einer originalen für Gitarre und Streicher
und einer zweiten mit zusätzlichen Bläsern (bei
dieser zweiten soll Hummel beteiligt gewesen sein).
Es handelt sich wie üblich um ein Werk in drei Sätzen
von typisch klassischem Zuschnitt, ein erhellendes
Beispiel für die Verschmelzung von Wiener Klassik der
Nachfolge Mozarts und der geistvoll-humoristischen
Kantabilität wie sie für den besten Rossini
kennzeichnend ist. Im ersten Satz, Allegro maestoso,
in korrekter Sonatenhauptsatzform, begegnen wir
einer breiten Orchesterexposition Wiener Stils, die
dann den Raum ganz dem Solisten überläßt, der
statt der üblichen einen zwei Kadenzen zugestanden
bekommt. Giuliani behandelt das Orchester mit viel
Feingefühl, sorgt dafür, daß es sich nie der Gitarre
entgegenstellt und diese vielmehr immer sehr
zurückhaltend begleitet. Der zweite Satz, Siciliana,
ist ein entzückendes Andantino in e moll, ganz von
zarter Kantabilität durchzogen, in der einige Gedanken
volkstümlichen Ursprungs wie in eleganter Umgebung
verwandelt erscheinen. Das Konzert endet mit einem
spritzigen Rondò alla polacca, Allegretto, einem
wahren Feuerwerk instrumentaler Virtuosität.
Das Konzert Nr. 2 in A Dur op. 36 wurde 1812, zwei
Jahre nach op. 30, beim Verleger Artaria gedruckt
und ist eine Komposition, die in musikalischer
Form und in der Behandlung der Instrumente dem
vorhergehenden Konzert folgt, mit dem sie auch die
von Giuliani bevorzugte Tonart A Dur teilt. Gleichwohl
unterscheidet sie sich von diesem Vorgängerwerk
durch einen komplexeren, stärker introvertierten,
Furthermore, the interior structural elements were
also made using the same pattern and inserted on
the same scale. It should in particular be emphasised,
that the headstock with its ingenious system of pegs
is identical with the other instrument both as regards
design and technique.
The innovative tuning mechanism consists of six ebony
pegs which are fitted with a thread and a locking
wing nut at the end. As soon as the desired tuning
pitch has been established, the string can be locked by
tightening the wing nut. By this means the instrument
stays in tune for a longer period of time. The acoustic
results of this mechanism were so good, that it was
later adopted and developed by René Lacote who was
Joseph Pons’ best student.
Gianni Accornero
Translation by Alan Bagge
MAURO GIULIANI
Konzerte Nr. 1 & 2
für Gitarre und Orchester
In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erlebte
das Repertoire für Gitarre einen außergewöhnlichen
Aufschwung, der mehr oder weniger zeitgleich mit
einer wichtigen Veränderung am Instrument selbst
stattfand: gegen Ende des 18. Jahrhunderts bekam die
Gitarre zu den fünf Saiten, die sie schon besaß, eine
sechste hinzu. In dieser neuen Ausführung wurde die
Gitarre in ganz Europa schnell sehr populär. So kam es,
daß vor allem in Spanien und Italien eine beträchtliche
Zahl an Gitarristen die Bühne betrat und ausgehend
von dem jeweiligen Herkunftsland die Gitarrenmusik
in die großen europäischen Metropolen brachte,
insbesondere nach Wien und Paris. Diese beiden
Städte wurden dadurch für fast ein halbes Jahrhundert
die wichtigsten Produktions- und Vertriebsstätten
dieses Repertoires. Zu diesen Gitarrenkomponisten
und -virtuosen gehörten u. a. Mauro Giuliani,
Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado,
Filippo Gragnani und Matteo Carcassi. Ihre Namen
sind mit einer der ruhmreichsten Epochen der
Geschichte der Gitarre verbunden.
Mauro Giuliani war wahrscheinlich der größte Gitarrist
und Komponist für Gitarre des 19. Jahrhunderts.
Er wurde in Bisceglie, nahe Bari, am 27. Juli 1781
geboren. Wir wissen kaum etwas über die Jahre
seiner Ausbildung in Italien. Ende 1806 treffen wir
ihn jedoch schon als vollendeten Künstler in Wien,
wo er die besten Zeiten seiner Karriere erleben
sollte, Beethoven, Hummel, Moscheles und viele der
bedeutendsten Instrumentalisten und Komponisten,
die in der österreichischen Hauptstadt tätig waren,
kennenlernte und mit ihnen Freundschaft schloß. 1813
war Giuliani z. B. als Violoncellist an der Uraufführung
der Siebten Symphonie von Beethoven beteiligt.
Der Bonner Komponist war sicher ein Bewunderer
des italienischen Kollegen, den er in seinen
Konversationsheften immer mit viel Respekt erwähnt.
Mit Ignaz Moscheles und Johann Nepomuk Hummel,
zwei damals in Wien sehr beliebten Komponisten
6 7
und Klaviervirtuosen, arbeitete Giuliani mehrfach
zusammen und trat mit ihnen in allseits beliebten
und geschätzten Konzerten auf. Giuliani blieb in der
österreichischen Haupstadt bis 1819 und kehrte dann
nach Italien zurück.
In seinem Heimatland war die Instrumentalmusik
jedoch weit davon entfernt, so populär zu sein wie
jenseits der Alpen. Giuliani konnte deshalb nicht an
die Wiener Erfolge anknüpfen, auch wenn er bei
Ricordi und anderen Verlegern verschiedene seiner
Kompositionen veröffentlichte. Er starb in Neapel am
8. Mai 1829.
Als für künstlerische Einflüsse sehr empfänglicher
Mann wußte Giuliani mit großem Geschick das
Erbe der italienischen Instrumentaltradition des 18.
Jahrhunderts, deren direkter Nachkomme er war,
mit den Errungenschaften der Wiener Musikkultur
zu verbinden, die damals zu den fortschrittlichsten
in Europa gehörte. Seine Werke sind im reinsten
klassischen Stil verfaßt, zeigen aber eine Grazie und
melodische Spontaneität, die typisch italienisch sind.
Sein Schaffen umfaßt mehr als 150 Werknummern,
plus verschiedene weitere nicht nummerierte oder
nur handschriftlich überlieferte Werke. Zu den
gelungensten Kompositionen gehören ohne Zweifel
seine drei Konzerte für Gitarre und Orchester
op. 30, 36 und 70 sowie einige sehr virtuose und
effektvolle Stücke für Sologitarre, wie z. B. die Grand
Ouverture op. 61 und die Sonate op. 15. Giuliani hat in
seinen Kompositionen die technischen Möglichkeiten
der Gitarre bedeutend erweitert, aus ihr ein Konzert-
Instrument im vollendeten Sinne gemacht und sie
aus der beschränkten Rolle des Begleitinstruments,
die ihr im Bereich der Kammermusik zuerkannt
wurde, befreit. Die “Orchesterhaftigkeit”, die Giuliani
der Gitarre verleiht, und die z.B. auch in der schon
erwähnten Grande Ouverture op. 61 zutage tritt,
zeigt sich vor allem dann, wenn das Instrument
einem wirklichen Orchester gegenüber gestellt wird.
Zusammen mit Ferdinando Carulli war Giuliani
nämlich einer der ersten Komponisten des 19.
Jahrhunderts, wenn nicht sogar der erste, der ein
Konzert für Gitarre und Orchester schrieb. Ein
Unterfangen, das nicht ohne Risiko und ohne Probleme
war, da die Gitarre mit ihrem geringen Klangvolumen
leicht von einem etwas gewichtigeren Ensemble
überdeckt wird.
Das Konzert Nr. 1 in A Dur op. 30 wurde vermutlich
in Wien am 3. April 1808 mit dem Komponisten
als Solisten uraufgeführt und ist zweifelsohne das
bekannteste und meistgespielte der drei Solokonzerte
für Gitarre, die Giuliani uns hinterlassen hat. Es
wurde 1810 in Wien in zwei verschiedenen Ausgaben
gedruckt, einer originalen für Gitarre und Streicher
und einer zweiten mit zusätzlichen Bläsern (bei
dieser zweiten soll Hummel beteiligt gewesen sein).
Es handelt sich wie üblich um ein Werk in drei Sätzen
von typisch klassischem Zuschnitt, ein erhellendes
Beispiel für die Verschmelzung von Wiener Klassik der
Nachfolge Mozarts und der geistvoll-humoristischen
Kantabilität wie sie für den besten Rossini
kennzeichnend ist. Im ersten Satz, Allegro maestoso,
in korrekter Sonatenhauptsatzform, begegnen wir
einer breiten Orchesterexposition Wiener Stils, die
dann den Raum ganz dem Solisten überläßt, der
statt der üblichen einen zwei Kadenzen zugestanden
bekommt. Giuliani behandelt das Orchester mit viel
Feingefühl, sorgt dafür, daß es sich nie der Gitarre
entgegenstellt und diese vielmehr immer sehr
zurückhaltend begleitet. Der zweite Satz, Siciliana,
ist ein entzückendes Andantino in e moll, ganz von
zarter Kantabilität durchzogen, in der einige Gedanken
volkstümlichen Ursprungs wie in eleganter Umgebung
verwandelt erscheinen. Das Konzert endet mit einem
spritzigen Rondò alla polacca, Allegretto, einem
wahren Feuerwerk instrumentaler Virtuosität.
Das Konzert Nr. 2 in A Dur op. 36 wurde 1812, zwei
Jahre nach op. 30, beim Verleger Artaria gedruckt
und ist eine Komposition, die in musikalischer
Form und in der Behandlung der Instrumente dem
vorhergehenden Konzert folgt, mit dem sie auch die
von Giuliani bevorzugte Tonart A Dur teilt. Gleichwohl
unterscheidet sie sich von diesem Vorgängerwerk
durch einen komplexeren, stärker introvertierten,
eminent lyrischen Charakter. Dies wird schon in
der Orchesterexposition des einleitenden Maestoso
deutlich, in der die Kantabilität des op. 30 einer
gebrochenen Melodiefindung Platz macht, die auf
eine neue Empfindsamkeit vorausdeutet. Auch der
zweite Satz, Andantino, ein klanglich außerordentlich
feines Stück, läßt die schmeichelnden Töne des
entsprechenden Satzes von op. 30 hinter sich, um zu
einer subtileren Expressivität zu finden. Das Finale,
Rondò – Allegretto, bewegt sich im Marschrhythmus,
verzichtet aber nicht auf Virtuosität und eine
fortschrittliche Harmonik mit recht moderner
Verwendung von Chromatismen.
Danilo Prefumo
übersetzung von Daniel Brandenburg
Die Familie Pons und die
“Pons l’aîné”-Gitarre Paris 1825
César Pons, aus Paris gebürtig, war Gitarren-, Geigen-,
Harfen- und Drehleierbauer und hatte zwei Söhne,
die beide seinen Beruf erlernten: Joseph und Louis
David. Letzterer war die längste Zeit seines Lebens in
Grenoble tätig, zusammen mit dem Vater César.
Unternehmungslustiger und dynamischer war der
Erstgeborene, Joseph, der das provinzielle Grenoble
verließ und auf der Suche nach einer ausgesuchteren
Kundschaft, die die Qualität seiner Arbeit besser zu
schätzen wusste, nach Paris ging. Belegt ist, dass der
Bruder Louis David zusammen mit dem Vater César
ebenfalls für eine Weile nach Paris kam, vermutlich um
dem Älteren Bruder zu helfen, die unzähligen Aufträge
zu erfüllen.
Joseph, der bis dahin seine Instrumente mit “Pons fils”
(“Pons Sohn”) signiert hatte, so wie es auch Louis
David in Grenoble tat, begann bei der Ankunft seines
Bruders in Paris, um sich von diesem zu unterscheiden,
seine Instrumente mit “Pons l’aîné” (“Pons, der
Ältere”) zu kennzeichnen. Louis David änderte
daraufhin sein Signum von “Pons fils” zu “Pons jeune”
(“Pons, der Jüngere”).
Die Gitarre von “Pons l’aîné”, die der Maestro Edoardo
Catemario für diese Einspielung der ersten zwei
Konzerte von Giuliani benutzt hat, wurde von Joseph
Pons im Jahr 1825 in Paris nach einem ein paar Jahre
zuvor ausprobierten Entwurf gebaut.
Und tatsächlich ist dieses Instrument ein Zwilling
dessen, das Joseph für die Kaiserin Marie-Louise von
Habsburg, Frau des Napoleon gebaut hatte, die es dann
dem Virtuosen Mauro Giuliani schenkte. Der machte
es zu einem seiner Lieblingsinstrumente.
Nicht nur das Modell stimmt überein, auch die
verschiedenen Hölzer, die für den Bau benutzt wurden.
Darüber hinaus wurden die inneren Strukturelemente
nach demselben Muster und im selben Maßstab gebaut
und eingesetzt. Hervorzuheben ist insbesondere auch,
dass die Wirbelplatte in dem ausgeklügelten System
der Wirbel in Planung und Technik ganz mit dem
anderen Instrument übereinstimmt.
8 9
Der innovative Stimm-Mechanismus besteht aus sechs
Holzzapfen aus Ebenholz, die an ihrem Ende mit einem
Gewinde und einer Flügelschraube versehen sind.
Die angebundene Saite kann, wenn die gewünschte
Stimmung erreicht worden ist, dadurch blockiert
werden, dass die Flügelschraube angezogen wird. Auf
diese Weise wird gewährleistet, dass die Stimmung
länger erhalten bleibt. Der Mechanismus war in seinem
akustischen Ergebnis so gut, dass er später vom besten
Schüler des Joseph Pons, René Lacote, übernommen
und weiterentwickelt wurde.
Gianni Accornero
übersetzung von Daniel Brandenburg
MAURO GIULIANI
Concerts n° 1 & 2
pour Guitare et Orchestre
Au cours des premières décennies du 19ème
siècle, le répertoire pour la guitare connut un essor
exceptionnel, correspondant à une transformation
dont l’instrument fut l’objet à peu près à la même
époque: vers la fin du 18ème siècle, la guitare se
vit ajouter une sixième corde. La guitare devint
vite très populaire sous cette nouvelle forme. Il
en résulta que, surtout en Espagne et en Italie, un
nombre non négligeable de guitaristes firent leur
apparition, diffusant la musique de guitare à partir du
pays d’origine respectif dans les grandes métropoles
européennes, notamment Vienne et Paris. Ces deux
villes devinrent ainsi pendant presque un demi-siècle
les lieux majeurs de production et de diffusion de
ce répertoire. Parmi les compositeurs et virtuoses
se consacrant à la guitare, citons entre autres Mauro
Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio
Aguado, Filippo Gragnani et Matteo Carcassi. Leurs
noms sont liés à l’une des époques les plus glorieuses
de l’histoire de la guitare.
Mauro Giuliani fut sans doute le plus grand guitariste
et compositeur pour la guitare du 19ème siècle. Il
naquit à Bisceglie, près de Bari, le 27 juillet 1781.
Nous ne savons pratiquement rien de ses années de
formation en Italie. Mais fin 1806, nous le retrouvons
déjà en artiste accompli à Vienne où il devait passer
les meilleures années de sa carrière, faisant la
connaissance et se liant d’amitié avec Beethoven,
Hummel, Moscheles et beaucoup d’autres des
instrumentalistes et compositeurs dominants qui
travaillaient dans la capitale autrichienne. En 1813,
Giuliani participa p. ex. en tant que violoncelliste à la
création de la Septième Symphonie de Beethoven. Le
compositeur de Bonn était de tout sûr un admirateur
de son collègue italien qu’il évoque toujours avec
beaucoup de respect dans ses cahiers de conversation.
Giuliani travailla à plusieurs reprises en collaboration
avec Ignaz Moscheles et Johann Nepomuk Hummel,
deux compositeurs et pianistes virtuoses très
eminent lyrischen Charakter. Dies wird schon in
der Orchesterexposition des einleitenden Maestoso
deutlich, in der die Kantabilität des op. 30 einer
gebrochenen Melodiefindung Platz macht, die auf
eine neue Empfindsamkeit vorausdeutet. Auch der
zweite Satz, Andantino, ein klanglich außerordentlich
feines Stück, läßt die schmeichelnden Töne des
entsprechenden Satzes von op. 30 hinter sich, um zu
einer subtileren Expressivität zu finden. Das Finale,
Rondò – Allegretto, bewegt sich im Marschrhythmus,
verzichtet aber nicht auf Virtuosität und eine
fortschrittliche Harmonik mit recht moderner
Verwendung von Chromatismen.
Danilo Prefumo
übersetzung von Daniel Brandenburg
Die Familie Pons und die
“Pons l’aîné”-Gitarre Paris 1825
César Pons, aus Paris gebürtig, war Gitarren-, Geigen-,
Harfen- und Drehleierbauer und hatte zwei Söhne,
die beide seinen Beruf erlernten: Joseph und Louis
David. Letzterer war die längste Zeit seines Lebens in
Grenoble tätig, zusammen mit dem Vater César.
Unternehmungslustiger und dynamischer war der
Erstgeborene, Joseph, der das provinzielle Grenoble
verließ und auf der Suche nach einer ausgesuchteren
Kundschaft, die die Qualität seiner Arbeit besser zu
schätzen wusste, nach Paris ging. Belegt ist, dass der
Bruder Louis David zusammen mit dem Vater César
ebenfalls für eine Weile nach Paris kam, vermutlich um
dem Älteren Bruder zu helfen, die unzähligen Aufträge
zu erfüllen.
Joseph, der bis dahin seine Instrumente mit “Pons fils”
(“Pons Sohn”) signiert hatte, so wie es auch Louis
David in Grenoble tat, begann bei der Ankunft seines
Bruders in Paris, um sich von diesem zu unterscheiden,
seine Instrumente mit “Pons l’aîné” (“Pons, der
Ältere”) zu kennzeichnen. Louis David änderte
daraufhin sein Signum von “Pons fils” zu “Pons jeune”
(“Pons, der Jüngere”).
Die Gitarre von “Pons l’aîné”, die der Maestro Edoardo
Catemario für diese Einspielung der ersten zwei
Konzerte von Giuliani benutzt hat, wurde von Joseph
Pons im Jahr 1825 in Paris nach einem ein paar Jahre
zuvor ausprobierten Entwurf gebaut.
Und tatsächlich ist dieses Instrument ein Zwilling
dessen, das Joseph für die Kaiserin Marie-Louise von
Habsburg, Frau des Napoleon gebaut hatte, die es dann
dem Virtuosen Mauro Giuliani schenkte. Der machte
es zu einem seiner Lieblingsinstrumente.
Nicht nur das Modell stimmt überein, auch die
verschiedenen Hölzer, die für den Bau benutzt wurden.
Darüber hinaus wurden die inneren Strukturelemente
nach demselben Muster und im selben Maßstab gebaut
und eingesetzt. Hervorzuheben ist insbesondere auch,
dass die Wirbelplatte in dem ausgeklügelten System
der Wirbel in Planung und Technik ganz mit dem
anderen Instrument übereinstimmt.
8 9
Der innovative Stimm-Mechanismus besteht aus sechs
Holzzapfen aus Ebenholz, die an ihrem Ende mit einem
Gewinde und einer Flügelschraube versehen sind.
Die angebundene Saite kann, wenn die gewünschte
Stimmung erreicht worden ist, dadurch blockiert
werden, dass die Flügelschraube angezogen wird. Auf
diese Weise wird gewährleistet, dass die Stimmung
länger erhalten bleibt. Der Mechanismus war in seinem
akustischen Ergebnis so gut, dass er später vom besten
Schüler des Joseph Pons, René Lacote, übernommen
und weiterentwickelt wurde.
Gianni Accornero
übersetzung von Daniel Brandenburg
MAURO GIULIANI
Concerts n° 1 & 2
pour Guitare et Orchestre
Au cours des premières décennies du 19ème
siècle, le répertoire pour la guitare connut un essor
exceptionnel, correspondant à une transformation
dont l’instrument fut l’objet à peu près à la même
époque: vers la fin du 18ème siècle, la guitare se
vit ajouter une sixième corde. La guitare devint
vite très populaire sous cette nouvelle forme. Il
en résulta que, surtout en Espagne et en Italie, un
nombre non négligeable de guitaristes firent leur
apparition, diffusant la musique de guitare à partir du
pays d’origine respectif dans les grandes métropoles
européennes, notamment Vienne et Paris. Ces deux
villes devinrent ainsi pendant presque un demi-siècle
les lieux majeurs de production et de diffusion de
ce répertoire. Parmi les compositeurs et virtuoses
se consacrant à la guitare, citons entre autres Mauro
Giuliani, Ferdinando Carulli, Fernando Sor, Dionisio
Aguado, Filippo Gragnani et Matteo Carcassi. Leurs
noms sont liés à l’une des époques les plus glorieuses
de l’histoire de la guitare.
Mauro Giuliani fut sans doute le plus grand guitariste
et compositeur pour la guitare du 19ème siècle. Il
naquit à Bisceglie, près de Bari, le 27 juillet 1781.
Nous ne savons pratiquement rien de ses années de
formation en Italie. Mais fin 1806, nous le retrouvons
déjà en artiste accompli à Vienne où il devait passer
les meilleures années de sa carrière, faisant la
connaissance et se liant d’amitié avec Beethoven,
Hummel, Moscheles et beaucoup d’autres des
instrumentalistes et compositeurs dominants qui
travaillaient dans la capitale autrichienne. En 1813,
Giuliani participa p. ex. en tant que violoncelliste à la
création de la Septième Symphonie de Beethoven. Le
compositeur de Bonn était de tout sûr un admirateur
de son collègue italien qu’il évoque toujours avec
beaucoup de respect dans ses cahiers de conversation.
Giuliani travailla à plusieurs reprises en collaboration
avec Ignaz Moscheles et Johann Nepomuk Hummel,
deux compositeurs et pianistes virtuoses très
appréciés à Vienne à l’époque, se produisant avec eux
dans des concerts tenus partout en très haute estime.
Giuliani resta dans la capitale autrichienne jusqu’en
1819 et retourna ensuite en Italie. Mais dans son pays,
la musique instrumentale était encore loin d’être aussi
populaire que de l’autre côté des Alpes. C’est pourquoi
Giuliani ne put y renouveler les succès viennois, même
s’il publia diverses compositions chez Ricordi et
d’autres éditeurs. Il mourut à Naples le 8 mai 1829.
Homme très réceptif aux influences artistiques,
Giuliani sut allier avec une grande dextérité l’héritage
de la tradition instrumentale italienne du 18ème siècle,
dont il était le descendant direct, aux conquêtes de
la culture musicale viennoise qui comptait à l’époque
parmi les plus progressistes d’Europe. Ses œuvres sont
d’un style classique le plus pur mais sont dotées d’une
grâce et d’une spontanéité mélodique typiquement
italiennes. Son œuvre embrasse plus de 150 numéros
d’opus, sans compter diverses pièces non numérotées
ou conservées seulement à l’état de manuscrits. Parmi
les compositions les plus réussies, citons sans hésiter
ses trois Concertos pour guitare et orchestre op. 30,
36 et 70, ainsi que quelques morceaux très virtuoses
et pleins d’effets pour guitare seule, comme p. ex. la
Grande Ouverture op. 61 et la Sonate op. 15. Dans ses
compositions, Giuliani a considérablement élargi les
possibilités techniques de la guitare, faisant d’elle un
instrument de concert à part entière et l’émancipant
du rôle limité d’instrument d’accompagnement
où la confinait la musique de chambre. La “faculté
orchestrale”, que prête Giuliani à la guitare, et qui
se révèle aussi p. ex. dans la Grande Ouverture op.
61 déjà mentionnée, se déploie totalement lorsque
l’instrument est confronté à un véritable orchestre.
Avec Ferdinando Carulli, Giuliani fut en effet l’un des
premiers compositeurs du 19ème siècle, peut-être
même le premier, à écrire un concerto pour guitare et
orchestre. Une entreprise qui n’allait pas sans risques
et sans problèmes, la guitare étant facilement couverte
par un ensemble un peu important en raison de son
volume sonore restreint.
Le Concerto n° 1 en la majeur op. 30 fut sans doute
créé à Vienne le 3 avril 1808, le compositeur tenant
la partie soliste. Il est sans aucun doute le plus connu
et le plus joué des trois concertos solo pour guitare
que Giuliani a écrits. Il fut imprimé en 1810 à Vienne
dans deux éditions différentes, une originale pour
guitare et cordes et une seconde comportant en plus
des instruments à vent (il semble que Hummel ait
contribué à cette seconde version). Il s’agit comme
à l’ordinaire d’une pièce en trois mouvements de
format typiquement classique, exemple lumineux de
la fusion entre le classicisme viennois dans la tradition
mozartienne et le lyrisme pein d’esprit et d’humour
caractéristique du meilleur Rossini. Le premier
mouvement, Allegro maestoso, dans la forme correcte
de mouvement principal de sonate, nous fait découvrir
une large exposition orchestrale de style viennois,
faisant ensuite place au soliste à qui sont confiées non
pas une mais deux cadences. Giuliani traite l’orchestre
avec une grande délicatesse, veille à ce qu’il ne
s’oppose jamais à la guitare et l’accompagne toujours
avec beaucoup de retenue. Le second mouvement,
Siciliana, est un ravissant Andantino en mi mineur,
baigné d’un lyrisme tendre, dans lequel quelques
inspirations d’origine populaires apparaissent comme
transposées dans un contexte élégant. Le concerto
s’achève sur un vif Rondò alla polacca, Allegretto,
véritable feu d’artifice de virtuosité instrumentale.
Le Concerto n° 2 en la majeur op. 36 fut gravé en
1812, deux ans après l’op. 30, aux éditions Artaria.
Il s’agit d’une composition proche du concerto
précédent dans la forme musicale et le traitement
des instruments, avec lequel il partage aussi la tonalité
de la majeur qu’affectionne Giuliani. Pourtant, elle se
distingue de l’œuvre précédente par un caractère
plus complexe, fortement introverti, éminemment
lyrique. Ceci est évident dès l’exposition orchestrale
du Maestoso introductif dans laquelle le lyrisme de
l’op. 30 fait place à des idées mélodiques rompues
qui annoncent la nouvelle sensibilité. Le deuxième
mouvement, Andantino, est lui aussi extrêmement
subtil sur le plan sonore, laisse derrière lui les sons
flatteurs du mouvement correspondant de l’op. 30
10
pour trouver une expressivité plus subtile. Le Finale, construits et placés selon le même modèle et aux
Rondò - Allegretto, se meut au rythme d’une marche, même dimensions. Il faut souligner notamment que
sans renoncer à la virtuosité et à des harmonies le chevillier à disque dans le système sophistiqué des
audacieuses recourant à des chromatismes d’une chevilles concernant la planification et la technique
grande modernité. concordent parfaitement avec l’autre instrument.
Danilo Prefumo Le mécanisme innovateur d’accord se compose de
Traduction de Sylvie Coquillat six tenons en ébène, dotés à leur extrêmité d’un
filet et d’une vis papillon. La corde reliée peut ainsi
La Famille Pons et la guitare être bloquée lorsque l’on a atteint l’accord souhaité
de “Pons l’aîné”, Paris 1825 en serrant la vis papillon. Ceci permet de maintenir
César Pons, d’origine parisienne, était luthier, facteur l’accord plus longtemps. Le mécanisme était si bon
de guitare, de harpe et de vielle à roue. Il avait deux fils dans son résultat acoustique qu’il fut repris plus tard
qui apprirent tous deux son métier: Joseph et Louis et perfectionné par le meilleur élève de Joseph Pons,
David. Ce dernier passa la majeure partie de sa vie à René Lacote.
Grenoble, restant auprès de son père, César. Gianni Accornero
Joseph, l’aîné, de tempérament plus entreprenant et Traduction de Sylvie Coquillat
plus dynamique, quitta Grenoble et sa province pour
s’établir à Paris, à la recherche d’une clientèle choisie
mieux à même d’apprécier la qualité de son travail à
sa juste valeur. Il est attesté que son frère séjourna
quelques temps à Paris avec son père, sans doute
afin d’aider l’aîné à venir à bout de ses innombrables
commandes.
Joseph, qui avait jusqu’ici signé ces instruments “Pons
fils”, tout comme Louis David le faisait à Grenoble,
commença, à l’arrivée de son frère à Paris, à faire la
distinction entre eux en signant ses instruments “Pons
l’ainé”. Louis David modifia alors sa signature de “Pons
fils” en “Pons jeune”.
La guitare de “Pons l’aîné”, que le Maestro Edoardo
Catemario a utilisée pour cet enregistrement des deux
premiers concertos de Giuliani, fut construite par
Joseph Pons en l’an 1825 à Paris, d’après un prototype
mis en application quelques années auparavant.
Et en effet, cet instrument est le jumeau de celui que
Joseph avait construit pour l’impératrice Marie-Louise
de Habsbourg, femme de Napoléon, qui en fit don
ensuite au virtuose Mauro Giuliani. Le maître en fit l’un
de ses instruments favoris.
Non seulement le modèle est conforme mais aussi
les différents bois utilisés pour la construction. En
outre, les éléments structurels intérieurs furent
11
appréciés à Vienne à l’époque, se produisant avec eux
dans des concerts tenus partout en très haute estime.
Giuliani resta dans la capitale autrichienne jusqu’en
1819 et retourna ensuite en Italie. Mais dans son pays,
la musique instrumentale était encore loin d’être aussi
populaire que de l’autre côté des Alpes. C’est pourquoi
Giuliani ne put y renouveler les succès viennois, même
s’il publia diverses compositions chez Ricordi et
d’autres éditeurs. Il mourut à Naples le 8 mai 1829.
Homme très réceptif aux influences artistiques,
Giuliani sut allier avec une grande dextérité l’héritage
de la tradition instrumentale italienne du 18ème siècle,
dont il était le descendant direct, aux conquêtes de
la culture musicale viennoise qui comptait à l’époque
parmi les plus progressistes d’Europe. Ses œuvres sont
d’un style classique le plus pur mais sont dotées d’une
grâce et d’une spontanéité mélodique typiquement
italiennes. Son œuvre embrasse plus de 150 numéros
d’opus, sans compter diverses pièces non numérotées
ou conservées seulement à l’état de manuscrits. Parmi
les compositions les plus réussies, citons sans hésiter
ses trois Concertos pour guitare et orchestre op. 30,
36 et 70, ainsi que quelques morceaux très virtuoses
et pleins d’effets pour guitare seule, comme p. ex. la
Grande Ouverture op. 61 et la Sonate op. 15. Dans ses
compositions, Giuliani a considérablement élargi les
possibilités techniques de la guitare, faisant d’elle un
instrument de concert à part entière et l’émancipant
du rôle limité d’instrument d’accompagnement
où la confinait la musique de chambre. La “faculté
orchestrale”, que prête Giuliani à la guitare, et qui
se révèle aussi p. ex. dans la Grande Ouverture op.
61 déjà mentionnée, se déploie totalement lorsque
l’instrument est confronté à un véritable orchestre.
Avec Ferdinando Carulli, Giuliani fut en effet l’un des
premiers compositeurs du 19ème siècle, peut-être
même le premier, à écrire un concerto pour guitare et
orchestre. Une entreprise qui n’allait pas sans risques
et sans problèmes, la guitare étant facilement couverte
par un ensemble un peu important en raison de son
volume sonore restreint.
Le Concerto n° 1 en la majeur op. 30 fut sans doute
créé à Vienne le 3 avril 1808, le compositeur tenant
la partie soliste. Il est sans aucun doute le plus connu
et le plus joué des trois concertos solo pour guitare
que Giuliani a écrits. Il fut imprimé en 1810 à Vienne
dans deux éditions différentes, une originale pour
guitare et cordes et une seconde comportant en plus
des instruments à vent (il semble que Hummel ait
contribué à cette seconde version). Il s’agit comme
à l’ordinaire d’une pièce en trois mouvements de
format typiquement classique, exemple lumineux de
la fusion entre le classicisme viennois dans la tradition
mozartienne et le lyrisme pein d’esprit et d’humour
caractéristique du meilleur Rossini. Le premier
mouvement, Allegro maestoso, dans la forme correcte
de mouvement principal de sonate, nous fait découvrir
une large exposition orchestrale de style viennois,
faisant ensuite place au soliste à qui sont confiées non
pas une mais deux cadences. Giuliani traite l’orchestre
avec une grande délicatesse, veille à ce qu’il ne
s’oppose jamais à la guitare et l’accompagne toujours
avec beaucoup de retenue. Le second mouvement,
Siciliana, est un ravissant Andantino en mi mineur,
baigné d’un lyrisme tendre, dans lequel quelques
inspirations d’origine populaires apparaissent comme
transposées dans un contexte élégant. Le concerto
s’achève sur un vif Rondò alla polacca, Allegretto,
véritable feu d’artifice de virtuosité instrumentale.
Le Concerto n° 2 en la majeur op. 36 fut gravé en
1812, deux ans après l’op. 30, aux éditions Artaria.
Il s’agit d’une composition proche du concerto
précédent dans la forme musicale et le traitement
des instruments, avec lequel il partage aussi la tonalité
de la majeur qu’affectionne Giuliani. Pourtant, elle se
distingue de l’œuvre précédente par un caractère
plus complexe, fortement introverti, éminemment
lyrique. Ceci est évident dès l’exposition orchestrale
du Maestoso introductif dans laquelle le lyrisme de
l’op. 30 fait place à des idées mélodiques rompues
qui annoncent la nouvelle sensibilité. Le deuxième
mouvement, Andantino, est lui aussi extrêmement
subtil sur le plan sonore, laisse derrière lui les sons
flatteurs du mouvement correspondant de l’op. 30
10
pour trouver une expressivité plus subtile. Le Finale, construits et placés selon le même modèle et aux
Rondò - Allegretto, se meut au rythme d’une marche, même dimensions. Il faut souligner notamment que
sans renoncer à la virtuosité et à des harmonies le chevillier à disque dans le système sophistiqué des
audacieuses recourant à des chromatismes d’une chevilles concernant la planification et la technique
grande modernité. concordent parfaitement avec l’autre instrument.
Danilo Prefumo Le mécanisme innovateur d’accord se compose de
Traduction de Sylvie Coquillat six tenons en ébène, dotés à leur extrêmité d’un
filet et d’une vis papillon. La corde reliée peut ainsi
La Famille Pons et la guitare être bloquée lorsque l’on a atteint l’accord souhaité
de “Pons l’aîné”, Paris 1825 en serrant la vis papillon. Ceci permet de maintenir
César Pons, d’origine parisienne, était luthier, facteur l’accord plus longtemps. Le mécanisme était si bon
de guitare, de harpe et de vielle à roue. Il avait deux fils dans son résultat acoustique qu’il fut repris plus tard
qui apprirent tous deux son métier: Joseph et Louis et perfectionné par le meilleur élève de Joseph Pons,
David. Ce dernier passa la majeure partie de sa vie à René Lacote.
Grenoble, restant auprès de son père, César. Gianni Accornero
Joseph, l’aîné, de tempérament plus entreprenant et Traduction de Sylvie Coquillat
plus dynamique, quitta Grenoble et sa province pour
s’établir à Paris, à la recherche d’une clientèle choisie
mieux à même d’apprécier la qualité de son travail à
sa juste valeur. Il est attesté que son frère séjourna
quelques temps à Paris avec son père, sans doute
afin d’aider l’aîné à venir à bout de ses innombrables
commandes.
Joseph, qui avait jusqu’ici signé ces instruments “Pons
fils”, tout comme Louis David le faisait à Grenoble,
commença, à l’arrivée de son frère à Paris, à faire la
distinction entre eux en signant ses instruments “Pons
l’ainé”. Louis David modifia alors sa signature de “Pons
fils” en “Pons jeune”.
La guitare de “Pons l’aîné”, que le Maestro Edoardo
Catemario a utilisée pour cet enregistrement des deux
premiers concertos de Giuliani, fut construite par
Joseph Pons en l’an 1825 à Paris, d’après un prototype
mis en application quelques années auparavant.
Et en effet, cet instrument est le jumeau de celui que
Joseph avait construit pour l’impératrice Marie-Louise
de Habsbourg, femme de Napoléon, qui en fit don
ensuite au virtuose Mauro Giuliani. Le maître en fit l’un
de ses instruments favoris.
Non seulement le modèle est conforme mais aussi
les différents bois utilisés pour la construction. En
outre, les éléments structurels intérieurs furent
11
 MAURO GIULIANI
Concerti n. 1 & 2
per Chitarra ed Archi
I primi decenni del diannovesimo secolo videro
un’eccezionale fioritura della letteratura per chitarra.
L’esplosione del fenomeno fu pressoché concomitante
con una importante modifica nella struttura dello
strumento che, verso la fine del Settecento, venne
ad aggiungere una sesta corda alle cinque che già
possedeva. Nella nuova versione a sei corde, la
chitarra divenne rapidamente assai popolare in tutta
Europa. Fu così che, specialmente in Italia e Spagna,
si affermò una schiera di chitarristi che, partendo dai
loro paesi natali, portarono il verbo chitarristico nelle
grandi capitali musicali europee, e in special modo a
Vienna e Parigi, che per quasi mezzo secolo furono
dunque i principali centri di produzione e smercio
editoriale della musica per chitarra. Questi chitarristi-
compositori si chiamavano Mauro Giuliani, Ferdinando
Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo
Gragnani, Matteo Carcassi, etc.; ai loro nomi è legato
uno dei periodi più splendidi della storia della chitarra.
Mauro Giuliani fu probabilmente il più grande
chitarrista compositore del diciannovesimo secolo.
Nacque a Bisceglie, presso Bari, il 27 luglio del 1781.
Poco o nulla sappiamo dei suoi anni di formazione
in Italia; ma sul finire del 1806 lo troviamo già artista
completo a Vienna, dove trascorrerà il periodo
migliore della sua carriera e dove conoscerà
Beethoven, Hummel, Moscheles e molti dei più
importanti strumentisti e compositori che nella
capitale austriaca erano attivi e coi quali ebbe rapporti
di amicizia e di collaborazione. Nel 1813, ad esempio,
Giuliani suonò il violoncello alla prima esecuzione
della Settima Sinfonia di Beethoven; il compositore
di Bonn, d’altro canto, fu sicuramente un estimatore
del collega italiano, da lui nominato sempre in tono
molto rispettoso nei suoi quaderni di conversazione.
Con Ignaz Moscheles e Johann Nepomuk Hummel,
due pianisti-compositori allora assai in voga a Vienna,
Giuliani ebbe modo di collaborare ripetutamente,
Edoardo Catemario (seated) and Gianni Accornero, collector, restorer and luthier with Giuliani’s original guitar (Pons l’aîné 1825),
which was utilized for this recording. tenendo con loro dei concerti assai apprezzati e
12 13
popolari. Nella capitale austriaca Giuliani rimase fino al
1819, anno in cui dovette far ritorno in Italia; nel suo
paese natale, in cui la musica strumentale era ben lungi
dal godere della popolarità che le arrideva oltralpe, il
chitarrista pugliese non riuscì a rinnovare i successi
viennesi, anche se pubblicò diverse sue composizioni
presso Ricordi ed altri editori. Morì a Napoli l’8
maggio 1829.
Dotato di uno spirito profondamente ricettivo,
Giuliani seppe fondere con grande abilità nelle sue
opere l’eredità della tradizione strumentale italiana del
diciottesimo secolo, da cui direttamente discendeva,
con le acquisizioni della civiltà musicale viennese,
allora all’avanguardia in Europa. Le sue opere sono
concepite nel più puro stile classico, ma rivelano
una grazia ed una spontaneità melodica che sono
tipicamente italiane. La sua produzione comprende
oltre centocinquanta numeri d’opus, più diverse
altre opere non numerate o rimaste manoscritte. Il
meglio di questa produzione va ricercato senz’altro
nei tre Concerti per chitarra e orchestra op. 30,
36 e 70 e in alcune opere per chitarra sola di alto
impegno virtuosistico e di grande effetto, come ad
esempio la Grande Ouverture op. 61 e la Sonata
op.15. Nelle sue composizioni Giuliani ha ampliato
notevolmente le risorse tecniche della chitarra,
facendone uno strumento da concerto nel senso più
completo e liberandola dal ruolo esecutivamente
subordinato e limitato al solo accompagnamento che
tradizionalmente le competeva nell’ambito della musica
da camera. L’”orchestralità” della scrittura chitarristica
di Giuliani – evidente ad esempio nella già citata
Grande Ouverture op. 61 – emerge poi con assoluta
chiarezza allorché la chitarra viene posta di fronte ad
un’orchestra vera e propria. Insieme con Ferdinando
Carulli, infatti, Giuliani è stato uno dei primi autori
dell’Ottocento – se non il primo in assoluto - a
scrivere un concerto per chitarra e orchestra: impresa
non poco rischiosa e problematica, dal momento
che la chitarra, col suo ridotto volume sonoro,
rischia facilmente di essere coperta da un ensemble
strumentale di un qualche peso.
 MAURO GIULIANI
Concerti n. 1 & 2
per Chitarra ed Archi
I primi decenni del diannovesimo secolo videro
un’eccezionale fioritura della letteratura per chitarra.
L’esplosione del fenomeno fu pressoché concomitante
con una importante modifica nella struttura dello
strumento che, verso la fine del Settecento, venne
ad aggiungere una sesta corda alle cinque che già
possedeva. Nella nuova versione a sei corde, la
chitarra divenne rapidamente assai popolare in tutta
Europa. Fu così che, specialmente in Italia e Spagna,
si affermò una schiera di chitarristi che, partendo dai
loro paesi natali, portarono il verbo chitarristico nelle
grandi capitali musicali europee, e in special modo a
Vienna e Parigi, che per quasi mezzo secolo furono
dunque i principali centri di produzione e smercio
editoriale della musica per chitarra. Questi chitarristi-
compositori si chiamavano Mauro Giuliani, Ferdinando
Carulli, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Filippo
Gragnani, Matteo Carcassi, etc.; ai loro nomi è legato
uno dei periodi più splendidi della storia della chitarra.
Mauro Giuliani fu probabilmente il più grande
chitarrista compositore del diciannovesimo secolo.
Nacque a Bisceglie, presso Bari, il 27 luglio del 1781.
Poco o nulla sappiamo dei suoi anni di formazione
in Italia; ma sul finire del 1806 lo troviamo già artista
completo a Vienna, dove trascorrerà il periodo
migliore della sua carriera e dove conoscerà
Beethoven, Hummel, Moscheles e molti dei più
importanti strumentisti e compositori che nella
capitale austriaca erano attivi e coi quali ebbe rapporti
di amicizia e di collaborazione. Nel 1813, ad esempio,
Giuliani suonò il violoncello alla prima esecuzione
della Settima Sinfonia di Beethoven; il compositore
di Bonn, d’altro canto, fu sicuramente un estimatore
del collega italiano, da lui nominato sempre in tono
molto rispettoso nei suoi quaderni di conversazione.
Con Ignaz Moscheles e Johann Nepomuk Hummel,
due pianisti-compositori allora assai in voga a Vienna,
Giuliani ebbe modo di collaborare ripetutamente,
Edoardo Catemario (seated) and Gianni Accornero, collector, restorer and luthier with Giuliani’s original guitar (Pons l’aîné 1825),
which was utilized for this recording. tenendo con loro dei concerti assai apprezzati e
12 13
popolari. Nella capitale austriaca Giuliani rimase fino al
1819, anno in cui dovette far ritorno in Italia; nel suo
paese natale, in cui la musica strumentale era ben lungi
dal godere della popolarità che le arrideva oltralpe, il
chitarrista pugliese non riuscì a rinnovare i successi
viennesi, anche se pubblicò diverse sue composizioni
presso Ricordi ed altri editori. Morì a Napoli l’8
maggio 1829.
Dotato di uno spirito profondamente ricettivo,
Giuliani seppe fondere con grande abilità nelle sue
opere l’eredità della tradizione strumentale italiana del
diciottesimo secolo, da cui direttamente discendeva,
con le acquisizioni della civiltà musicale viennese,
allora all’avanguardia in Europa. Le sue opere sono
concepite nel più puro stile classico, ma rivelano
una grazia ed una spontaneità melodica che sono
tipicamente italiane. La sua produzione comprende
oltre centocinquanta numeri d’opus, più diverse
altre opere non numerate o rimaste manoscritte. Il
meglio di questa produzione va ricercato senz’altro
nei tre Concerti per chitarra e orchestra op. 30,
36 e 70 e in alcune opere per chitarra sola di alto
impegno virtuosistico e di grande effetto, come ad
esempio la Grande Ouverture op. 61 e la Sonata
op.15. Nelle sue composizioni Giuliani ha ampliato
notevolmente le risorse tecniche della chitarra,
facendone uno strumento da concerto nel senso più
completo e liberandola dal ruolo esecutivamente
subordinato e limitato al solo accompagnamento che
tradizionalmente le competeva nell’ambito della musica
da camera. L’”orchestralità” della scrittura chitarristica
di Giuliani – evidente ad esempio nella già citata
Grande Ouverture op. 61 – emerge poi con assoluta
chiarezza allorché la chitarra viene posta di fronte ad
un’orchestra vera e propria. Insieme con Ferdinando
Carulli, infatti, Giuliani è stato uno dei primi autori
dell’Ottocento – se non il primo in assoluto - a
scrivere un concerto per chitarra e orchestra: impresa
non poco rischiosa e problematica, dal momento
che la chitarra, col suo ridotto volume sonoro,
rischia facilmente di essere coperta da un ensemble
strumentale di un qualche peso.
Il Concerto n. 1 in La maggiore op. 30 fu
probabilmente eseguito per la prima volta a Vienna,
con l’autore come solista, il 3 aprile del 1808, ed è
senz’altro il più celebre ed eseguito dei tre concerti
per chitarra e orchestra che Giuliani ci ha lasciato.
Esso fu pubblicato nel 1810 a Vienna in due diverse
edizioni, una originale per chitarra e archi ed un’altra
con l’aggiunta dei fiati (per la cui stesura si è parlato
di un possibile contributo di Hummel). Si tratta di
un’opera articolata nei consueti tre movimenti, dal
taglio squisitamente classico, illuminante esempio di
fusione fra il classicismo viennese erede di Mozart e la
cantabilità condita di fine umorismo tipica del miglior
Rossini. Nel primo tempo, Allegro maestoso, scritto
in una regolare forma sonata, troviamo un’ampia
introduzione orchestrale, di gusto viennese, che poi
lascia completamente spazio al solista, il quale si
concede ben due cadenze anziché una sola. Giuliani
tratta l’orchestra con molta discrezione, e fa in
modo che essa non si opponga mai alla chitarra, ma
l’accompagni sempre con molta discrezione. Il secondo
tempo, Siciliana, è un delizioso Andantino in Mi minore,
tutto pervaso da una cantabilità tenue e soffusa, in cui
gli spunti di ascendenza popolaresca appaiono come
trasfigurati in un contesto strumentale di raffinata
eleganza. Conclude il concerto un effervescente Rondò
alla polacca, Allegretto, autentico fuoco d’artificio di
virtuosismo strumentale.
Pubblicato dall’editore Artaria di Vienna due anni dopo
l’op. 30, nel 1812, il Concerto n. 2 in La maggiore
op. 36 è un lavoro che, pur ricalcando per molti
aspetti la forma e le modalità di scrittura strumentale
del precedente, con il quale condivide anche la
tonalità di La maggiore, prediletta da Giuliani, se ne
distacca tuttavia per una concezione più introversa e
complessa, di carattere eminentemente lirico. Tutto
ciò appare evidente fin dall’introduzione orchestrale
del Maestoso iniziale, in cui la distesa cantabilità
dell’op. 30 cede il posto ad un melodizzare più
spezzato, già presago di una nuova sensibilità. Anche
il secondo movimento, Andantino, di straordinaria
raffinatezza timbrica, abbandona le maniere suadenti
del movimento analogo dell’op. 30 per cercare una sua Non solo il modello usato e’ lo stesso, ma lo sono
espressività più ricercata. Il finale, Rondò, Allegretto, anche i diversi legni utilizzati per l’intera costruzione.
si svolge su andamenti di marcia, e senza rinunciare Inoltre anche gli elementi strutturali interni sono
affatto al virtuosismo mostra una concezione armonica costruiti, dimensionati e posizionati allo stesso modo.
decisamente aggiornata e un uso assai moderno del Da notare, in particolar modo, la paletta la quale rivela,
cromatismo. nella raffinata realizzazione del sistema di accordatura,
Danilo Prefumo le stesse caratteristiche progettuali ed esecutive.
L’innovativo sistema di accordatura è costituito da sei
piroli in legno di ebano muniti, sulla parte terminante,
La Famiglia Pons e la chitarra di un perno filettato e di un dado a farfalla. La
“Pons l’aîné” - Parigi - 1825 corda vincolata al meccanismo, una volta raggiunta
César Pons, nativo di Parigi, costruttore di chitarre, l’intonazione desiderata, viene bloccata stringendo il
violini, arpe e ghironde ebbe due figli, anch’essi liutai: dado a farfalla sul perno filettato, assicurando così una
Joseph e Louis David. Quest’ultimo fu attivo a Greno- tenuta più lunga dell’accordatura. Questo progetto
ble per la maggior parte della sua vita, unitamente al dette risultati acustici tanto soddisfacenti da essere
padre César. poi utilizzato e sviluppato anche dal migliore allievo di
Più intraprendente e dinamico fu il primogenito Joseph Joseph Pons, René Lacote.
che lascio’ la provinciale Grenoble alla volta di Parigi Gianni Accornero
alla ricerca di una clientela più elitaria, in grado di
apprezzare in pieno la qualità del suo lavoro. È certo
che il fratello Louis David, forse unitamente al padre
César, raggiunse per un certo periodo Joseph a Parigi,
probabilmente per aiutarlo a soddisfare le innumere-
voli commesse.
Joseph, che fino ad allora aveva firmato i suoi strumenti
con l’appellativo di ”Pons fils” (Pons figlio) come del
resto faceva Louis David a Grenoble, all’arrivo di
quest’ultimo a Parigi, per distinguersi, prese a firmare i
suoi strumenti con l’appellativo di “Pons l’aîné“ (Pons
il primogenito).
Di conseguenza Louis David cambio’ il suo appellativo
da “Pons fils” a “Pons jeune” (Pons il giovane ).
La chitarra “Pons l’aîné”, datata 1825, che il maestro
Edoardo Catemario ha usato per l’incisione dei primi
due concerti di Giuliani fu costruita da Joseph Pons a
Parigi, nell’anno 1825, seguendo un progetto costrutti-
vo sperimentato già qualche anno prima.
Infatti, questa chitarra è praticamente la gemella di
quella costruita dallo stesso - Joseph per l’Imperatrice
Marie-Louise d’Asburgo, moglie di Napoleone e poi da
questa donata al virtuoso Mauro Giuliani, che ne fece
uno dei suoi strumenti preferiti.
14 15
Il Concerto n. 1 in La maggiore op. 30 fu
probabilmente eseguito per la prima volta a Vienna,
con l’autore come solista, il 3 aprile del 1808, ed è
senz’altro il più celebre ed eseguito dei tre concerti
per chitarra e orchestra che Giuliani ci ha lasciato.
Esso fu pubblicato nel 1810 a Vienna in due diverse
edizioni, una originale per chitarra e archi ed un’altra
con l’aggiunta dei fiati (per la cui stesura si è parlato
di un possibile contributo di Hummel). Si tratta di
un’opera articolata nei consueti tre movimenti, dal
taglio squisitamente classico, illuminante esempio di
fusione fra il classicismo viennese erede di Mozart e la
cantabilità condita di fine umorismo tipica del miglior
Rossini. Nel primo tempo, Allegro maestoso, scritto
in una regolare forma sonata, troviamo un’ampia
introduzione orchestrale, di gusto viennese, che poi
lascia completamente spazio al solista, il quale si
concede ben due cadenze anziché una sola. Giuliani
tratta l’orchestra con molta discrezione, e fa in
modo che essa non si opponga mai alla chitarra, ma
l’accompagni sempre con molta discrezione. Il secondo
tempo, Siciliana, è un delizioso Andantino in Mi minore,
tutto pervaso da una cantabilità tenue e soffusa, in cui
gli spunti di ascendenza popolaresca appaiono come
trasfigurati in un contesto strumentale di raffinata
eleganza. Conclude il concerto un effervescente Rondò
alla polacca, Allegretto, autentico fuoco d’artificio di
virtuosismo strumentale.
Pubblicato dall’editore Artaria di Vienna due anni dopo
l’op. 30, nel 1812, il Concerto n. 2 in La maggiore
op. 36 è un lavoro che, pur ricalcando per molti
aspetti la forma e le modalità di scrittura strumentale
del precedente, con il quale condivide anche la
tonalità di La maggiore, prediletta da Giuliani, se ne
distacca tuttavia per una concezione più introversa e
complessa, di carattere eminentemente lirico. Tutto
ciò appare evidente fin dall’introduzione orchestrale
del Maestoso iniziale, in cui la distesa cantabilità
dell’op. 30 cede il posto ad un melodizzare più
spezzato, già presago di una nuova sensibilità. Anche
il secondo movimento, Andantino, di straordinaria
raffinatezza timbrica, abbandona le maniere suadenti
del movimento analogo dell’op. 30 per cercare una sua Non solo il modello usato e’ lo stesso, ma lo sono
espressività più ricercata. Il finale, Rondò, Allegretto, anche i diversi legni utilizzati per l’intera costruzione.
si svolge su andamenti di marcia, e senza rinunciare Inoltre anche gli elementi strutturali interni sono
affatto al virtuosismo mostra una concezione armonica costruiti, dimensionati e posizionati allo stesso modo.
decisamente aggiornata e un uso assai moderno del Da notare, in particolar modo, la paletta la quale rivela,
cromatismo. nella raffinata realizzazione del sistema di accordatura,
Danilo Prefumo le stesse caratteristiche progettuali ed esecutive.
L’innovativo sistema di accordatura è costituito da sei
piroli in legno di ebano muniti, sulla parte terminante,
La Famiglia Pons e la chitarra di un perno filettato e di un dado a farfalla. La
“Pons l’aîné” - Parigi - 1825 corda vincolata al meccanismo, una volta raggiunta
César Pons, nativo di Parigi, costruttore di chitarre, l’intonazione desiderata, viene bloccata stringendo il
violini, arpe e ghironde ebbe due figli, anch’essi liutai: dado a farfalla sul perno filettato, assicurando così una
Joseph e Louis David. Quest’ultimo fu attivo a Greno- tenuta più lunga dell’accordatura. Questo progetto
ble per la maggior parte della sua vita, unitamente al dette risultati acustici tanto soddisfacenti da essere
padre César. poi utilizzato e sviluppato anche dal migliore allievo di
Più intraprendente e dinamico fu il primogenito Joseph Joseph Pons, René Lacote.
che lascio’ la provinciale Grenoble alla volta di Parigi Gianni Accornero
alla ricerca di una clientela più elitaria, in grado di
apprezzare in pieno la qualità del suo lavoro. È certo
che il fratello Louis David, forse unitamente al padre
César, raggiunse per un certo periodo Joseph a Parigi,
probabilmente per aiutarlo a soddisfare le innumere-
voli commesse.
Joseph, che fino ad allora aveva firmato i suoi strumenti
con l’appellativo di ”Pons fils” (Pons figlio) come del
resto faceva Louis David a Grenoble, all’arrivo di
quest’ultimo a Parigi, per distinguersi, prese a firmare i
suoi strumenti con l’appellativo di “Pons l’aîné“ (Pons
il primogenito).
Di conseguenza Louis David cambio’ il suo appellativo
da “Pons fils” a “Pons jeune” (Pons il giovane ).
La chitarra “Pons l’aîné”, datata 1825, che il maestro
Edoardo Catemario ha usato per l’incisione dei primi
due concerti di Giuliani fu costruita da Joseph Pons a
Parigi, nell’anno 1825, seguendo un progetto costrutti-
vo sperimentato già qualche anno prima.
Infatti, questa chitarra è praticamente la gemella di
quella costruita dallo stesso - Joseph per l’Imperatrice
Marie-Louise d’Asburgo, moglie di Napoleone e poi da
questa donata al virtuoso Mauro Giuliani, che ne fece
uno dei suoi strumenti preferiti.
14 15

Edoardo Catemario and Martin Haselböck
during the recording
of Giuliani’s complete Concertos for Guitar and Orchestra
in the Hofburgkapelle,Vienna
16
Edoardo Catemario
Born in Naples, Edoardo Catemario is a rare combination of
technique and musicality in the purest sense of the term. He
is recognized as an amazing virtuoso and as the heir of the
famous historical Neapolitan school. After being awarded in
some of the most important European guitar competitions
(among other he won the first prize at the “Andres Segovia”
contest of Almuñecar - Granada in 1991 and at the contest
of Alessandria in 1992), Catemario started a successful
career with concerts in the main halls worldwide and many
recordings. Catemario is also appraised as an excellent teacher
and he held Master Classes in France, Spain, Italy and Austria.
He has been professor in the “Conservatoire International de
Paris” and he collaborates with Salzburg’s Mozarteum where
he teaches during the Summer Academy.
Martin Haselböck
The Viennese conductor, organist and harpsichordist Martin
Haselböck is music director of the Wiener Akademie, which he
established in 1985 to pursue his interest of performing early
music on period instruments. He is also conductor-in-residen-
ce of the Hamburg Symphony. In 2004 he makes his conducting
debuts with the San Francisco Symphony, the Detroit and
Toronto Symphony and the Los Angeles Philharmonic, and
conducts operas in Spain, Germany and Austria, including his
second Handel Opera at the Salzburg Festival. As an organist
he has been a soloist with major orchestras under conductors
including Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch and Lorin
Maazel. He has recorded more than 70 solo CDs and has
inaugurated new concert organs in Athens, Nagoya, Treviso
and Los Angeles. He is professor at the University for Music in
Vienna and is also the Vienna court organist.
Wiener Akademie
The Wiener Akademie has established itself as one of the
leading European ensembles performing early music. As
well as its residency at the Musikverein in its home city, the
orchestra performs regularly throughout Europe and beyond.
The Akademie has been involved in the discoveries and first
modern perfomances of majors works including oratorios by
Fux, Porpora and Eybler as well as repertoire, including Biber
cantatas rediscovered in Kiev in 2000, from the Archives of the
Berlin Singakademie. Just to mention the 2004 program, the
Akademie takes part in productions of Handel’s Radamisto,
Mozart’s Il Re pastore and Zaïde and Georg Anton Benda’s
Il buon marito and performs at festivals in Salzburg,Vienna,
Istanbul, Jerusalem,Venice, Salamanca, Bilbao and Paris.
17
Edoardo Catemario
Der in Neapel geborene Edoardo Catemario vereint eine
seltene Kombination zwischen Technik und Musikalität im
reinsten Sinne.
Ein verblüffender Virtuose, der als Erbe par excellence der
famosen historischen Napolitanischen Schule gilt. Nachdem
er die prestigeträchtigsten Gitarren-Wettbewerbe in Europa
gewann (u.a. Erster Preis “Andres Segovia” in Granada 1991
und Alessadria 1992), begann er eine fulminante Karriere
mit Konzerten in den renommiertesten Konzertsälen der
Welt und nahm zahlreiche CDs auf. Catemario wird ebenfalls
als exzellenter Pädagoge geschätzt: Er gab Meisterkurse in
Frankreich, Spanien, Italien und Österreich. Er war Professor
am “Conservatoire International de Paris” und während einer
Sommerakademie am Salzburger Mozarteum.
Martin Haselböck
Der Wiener Dirigent, Organist und Cembalist Martin
Haselböck ist musikalischer Direktor der Wiener Akademie,
die er 1985 gründete, um Musik aus dem Barock und der
Klassik auf Original-Instrumenten aufzuführen. Er ist außerdem
conductor-in-residence der Hamburger Symphoniker. In
2004 hat er zahlreiche Debüts, unter anderem mit dem San
Francisco Symphony, dem Detroit und Toronto Symphony
sowie dem Los Angeles Philharmonic; auch dirigiert er Opern
in Spanien, Deutschland und Österreich (so z.B. seine zweite
Händel Oper bei den Salzburger Festspielen). Als Organist war
er bei zahlreichen Orchestern Solist, unter anderem unter der
Leitung von Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch und Lorin
Maazel. Er nahm bereits mehr als 70 CDs auf und eröffnete
neue Konzert-Orgeln in Athen, Nagoya, Treviso und Los
Angeles. Er ist Professor an der Musikhochschule Wien und ist
in Wien ebenfalls Hoforganist.
Wiener Akademie
Die Wiener Akademie hat sich als eines der führenden Ensem-
bles zur Aufführung von Musik aus dem Barock und der Klassik
etabliert. Sie hat regelmäßige Auftritte sowohl in ihrer Heimat
im Musikverein in Wien als auch überall in Europa und anderen
Kontinenten. Die Akademie war beteiligt an der Entdeckung
und Erstaufführung großer Werke, u.a. Oratorien von Fux, Por-
pora und Eybler, sowie den 2000 in Kiev aus dem Archiv der
Berliner Singakademie wiedergefundenen Kantaten von Biber.
Nur um einige Werke aus dem Programm 2004 zu nennen: Die
Akademie nimmt an den Aufführungen von Händels Radamisto,
Mozarts Il Re pastore und Zaïde sowie Georg Anton Bendas Il
buon marito teil. Auch wird das Ensemble bei den Festivals von
Salzburg, Wien, Istanbul, Jerusalem,Venedig, Salamanca, Bilbao
und Paris eingeladen werden.

Edoardo Catemario and Martin Haselböck
during the recording
of Giuliani’s complete Concertos for Guitar and Orchestra
in the Hofburgkapelle,Vienna
16
Edoardo Catemario
Born in Naples, Edoardo Catemario is a rare combination of
technique and musicality in the purest sense of the term. He
is recognized as an amazing virtuoso and as the heir of the
famous historical Neapolitan school. After being awarded in
some of the most important European guitar competitions
(among other he won the first prize at the “Andres Segovia”
contest of Almuñecar - Granada in 1991 and at the contest
of Alessandria in 1992), Catemario started a successful
career with concerts in the main halls worldwide and many
recordings. Catemario is also appraised as an excellent teacher
and he held Master Classes in France, Spain, Italy and Austria.
He has been professor in the “Conservatoire International de
Paris” and he collaborates with Salzburg’s Mozarteum where
he teaches during the Summer Academy.
Martin Haselböck
The Viennese conductor, organist and harpsichordist Martin
Haselböck is music director of the Wiener Akademie, which he
established in 1985 to pursue his interest of performing early
music on period instruments. He is also conductor-in-residen-
ce of the Hamburg Symphony. In 2004 he makes his conducting
debuts with the San Francisco Symphony, the Detroit and
Toronto Symphony and the Los Angeles Philharmonic, and
conducts operas in Spain, Germany and Austria, including his
second Handel Opera at the Salzburg Festival. As an organist
he has been a soloist with major orchestras under conductors
including Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch and Lorin
Maazel. He has recorded more than 70 solo CDs and has
inaugurated new concert organs in Athens, Nagoya, Treviso
and Los Angeles. He is professor at the University for Music in
Vienna and is also the Vienna court organist.
Wiener Akademie
The Wiener Akademie has established itself as one of the
leading European ensembles performing early music. As
well as its residency at the Musikverein in its home city, the
orchestra performs regularly throughout Europe and beyond.
The Akademie has been involved in the discoveries and first
modern perfomances of majors works including oratorios by
Fux, Porpora and Eybler as well as repertoire, including Biber
cantatas rediscovered in Kiev in 2000, from the Archives of the
Berlin Singakademie. Just to mention the 2004 program, the
Akademie takes part in productions of Handel’s Radamisto,
Mozart’s Il Re pastore and Zaïde and Georg Anton Benda’s
Il buon marito and performs at festivals in Salzburg,Vienna,
Istanbul, Jerusalem,Venice, Salamanca, Bilbao and Paris.
17
Edoardo Catemario
Der in Neapel geborene Edoardo Catemario vereint eine
seltene Kombination zwischen Technik und Musikalität im
reinsten Sinne.
Ein verblüffender Virtuose, der als Erbe par excellence der
famosen historischen Napolitanischen Schule gilt. Nachdem
er die prestigeträchtigsten Gitarren-Wettbewerbe in Europa
gewann (u.a. Erster Preis “Andres Segovia” in Granada 1991
und Alessadria 1992), begann er eine fulminante Karriere
mit Konzerten in den renommiertesten Konzertsälen der
Welt und nahm zahlreiche CDs auf. Catemario wird ebenfalls
als exzellenter Pädagoge geschätzt: Er gab Meisterkurse in
Frankreich, Spanien, Italien und Österreich. Er war Professor
am “Conservatoire International de Paris” und während einer
Sommerakademie am Salzburger Mozarteum.
Martin Haselböck
Der Wiener Dirigent, Organist und Cembalist Martin
Haselböck ist musikalischer Direktor der Wiener Akademie,
die er 1985 gründete, um Musik aus dem Barock und der
Klassik auf Original-Instrumenten aufzuführen. Er ist außerdem
conductor-in-residence der Hamburger Symphoniker. In
2004 hat er zahlreiche Debüts, unter anderem mit dem San
Francisco Symphony, dem Detroit und Toronto Symphony
sowie dem Los Angeles Philharmonic; auch dirigiert er Opern
in Spanien, Deutschland und Österreich (so z.B. seine zweite
Händel Oper bei den Salzburger Festspielen). Als Organist war
er bei zahlreichen Orchestern Solist, unter anderem unter der
Leitung von Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch und Lorin
Maazel. Er nahm bereits mehr als 70 CDs auf und eröffnete
neue Konzert-Orgeln in Athen, Nagoya, Treviso und Los
Angeles. Er ist Professor an der Musikhochschule Wien und ist
in Wien ebenfalls Hoforganist.
Wiener Akademie
Die Wiener Akademie hat sich als eines der führenden Ensem-
bles zur Aufführung von Musik aus dem Barock und der Klassik
etabliert. Sie hat regelmäßige Auftritte sowohl in ihrer Heimat
im Musikverein in Wien als auch überall in Europa und anderen
Kontinenten. Die Akademie war beteiligt an der Entdeckung
und Erstaufführung großer Werke, u.a. Oratorien von Fux, Por-
pora und Eybler, sowie den 2000 in Kiev aus dem Archiv der
Berliner Singakademie wiedergefundenen Kantaten von Biber.
Nur um einige Werke aus dem Programm 2004 zu nennen: Die
Akademie nimmt an den Aufführungen von Händels Radamisto,
Mozarts Il Re pastore und Zaïde sowie Georg Anton Bendas Il
buon marito teil. Auch wird das Ensemble bei den Festivals von
Salzburg, Wien, Istanbul, Jerusalem,Venedig, Salamanca, Bilbao
und Paris eingeladen werden.
Edoardo Catemario
Né à Naples, Edoardo Catemario est une rare combination
entre technique et musicalité dans le sens le plus pur du
terme. Fabuleux virtuose, il est reconnu comme l’héritier de
la fameuse école historique Napolitaine. Après avoir gagné les
plus prestigieux concours de guitare en Europe (entre autres
le Premier Prix aux concours “Andres Segovia” à Grenade en
1991 et Alessandria en 1992), il débuta une fulminante carrière
dans les salles de concert les plus importantes et enregistra de
nombreux disques. Catemario est un excellent pédagogue et a
tenu des masterclasses en France, Espagne, Italie et Autriche. Il
a été professeur au “Conservatoire International de Paris” et
pendant une académie d’été au Mozarteum de Salzburg.
Martin Haselböck
Le chef d’orchestre, organiste et claveciniste viennois Martin
Haselböck est directeur musical de la Wiener Akademie, qu’il
fonda en 1985 en vue de jouer la musique baroque et classique
sur des instruments de cette période. Il est également con-
ductor-in-residence de l’orchestre symphonique de Hambourg.
En 2004, il débute avec les orchestres symphoniques de San
Francisco, Detroit et Toronto ainsi qu’avec le philharmoni-
que de Los Angeles; aussi dirige-t’il des opéras en Espagne,
Allemagne et Autriche (entre autres son deuxième opéra de
Händel lors du festival de Salzbourg). Il a été organiste solo
avec de nombreux orchestres et sous la direction de chefs
comme Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch ou Lorin Maazel.
Il enregistra déjà plus que 70 CDs et inaugura de nouvelles
orgues de concert à Athènes, Nagoya, Treviso et Los Angeles.
Il est professeur au conservatoire de Vienne et est également
organiste à la cour de Vienne.
Wiener Akademie
La Wiener Akademie est devenu l’un des meilleurs ensembles
pour la représentation de musique baroque et classique. Elle a
régulièrement des concerts chez elle au Musikverein de Vienne
ainsi que dans le reste de l’europe et d’autres continents.
L’ Akademie a pris part à la redécouverte et la création de
grandes œuvres, comme par exemple des oratorios de Fux,
Porpora et Eybler ou des cantates de Biber des archives de la
Berliner Singakademie, retrouvées en 2000 à Kiev. Quelques
escales de l’ensemble pour 2004: Radamisto de Händel, Il Re
pastore et Zaïde de Mozart ainsi que Il buon marito de Georg
Anton Benda. La Wiener Akademie sera invitée aux festivals
de Salzburg,Vienne, Istanbul, Jerusalem,Venise, Salamanque,
Bilbao et Paris.
Edoardo Catemario Other available recordings with Edoardo Catemario on ARTS
Nato a Napoli, Edoardo Catemario si presenta come una rara
combinazione di tecnica e musicalità nel più puro senso del
termine. E’ conosciuto come grande virtuoso ed erede della
famosa e storica scuola napoletana. Dopo essere stato premia-
to in alcuni dei più importanti concorsi europei di chitarra (fra
gli altri ha vinto il primo premio al concorso Andres Segovia di 47660-2: Rodrigo, Martin, Tansman, Castelnuovo-Tedesco, Ponce, Casares Guitar XX
Almuñecar - Granada nel 1991 e al concorso di Alessandria nel “Catemario at the top of his form ... A most attractive disc all around” classicstoday.com
1992), Catemario ha iniziato una brillante carriera con concerti “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on
nelle più importanti sale da concerto del mondo e numerose recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide
registrazioni. Catemario è inoltre un apprezzato insegnante “Formidable Edoardo Catemario” Contrappunti
e ha tenuto master class in Francia, Spagna, Italia e Austria. E’
stato professore al “Conservatoire International de Paris” e
collabora con il Mozarteum di Salisburgo dove insegna nelle
47670-2: Castelnuovo-Tedesco, Paganini, Giuliani, Regondi, Legnani – Italian Virtuoso
Accademie estive.
“The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on
Martin Haselböck recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide
Il direttore, organista e clavicembalista viennese Martin Hasel- “The interpretation of this music is sparkling and full of fireworks” Compact Disc Classics
böck ha diretto la Wiener Akademie dalla sua fondazione nel
1985, con l’intento di creare un gruppo che suonasse la musica
barocca e classica con strumenti dell’epoca. È ugualmente
direttore residente dell’Orchestra Sinfonica di Amburgo ed
ha debuttato nel 2004 con le orchestre sinfoniche di San
Francisco, Detroit, Toronto oltre che con la Filarmonica di Los
Angeles; dirige inoltre opere in Spagna, Germania, Austria (fra 47358-2: Abril, Ponce, Rodrigo – Guitar Concertos
l’altro la sua seconda opera di Haendel al Festival di Salisburgo). “... Absolutely lovely tone at all dynamic levels ... A relay find that no lover of Spanish guitar Music can afford to miss.
Come organista ha suonato con numerose orchestra per This fine collection deserves very serious consideration ... 9/9” classicstoday.com
la bacchetta di Direttori quali Claudio Abbado, Wolfgang “An elegance and sensibility without equal” Nuova e Nostra
Sawallisch o Lorin Maazel. Ha registrato più di 70 CD ed ha
inaugurato i nuovi organi da concerto delle città di Atene,
Nagoya, Treviso e Los Angeles. È professore al Conservatorio
di Vienna ed è anche organista alla Hofburgkapelle di Vienna.
47559-2: Piazzolla – Complete Works for Guitar
Wiener Akademie Editor’s choice in CD Classica: “Optimum to exceptional interpretation. Fabbriciani with his great sensibility and
La Wiener Akademie si è posizionata come una delle massime Catemario with his formidable sense for sound are the ideal interprets of this music”
orchestre europee per l’esecuzione di musica barocca e “Fluid, sweet and emotional interpretations” RITMO
classica. Oltre ad essere orchestra residente nella celebre sala
del Musikverein di Vienna, suona in tutta Europa e negli altri
continenti.
La Wiener Akademie ha preso parte alla scoperta e prima
esecuzione moderna di capolavori quali oratori di Fux,
Porpora, Eybler o cantate di Biber, tratti da manoscritti 47356-2: Scarlatti, Pergolesi, Durante – Barocco Napoletano
ritrovati a Kiev nel 2000 e provenienti dalla Singakademie di “Catemario’s technically flawless, imaginative performances here testify to his talent and accomplishment as a musician likely to
Berlino. Menzionando solo l’attività del 2004, vanno segnalate be comfortable in any period ... 9/9” classicstoday.com
le produzioni del Radamisto di Haendel, de Il Re Pastore e Zaide “Edoardo Catemario is a fine guitarist who plays cleanly and with real musicality ... excellent technique ... The sound is
di Mozart o Il Buon marito di Benda, con esecuzioni ai festival di very good - alive and realistic.” American Record Guide
Salisburgo,Vienna, Istanbul, Gerusalemme,Venezia, Salamanca, “A well done twinkle to the napolitan music of the 18th century ... sweetness and lyrism
Bilbao e Parigi of Catemario’s playing” Les Cahiers de la Guitare et de la Musique
18 19
Edoardo Catemario
Né à Naples, Edoardo Catemario est une rare combination
entre technique et musicalité dans le sens le plus pur du
terme. Fabuleux virtuose, il est reconnu comme l’héritier de
la fameuse école historique Napolitaine. Après avoir gagné les
plus prestigieux concours de guitare en Europe (entre autres
le Premier Prix aux concours “Andres Segovia” à Grenade en
1991 et Alessandria en 1992), il débuta une fulminante carrière
dans les salles de concert les plus importantes et enregistra de
nombreux disques. Catemario est un excellent pédagogue et a
tenu des masterclasses en France, Espagne, Italie et Autriche. Il
a été professeur au “Conservatoire International de Paris” et
pendant une académie d’été au Mozarteum de Salzburg.
Martin Haselböck
Le chef d’orchestre, organiste et claveciniste viennois Martin
Haselböck est directeur musical de la Wiener Akademie, qu’il
fonda en 1985 en vue de jouer la musique baroque et classique
sur des instruments de cette période. Il est également con-
ductor-in-residence de l’orchestre symphonique de Hambourg.
En 2004, il débute avec les orchestres symphoniques de San
Francisco, Detroit et Toronto ainsi qu’avec le philharmoni-
que de Los Angeles; aussi dirige-t’il des opéras en Espagne,
Allemagne et Autriche (entre autres son deuxième opéra de
Händel lors du festival de Salzbourg). Il a été organiste solo
avec de nombreux orchestres et sous la direction de chefs
comme Claudio Abbado, Wolfgang Sawallisch ou Lorin Maazel.
Il enregistra déjà plus que 70 CDs et inaugura de nouvelles
orgues de concert à Athènes, Nagoya, Treviso et Los Angeles.
Il est professeur au conservatoire de Vienne et est également
organiste à la cour de Vienne.
Wiener Akademie
La Wiener Akademie est devenu l’un des meilleurs ensembles
pour la représentation de musique baroque et classique. Elle a
régulièrement des concerts chez elle au Musikverein de Vienne
ainsi que dans le reste de l’europe et d’autres continents.
L’ Akademie a pris part à la redécouverte et la création de
grandes œuvres, comme par exemple des oratorios de Fux,
Porpora et Eybler ou des cantates de Biber des archives de la
Berliner Singakademie, retrouvées en 2000 à Kiev. Quelques
escales de l’ensemble pour 2004: Radamisto de Händel, Il Re
pastore et Zaïde de Mozart ainsi que Il buon marito de Georg
Anton Benda. La Wiener Akademie sera invitée aux festivals
de Salzburg,Vienne, Istanbul, Jerusalem,Venise, Salamanque,
Bilbao et Paris.
Edoardo Catemario Other available recordings with Edoardo Catemario on ARTS
Nato a Napoli, Edoardo Catemario si presenta come una rara
combinazione di tecnica e musicalità nel più puro senso del
termine. E’ conosciuto come grande virtuoso ed erede della
famosa e storica scuola napoletana. Dopo essere stato premia-
to in alcuni dei più importanti concorsi europei di chitarra (fra
gli altri ha vinto il primo premio al concorso Andres Segovia di 47660-2: Rodrigo, Martin, Tansman, Castelnuovo-Tedesco, Ponce, Casares Guitar XX
Almuñecar - Granada nel 1991 e al concorso di Alessandria nel “Catemario at the top of his form ... A most attractive disc all around” classicstoday.com
1992), Catemario ha iniziato una brillante carriera con concerti “The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on
nelle più importanti sale da concerto del mondo e numerose recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide
registrazioni. Catemario è inoltre un apprezzato insegnante “Formidable Edoardo Catemario” Contrappunti
e ha tenuto master class in Francia, Spagna, Italia e Austria. E’
stato professore al “Conservatoire International de Paris” e
collabora con il Mozarteum di Salisburgo dove insegna nelle
47670-2: Castelnuovo-Tedesco, Paganini, Giuliani, Regondi, Legnani – Italian Virtuoso
Accademie estive.
“The performances are consistently spirited and energetic, and Catemario’s charisma comes through even on
Martin Haselböck recording. His technique is formidable and his tempos fearless” American Record Guide
Il direttore, organista e clavicembalista viennese Martin Hasel- “The interpretation of this music is sparkling and full of fireworks” Compact Disc Classics
böck ha diretto la Wiener Akademie dalla sua fondazione nel
1985, con l’intento di creare un gruppo che suonasse la musica
barocca e classica con strumenti dell’epoca. È ugualmente
direttore residente dell’Orchestra Sinfonica di Amburgo ed
ha debuttato nel 2004 con le orchestre sinfoniche di San
Francisco, Detroit, Toronto oltre che con la Filarmonica di Los
Angeles; dirige inoltre opere in Spagna, Germania, Austria (fra 47358-2: Abril, Ponce, Rodrigo – Guitar Concertos
l’altro la sua seconda opera di Haendel al Festival di Salisburgo). “... Absolutely lovely tone at all dynamic levels ... A relay find that no lover of Spanish guitar Music can afford to miss.
Come organista ha suonato con numerose orchestra per This fine collection deserves very serious consideration ... 9/9” classicstoday.com
la bacchetta di Direttori quali Claudio Abbado, Wolfgang “An elegance and sensibility without equal” Nuova e Nostra
Sawallisch o Lorin Maazel. Ha registrato più di 70 CD ed ha
inaugurato i nuovi organi da concerto delle città di Atene,
Nagoya, Treviso e Los Angeles. È professore al Conservatorio
di Vienna ed è anche organista alla Hofburgkapelle di Vienna.
47559-2: Piazzolla – Complete Works for Guitar
Wiener Akademie Editor’s choice in CD Classica: “Optimum to exceptional interpretation. Fabbriciani with his great sensibility and
La Wiener Akademie si è posizionata come una delle massime Catemario with his formidable sense for sound are the ideal interprets of this music”
orchestre europee per l’esecuzione di musica barocca e “Fluid, sweet and emotional interpretations” RITMO
classica. Oltre ad essere orchestra residente nella celebre sala
del Musikverein di Vienna, suona in tutta Europa e negli altri
continenti.
La Wiener Akademie ha preso parte alla scoperta e prima
esecuzione moderna di capolavori quali oratori di Fux,
Porpora, Eybler o cantate di Biber, tratti da manoscritti 47356-2: Scarlatti, Pergolesi, Durante – Barocco Napoletano
ritrovati a Kiev nel 2000 e provenienti dalla Singakademie di “Catemario’s technically flawless, imaginative performances here testify to his talent and accomplishment as a musician likely to
Berlino. Menzionando solo l’attività del 2004, vanno segnalate be comfortable in any period ... 9/9” classicstoday.com
le produzioni del Radamisto di Haendel, de Il Re Pastore e Zaide “Edoardo Catemario is a fine guitarist who plays cleanly and with real musicality ... excellent technique ... The sound is
di Mozart o Il Buon marito di Benda, con esecuzioni ai festival di very good - alive and realistic.” American Record Guide
Salisburgo,Vienna, Istanbul, Gerusalemme,Venezia, Salamanca, “A well done twinkle to the napolitan music of the 18th century ... sweetness and lyrism
Bilbao e Parigi of Catemario’s playing” Les Cahiers de la Guitare et de la Musique
18 19
 Mauro
Giuliani
MAURO GIULIANI (1781-1829)

Concerto for Guitar and Orchestra

Concertos
No. 1 in A op. 30 for Guitar
Concerto for Guitar and Orchestra and Orchestra
No. 2 in A op. 36
Nos. 1 & 2
Edoardo Catemario
(Guitars, Gitarren, Guitares, Chitarre)

Wiener Akademie Edoardo

Martin Haselböck Catemario
(Conductor, Dirigent, Chef d’orchestre, Direttore)
Wiener
Recording: Hofburgkapelle, Vienna (Austria) - 11 . 2002
Akademie
Production and Recording Supervision/Produktion und Aufnahmeleitung
Directeur de la production et de l’enregistrement/Direttore della produzione e della registrazione
Gian Andrea Lodovici
Sound Engineer/Tonmeister/Ingénieur du son/Tecnico del suono Martin
Matteo Costa
Front cover photo: Giacomo Lombardo Haselböck
47688-8

Audiophile Recording
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