Sir Harrison Birtwistle

Compositor británico nacido el 15 de julio de 1934 en Accrington, Lancashire. Nacido en una

ciudad industrial en el norte de Inglaterra, Harrison Birtwistle comenzó a tocar el clarinete con la
banda local. Este primer experimento determinará posteriormente la presencia significativa de
vientos en su obra y probablemente sea el origen de piezas de metal como Grimethorpe Aria
(1973) o Salford Toccata (1989).
Después de obtener un premio como clarinetista en 1952 y realizar estudios de composición con
Richard Hall en el Royal College of Music en Manchester, se unió a la Royal Academy of Music en
Londres, en la clase de clarinete de Reginald Kell, y luego en la Royal Liverpool Philharmonic. Con
sus compañeros Peter Maxwell Davies, Alexander Goehr, el pianista John Ogdon y el trompetista
Elgar Howarth, fundó el New Music Manchester Group en 1953.
Su primera composición conocida data de 1957, Refrains and Choruses para quinteto de viento. En
1959, fue seleccionado por SPNM (Sociedad para la promoción de la nueva música) para el festival
de Cheltenham, decide vender su clarinete para dedicarse exclusivamente a la composición.
Birtwistle enseña música en la escuela Cranborne Chase en Dorset (1962-1965). Con Goehr y
Maxwell Davies, bajo la presidencia de Michael Tippett, creó una academia de verano donde se
creó su obra Tragœdia (1965). Se revela la fascinación del compositor por el teatro antiguo, a
través de sus planes formales y ciclos rituales de odas griegas. Prepara su primera ópera de Punch
& Judy (1966-1967), realizada en Estados Unidos (Princeton) donde reside durante dos años
gracias a Harkness Fellowship, una beca que ganó en 1966. Alejándose de la tradición operística,
este trabajo de teatro musical no narrativo fue creado en 1968 para el Festival de Aldeburgh.
Al regresar a Inglaterra, él junto a Peter Maxwell Davies, Stephen Pruslin -el libretista de Punch y
Judy-, y el clarinetista Alan Hacker fundaron The Pierrot Players, con el que creó Monodrama
(1967), donde, según el modelo de la tragedia griega, a un solo actor se le asignan varios roles.
Birtwistle amplía el espíritu del teatro musical a las mismas piezas instrumentales donde los
instrumentos se convierten en personajes: Verses for Ensembles (1968-1969), For O, for O, Hobby-
Horse is Forgot (para percusión, basado en Hamlet, 1976), así como más tarde Secret Theatre for
Ensemble (1984). Verses for Ensembles marca la afirmación del estilo maduro, fuerte y dramático
del compositor, en el cual también es evidente la importancia de algunos predecesores: la
preocupación formal de Stravinsky, las sonoridades extremas de Varese y las estructuras rituales
de Messiaen.
Además de este interés en la tragedia, la pasión de Birtwistle por la música medieval,
particularmente la de Guillaume de Machaut, de la que escribe varias adaptaciones - Machaut à
ma manière pour orchestre (1988) -, el mito, la pastoral y el folclore , es tangible en toda su obra,
como en las obras Down by the Greenwood Side (1968-1969), Yan Tan Tethera (1984), The
Triumph of Time (1971-1972), según la pintura del mismo título de Brueghel el primero, Silbury Air
(1977) y la ópera The Mask of Orpheus (1983-1986). El trabajo preliminar de esta ópera comienza
en los Estados Unidos, mientras que él es profesor visitante en Swarthmore College, Pensilvania
(1973-1974) y, a través de Feldman en la Universidad Estatal de Nueva York (1975). -1976).
Nombrado director musical y luego director asociado del National Theatre de Londres de 1975 a
1982, hizo muchas obras, entre ellas Oresteia (1981) -producida por Peter Hall al estilo griego-,
donde el estribillo se declama según este modelo. La escansión (medida de los versos) y la
pulsación son preocupaciones de Birtwistle en los títulos Pulse Field (1977), Carmen Arcadiae
Mechanicae Perpetuum (1977), Pulse Sampler (1981), Pulse Shadows (1989-1996).

The Mask of Orpheus, una fusión de múltiples componentes: música, drama, mito, mimo y
electrónica, marca el apogeo de la carrera de Birtwistle, ganador del Evening Standard Opera
Award en 1986 y del Premio Grawemeyer en 1987. Es nombrado Caballero de las Artes y las Letras
del Imperio Británico en 1988 y recibe en 1995, el premio Ernst von Siemens. De 1994 a 2001,
enseñó composición en King's College London. Es nombrado Director de Música Contemporánea
en la Royal Academy of Music al mismo tiempo que cumple una residencia artística en la London
Philharmonic Orchestra.

Durante este período prolífico nacieron otras óperas: Gawain (1990-1991), The Second Mrs Kong
(1993-1994), The Last Supper (1998-1999) y más recientemente The Minotaur (2005-2007).
Además, realizó importantes piezas orquestales, incluyendo Endless Parade (1986-1987), y
completó Nine settings of Celan (1989-1996) y Nine Movements para Cuarteto de Cuerdas (1991-
1996), dos ciclos más tarde combinados bajo el título Pulse Shadows, cuya grabación en Teldec
recibe el Premio Gramophone 2002, y el Ciclo Bogenstrich (2006-2009). Se crearon dos nuevas
obras para el teatro en los festivales de Aldeburgh, Southbank Centre y Bregenz en 2009: The
Corridor (2008) y Semper Dowland, semper dolens (2009).

En esta segunda década del siglo veintiuno, cuando celebra su octogésimo cumpleaños, Birtwistle
sigue honrando muchos encargos. Entre ellos, el concierto para violín, creado por Christian Tetzlaff
y la Orquesta Sinfónica de Boston (encargó la obra) en marzo de 2011, The Cure, para dos
cantantes y ensamble creado para la London Sinfonietta en 2014, o Deep Time para orquesta,
creada por la Staatskapelle Berlin bajo la dirección de Daniel Barenboim en 2016.

© Ircam-Centre Pompidou, 2017

Fuente: http://brahms.ircam.fr/sir-harrison-birtwistle
 ***
Harrison Birtwistle: vida y obra

Sir Harrison Birtwistle nació en Accrington en el norte de Inglaterra en 1934 y estudió clarinete y
composición en el Royal Manchester College of Music, haciendo contacto con un grupo de
talentosos contemporáneos como Peter Maxwell Davies, Alexander Goehr, John Ogdon y Elgar
Howarth. En 1965 vendió sus clarinetes para dedicar todos sus esfuerzos a la composición, y viajó
a Princeton como miembro de Harkness donde completó la ópera Punch y Judy. Este trabajo, junto
con Verses for Ensembles y The Triumph of Time, estableció firmemente Birtwistle como una voz
líder en la música británica.

La década de 1973 a 1984 estuvo dominada por su monumental tragedia lírica The Mask of
Orpheus, puesta en escena por la English National Opera en 1986, y por la serie de notables
partituras ahora interpretadas por los nuevos grupos musicales más importantes del mundo:
Secret Theatre, Silbury Air y Carmen Arcadiae Mechanicae Perpetuum. Las obras a gran escala en la
década siguiente incluyeron las óperas Gawain y The Second Mrs Kong, los conciertos Endless
Parade para trompeta y Antiphonies para piano, y la partitura orquestal Earth Dances.

Las obras de Birtwistle de la última década incluyen Exody, estrenada por Chicago Symphony
Orchestra y Daniel Barenboim, Panic que recibió un estreno de alto perfil en Last Night of the 1995
BBC Proms con una audiencia estimada en todo el mundo de 100 millones, y The Shadow of Night
encargado por la Orquesta de Cleveland y Christoph von Dohnányi. The Last Supper recibió sus
primeras actuaciones en Deutsche Staatsoper en Berlín y en Glyndebourne en 2000. Pulse
Shadows, una meditación para soprano, cuarteto de cuerdas y conjunto de cámara sobre poesía
de Paul Celan, fue lanzado en disco por Teldec y ganó el Premio Gramophone 2002 para la mejor
grabación contemporánea. Theseus Game, co-encargado por RUHRtriennale, Ensemble Modern y
London Sinfonietta, se estrenó en 2003. Los estrenos en 2004 incluyen The Io Passion para
Aldeburgh Almeida Opera y Night's Black Bird encargado por Roche para el Festival de Lucerna. Su
ópera The Minotaur recibió su estreno en el Royal Opera House Covent Garden en 2008 y ha sido
lanzado en DVD por Opus Arte. Su obra de teatro musical The Corridor abrió el Aldeburgh Festival
en 2009, con una nueva puesta en escena en el Festival de Holanda del año siguiente. Angel-
Fighter para voces y ensamble se estrenó en Leipzig BachFest en 2010, y Christian Tetzlaff estrenó
Concerto para violín y orquesta con la Boston Symphony Orchestra en 2011.

Birtwistle has received many honours, including the Grawemeyer Award in 1968 and the Siemens
Prize in 1995; he was made a Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres in 1986, awarded a
British knighthood in 1988 and made a Companion of Honour in 2001. He was Henry Purcell
Professor of Music at King's College, University ofLondon (1995-2001) and was Director of
Composition at the RoyalAcademy of Music in London. Recordings of Birtwistle's music are
available on the Decca, Philips, Deutsche Grammophon, Teldec, Black Box, NMC, CPO and
Soundcircus labels, with discs ofPulse Shadowson Teldec andNight's Black Birdon NMCwinning
Gramophone Awards in 2002 and 2011.
La música de Birtwistle ha atraído a directores internacionales como Pierre Boulez, Daniel
Barenboim, Elgar Howarth, Christoph von Dohnányi, Oliver Knussen, Sir Simon Rattle, Peter
Eötvös, Franz Welser-Möst y Sir Antonio Pappano. Ha recibido encargos de importantes
instituciones y su música se ha presentado en festivales importantes y series de conciertos como
BBC Proms, Festival de Salzburgo, Glyndebourne, Holland Festival, Lucerne Festival, Stockholm
New Music, Wien Modern, Wittener Tage, South Bank Centre en Londres, Konzerthaus en Viena y
Settembre Musica en Turín y Milán.
Se convirtió en profesor visitante en la Academia en 2012. El 9 de octubre de 2015 Birtwistle
recibió el premio Wihuri Sibelius de la Fundación Wihuri; recibió su séptimo Premio como
Compositor británico el 9 de diciembre de 2015. Harrison Birtwistle es publicado por Boosey [&]
Hawkes. Universal Edition fue el único editor de su música hasta 1994.

Fuente: https://www.universaledition.com/composers-and-works/sir-harrison-birtwistle-64

Las obras de Birtwistle son de un moderno estilo complejo. Sus primeros trabajos a menudo
evocan a Igor Stravinsky y a Olivier Messiaen (ambas reconocidas influencias), y su técnica de
yuxtaposición de bloques de sonido es a veces comparada con la de Edgar Varèse. Su música hace
frecuente uso de ostinatos y a menudo tiene un componente de sentimiento ritual.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Harrison_Birtwistle

Harrison Birtwistle

Gavin Thomas

La música cruda y visceral de Harrison Birtwistle suena a menudo como si hubiera surgido desde
un punto anterior o más allá del mundo moderno, evocando fuerzas humanas o naturales
elementales, ya sea la violencia estilizada de la tragedia griega, los ciclos elementales del mundo
natural o la marcha destructiva del tiempo mismo.

Muchas de las primeras composiciones de Birtwistle poseen la calidad masiva y tosca de un

monumento prehistórico, aunque a medida que su carrera ha progresado, también ha
demostrado una capacidad creciente para producir música de exigua belleza lírica y, en ocasiones,
inquietante delicadeza.

Durante la década de 1950, la música inglesa estaba dominada por la estética pastoral hogareña
de Vaughan Williams y sus seguidores: un ambiente claustrofóbico en el que la llamada "Escuela
de Manchester", un grupo de estudiantes del Royal Manchester College of Music compuesto por
compositores Birtwistle, Maxwell Davies y Alexander Goehr, además del director de orquesta Elgar
Howarth y el pianista John Ogdon, comenzaron sus carreras, buscaron los últimos desarrollos en el
continente para su inspiración.

Birtwistle esperó su momento, estudiando clarinete y conservando sus ambiciones como

compositor hasta el estreno, en 1959, de su quinteto de viento Refrains and Choruses, una obra
cuyas sonoridades anunciaron inmediatamente la llegada de una voz sorprendentemente
individual. Sin embargo, a pesar de la seguridad de esta y otras obras, Birtwistle tuvo que esperar
hasta 1965 para obtener su primer gran éxito crítico con la pieza de conjunto Tragœdia. Las
violentas imágenes musicales de la obra -coros de viento en ebullición y arpa furiosamente
interpretada alternan con silenciosos interludios de intenso y reservado lirismo - tal vez le deben
algo al modelo de la tragedia griega, una influencia que también dio título a la obra (que significa
"danza de la cabra") y que iba a ejercer una fascinación duradera en el compositor.
Las obras de Birtwistle de la década de 1960 culminaron en la famosa ópera de cámara Punch and
Judy, estrenada en el Festival de Aldeburgh en 1968, un evento que provocó incluso que Benjamin
Britten, normalmente poco expresivo, luz guía del festival, se retirara en protesta. Lo destacable
de la pieza no es solo su salvajismo desenfrenado y su extraño tema, sino también la forma en
que, a través de un proceso de recreación estilizada (Punch asesina a la desafortunada Judy no
menos de cuatro veces), las acciones tragicómicas de una marioneta homicida se elevan casi al
estado de mito, creando –así también en obras instrumentales como Tragoedia-, una tensión
entre el tema acalorado y su presentación ritualizada.
La obra que realmente marcó la llegada de Birtwistle como uno de los principales compositores de
su generación fue The Triumph of Time (1972), una monumental procesión orquestal inspirada en
la descripción de Brueghel del implacable progreso de Tiempo y Muerte. Los retazos de una
melancólica melodía puntualizan la obra memorablemente y ejemplifican la vena del lirismo
resonante con el que cada vez usa para medir y enriquecer su estilo musical.

Otras obras del período, como Meridian, The Fields of Sorrow y Melencolia 1, evidenciaron la
nueva maestría musical de Birtwistle, en la que los ásperos paisajes mediterráneos de una música
de inspiración griega se transforman en algo más apagado y sombrío, tal vez sugiriendo
inconscientemente las extensiones rurales despobladas del norte natal de Birtwistle Inglaterra –
una reinvención inesperada de la expresión pastoral (aunque con efectos musicales muy
diferentes) contra la cual los miembros de la Escuela de Manchester habían luchado tan
decididamente.
En 1986 llegó el esperado estreno de su segunda ópera, The Mask of Orpheus, que, con sus
personajes mitificados y enmascarados, representa la suma de su amor por las estructuras
hieráticas y las narrativas repetitivas. Desde entonces, el compositor ha centrado cada vez más su
atención en la ópera. En 1988 vino la "pastoral mecánica" Yan tan tethera, una historia
sobrenatural de dos pastores, sus ovejas y el diablo, de todas las óperas de Birtwistle, quizás la
que tiene más éxito en los niveles musical y dramático.
Pastoralismo de un tipo bastante diferente siguió en 1991 con la ópera monumental Gawain, cuya
sombría narración contrasta los ensayos del héroe arturiano contra los ciclos implacables de las
estaciones. Desde entonces se han estrenado otras dos óperas, cada una de las cuales asombra
por su sorprendente nuevo terreno. Los personajes de The Second Mrs Kong (1994) incluyen no
solo a Orfeo y Eurídice, sino también a Vermeer, King Kong y una reina de belleza, mientras que
The Last Supper (2000) se basa en la idea de una reuinión entre Jesús y sus discípulos dos mil años
después del evento.

A pesar de su compromiso con la ópera, la producción cada vez más prolífica de Birtwistle ha
seguido incluyendo muchos trabajos puramente instrumentales, como el magistral Secret Theatre
(1985), la masiva Earth Dances (1986) para orquesta y una secuencia de "conciertos" (la etiqueta
es apenas adecuada) para trompeta (Endless Parade, 1987), piano (Antiphonies, 1993), tuba (The
Cry of Anubis, 1994) y saxofón (Panic, 1995) - obras en las que el salvajismo de las piezas
anteriores hierve, volcánicamente, debajo de un a menudo lirismo ricamente conmovedor.
A pesar de la facilidad de uso relativamente nueva de su música reciente, sin embargo, los diez mil
oyentes indignados que bloquearon las centrales de la BBC después del estreno de Panic en Last
Night of the Proms en 1995 dan testimonio del hecho de que, afortunadamente, Birtwistle no ha
perdido su poder para conmocionar y sorprender.

Fuente: http://www.compositiontoday.com/articles/birtwistle.asp

Trayectoria de la obra de Harrison Birtwistle

Arnold Whittall

Harrison Birtwistle es -con Alexander Goehr, Sir Maxwell Davies y Jonathan Harvey- uno de los
principales representantes de la generación de compositores británicos nacidos en la década de
1930 que colectivamente crearon una concepción típicamente británica del modernismo musical.
Su formación y actividades de investigación en la década de 1950 los animó a mirar más allá de los
modelos locales dominantes pero relativamente conservadores como Ralph Vaughan Williams y
Benjamin Britten, y dibujar no solo a los grandes pioneros del modernismo europeo y
estadounidense: Schoenberg, Webern, Stravinsky, Ives, Varese, pero también con sus sucesores
más jóvenes: Messiaen, Nono, Xenakis, Boulez, Stockhausen.
Birtwistle es un compositor "post-tonal" en lugar de "atonal": aunque elude los acordes diatónicos
y las relaciones funcionales de la tonalidad tradicional, sus materiales de composición a menudo
implican diferentes grados de jerarquía, con elementos armónicos centrados en una sola altura o
un intervalo fundamental. Además, utiliza copiosamente repeticiones a pequeña y gran escala
dentro de estructuras estratificadas que a menudo se refieren a las yuxtaposiciones de contrastes
que se encuentran en algunos de sus modelos, tales como la Sinfonía para instrumentos de
vientos de Stravinsky o Oiseaux exotiques (Aves exóticas) de Messiaen.
Con su primera ópera Punch and Judy (1968), Birtwistle se convierte en un actor importante en la
escena de la música contemporánea en Gran Bretaña: este trabajo instituye una expresión
idiomática que desde entonces ha evolucionado pero no ha cambiado fundamentalmente. Y
prevalece un tono potente y abrasivo, compensado por un lirismo concentrado que tiende a la
melancolía y confiere a su música - especialmente cuando el sujeto tiene sus raíces en el folclore
inglés - un aura pastoral pero no sentimental. Desde los años noventa, Birtwistle desarrolla más
vínculos a lo específicamente inglés, especialmente con piezas para laúd del compositor John
Dowland (1563-1626 aprox.): en composiciones relacionadas The Shadows of Night-La sombra de
la noche-(2001) y Night´s Black Bird-Pájaro Negro de la Noche-(2004) hace una breve referencia a
la música de Dowland. No obstante, en Semper Dowland, semper dolens (2009) presenta un
arreglo para flauta, clarinete y cuarteto de cuerdas de las pavanas de séptimo Lacrimae de
Dowland tocado en alternancia con siete de sus lamentaciones vocales para tenor, cuyo
acompañamiento original para el laúd se reorganiza para el arpa moderna. Con los años, Birtwistle
ha producido otros arreglos de Machaut, Ockeghem y Bach. Hay que señalar que Semper Dowland,
semper dolens fue diseñado originalmente para preceder la representación de The Corridor, una
pieza escénica única de 45 minutos sobre el texto de David Harsent, el cual trata de un tema
arquetípico favorito para Birtwistle. Sin referirse a Dowland, esta pieza examina la devastadora
pérdida de Eurídice por Orfeo como la conclusión de una actuación que el compositor describe
como "el teatro de la melancolía".
Si el lenguaje de Birtwistle puede perder en amargura y agresividad desde los años ochenta, no es
por la adhesión a las desviaciones de la manera modernista han dominado el último tercio del
siglo pasado (XX): por ejemplo, el uso frecuente de ostinatos rítmicos es muy diferente del que se
encuentra en los compositores minimalistas. Sin embargo, existen vínculos importantes entre la
música de Birtwistle y tres de los factores que han contribuido a la transformación del
modernismo: el no-determinismo, la electroacústica y el espectralismo. En algunas composiciones,
por ejemplo, 26 Elegías de Orfeo para oboe, arpa y contratenor (2004), los artistas pueden elegir
un orden para el movimiento de la pieza diferente de la publicada o hacer una selección; y en
algunos casos, como String Quartet: The Tree of Strings (2008), la coordinación perfecta entre los
intérpretes no está en todas partes. La composición puramente electroacústica ha ejercido poco
atractivo en Birtwistle: hay algunas piezas tempranas con cintas como Four interludes for a
Tragedy-Cuatro Interludios para una tragedia-(1968) y Medusa (1969), pero sólo una composición
para cintas electrónicas: Chronometer (1971 a 1972). Para el material electrónico utilizado en The
Mask of Orpheus-La máscara de Orfeo-(1973-1975, 1981-1983), Birtwistle inventó contornos
rítmicos que fueron realizados electroacústicamente por Barry Anderson en el IRCAM. Por último,
el tipo de sonido denso, compuesto de acuerdo a largas extensiones, siempre preferidas por
Birtwistle tienen en común que los elementos, enraizados en una armonía lejos de la tríadica
tradicional, se encuentran en la música espectral Grisey, Murail o Harvey. Sin embargo, es
probable que Birtwistle haya llegado a tales elementos más por su interés en Varese y Messiaen,
un interés que comparte con los compositores espectrales, que por querer ofrecer una respuesta
directa a los trabajos de estos últimos.
A partir de Punch y Judy y la "dramática pastoral 'Down by the Greenwood Side' (1968-1969),
Birtwistle desarrolla un espíritu de comedia ligera y traviesa que se expresa en los
enfrentamientos entre el poder expresionista y reflexividad lírica. Sin embargo, estos rasgos que
Birtwistle se apropia, se distinguen de las características similares que se pueden encontrar en su
contemporáneo británico más cercano Sir Peter Maxwell Davies (también nacido en 1934). Si
Schoenberg es la principal fuente de Davies, Stravinsky es el de Birtwistle y parece ser en
respuesta al ballet Agon (1953-57), y tal vez en relación con otras obras stravinskianas como
Oedipus Rex y Orpheus, que comenzó a desarrollar en él un interés, el cual permaneció en el
corazón de su obra desde los años sesenta, por los textos latinos y griegos y las formas literarias
dramáticas. La calidad especial de ritual estilizada y la capacidad de contrarrestar una escritura
lírica por el material fuertemente rítmico en el contexto de formas cortadas bruscamente siempre
han jugado un papel importante en Birtwistle, sus fuentes están en inglés (Gawain) o griego (The
Minotaur-El Minotauro). Los temas míticos profundamente arraigados en las tradiciones teatrales
ancestrales le interesan más que los temas más realistas y naturalistas.
The Mask of Orpheus (La Máscara de Orfeo), llamada "tragedia lírica" es probablemente la obra
más radical y más ambiciosa de Birtwistle, el tratamiento alusivo y finamente tallado de la leyenda
de Orfeo por Peter Zinoviev inspiró una música de gran densidad textural y también tiene un
poder expresivo casi hipnótico. The Mask of Orpheus concluye con una disolución larga y lenta que
refleja un profundo sentido de inevitabilidad trágica y un sentido de logro que deja una fuerte
impresión a pesar de que el trabajo evita la caracterización operística convencional. Su largo
período de gestación (desde 1973 hasta su creación en 1986) explica la creación de varias obras
satelitales a lo largo de los años, como las tres composiciones para voz, Nenia: The Death of
Orpheus-Nenia: La muerte de Orfeo-(1970), The Fields of Sorrow (1971) y .. .agm ... (1978-1979).
Las obras orquestales que tratan grupos instrumentales como personajes dramáticos (como
Verses for Ensembles, 1968-1969) o los tipos de rituales procesionales inventados pueden ser
percibido como los equivalentes modernistas de las marchas fúnebres sinfónicas, también pueden
desempeñar un papel importante en la concepción del conjunto de las óperas de Birtwistle y en su
evolución a largo plazo; sus principales contribuciones a este género van desde el The Triumph of
Time -El Triunfo del Tiempo-(1971-1972) hasta el monumental Exody (1996-1997) y The Shadows
of Night-La sombra de la noche-, obsesionado por Dowland. Estas obras contrastan fuertemente
con la obra menos introspectiva pero poderosamente dinámica Earth Dances-Danzas de la Tierra-
(1985-1986), la cual se ve a menudo como la "respuesta" de Birtwistle a Le Sacré du Printemps -La
Consagración de la Primavera-. Es una composición pastoral en su diseño, pero radicalmente
diferente de las obras pastorales ingleses de principios del siglo XX como The Lark Ascending de
Vaughan Williams, Egdon Heath de Holst o Concerto for Double String Orchestra de Sir Michael
Tippett.
El despliegue particular de una orquesta de cámara virtuosa implementada en Verses for
Ensembles fueron maduradas completamente en una serie de otras partituras para orquesta de
cámara como Silbury Air y Carmen Arcadiae Mechanicae Perpetuum (ambos 1977), Secret Theater
(1984 ) y Theseus Game-Juego de Teseo (2002). En Secret Theatre, un diálogo continuo entre
melodía y armonía (a menudo descrito como "cantus" y "continuum") adquiere una nueva claridad
a través de una coreografía escénica donde los intérpretes son alternativamente solistas y papeles
secundarios. Algunas características del Theseus Game, para dos conjuntos y dos directores, están
claramente relacionadas con la siguiente ópera, The Minotaur-El Minotauro, donde Teseo es uno
de los personajes principales. Al igual que Teseo, quien pudo haber escapado del laberinto
después de matar al Minotauro, si Ariane no le había dado un hilo, en el Theseus Game, el hilo de
una melodía continua se divide por una sucesión de instrumentos que se separan temporalmente
de los bloques del material de los conjuntos (y las diferentes tempi de los conductores). Si la
música monolítica de los conjuntos representa el horror claustrofóbico del laberinto, el hilo
melódico ofrece un medio de escape, una progresión a través del laberinto hacia el aire libre.
Además, el espíritu de la música no es constantemente melancólico aquí.
Birtwistle se desempeñó durante ocho años (1975-1983) como director musical del Teatro
Nacional de Londres, y su amistad con Peter Hall, la figura más influyente en el teatro británico de
la época, también fue de gran importancia, tanto en términos prácticos como filosóficos: las
relaciones de Hall con Covent Garden y Glyndebourne han ampliado las perspectivas de Birtwistle
como compositor de ópera, mientras que la devoción de Hall a los ideales del teatro clásico se
centró en los mitos le han asegurado una participación cercana en las producciones de The
Oresteia (1981) y The Bacchae (2002), así como otras piezas y proyectos especiales como la obra
musical Bow Down (1977).
Si hay que esperar El Minotauro (2005-2007) para ver Birtwistle seguir el camino de The Mask of
Orpheus, pero con un tratamiento lejano del mito clásico, todas sus óperas y piezas para el teatro
entre Orfeo y El Minotauro - Yan Tan Tethera (1983-1984), Gawain (1989-1991, revisada en 1994),
The Second Mr Kong (1993-1994), The Last Supper-La última cena (1998-1999), The Io Passion
(2003) - y hacer frente a los arquetipos míticos demostrar la variedad y riqueza con la que
Birtwistle fue capaz de crear música bien ajustada al libreto: nunca trató de concebir sus propias
letras. A pesar del hecho de que sus principales obras dramáticas no han sido retomadas con
frecuencia, siguen siendo la principal fuente de su tan pregonada prominencia en la cultura
musical británica desde 1980. Con su textura orquestal esencialmente densa y la escritura vocal
que va desde una declamación lacónica hasta un conjuro adornado, las óperas de Birtwistle son
mucho más expresionistas que las de los precursores británicos importantes del género Britten y
Tippett; impresionan por una fe inquebrantable en su dramaturgia musical, infundiendo verdadera
nueva vida en los tipos de temas tratados a menudo en óperas en el pasado.

En los últimos años, Birtwistle ha demostrado un compromiso constante con los géneros
consagrados de la música de concierto, confirmando su importancia para el mundo
contemporáneo del modernismo expresionista. La serie de piezas solistas y orquestales
comenzada con Melencolia I para clarinete, arpa y dos orquestas de cuerda (1976) continuó con
trompetas (Endless Parade, 1986-1987), piano (Antiphonies, 1992), la tuba (The Cry of Anubis-El
grito de Anubis, 1994), el saxofón (Pánico, 1995) y el violín (Concierto para violín y orquesta,
2011). El título convencional de esta última composición alude a los lazos cercanos de la parte
solista con la historia virtuosa del género, pero no hay dilución de la inmediatez expresiva que hizo
que títulos como Melencolia I y Panic fueran tan relevantes al punto de su perspectiva
programática.
***
Entre los diversos ciclos de obras separadas pero interconectadas de Birtwistle - tan variadas
colecciones como los cinco Clocks for piano (1997-1998) y los 26 Orpheus Elegies - las Pulse
Shadows, Meditations on Paul Celan (para soprano, cuarteto de cuerda string and ensemble, 1991-
1995) se destacan por el impacto acumulativo creado por la sucesión de sus dieciocho
movimientos relativamente cortos (durante una ejecución completa). La razón por la partitura
corregida alterna nueve movimientos para cuarteto de cuerda (cuatro nombrados "friso" y cinco
"Fantasía") con nueve poemas de Celan (en la traducción en Inglés de Paul Hamburger) con música
para soprano y conjunto (dos clarinetes, viola, violonchelo y contrabajo) tiene una pieza corta de
Celan (blanco y Luz, 1989) y un movimiento para cuarteto - también corto y que ahora se llama
"Friso 1" - escrito en 1991 como un homenaje para el cumpleaños del editor de música vienés
Alfred Schlee. Una vez dada la posibilidad de juntar estas dos entidades diferentes, un campo de
fuerza se establece sobre el poetencial laberíntico que ha atraído fuertemente Birtwistle, también
puede ser debido a una línea del poema de Celan - "lass es wandern"("Vamos a derivar") - resume
una de las cualidades esenciales de su música: la deriva como principio, teniendo como objetivo
de generar un sentido de "éxtasis en curso" -stase en progrès- (según palabras de Günter Grass
sobre Melancolía I de Durero, una fuente de inspiración para la composición epónima de
Birtwistle).

Los dieciocho movimientos de Pulse Shadows comparten procesos que hacen hincapié en la falta
de definición y centros o contornos de las alturas individuales, usando patrones muy cortos de
repeticiones (ostinato) sirven como estrategias para construir la forma y las repeticiones, exactas o
variadas, las alturas y las pulsaciones literalmente se suceden. La única vez que la poesía de Celan
se mezcla con el cuarteto de cuerda está en "Friso 4" acorde con el título del poema de Celan
conectado más explícitamente por los campos de la muerte: "Todesfuge" (Fuga de la muerte) .
Birtwistle aquí crea una especie de forma de fuga muy personal, que rinde homenaje a la "Gran
Fuga" Beethoven (y seguido de cerca), de la misma manera que el movimiento para cuarteto que
él nombra como "Fantasías", con lo que rinde homenaje a la tradición de la música inglesa para
cuerdas del renacimiento y del barroco (un vínculo que será aún más fuerte en sus obras sobre
Dowland).

Pulse Shadows teje otros enlaces - con el estilo hablado-cantado de Pierrot Lunaire de Schoenberg
y los ciclos vocales e instrumentales de Le Marteau sans maître (Martillo sin dueño) de Boulez -
pero sigue siendo un trabajo y triunfo personal, idiosincrático, una obra profundamente conectada
a la cultura de su tiempo, el de eventos artísticos de la posguerra y post-holocausto, pero aún
permanece resueltamente desligada de las manifestaciones artísticas que sobreexplotan este
fenómeno. Estas son las cualidades que dieron a Birtwistle una presencia tutelar y duradera en la
escena contemporánea. Una música que es a la vez tan intensamente personal desde el principio y
que está tan en sintonía con sus condiciones sociales y psicológicas fundamentales es rara en todo
momento y en especial debería tener un gran valor en nuestra época.

Fuente: http://brahms.ircam.fr/sir-harrison-birtwistle#parcours