Bob Dylan (Duluth, Minnesota, Estados Unidos, 24 de mayo de 1941),1 registrado al nacer

como Robert Allen Zimmerman (enhebreo: ‫שבתאי זיסל בן אברהם‬, Shabtai Zisl ben
Avraham), es un músico, cantante y poeta estadounidense, ampliamente considerado como
una de las figuras más prolíficas e influyentes de su generación en la música popular del siglo
XX y de comienzos del siglo XXI.8 9 10 Gran parte de su trabajo más célebre data de la década
de 1960, en la que se dio a conocer comocantautor folk con composiciones como «Blowin' in
the Wind» y «A Hard Rain's a-Gonna Fall» con un importante contenido deprotesta
social.11 Tras dejar atrás la música folk, Dylan modificó la música popular en 1965 con el
álbum Highway 61 Revisited, uno de los trabajos musicales más influyentes del siglo
XX,12 13 en el que combinó la música rock con composiciones complejas y literarias influidas
por imaginería surrealista.14 Su primer sencillo, «Like a Rolling Stone», fue elegido como
la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y alcanzó el segundo puesto
en la lista estadounidense Billboard Hot 100.15
Tras Highway 61 Revisited, Bob Dylan consolidó su interés por el rock y el blues con trabajos
como Blonde on Blonde y exploró nuevos registros musicales como el country
rock en Nashville Skyline y Self Portrait. A lo largo de la década de 1970, después de sufrir
un accidente de motocicleta en 1966 y no salir de gira durante ocho años, obtuvo un mayor
éxito comercial con discos como Planet Waves, Blood on the Tracks y Desire, números uno en
su país natal.16 A finales de la década, abrió una nueva etapa musical con la publicación
de Slow Train Coming, con una profunda temática religiosa.17 Aunque el trasfondo religioso y
su interés por la Biblia se mantuvo a lo largo de los años, después de Infidels comenzó a
grabar discos con un mayor peso de temas seculares como Knocked Out Loaded y Down in
the Groove, que obtuvieron peores resultados comerciales y de crítica.
La carrera musical de Dylan resurgió a finales de la década de 1980 con el lanzamiento de Oh
Mercy, producido por Daniel Lanois calificado por la prensa como el «regreso a la formalidad
musical»,18 y con la formación de The Traveling Wilburys conGeorge Harrison, Roy
Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne. Tras un breve retorno al folk en trabajos como Good as I
Been to You yWorld Gone Wrong, Dylan volvió a trabajar con Lanois en Time Out of Mind, un
álbum con un «sonido nebuloso y ominoso» que ganó el Grammy al álbum del año en la 40.ª
entrega de los premios.19 20 Desde Time Out of Mind, sus álbumes más recientes —"Love and
Theft", Modern Times y Together Through Life— han obtenido el respaldo de la prensa
musical y del público.21 22
Las letras de Dylan incorporan una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios
que desafiaron la música popconvencional existente y apelaron generalmente a
la contracultura emergente en la época. Influido por Woody Guthrie, Robert Johnson y Hank
Williams, Dylan amplió y personalizó géneros musicales a lo largo de cinco décadas de
carrera musical, en las que exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues,
el country, el gospel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música
folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.23 24 Dylan toca la guitarra,
la armónica y los teclados, y respaldado por una alineación de músicos cambiante, ha salido
de gira anualmente desde finales de la década de 1980, en lo que se conoce como Never
Ending Tour —en español: La gira interminable—.
A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones,
interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de
Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and
Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los
Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las
Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las
cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000,
ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música,25 y en 2004 alcanzó
el segundo puesto en la lista de los cien mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la
revista Rolling Stone, después de The Beatles.26 27 El 13 de junio de 2007 fue premiado con
el Premio Príncipe de Asturias de las Artes,28 y un año después recibió un reconocimiento
honorario del Premio Pulitzer por su «profundo impacto en la música popular y en la cultura
norteamericana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético». En
este contexto, desde 1996 diversos autores y académicos han nominado a Dylan para la
candidatura delPremio Nobel de Literatura.29 30 31 En mayo de 2012, recibió la Medalla
Presidencial de la Libertad por parte del presidenteBarack Obama.32
El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca le otorgó el Premio Nobel de Literatura33 por
«haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición de la canción
estadounidense».34

Biografía[editar]
Primeros años y comienzos musicales (1941-1959)[editar]

Hogar de Duluth (Minnesota) donde Dylan pasó parte de su infancia.

Robert Allen Zimmerman (en hebreo, ‫רוברט אלן צימרמאן‬, Shabtai Zisl ben Avraham)4 35 nació
en el hospital St. Mary de Duluth,Minnesota, el 24 de mayo de 194136 y se crió en las colinas
de hierro Mesabi, en Hibbing, al oeste del Lago Superior.4 Sus abuelos paternos, Zigman y
Anna Zimmerman, emigraron desde Odessa —actual Ucrania— a los Estados Unidos a causa
de un pogromoantisemita acaecido en 1905.37 Por otra parte, sus abuelos maternos, Benjamin
y Lybba Edelstein, eran judíos lituanos que llegaron aAmérica en 1902.37 En su
autobiografía Chronicles: Volume One, Dylan escribió que el apellido de su abuela materna
era kirguís y que su familia procedía de Kağızman, en la región de Anatolia Oriental al este
de Turquía.38
Sus padres, Abram Zimmerman y Beatrice «Beatty» Stone, formaban parte de una reducida
comunidad judía. Robert Zimmerman vivió en Duluth hasta los seis años, cuando su padre
contrajo la poliomielitis y su familia volvió a Hibbing, la ciudad natal de su madre, donde pasó
el resto de su infancia.39 Robert pasó gran parte de su juventud escuchando la radio, primero
con emisoras que transmitían blues ycountry desde Shreveport, Louisiana, y posteriormente
con emisoras de rock and roll.39 Durante su estancia en la escuela superior de Hibbing, formó
varias bandas como The Shadow Blasters, de corta duración, o The Golden Chords, donde
interpretaba versiones de canciones de Little Richard y de Elvis Presley.40 41 Con The Golden
Chords, su interpretación del tema de Danny & The Juniors «Rock and Roll is Here to Stay»
en el concurso de talentos de la escuela fue tan ruidosa que el director se vio obligado a
apagarle el micrófono.42 En 1959, Robert escribió como principal ambición en el anuario de la
escuela: «Unirme a Little Richard».40 El mismo año, usando el seudónimo de Elston Gunn,
acompañó a Bobby Vee tocando el piano e improvisando palmas durante dos conciertos.43 44
Zimmerman se trasladó a Minneapolis en septiembre de 1959 para matricularse en
la Universidad de Minnesota. Durante la época, su inicial interés por el rock and roll dejó paso
a un mayor acercamiento al folk estadounidense. En 1985, Dylan explicó su atracción por la
música folk: «Lo que pasaba con el rock and roll es que para mí, de todos modos, no era
suficiente... Había muy buenas frases pegadizas y un ritmo contagioso, pero las canciones no
eran serias o no reflejaban la vida de un modo realista. Supe que cuando me metí en la
música folk, era una cosa más seria. Las canciones estaban llenas de tristeza, de triunfo, de fe
en la sobrenatural, y tenían sentimientos más profundos».45 Durante su estancia en
Minneápolis, comenzó a tocar en el Ten O'Clock Scholar, una cafetería a pocos bloques del
campus universitario, y se involucró activamente en el circuito local de música folk de
Dinkytown.46
Durante sus días en Dinkytown, Zimmerman comenzó a cambiar su nombre. Según el
biógrafo Robert Shelton, confió su nuevo nombre a su por entonces novia, Echo Helstrom, a
quien dijo que había encontrado «un gran nombre, Bob Dillon». Shelton conjeturó que el
nombre de Dillon procedía de dos fuentes: de Matt Dillon, de la serie de televisiónGunsmoke,
y de los Dillon, una de las principales familias de Hibbing. Cuando Shelton comenzó a escribir
su biografía a mediados de la década de 1960, Dylan le dijo: «Di en tu libro que yo no tomé mi
nombre de Dylan Thomas. La poesía de Dylan Thomas es para gente que no está realmente
satisfecha en la cama, para gente que excavan en el romance masculino». Shelton añadió que
solo cuando llegó a Nueva York en 1961, Zimmerman comenzó a deletrear su apellido como
«Dylan», momento en que ya estaba familiarizado con la obra del poeta Dylan Thomas.47
No obstante, el propio Dylan reconoció en Chronicles, Volume One que había estado influido
por Dylan Thomas a la hora de cambiar su nombre artístico: «Había visto algunos poemas de
Dylan Thomas. La pronunciación de Dylan y Allyn era similar. Robert Dylan. Robert Allyn. La
letra D tenía más fuerza. Sin embargo, el nombre Robert Dylan no era tan atractivo como
Robert Allyn. La gente siempre me había llamado Robert o Bobby, pero Bobby Dylan me
parecía cursi, y además ya estaban Bobby Darin, Bobby Vee, Bobby Rydell, Bobby Neely y
muchos otros Bobbies. La primera vez que me preguntaron mi nombre en Saint Paul, instintiva
y automáticamente solté: Bob Dylan».48

Década de 1960[editar]
Traslado a Nueva York y contrato con Columbia (1960-1962)[editar]
Dylan viajó en enero de 1961 aNueva York para visitar a Woody Guthrie.

Zimmerman abandonó la Universidad de Minnesota en mayo de 1960, al final de su primer

año de carrera. En enero de 1961, viajó aNueva York con la esperanza de ver a Woody
Guthrie, que estaba gravemente enfermo a causa de la enfermedad de Huntington en el
hospital psiquiátrico de Greystone Park.49 Guthrie había sido una revelación para Dylan y fue
su mayor influencia en su primera etapa musical. Describiendo el impacto que Guthrie tuvo en
él, Dylan escribió: «Las canciones en sí tenían el barrido infinito de la humanidad... [Él] fue la
verdadera voz del espíritu norteamericano. Me dije a mí mismo que iba a ser el discípulo más
grande de Guthrie».50 Además de visitar a Guthrie en el hospital, Dylan entabló una amistad
con su acólito Ramblin' Jack Elliott, que había adaptado gran parte del repertorio de Guthrie y
a quien Dylan pagó tributo en el libro Chronicles: Volume One.51
Desde febrero de 1961, Dylan comenzó a tocar en varios clubes de Greenwich Village, donde
tocó material de artistas de la escena folkcomo Dave Van Ronk, Fred Neil, Odetta, New Lost
City Ramblers y The Clancy Brothers.52 En septiembre, comenzó a ganar cierto
reconocimiento público cuando Robert Shelton reseñó en The New York Times un concierto
del Gerde's Folk City.53 El mismo mes, tocó la armónica para Carolyn Hester durante la
grabación de su tercer álbum, momento en el que coincidió con el productor John H.
Hammond.54
Un mes después, Hammond fichó a Dylan para Columbia Records. En marzo de 1962
publicó Bob Dylan, su álbum debut con Columbia, integrado por material tradicional
folk, blues y gospel con dos composiciones propias, «Song to Woody» y «Talkin' New
York».55 El álbum obtuvo un escaso éxito comercial, con 5 000 copias vendidas en su primer
año.56 Dentro de Columbia, Dylan comenzó a ser tachado como el «disparate de Hammond» y
sugirieron rescindir su contrato, pero Hammond lo defendió y al mismo tiempo encontró un
buen defensor en Johnny Cash, otro músico de la discográfica y seguidor de Dylan.57 Durante
su trabajo con Columbia, Dylan también grabó varias canciones con el seudónimo de Blind
Boy Grunt para Broadside Magazine, una revista y sello discográfico de folk.58 También usó
los seudónimos de Bob Landy para tocar el piano en The Blues Project, una antología
publicada por Elektra Records en 1964, y el de Tedham Porterhouse para tocar la armónica en
un álbum de Ramblin' Jack Elliott.58
En agosto de 1962, dio dos importantes pasos en su carrera musical. Cambió su nombre legal
por el de Bob Dylan y firmó un contrato de representación con Albert Grossman.59n.
1 Grossman fue el representante de Dylan hasta 1970 y se caracterizó por su personalidad a

veces conflictiva y por la lealtad protectora hacia su principal cliente.60 Dylan comentó sobre
Grossman: «Era algo así como una figura de Coronel Tom Parker... podías olerlo cuando
venía». Las tensiones entre Grossman y Hammond obligaron al segundo a abandonar la
grabación del segundo álbum de Dylan, que fue reemplazado por Tom Wilson.61

Bob Dylan con Joan Baez en lamarcha por los Derechos Civiles enWashington, D. C. en 1963.

En diciembre de 1962, Dylan viajó por primera vez al Reino Unido, donde fue invitado por el
director Philip Saville para aparecer en The Madhouse on Castle Street, una obra dirigida para
la BBC.62 Aunque las grabaciones fueron destruidas en 1968 y no se conservan copias de la
obra, Dylan apareció al final de la representación tocando «Blowin' in the Wind».62 Durante su
estancia en Londres, Dylan tocó en varios locales de folk como The Troubadour, Les Cousins
y Bunjies, y aprendió nuevas canciones folk de artistas como Martin Carthy.62
Con el lanzamiento de The Freewheelin' Bob Dylan en mayo de 1963, Dylan creció
significativamente como cantautor folk. Gran parte de las canciones de The
Freewheelin' fueron canciones protesta inspiradas en Guthrie y Pete Seeger.63 Al respecto,
«Oxford Town» reflejó de forma irónica la experiencia de James Meredith en ser el primer
negro en matricularse en la Universidad de Misisipi.64
The Freewheelin' también incluyó «Blowin' in the Wind», una de sus canciones más famosas,
cuya melodía deriva de la canción tradicional «No More Auction Block» y cuya letra cuestiona
el Statu quo sociopolítico en la época.n. 2 La canción fue ampliamente versionada y se convirtió
en un éxito internacional de la mano de Peter, Paul and Mary, sentando un precedente para
muchos otros artistas que obtuvieron éxitos con composiciones de Dylan. Por otra parte, «A
Hard Rain's a-Gonna Fall» está basada musicalmente en la balada de folk «Lord Randall», y
con sus referencias al apocalipsis nuclear, la canción ganó resonancia durante el desarrollo de
la crisis de los misiles en Cuba.66 Al igual que «Blowin' in the Wind», «A Hard Rain's a-Gonna
Fall» marcó una nueva dirección en la composición moderna, haciendo uso del monólogo
interior y la lírica imaginativa con las formas tradicionales del folk.67
Aunque las primeras composiciones de Dylan solidificaron su temprana reputación, The
Freewheelin' también incluyó una mezcla de canciones de amor y blues jocosos. Al respecto,
el humor supuso una parte de la personalidad musical de Dylan,68 y la gama de material en el
álbum impresionó a oyentes como George Harrison, guitarrista de The Beatles. Harrison
comentó: «Acabábamos de escucharlo, nos trasladó. El contenido de las letras de las
canciones y simplemente la actitud —era increíblemente original y maravilloso». Por otra
parte, la voz áspera de Dylan supuso un impedimento para algunos oyentes a la par que una
atracción para otros. Sobre el impacto que Dylan tuvo en ella y en su marido, la
escritora Joyce Carol Oates escribió: «Cuando escuché por primera vez esta voz muy joven,
áspera y aparentemente inexperta, francamente nasal, como si pudiera cantar el papel de lija,
el efecto fue dramático y electrizante».69 Muchas de sus primeras canciones alcanzaron al
público en general a través de versiones realizadas por otros intérpretes como Joan Baez, que
se convirtió en la primera protectora de Dylan, así como en su amante.70 Baez fue
determinante a la hora de elevar a Dylan a la popularidad nacional e internacional con
numerosas versiones de sus composiciones y al invitarle frecuentemente a tocar en sus
propios conciertos.71
De The Times They Are a-Changin' a Another Side of Bob Dylan (1963-1964)[editar]

Bob Dylan en un concierto en laUniversidad de St. Lawrence,Nueva York (1963).

En mayo de 1963, el perfil político de Dylan creció cuando abandonó el programa de

televisión The Ed Sullivan Show. Durante los ensayos, los ejecutivos de la
cadena CBS informaron al músico que la canción que tenía intención de tocar, «Talkin' John
Birch Paranoid Blues», era potencialmente difamatoria para la John Birch Society. En lugar de
complacer a la censura, Dylan se negó a aparecer en el programa.72
Durante la época, Dylan y Baez eran figuras prominentes en el movimiento por los derechos
civiles, y cantaron juntos en la marcha sobre Washington el 28 de agosto de 1963.73 Su visión
política quedó reflejada en The Times They Are a-Changin', su tercer álbum de estudio, con
canciones que a menudo incluyeron historias de la vida real contemporánea, tales como «Only
a Pawn in Their Game», que aborda el asesinato de Medgar Evers, y «The Lonesome Death
of Hattie Carroll», sobre la muerte de una camarera de hotel negra a manos deWilliam
Zantzinger, un blanco de la alta sociedad.74 En un plano más genérico, «Ballad of Hollis
Brown» y «North Country Blues» resumían la desesperación engendrada por la
descomposición de las comunidades agrícola y minera. Este material político fue acompañado
de dos canciones de amor, «Boots of Spanish Leather» y «One Too Many Mornings».75
A finales de 1963, Dylan se sentía manipulado y limitado por el folk y por el movimiento de
protesta.76 Estas tensiones se hicieron evidentes cuando, al aceptar el premio Tom Paine
Award de manos del National Emergency Civil Liberties Committee poco después
del asesinato deJohn F. Kennedy y en estado de ebriedad, Dylan cuestionó el papel de la
comisión, caracterizó a los miembros como viejos y calvos y reivindicó ver algo de sí mismo y
de todos los hombres en Lee Harvey Oswald, el asesino material de Kennedy.76 n. 3
Another Side of Bob Dylan, su siguiente álbum de estudio, fue grabado en un único día en
junio de 1964 e incluyó un humor más ligero que su predecesor.77 El humor surreal de Dylan
reemergió con «I Shall Be Free No. 10» y «Motorpsycho Nitemare». «Spanish Harlem
Incident» y «To Ramona» son canciones de amor románticas y apasionadas, mientras que
«Black Crow Blues» y «I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met)» sugieren un
futuro factor dominante del rock and roll en su música. «It Ain't Me, Babe», a priori una canción
sobre un amor rechazado, fue descrita como un rechazo del papel al que su fama había
empujado.78 Su nueva dirección compositiva quedó señalada en dos canciones: «Chimes of
Freedom», que entremezcla los comentarios sociales y un denso paisaje metafórico en un
estilo descrito por el poeta Allen Ginsbergcomo «cadenas de imágenes intermitentes»,n. 4 y
«My Back Pages», que ataca la gravedad simplista y la seriedad de sus primeras canciones y
parece predecir la reacción que iba a encontrar por sus antiguos compañeros a medida que
tomaba una nueva dirección musical.80
Entre finales de 1964 y comienzos de 1965, la imagen y el estilo musical de Dylan cambiaron
rápidamente, ya que pasó de ser un cantautor de la escena folk a una estrella de la
música pop y folk rock. Sus vaqueros y camisas de cuadros fueron reemplazados por ropa
de Carnaby Street, gafas de sol y botas al estilo de The Beatles. Sobre su cambio de imagen,
un reportero inglés escribió: «Pelo que podría poner de punta las púas de un peine. Una
camisa chillona que apaga las luces de neón de la plaza Leicester. Parece una cacatúa
desnutrida.»81 Dylan también comenzó a tratar con formas cada vez más surrealistas a la
prensa musical. En el programa de Les Crane, al preguntarle sobre una película que tenía
intención de rodar, el músico respondió que sería una de vaqueros y terror. Y al inquirirle si iba
a interpretar el papel de vaquero, Dylan respondió a Crane: «No, interpreto a mi madre.»82
Controversia eléctrica (1965)[editar]

«Eso fue en Newport. Bueno, hice esta

locura, no sabía lo que iba a suceder, pero
sin duda me abuchearon. Te lo puedo decir.
Podías oírlo por todo el lugar... Quiero decir,
deben de ser bastante ricos para poder ir a
un lugar y abuchearte. No podría
permitírmelo si estuviera en mis zapatos».

—Bob Dylan sobre su actuación en

Newport.83

Bringing It All Back Home, el quinto álbum de Dylan, supuso otro salto estilístico en la carrera
musical de Dylan,84 debido a la introducción de grabaciones con instrumentos eléctricos. El
primer sencillo, «Subterranean Homesick Blues», incluyó una asociación libre de versos que
fueron descritos como un retorno a la energía de la poesía beat y como precursores del rap y
el hip-hop.85 La canción fue acompañada de un video musical que precedió a Don't Look Back,
un documental de D. A. Pennebaker sobre la gira de 1965 en Gran Bretaña.86 En lugar de
mimetizar la grabación, Dylan ilustró la letra con tarjetas que contenían palabras clave y que
iba arrojando al suelo a medida que la canción avanzaba. Pennebaker reconoció que la
secuencia fue idea de Dylan, y desde entonces ha sido imitada en numerosos videos
musicales y anuncios publicitarios.87
Además de introducir un cambio estilístico con canciones rock, la segunda cara de Bringing It
All Back Home incluyó cuatro largas composiciones folk con guitarra
acústica y armónica como única instrumentación, en la línea de anteriores trabajos.88 De ellas,
«Mr. Tambourine Man» pronto se convirtió en una de las composiciones más reconocidas del
músico cuando The Byrds grabaron una versión eléctrica que alcanzó el primer puesto tanto
en los Estados Unidos como en el Reino Unido.89 Por otra parte, «It's All Over Now Baby
Blue» e «It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)» fueron aclamadas como otras dos importantes
composiciones del músico.88
A pesar de obtener en general buenas críticas de la prensa musical, el cambio estilístico
de Bringing It All Back Home y la progresiva incorporación de elementos del rock y delblues en
detrimento del folk fueron objeto de críticas por parte de sectores conservadores y puristas del
folk. En 1965, como cabeza de cartel del Newport Folk Festival, Dylan interpretó su primer set
eléctrico desde sus días en la escuela secundaria con un grupo de respaldo integrado
por Mike Bloomfield, Sam Lay, Jerome Arnold, Al Kooper y Barry Goldberg.90 Dylan había
aparecido en Newport las dos ediciones anteriores, pero su actuación en 1965 obtuvo una
mezcla de abucheos y vítores, lo cual le llevó a abandonar el escenario después de tocar tres
canciones. Diferentes interpretaciones de los hechos sugieren que los abucheos procedían del
sector purista del folk, que no recibió bien la actuación eléctrica de Dylan, aunque otros aluden
a la mala calidad del sonido como motivo de los abucheos. Murray Lerner, que filmó la
actuación, comentó: «Creo absolutamente que estaban abucheando a Dylan pasando a lo
eléctrico».91 La segunda versión está respaldada por Kooper y uno de los directores del
festival, quien comentó que los únicos abucheos del concierto surgieron después de que el
maestro de ceremonias anunciase que solo había tiempo suficiente para un concierto
breve.92 93
En cualquier caso, la aparición de Dylan en Newport provocó una respuesta hostil por parte
del establishment de la música folk.94 n. 5 En la edición de septiembre de Sing Out!, el
cantante Ewan MacColl escribió: «Nuestras canciones y baladas son las creaciones de
artistas de extraordinario talento que trabajan en disciplinas formuladas a lo largo del tiempo...
"¿Pero qué hay de Bobby Dylan?", gritan los adolescentes indignados. Solo un público
completamente no crítico, nutrido por la papilla aguada de la música pop, podría haber caído
en tales tonterías de décima categoría».95 El 29 de julio, cuatro días después del concierto en
Newport, Dylan volvió al estudio de grabación para grabar «Positively 4th Street».n. 6
Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde (1965-1966)[editar]

Dylan emprendió su primera gira mundial con The Hawks —posteriormente conocidos como The
Band— como banda de acompañamiento.

A pesar de comenzar su carrera en el marco del renacimiento de la música folk

estadounidense y de sufrir la crítica de determinados sectores del establishment al comenzar
a tocar música rock, Dylan consolidó su nuevo estilo musical en años posteriores. En julio de
1965, Dylan publicó el sencillo «Like a Rolling Stone», que alcanzó el segundo puesto en la
lista estadounidense Billboard Hot 100 y el cuatro en la de sencillos del Reino Unido. Elegida
como la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone,15 la canción ha sido
acreditada como modificadora de las actitudes previas acerca de lo que la música pop es
capaz de transmitir. Al respecto, Bruce Springsteen comentó que la primera vez que escuchó
la canción, «ese golpe de batería sonó como si alguien abriese de una patada la puerta de tu
mente».97 La canción también abrió su siguiente álbum, Highway 61 Revisited, titulado como
homenaje a la Ruta 61 que trasladó a Dylan de su hogar en Duluth al hervidero musical
de Nueva Orleans,98 y cuyas canciones siguieron el estilo de «Like a Rolling Stone»,
impulsado por el trasfondo blues de Mike Bloomfield a la guitarra y por riffs de órgano de Al
Kooper. «Desolation Row», respaldada por una guitarra acústica y un bajo, ofrece la única
excepción al sonido dominante de Highway 61, e incluye alusionessurrealistas sobre una
variedad de figuras de la cultura occidental que fueron descritas por Andy Gill como «una
épica de once minutos de entropía, que toma la forma de una parodia felliniana con figuras
grotescas y rarezas que ofrecen un enorme elenco de personajes célebres, algunos históricos
—Einstein, Nerón—, algunos bíblicos —Noé, Caín y Abel—, algunos ficticios —
Ofelia, Romeo, Cenicienta—, algunos literarios —T.S. Eliot y Ezra Pound— y algunos que no
encajan en ninguna de las categorías anteriores, como Dr. Filth y su dudosa enfermera».99
En apoyo del álbum, Dylan fue contratado para dos conciertos en los Estados Unidos y se
dedicó a formar una banda. Bloomfield no estaba dispuesto a abandonar Paul Butterfield
Blues Band, por lo que juntó a Kooper y Harvey Brooks, presentes en la grabación de Highway
61, con Robbie Robertson y Levon Helm, más conocidos en su momento como parte de The
Hawks, la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins.100 El 28 de agosto, un público aún
molesto con el sonido eléctrico de Dylan abucheó al grupo en el Forest Hills Tennis Stadium.
No obstante, la recepción del concierto del 3 de septiembre en el Hollywood Bowl de Los
Ángeles fue más favorable.101
Aunque Dylan y The Hawks encontraron públicos cada vez más receptivos durante la posterior
gira, varios intentos por grabar un nuevo sencillo en el estudio de grabaciónfracasaron.
El productor Bob Johnston persuadió a Dylan para que grabase en Nashville, con el respaldo
de varios músicos de sesión. Ante la insistencia de Dylan, Robertson y Kooper también
viajaron a Nashville para sumarse a las sesiones.102 Las sesiones de Nashville produjeron en
doble álbum Blonde on Blonde, que incluyó lo que el propio Dylan definió como «ese salvaje y
delgado sonido mercurial».n. 7 Kooper describió el álbum como «tomar dos culturas y
golpearlas juntas con una enorme explosión: el mundo musical de Nashville y el mundo del
Dylan inconformista de Nueva York».104
En medio de su creciente popularidad, Dylan contrajo matrimonio en secreto con la ex-
modelo Sara Lownds el 22 de noviembre de 1965.105 A comienzos de 1966, Dylan emprendió
su primera gira mundial, bautizada como Bob Dylan World Tour 1966, con varias etapas
en Australia y Europa. Cada concierto estuvo dividido en dos partes: una primera parte donde
Dylan interpretaba canciones en acústico, acompañado solo de guitarra acústica y armónica, y
un segundo set respaldado por The Hawks, con música eléctrica. Este contraste provocó que
sectores del público abuchearan al grupo y dieran aplausos lentos y desacompasados como
muestra de enfado.106 La gira culminó con un conocido enfrentamiento entre Dylan y el público
en el Free Trade Hall de Manchester el 17 de mayo de 1966, recogido en el recopilatorio The
Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The «Royal Albert Hall» Concert.107 Al final del
concierto, un miembro del público, enojado con el sonido eléctrico de Dylan, gritó: «¡Judas!», a
lo que el músico respondió: «No te creo... ¡eres un mentiroso!», antes de volverse a la banda y
ordenar fuera de micrófono: «Tocarla jodidamente alto», para tocar la última canción de la
noche, «Like a Rolling Stone».n. 8
Durante su gira de 1966, Dylan fue descrito con frecuencia como agotado y actuando «como
si estuviera en un viaje de la muerte».109 D. A. Pennebaker, director que acompañó a Dylan
para rodar Eat the Document, describió a Dylan «tomando muchas anfetaminas y quién sabe
qué más».110 En una entrevista con Jann Wenner, Dylan comentó: «Estuve en la carretera
durante casi cinco años. Me llevó hacia abajo. Estaba en las drogas, en un montón de cosas...
solo para continuar, ¿sabes?».111
Accidente de moto y reclusión en Woodstock (1967-1969)[editar]

«Estaba de gira gran parte del

tiempo...Australia, Suecia... una gira por el
extranjero. Luego volví y en primavera,
estaba programado que volviera fuera, me
iba a ir de nuevo de gira en julio. Blonde on
Blonde estaba en lo alto de las listas. En ese
momento tuve un accidente de moto terrible
que me guardó por un tiempo, y no sentí la
importancia de ese accidente por lo menos
hasta un año después. Quiero decir,
pensaba que iba a levantarme y volver a
hacer lo que hacía antes... Pero no podía
hacerlo más».

—Bob Dylan en Rolling Stone.112

Después de la etapa europea de su gira mundial, Dylan regresó a Nueva York, aunque las
presiones sobre él siguieron aumentando. La cadena de televisión ABC pagó un adelanto para
emitir un documental televisivo, y la editorial Macmillan demandaba un manuscrito terminado
de la novela Tarántula.113 Sumado a ello, Albert Grossman, su representante, había
programado una nueva y extensa gira con conciertos entre julio y noviembre de 1966.
El 29 de julio de 1966, Dylan sufrió un accidente con una motocicleta Triumph Tiger 100 en
una carretera cerca de su hogar enWoodstock. Aunque la gravedad de sus heridas nunca fue
completamente revelada, Dylan dijo que sufrió la fractura de variasvértebras cervicales.114 El
misterio aún rodea a las circunstancias del accidente,115 dado que Dylan no fue hospitalizado
a causa de las heridas y no existen partes médicos.116 Varios biógrafos señalaron que el
accidente ofreció a Dylan la oportunidad de escapar de las presiones que había acumulado a
su alrededor.116 117 El propio Dylan confirmó esta interpretación del accidente en Chronicles:
Volume One al escribir: «Estuve en un accidente de motocicleta y me lesioné, pero me
recuperé. La verdad era que quería salir de esa carretera de ratas».118 A raíz de su accidente,
Dylan se retiró de la opinión pública, y con la excepción de algunas selectas apariciones, no
volvió a salir de gira durante ocho años.119
Tras su convalecencia, Dylan estaba lo suficientemente recuperado para reanudar el trabajo
creativo y comenzó a editar el material filmado por D. A. Pennebaker durante la gira de 1966.
Un primer corte fue enseñado a ejecutivos de ABC y fue rechazada de inmediato por ser
incomprensible para un público general.120 La película, titulada Eat the Document, comenzó a
circular al poco tiempo en bootlegs y proyectada en varios festivales de cine antes de su
estreno oficial cuatro años después.121 Además, el mismo año comenzó a grabar música
con The Hawks en su propio hogar y en el sótano de un chalé cercano, llamado «Big Pink» y
localizado en West Saugerties.122 Las canciones, en un inicio recopiladas como demos a
disponibilidad de otros artistas para su grabación, proporcionaron éxitos para Julie
Driscoll y The Brian Auger Trinity —«This Wheel's on Fire»—, The Byrds —«You Ain't Goin'
Nowhere», «Nothing Was Delivered»— y Manfred Mann —«Quinn the Eskimo»—, entre otros.
Las grabaciones de «Big Pink» fueron seleccionadas por Columbia Records en 1975 y
recopiladas en The Basement Tapes, aunque con los años, más grabaciones caseras de la
época han aparecido en bootlegs. Una versión más completa del periodo, The Genuine
Basement Tapes, incluyó 107 canciones y tomas alternativas grabadas con The Hawks.123 En
los meses siguientes, The Hawks emprendieron su propia carrera con Capitol Records bajo el
nuevo nombre de The Band y con el lanzamiento de Music from Big Pink, un álbum que
también incluyó canciones que ensayaron con Dylan en el sótano de Woodstock.124
Tras el éxito de Blonde on Blonde, Dylan regresó a Nashville en octubre de 1967 tras
diecinueve meses sin entrar en un estudio de grabación.125 Acompañado únicamente
porCharlie McCoy, Kenneth Buttrey y Peter Drake, Dylan grabó John Wesley Harding, un
álbum de canciones breves, tranquilas y contemplativas basadas en paisajes que evocaban
el oeste estadounidense y la Biblia. La estructura y la escasa instrumentación, junto con letras
que tomaban en serio la tradición judeocristiana, marcaron un nuevo punto no solo en la obra
de Dylan, sino en el creciente fervor psicodélico en la cultura musical de mediados de
la década de 1960.126 John Wesley Harding incluyó «All Along the Watchtower», con letras
derivadas del Libro de Isaías y popularizada por Jimi Hendrix en una versión que el propio
Dylan reconoció como «definitiva».45
La primera aparición pública de Dylan tuvo lugar veinte meses después de su último concierto
a raíz de la muerte de Woody Guthrie, su ídolo de juventud, el 3 de octubre de 1967. Dylan
participó en el memorial organizado en el Carnegie Hall de Nueva York el 20 de enero de 1968
con el respaldo de The Band.127 Su participación en el concierto a Guthrie fue una de las
pocas apariciones públicas de Dylan en varios años, ya que comenzó a llevar una vida
hogareña con vistas a cuidar a su creciente familia —entre julio de 1967 y septiembre de
1969, la pareja tuvo tres hijos: Anna Lea, Jesse y Jakob— y a dedicar tiempo a nuevas
aficiones como la pintura, sin menoscabo de la música.
Su siguiente trabajo, Nashville Skyline, fue un disco de country que contó con el respaldo
de músicos de sesión de Nashville y en el que introdujo un rango vocal distinto de sus
primeros trabajos, al usar una voz de crooner más suave.128 El álbum, que incluyó un dúo
con Johnny Cash en «Girl from the North Country», supuso el cuarto número uno consecutivo
de Dylan en el Reino Unido. La revista Variety comentó sobre el álbum: «Dylan está sin duda
haciendo algo que se puede llamar cantar. De alguna manera ha conseguido añadir una
octava a su rango».129 En mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa
de televisión The Johnny Cash Show, en el que cantó a dúo con Cash las canciones «Girl
from the North Country», «I Threw It All Away» y «Living the Blues». La publicación
de Nashville Skyline fue seguida de su segunda aparición pública en varios años, al tocar con
The Band como cabeza de cartel en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto y después
de rechazar varias propuestas para presentarse en un Festival de Woodstock mucho más
cercano a su hogar.130

Década de 1970[editar]
Self Portrait, New Morning y rodaje de Pat Garrett & Billy the Kid (1970-1973)[editar]

«Por lo que yo sé, no pertenecía a nadie

entonces ni pertenezco a nadie ahora. Tenía
una esposa e hijos a los que quería más que
a nada en el mundo. Intentaba mantenerlos y
ahorrarles problemas, pero los moscones de
la prensa seguían proclamándome el
portavoz, el defensor y la conciencia de una
generación. [...] En realidad nunca fui más
que un músico folk».

—Bob Dylan en Chronicles, Vol. 1.131

Dylan comenzó la década de 1970 publicando Self Portrait, un doble álbum con versiones de
canciones de otros artistas, temas instrumentales y cuatro canciones interpretadas con The
Band en el Festival de la Isla de Wight en agosto de 1969. Inmerso en una vida hogareña
en Woodstock con su familia y alejado de los escenarios, Dylan aseguró que Self Portrait tenía
por objetivo publicar un trabajo mediocre en respuesta a quienes le seguían considerando
«portavoz de una generación» y quienes esperaban de retomara su estatus en el
movimiento contracultural de la década del que Dylan se alejó deliberadamente con el
lanzamiento de John Wesley Harding. Aunque alcanzó el número uno en el Reino
Unido,132 Self Portrait obtuvo un menor respaldo de la prensa musical, hasta el punto que Greil
Marcus encabezó una reseña en la revista Rolling Stone con el título de «What is this shit?» —
en español: «¿Qué es esta mierda?»—.133 134
El mismo año publicó New Morning, un álbum considerado que incluyó nuevas composiciones
grabadas en Nueva York, algunas de ellas como «New Morning», «Father of Night» y «Three
Angels» escritas a petición del dramaturgo Archibald MacLeish para incluirlas en una obra
teatral que nunca llegó a materializarse. Tras el rechazo de Self Portrait, New Morning obtuvo
un mayor reconocimiento de la prensa musical en comparación con su predecesor: al
respecto, Ralph Gleason escribió en Rolling Stone: «Tenemos a Dylan de regreso», solo unos
meses después de la crítica de Greil Marcus a Self Portrait.
New Morning supuso también el último disco de estudio de Dylan en tres años, un periodo con
escasas apariciones públicas y pocas grabaciones musicales. En agosto de 1971 participó
en The Concert for Bangladesh, un concierto benéfico organizado por George Harrison en el
que interpretó seis canciones: «A Hard Rain's a-Gonna Fall», «It Takes a Lot to Laugh, It
Takes a Train to Cry», «Blowin' in the Wind», «Just Like a Woman», «Mr. Tambourine Man» y
«Love Minus Zero/No Limit». El vínculo musical entre Dylan y Harrison había crecido años
antes y se materializó cuando coescribieron «I'd Have You Anytime», un tema incluido en el
triple álbum All Things Must Pass junto a una versión de «If Not for You».
Entre el 16 y el 19 de marzo de 1971, Dylan reservó tres días en los Blue Rock Studios
de Greenwich Village para registrar un sencillo, «Watching the River Flow», y una regrabación
de «When I Paint My Masterpiece».135 El 4 de noviembre, grabó «George Jackson», un
retorno a la canción protesta como tributo a George Jackson, líder delPartido Pantera
Negra asesinado por guardias en la Prisión Estatal de San Quentin poco antes.136 Además,
Dylan contribuyó tocano el piano en el álbum de Steve GoodmanSomebody Else's
Troubles bajo el seudónimo de Robert Milkwood Thomas.137 Una nueva aparición pública tuvo
lugar el día de Año Nuevo de 1972 durante un concierto de The Band publicado en Rock of
Ages.
En 1972, Dylan participó en el largometraje de Sam Peckinpah Pat Garrett y Billy the
Kid grabando la banda sonora homónima e interpretando el papel de «Alias», un miembro de
la pandilla de Billy el Niño con cierta base histórica.138 A pesar del fracaso de la película en
taquilla, la canción «Knockin' on Heaven's Door» ha demostrado su durabilidad como una de
las canciones más versionadas del músico.139 140
Regreso a los escenarios (1974-1978)[editar]

Dylan y The Band —de izquierda a derecha, Rick Danko, Robbie Robertson y Levon Helm—
en Chicago, durante la primera gira del músico en ocho años.

Dylan comenzó 1973 firmando un nuevo contrato discográfico con Asylum Records, una
compañía fundada por David Geffen, cuando su contrato con Columbia finalizó. Su llegada a
Asylum comenzó con la grabación de Planet Waves, un álbum grabado con The Band y que
incluyó dos versiones de «Forever Young», una de sus canciones más populares.141 El
biógrafo Clinton Heylin describió que la canción «proyecta algo hímnico y sincero que habla
del padre que hay en Dylan»,142 algo que el propio músico reconoció: «La escribí pensando en
uno de mis hijos y sin querer ser demasiado sentimental».45 Otro biógrafo, Howard Sounes,
señaló que Jakob Dylan cree que la canción era sobre él.141 Planet Waves se convirtió en el
primer álbum en llegar al número uno en la lista estadounidense Billboard 200.143
A pesar de su marcha, Columbia publicó simultáneamente Dylan, una colección de descartes
de estudios, mayoritariamente versiones de otros artistas, que fue ampliamente considerada
como una respuesta grosera a la firma de Dylan con una compañía discográfica rival.144En
enero de 1974, Dylan regresó a los escenarios con su primera gira en ocho años. Con el
respaldo de The Band, la gira incluyó cuarenta conciertos de costa a costa en los Estados
Unidos y fue documentada en Before the Flood, el primer álbum en directo de Dylan. El éxito
de Dylan con Asylum llevó a Columbia a afirmar que «no iban a escatimar nada para traer a
Dylan de vuelta al redil».145 Dylan tuvo al poco tiempo dudas sobre Asylum, al parecer molesto
porque mientras había millones de solicitudes de entradas para la gira de 1974, Geffen solo
había logrado vender 700 000 copias de Planet Waves.146 Dylan acabó por regresar a
Columbia Records, que posteriormente incorporó sus dos álbumes con Asylum a su propio
catálogo.
Después de la gira, Dylan y Sara, cuyo matrimonio había sufrido un progresivo deterioro, se
distanciaron públicamente. El músico llenó un pequeño cuaderno rojo con canciones sobre
relaciones y rupturas, y grabó en poco tiempo un nuevo álbum titulado Blood on the
Tracks.147 Una vez grabado, Dylan retrasó su lanzamiento y regrabó parte del álbum en los
Sound 80 Studios de Minneapolis utilizando a varios músicos locales contratados por su
hermano, David Zimmerman.147
Blood on the Tracks, que supuso el segundo número uno del músico en los Estados
Unidos,148 fue elegido como el 16º mejor álbum de todos los tiempos por la revista Rolling
Stone, su tercera mejor posición en la lista después de Highway 61 Revisited y Blonde on
Blonde.149 Además, y a pesar de obtener reseñas mixtas en el momento de su lanzamiento, la
prensa musical señaló Blood on the Tracks como uno de los mayores logros de Dylan. Al
respecto, Bill Wyman escribió: «Blood on the Tracks es su único álbum impecable y mejor
producido. Las canciones, cada una de ellas, se construyen de manera disciplinada. Es su
álbum más amable y consternado, y parece, en retrospectiva, que ha logrado un equilibrio
sublime entre los excesos cargados de verborrea de mediados de 1960 y las composiciones
conscientemente simples de sus años posteriores al accidente».150

Dylan con Allen Ginsberg durante la gira Rolling Thunder Revue en 1975.

Durante el verano del mismo año, Dylan compuso una larga balada defendiendo la causa
del boxeador Rubin «Hurricane» Carter, encarcelado por un triple asesinato cometido
en Paterson (Nueva Jersey) en 1966. Tras visitar a Carter en prisión, Dylan escribió
«Hurricane», en la que defendió la inocencia de Carter. A pesar de superar los ocho minutos
de duración, la canción fue publicada comosencillo, alcanzó el puesto 33 en la lista Billboard
Hot 100 y fue interpretada en todos los conciertos de la gira Rolling Thunder Revue.151La gira
incluyó varias partes de entretenimiento con cerca de un centenar de artistas y aficionados
procedentes de la escena folk renaciente de Greenwich Village, como T-Bone
Burnett, Ramblin' Jack Elliott, Joni Mitchell,152 David Mansfield, Roger McGuinn, Mick
Ronson, Joan Baez y la violinista Scarlet Rivera, a quien Dylan descubrió mientras caminaba
por la calle con su estuche de violín colgando de su espalda.153 El poeta Allen
Ginsberg también acompañó al grupo y creó escenas para la película que Dylan rodaba
simultáneamente. Por otra parte, Sam Shepard fue contratado inicialmente para escribir el
guión de la película, pero terminó acompañando al grupo como cronista informal.154
Desire, su siguiente álbum de estudio, fue publicado entre dos etapas de la gira Rolling
Thunder Revue e incluyó un estilo narrativo cercano a las crónicas de viajes con la influencia
de su nuevo colaborador, el dramaturgo Jacques Levy.155 La segunda mitad de la gira fue
documentada en Hard Rain, un especial televisivo y un álbum que obtuvieron una peor
recepción crítica. Ningún concierto de la primera mitad de la gira, mejor recibida por la crítica,
fue publicado hasta la aparición de The Bootleg Series Vol. 5: Bob Dylan Live 1975, The
Rolling Thunder Revue en 2002.156 La gira de 1975 también proporcionó el telón de fondo
de Renaldo and Clara, una película de casi cuatro horas de duración con una extensa e
improvisada narrativa en la que se mezclaban imágenes de los conciertos y reminiscencias.
Estrenada en 1978, Renaldo and Clara obtuvo en general críticas pobres y a veces mordaces,
y permaneció poco tiempo en teatros.157 A finales del mismo año, Dylan permitió editar la
película y reducirla a dos horas de largometraje dominado por conciertos de la gira que obtuvo
mejores críticas.158

Dylan en el último concierto de The Band en noviembre de 1976, filmado por Martin Scorsese y
publicado enThe Last Waltz.

En noviembre de 1976, Dylan apareció en el concierto de despedida de The Band, junto a

otros invitados como Joni Mitchell, Muddy Waters, Van Morrison y Neil Young. El concierto,
organizado en el Winterland Ballroom de San Francisco, fue filmado por Martin Scorsesey
publicado como documental musical en The Last Waltz, que incluyó la mitad de las canciones
que Dylan tocó.159 El mismo año, Dylan compuso y cantó la canción «Sign Language» en el
álbum de Eric Clapton No Reason to Cry.160
En 1978, volvió a embarcarse en una nueva gira mundial con 114 conciertos
entre Japón, Europa y los Estados Unidos, con un público que superó los dos millones de
personas. Para la gira, Dylan reunió una banda de ocho músicos y tres coristas. Los
conciertos que ofreció en Tokio en febrero y marzo fueron grabados y publicados en el
álbum Bob Dylan at Budokan, con reseñas mixtas: Robert Christgau le otorgó una revisión
irrisoria,161 mientras que Janet Maslin lo defendió en Rolling Stone escribiendo: «Estas últimas
versiones en directo de sus viejas canciones tienen el efecto de liberar a Dylan de las
originales».162 Cuando Dylan llevó la gira a los Estados Unidos en septiembre de 1978, se
sintió consternado porque la prensa describió el aspecto y el sonido de los conciertos como
«Las Vegas Tour», mimetizando los últimos años de Elvis Presley.163 La gira recaudó más de
20 millones de dólares y Dylan reconoció a Los Angeles Times que tenía varias deudas que
pagar porque «tuve un par de años malos. Puse una gran cantidad de dinero en la película
[Renaldo and Clara], construí una casa grande... y cuesto mucho divorciarse en California».164
En abril y mayo de 1978, Dylan llevó al mismo grupo y a las mismas coristas a los Rundown
Studios, una sala de ensayo que había alquilado en Santa Mónica para grabarStreet
Legal,165 descrito por el biógrafo Michael Gray como «después de Blood on the Tracks, el
mejor disco sin dudas de Dylan en la década de 1970: un álbum fundamental documentando
un periodo crucial en la propia vida de Dylan».166 Sin embargo, sufrió una mala grabación de
sonido y mezcla, atribuida a las prácticas de estudio de Dylan, que enturbiaron detalles
instrumentales y fue el centro de crítica de varios periodistas.167 El sonido de Street Legal fue
mejorado para su lanzamiento en formato SACD en 1999.167
Conversión al cristianismo: Slow Train Coming y Saved (1979-1980)[editar]
Artículo principal: Conversión al cristianismo
Dylan en un concierto en Toronto,Canadá en 1978.

A finales de la década de 1970, Dylan se convirtió en un cristiano renacido168 169 y publicó dos
álbumes de música gospel con un importante trasfondo religioso. El primero, Slow Train
Coming, incluyó el acompañamiento del guitarrista Mark Knopfler, líder del grupoDire Straits, y
fue producido por Jerry Wexler. El propio Wexler comentó que Dylan intentó evangelizarlo
durante la grabación del álbum, a lo que contestó: «Bob, estás tratando con un judío ateo de
sesenta y dos años. Vamos a hacer el álbum».170 El álbum alcanzó el tercer puesto en la
lista Billboard 200 y ganó el Grammy a la mejor interpretación vocal de rock masculina en
la 22.ª gala de los premios por el sencillo «Gotta Serve Somebody».171
Durante las giras llevadas a cabo entre otoño de 1979 y primavera de 1980, Dylan dejó de
interpretar sus canciones más conocidas, seculares, y comenzó a realizar en el escenario
declaraciones sobre su fe, como la siguiente: «Hace años me dijeron que era un profeta. Yo
solía decir: "No, no soy un profeta". Ellos decían: "Sí lo eres, eres un profeta". Yo decía: "No,
no soy yo". Ellos solían decir: "Seguro que eres un profeta". Solían convencerme de que era
un profeta. Ahora salgo y digo que Jesucristo es la respuesta. Ellos dicen: "Bob Dylan no es
un profeta". Simplemente no pueden manejar la situación».172
La conversión de Dylan al cristianismo produjo el rechazo frontal de un sector de su público y
de compañeros de profesión.173 Poco antes de su asesinato, John Lennon grabó una demo de
«Serve Yourself» como respuesta a la canción de Dylan «Gotta Serve Somebody». En
1981, Stephen Holden escribió en The New York Times que «ni la edad —ahora tiene
cuarenta años— ni su muy publicitada conversión como cristiano renacido han alterado su
temperamento esencialmente iconoclasta».174

Década de 1980[editar]
Retorno secular y declive comercial (1981-1986)[editar]
A principios de la década de 1980, Dylan volvió a salir brevemente de gira para una serie de
conciertos etiquetados como «A Musical Retrospective», donde volvió a introducir en el
repertorio canciones populares de la década de 1960. Además, Shot of Love, grabado entre
marzo y mayo de 1981, incluyó las primeras composiciones seculares de Dylan en más de dos
años, mezcladas con otras canciones de índole cristiana. Entre ellas, la canción «Every Grain
of Sand» recordó a algunos críticos a versos de William Blake.175
Durante la década, la recepción crítica de los trabajos de Dylan variaron desde el buen
recibimiento de Infidels en 1983 al criticado Down in the Groove en 1988. Periodistas como
Michael Gray criticaron sus trabajos de la década por mostrar una falta de cuidado en el
estudio y por no saber elegir las mejores canciones para publicar.176 Al respecto, las sesiones
de grabación de Infidels, que contaron con la participación y producción de Mark Knopfler,
dieron lugar a varias canciones notables que Dylan dejó fuera del álbum. Ejemplo de dichos
descartes fueron «Blind Willie McTell», un tributo al músico de blues Blind Willie McTell y una
evocación de la historia afroamericana, «Foot of Pride» y «Lord Protect My Child»,
posteriormente recopilados en The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–
1991.177 En cualquier caso, y a pesar de publicar trabajos con buena recepción crítica, la
carrera musical de Dylan declinó progresivamente en el plano comercial debido al auge de
nuevos géneros musicales y al creciente desinterés por los músicos de su generación.

Bob Dylan en Barcelona el 28 de junio de 1984.

Entre julio de 1984 y marzo de 1985, Dylan grabó Empire Burlesque con la ayuda de Arthur
Baker como ingeniero de sonido, que había trabajado previamente con Bruce
Springsteen y Cyndi Lauper.178 Baker comentó que sentía que había sido contratado para
hacer el sonido de Dylan «un poco más contemporáneo».178 Dylan también aportó su voz en
«We Are the World», un sencillo benéfico de USA for Africa. Además, el 13 de julio de 1985
apareció en el concierto Live Aid organizado en el JFK Stadium de Filadelfia. Respaldado
por Keith Richards y Ron Wood, Dylan tocó una versión de «Ballad of Hollis Brown», una
balada sobre la pobreza rural, y luego se dirigió al público para decir: «Espero que una parte
del dinero... quizás pueda simplemente tomar un poco de él, quizás... uno o dos millones,
quizás... y usarlos para pagar las hipotecas de algunas de las granjas y, de los agricultores
aquí, que deben a los bancos».179 Sus comentarios fueron criticados como inapropiados, pero
también inspiraron a Willie Nelson a fundar Farm Aid, una organización sin ánimo de lucro que
recauda mediante conciertos anuales fondos para granjeros estadounidenses.180
En conmemoración de sus veinticinco años de actividad musical, Columbia publicó Biograph,
un triple álbum con descartes y tomas alternativas de canciones inéditas entremezcladas con
los grandes éxitos del músico. En abril de 1986, hizo una breve incursión en el mundo de la
música rap cuando añadió la voz al primer verso de «Street Rock», una canción incluida en el
álbum de Kurtis Blow Kingdom Blow.181 Su siguiente trabajo de estudio, Knocked Out Loaded,
fue publicado en julio del mismo año e incluyó tres versiones de otros artistas —de Junior
Parker, Kris Kristofferson y el himno tradicional gospel«Precious Memories»— así como tres
colaboraciones con otros compositores —Tom Petty, Sam Shepard y Carole Bayer Sager— y
dos únicas composiciones de Dylan. El álbum, el primero desde Freewheelin' en no entrar en
el top 50 de su país natal,182 obtuvo malas reseñas de la prensa musical: Rolling Stone lo
calificó como una aventura deprimente»,183 mientras que Stephen Thomas Erlewine comentó
que «el disco sigue demasiados rodeos para ser consistentemente convincente, y algunos de
estos desvíos va por caminos que son indiscutiblemente muertos. En 1986, tantos discos
irregulares no eran del todo inesperados por Dylan, pero eso no los hizo menos
frustrantes».184
De nuevo en la carretera y Traveling Wilburys (1986-1988)[editar]
Entre 1986 y 1987, Dylan salió de gira con Tom Petty and the Heartbreakers y compartió la
voz con Petty en varias canciones cada noche. También compartió escenario en 1987 con The
Grateful Dead durante conciertos grabados y recopilados en el álbum Dylan & The Dead. El
álbum obtuvo algunas de las peores reseñas de la carrera de Dylan:Allmusic lo definió
abiertamente como «posiblemente el peor álbum, de Dylan, sea el de Grateful Dead».185
En 1987, participó en el largometraje de Richard Marquand Corazones de fuego, en el que
interpreta el papel de Billy Parker, una estrella del rock convertida en granjero cuya amante
adolescente —Fiona— lo abandona por una obsoleta sensación del synth-pop inglés —
interpretada por Rupert Everett—.186 Dylan también contribuyó a la banda sonora de la
película con «Night After Night», «I Had a Dream About You, Baby» y una versión del tema
de John Hiatt «The Usual». Sin embargo, Corazones de fuego fue un fracaso comercial y de
crítica.187
Dylan fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en enero de 1988, con un
discurso introductorio de Bruce Springsteen en el que declaró: «Bob liberó tu mente del mismo
modo que Elvis liberó tu cuerpo. Nos enseñó que el mero hecho de que la música fuera
naturalmente física no significaba que fuera anti-intelectual».97 Cuando publicó el álbum Down
in the Groove en mayo del mismo año, obtuvo un éxito de ventas aún inferior que sus
anteriores discos de estudio.188 Al respecto, Michael Gray escribió: «El título mismo socava
cualquier idea de que un trabajo inspirador pueda estar dentro. Aquí hay una devaluación
adicional de la noción de un nuevo álbum de Dylan como algo significativo».189 No obstante,
las críticas a Down in the Groove fueron rápidamente sucedidas por el éxito de Traveling
Wilburys. Dylan fundó del grupo junto a George Harrison,Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty,
y su primer álbum, Traveling Wilburys Vol. 1, publicado a finales de año, alcanzó el puesto tres
en la lista Billboard 200.188 A pesar de la muerte de Orbison en diciembre de 1988, los cuatro
Wilburys restantes publicaron un segundo álbum en mayo de 1990 con el título de Traveling
Wilburys Vol. 3.190
El comienzo del Never Ending Tour y Oh, Mercy (1988-1990)[editar]
Después de compartir escenario con diversos grupos, Dylan inició en junio de 1988 una nueva
gira con una banda de acompañamiento liderada por el guitarrista G.E. Smith. Durante los
siguientes veinticinco años, Dylan continuó saliendo de gira con el respaldo de una pequeña
banda en constante evolución en lo que pasó a llamarse como Never Ending Tour.191
Dylan terminó la década con un repunte en su carrera y una buena crítica gracias a Oh Mercy,
producido por Daniel Lanois y descrito por Michael Gray como «atentamente escrito,
verbalmente distintivo, musicalmente caliente y profesional sin concesiones, este conjunto
coherente es lo más cercano a un gran álbum de Dylan en los años 80».189 La canción «Most
of the Time», una composición sobre un amor perdido, fue destacada en la película High
Fidelity, mientras que «What Was It You Wanted?» fue interpretada como un comentario
irónico sobre las expectativas de crítica y seguidores ante un trabajo del músico.192 Por otra
parte, la imaginería religiosa de «Ring Them Bells» azotó a algunos críticos como una
reafirmación de su fe.193

Década de 1990[editar]
De The Bootleg Series a MTV Unplugged (1991-1996)[editar]
Dylan comenzó la década de 1990 grabando Under the Red Sky, un cambio radical de postura
con respecto a su predecesor, Oh Mercy. El álbum incluyó canciones rock con letras
aparentemente simples como «Under the Red Sky» y «Wiggle Wiggle» que fue sujeto de
crítica por la prensa musical. Under the Red Sky, que contó con la colaboración de amigos
como George Harrison, David Crosby, Bruce Hornsby, Stevie Ray Vaughan y Elton John, fue
dedicado a «Gaby Goo Goo», apodo de Desiree, hija que Dylan tuvo con su segunda
esposa, Carolyn Dennis, y cuya relación se mantuvo en secreto hasta la publicación de la
biografía Down the Highway de Howard Sounes.194 Under the Red Sky fue además el último
álbum de Dylan con nuevas composiciones en siete años.
Dylan en concierto en el Lida Festival de Estocolmo, Suecia en 1996.

En 1991 fue premiado por la industria musical con un Grammy a la carrera artística de manos
del actor Jack Nicholson.195 El evento coincidió con el comienzo de la guerra del Golfo y Dylan
interpretó la canción «Masters of War». El músico también hizo un breve discurso en el que
declaró: «Mi padre me dijo una vez, me dijo: "Hijo, es posible que llegues a estar tan
deshonrado en este mundo que tu propia madre y tu propio padre te abandonarán. Si eso
pasa, Dios cree en tu capacidad para enmendar tus propios caminos».196 Este sentimiento
procedía de una cita del rabí Samson Raphael Hirsch.197 El mismo año, Columbia y Legacy
Recordings publicaron The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991, un
triple álbum con canciones descartadas, rarezas y tomas alternativas grabadas por Dylan
entre 1961 y 1989. El recopilatorio fue el primero de una serie de álbumes publicados en
sucesivos años bajo la serieThe Bootleg Series con material inédito con el fin de dar una
salida comercial a los ingentes archivos musicales de Dylan.
Durante el siguiente par de años, Dylan regresó a sus raíces musicales con dos álbumes de
versiones de temas folk y blues: Good as I Been to You (1992) y World Gone Wrong (1993),
que incluyeron material grabado exclusivamente con guitarra acústica y armónica.198
A finales de 1992, se cumplieron 30 años del comienzo de la carrera musical de Dylan en
1962, lo que se conmemoró con un concierto homenaje que tuvo lugar el 16 de octubre de
1992 en el Madison Square Garden de Nueva York. El evento se grabó en vivo y
posteriormente fue publicado como álbum en directo por Columbia Records en agosto de
1993, bajo el título de The 30th Anniversary Concert Celebration.199 El álbum incluyó la
participación de numerosos artistas y captura las interpretaciones más memorables de
celebridades del panorama musical (contó con la presencia de Stevie Wonder, Lou
Reed, Johnny Cash, Eric Clapton, Neil Young, George Harrison y Chrissie Hynde entre otros),
con versiones de canciones clásicas de Dylan, así como unas canciones interpretadas por el
propio Dylan al final del evento.199 La banda soporte del concierto estuvo formada por los
miembros supervivientes del grupo Booker T. & the M.G.'s: Booker T. Jones en el
órgano, Donald "Duck" Dunn en el bajo y Steve Cropper en la guitarra, además del
batería Anton Fig en sustitución de Al Jackson. También a la batería figura Jim Keltner.199
Tras World Gone Wrong, el músico renovó su contrato con Columbia y ofreció varios
conciertos en el Supper Club de Manhattan «invirtiendo un poder y una pasión en "Jack-A-
Roe", "Delia" y "Weeping Willow" perdidos durante un año entero de conciertos mediocres»,
según el biógrafo Clinton Heylin. Con vías a editarlo como disco, las grabaciones del Supper
Club fueron archivadas y en su lugar publicó MTV Unplugged, un álbum en formato acústico
que incluyó «John Brown», una canción inédita de 1963 que detalla los estragos de la guerra y
del chovinismo. Aunque el músico afirmó su deseo de interpretar canciones tradicionales en la
línea de sus dos anteriores trabajos, ejecutivos de Sonyinsistieron en que tocase sus mayores
éxitos.200
Enfermedad y regreso creativo: Time Out of Mind (1997-1999)[editar]
Con una colección de canciones escritas durante una nevada en su rancho
de Minnesota,201 Dylan reservó los Criteria Studios de Miami con Daniel
Lanois como productor. Poco después de completar la grabación, Dylan enfermó
de histoplasmosis, una infección fúngica o micosis sistémica causada por la
levadura Histoplasma capsulatum, a raíz de la cual se vio obligado a cancelar su gira y a
permanecer en cama durante junio de 1997.202 El músico se recuperó pronto y abandonó el
hospital comentando: «Realmente pensé que vería a Elvis muy pronto».203 A mediados de
1997 regresó a los escenarios y tocó en el XIII Congreso Eucarístico Internacional celebrado
en Bolonia, Italia, ante elPapa Juan Pablo II. Posteriormente, el Papa leyó un sermón204 ante
un público de más de 200 000 personas basado en la letra de la canción Blowin' in the
Wind.205
En septiembre de 1997 publicó Time Out of Mind, producido por Lanois y su primer trabajo con
nuevo material en siete años. Con una evaluación amarga del amor en temas como «Love
Sick» y reflexiones sobre la muerte en «Not Dark Yet», «Tryin' to Get to Heaven» y «Standing
on the Doorway», Time Out of Mind fue aclamado por la crítica musical: al respecto, Stephen
Thomas Erlewine, que destacó el sonido «sonido nebuloso y ominoso» del álbum, escribió que
«las canciones en sí son uniformemente potentes y se suman a la mejor colección general de
Dylan en años».206 Time Out of Mind ganó dos Grammy en la 40.ª edición de los premios en
las categorías de álbum del año y mejor álbum de folk contemporáneo, mientras que la
canción «Cold Irons Bound» se alzó con el Grammy a la mejor interpretación vocal
de rock masculina.207
En diciembre del mismo año, el Presidente de los Estados Unidos Bill Clinton otorgó a Dylan el
Kennedy Center Honor en la Casa Blanca y comentó: «Probablemente ha tenido más impacto
en la gente de mi generación que cualquier otro artista creativo. Su voz y sus letras nunca han
sido fáciles de oír, pero a lo largo de su carrera Bob Dylan nunca estuvo destinado a
complacer. Ha perturbado la paz e incomodado a los poderosos».208 En 1998, Columbia
publicó Live 1966: «The Royal Albert Hall» Concert, cuarto volumen de la colección The
Bootleg Series que incluyó el último concierto de la gira de 1966 ofrecido en Manchester y en
el que un miembro del público llamó «Judas» a Dylan, aparentemente por abandonar el folk y
comenzar a tocar música eléctrica.

Década de 2000[editar]
Del Óscar a "Love and Theft" (2000-2001)[editar]

Concierto en Bolonia en noviembre de 2005, en el marco de su gira Never Ending Tour, con el logotipo
de Dylan como telón de fondo.

Dylan comenzó el nuevo siglo manteniendo un promedio de cien conciertos anuales en su

gira Never Ending Tour y ganando su primerÓscar a la mejor canción y un Globo de Oro por
«Things Have Changed», compuesta para la película Wonder Boys. El Óscar, o un facsímil del
mismo según algunos medios, suele presidir el escenario situado sobre un amplificador.209 Un
año después publicó "Love and Theft", un nuevo álbum grabado con su banda de gira y
autoproducido por Dylan bajo el seudónimo de Jack Frost.210 El álbum obtuvo buenas reseñas
de la prensa musical, que destacó una ampliación de su paleta musical hacia géneros como
el rockabilly, elswing, el jazz y las baladas,211 y se alzó con el Grammy al mejor álbum de folk
contemporáneo en la 44.ª entrega de los premios.212 No obstante, "Love and Theft" generó
controversia cuando The Wall Street Journal señaló similitudes entre algunas letras de las
canciones y el libro de Junichi Saga Confessions of a Yakuza.213 214 n. 9

Dylan tocando el teclado en el New Orleans Jazz and Heritage Festival en abril de 2006.

Durante la década, Dylan compaginó sus giras con nuevas actividades extramusicales. Al
respecto, coescribió el largometraje Anónimos con el director Larry Charles bajo el alias de
Sergei Petrov e interpretó al protagonista del filme, Jack Fate, junto a actores como Jeff
Bridges,Penélope Cruz y John Goodman. 216 La película dividió a la crítica cinematográfica
entre los que la calificaron como un «lío incoherente»217 218 y los que la trataron como una
obra seria.219 220 Además, en octubre de 2004 publicó la primera parte de
su autobiografía, Chronicles: Volume One,221 en la que dedicó tres capítulos a sus primeros
años en Nueva York entre 1961 y 1962, así como otros dos a las grabaciones de New
Morning y Oh Mercy. El libro alcanzó el segundo puesto en la lista de libros de no ficción más
vendidos según The New York Times y fue nominado al Premio Nacional del Libro.222
No Direction Home y nuevos Bootleg Series (2002-2005)[editar]
Entre 2002 y 2006, Columbia y Legacy Recordings publicaron tres nuevos volúmenes de The
Bootleg Series: Live 1975, The Rolling Thunder Revue, con extractos de conciertos de la
primera etapa de la gira Rolling Thunder Revue, Live 1964, Concert at Philharmonic Hall, que
recoge un concierto en el Philharmonic Hall de Nueva York dominado por canciones protesta,
y No Direction Home: The Soundtrack, banda sonora del documental No Direction Home,
dirigido por Martin Scorsese. El documental, estrenado en septiembre de 2006, se centra en el
periodo que va desde la llega de Dylan a Nueva York en 1961 hasta su accidente de moto en
1966, e incluyó entrevistas con Suze Rotolo, Liam Clancy, Joan Baez, Allen Ginsberg, Pete
Seeger, Mavis Staples y el propio Dylan.223
Locutor de radio y Modern Times (2006)[editar]
En mayo de 2006, Dylan se estrenó como locutor de radio en el programa Theme Time Radio
Hour, con una selección de canciones semanal en torno a un tema monográfico.224 225 En el
programa, Dylan seleccionó canciones clásicas y poco conocidas desde la década de
1930 hasta la actualidad, incluyendo artistas contemporáneos de diversos géneros
como Blur, Prince, L.L. Cool J o The Streets, entre otros. El programa fue alabado por críticos
y seguidores como un «gran programa de radio» al incluir una dinámica habitual con historias
relatadas por el propio Dylan y referencias a su humor sardónico y a sus conocimientos
musicales.226 227 El último programa, titulado «Goodbye», fue emitido en abril de 2009 y
cerrado con la canción de Woody Guthrie «So Long, It's been Good To Know Yuh».228
El mismo año publicó Modern Times, descrito por la prensa musical como la última entrega de
una trilogía exitosa y precedida por Time Out of Mind y "Love and Theft".229Modern Times, el
primer álbum de Dylan en debutar en el número uno de la lista Billboard
200 desde Desire,230 fue elegido por Rolling Stone como el mejor álbum de 2006 y recibió dos
premios en la 49.ª edición de los Grammy: uno al mejor álbum de folk contemporáneo y otro a
la mejor interpretación vocal de rock solista por la canción «Someday Baby».231 232
De Together Through Life a Christmas in the Heart (2007-2009)[editar]

Dylan en el Azkena Rock Festivalde Vitoria en junio de 2010.

I'm Not There, un nuevo biopic sobre la vida de Dylan, fue estrenado en agosto de
2007.233 Escrita y dirigida por Todd Haynes, la película hace uso de seis personajes distintos,
interpretados por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath
Ledger y Ben Whishaw, para representar los distintos aspectos de su vida.233 Una grabación
inédita de 1967 de la que la película toma el nombre234 se incluyó por primera vez en la banda
sonora del filme, mientras que el resto de las canciones fueron versiones de otros artistas
como Eddie Vedder, Stephen Malkmus, Jeff Tweedy, Willie Nelson, Cat Power, Richie
Havens y Tom Verlaine. En octubre del mismo año fue galardonado con el Premio Príncipe de
Asturias de las Artes en Oviedo, sin la presencia del músico al coincidir con un concierto
en Omaha, Nebraska.
En octubre de 2008, Columbia y Legacy publicaron Tell Tale Signs: Rare and Unreleased
1989-2006, octavo volumen de la colección The Bootleg Series que incluyó actuaciones en
directo y descartes de discos de estudio entre Oh Mercy y Modern Times, así como
contribuciones a varias bandas sonoras y colaboraciones con David Bromberg y Ralph
Stanley.235 La publicación fue bien recibida por la prensa musical: al respecto, Thom Jurek
escribió que la abundancia de tomas alternativas y material inédito «se siente como un nuevo
disco de Dylan, no solo por la asombrosa frescura del material, sino también por la increíble
calidad de sonido y la sensación orgánica de todo».236 237
Un año después publicó Together Through Life, un nuevo álbum que tuvo su origen en «Life Is
Hard», una canción que compuso para el largometraje de Olivier Dahan My Own Love Song.
Según declaró al periodista Bill Flanagan: «El disco tomó su propia dirección».238 El álbum,
cuyas canciones fueron mayoritariamente coescritas entre Dylan y Robert Hunter,239 combinó
géneros como el rock, el folk rock y el blues, con un sonido «cercano a los discos de Sun
Records y Chess Records», según Flanagan. Together Through Life volvió a obtener reseñas
positivas por parte de la prensa musical y alcanzó el primer puesto tanto en las listas de discos
más vendidos de los Estados Unidos y del Reino Unido.240 241
El mismo año editó Christmas in the Heart, un álbum de música navideña destinado a
recaudar fondos para organizaciones humanitarias como Feeding America y para elPrograma
Mundial de Alimentos de la ONU.242 El álbum incluyó versiones de villancicos como «Little
Drummer Boy», «The Christmas Song» y «Hark the Herald Angels Sing»243y obtuvo reseñas
mixtas de la prensa: Edna Gundersen de USA Today señaló que Dylan «estaba revisando
estilos popularizados por Nat King Cole, Mel Tormé y Ray Conniff Singers» y concluyó que
«no podía sonar más sentimental o sincero».244

Década de 2010[editar]
Nuevos recopilatorios y homenajes (2010-2011)[editar]
A pesar de publicar discos de estudio en largos intervalos de tiempo, Columbia mantiene la
actividad discográfica de Dylan con el lanzamiento de recopilatorios, nuevos volúmenes
de The Bootleg Series o discos en directo de forma casi anual. Al respecto, en octubre de
2010 publicó The Witmark Demos (1962–1964), el noveno volumen de The Bootleg Series con
47 demos grabadas con guitarra acústica y armónica para las editoriales Leeds Music y M.
Witmark & Sons entre 1962 y 1964,20 y The Original Mono Recordings, una caja
recopilatoria con los siete primeros discos de Dylan en sonido monoaural acompañada de un
libreto de 56 páginas y un ensayo del crítico Greil Marcus.245Un año después, Columbia
publicó In Concert – Brandeis University 1963, un concierto inédito grabado en el Festival de
Folk de Brandeis en Waltham (Massachusetts) el 10 de mayo de 1963, dos semanas antes de
la publicación de The Freewheelin' Bob Dylan.246

El Presidente de los Estados UnidosBarack Obama otorgó a Dylan laMedalla Presidencial de la

Libertad en mayo de 2012.

En octubre de 2011, Dylan publicó The Lost Notebooks of Hank Williams, un proyecto de
canciones inéditas de Hank Williams bajo su propia compañía discográfica, Egyptian Records.
Dylan ayudó a completar el proyecto con canciones que Williams dejó sin terminar tras su
muerte en 1953 y que fueron grabadas por músicos como Levon Helm, Norah Jones, Jack
White, el propio Dylan y su hijo Jakob.247 El mismo año, Amnistía Internacional publicó Chimes
of Freedom: The Songs of Bob Dylan Honoring 50 Years of Amnesty International, un
recopilatorio con 76 versiones de canciones de Dylan interpretadas por una larga lista de
músicos como Pete Townshend, Kronos Quartet, Sinead O'Connor y Pete Seeger, entre
otros.248 249
Tempest (2012-2013)[editar]
En mayo de 2012, el Presidente de los Estados Unidos Barack Obama otorgó a Dylan
la Medalla Presidencial de la Libertad en la Casa Blanca. Obama alabó a Dylan por su «único
y grave poder que redefinió no solo cómo sonaba la música, sino también el mensaje que
transmitía y cómo hacía sentir a la gente». En septiembre del mismo año
publicó Tempest,250 un nuevo álbum de estudio con un marcado giro hacia letras sombrías y
violentas que incluye referencias al hundimiento del RMS Titanic en «Tempest» y un
homenaje aJohn Lennon en «Roll On John».251 252 El álbum volvió a obtener buenas críticas
de la prensa musical: The Daily Telegraph comentó que «el mayor trovador de la música
popular es aún tan brillante y desconcertante como siempre», mientras que McCormick dijo
«me quedé impresionado con la loca energía del álbum. A sus 71 años, Dylan todavía llama la
atención hacia nuevos y extraños lugares en lugar de volver a examinar su pasado».253
En agosto de 2013, Columbia publicó Another Self Portrait (1969-1971), el décimo volumen
de The Bootleg Series con 35 temas previamente inéditos, entre tomas alternativas y demos,
de las sesiones entre 1969 y 1971 durante la grabación de Self Portrait y New Morning. La
edición deluxe incluyó también un tercer disco con el concierto que Dylan ofreció junto a The
Band en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969. En noviembre, publicó The
Complete Album Collection: Vol. One, una caja recopilatoria con el catálogo musical completo
de Dylan y una colección titulada Side Tracks con canciones no incluidas en ningún
álbum.254 Para publicitar la caja, Columbia estrenó un videoclipinteractivo de «Like a Rolling
Stone» que permite al oyente cambiar entre dieciséis canales de televisión simulados, con
todos los personajes sincronizando con los labios la letra de la canción.255 La
revista Time eligió el videoclip de «Like a Rolling Stone» como el mejor video musical de
2013.256
Shadows in the Night y Fallen Angels (2014-2016)[editar]
En mayo de 2014, Dylan publicó en su página web una versión de «Full Moon and Empty
Arms», tema popularizado por Frank Sinatra en 1945. La canción sirvió como adelanto del
álbum Shadows in the Night, que contiene versiones de 10 canciones escritas entre 1923 y
1963257 258 grabadas por Sinatra. El álbum fue publicado finalmente en febrero de
2015.259 Además, en noviembre del mismo año, Columbia publicó The Basement Tapes
Complete, una caja de seis discos con 138 temas grabados con The Band en su hogar
de Woodstock en 1967. Hasta la fecha, solo una selección de canciones había sido publicada
en The Basement Tapes en 1975 y un centenar de tomas alternativas endiscos pirata.260
En septiembre de 2015, Sony Music anunció la publicación de The Bootleg Series Vol. 12: The
Cutting Edge 1965-1966, con material inédito correspondiente a las sesiones de grabación de
los tres álbumes que Dylan grabó entre enero de 1965 y marzo de 1966: Bringing It All Back
Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde.261 262
A comienzos de 2016, Dylan vendió más de 6 000 piezas de su archivo personal, incluyendo
manuscritos, libretas, grabaciones y cartas, a la George Kaiser Family Foundation y a
la Universidad de Tulsa, con un valor estimado de «entre quince y veinte millones de dólares».
La colección también incluyó treinta horas de material filmado para el documental Don't Look
Back, así como material cinematográfico de la gira Rolling Thunder Revue de 1975. El archivo
será expuesto en el Helmerich Center for American Research.263 264 El 7 de marzo, anunció el
lanzamiento de Fallen Angels, un álbum de versiones de canciones clásicas en la línea
de Shadows in the Night, acompañado de una gira por Japón y Estados Unidos con Mavis
Staples.265
En septiembre de 2016, Legacy Recordings anunció la publicación en noviembre de Bob
Dylan: The 1966 Live Recordings, una caja recopilatoria que incluirá 36 CD con todas las
grabaciones conocidas realizadas durante la gira de Dylan en 1966 por Estados Unidos, Reino
Unido, Europa y Australia, en la cual estuvo respaldado por el grupo The Band. El presidente
de Legacy Recordings, Adam Block comentó: "Mientras estábamos recopilando el material
de The Cutting Edge 1965-1966, nos dimos cuenta de lo realmente buenas que fueron las
grabaciones en directo de la gira de 1966."266 Las grabaciones comenzaron en Sydney
(Australia), el 13 de abril de 1966, y finalizan con el concierto del Royal Albert Hall en Londres,
el 27 de mayo. A excepción del concierto publicado en The Bootleg Series, Vol. 4: Live 1966.
The "Royal Albert Hall" Concert y de varias canciones incluidas en el recopilatorio Biograph, la
mayoría de los conciertos incluidos en The 1966 Live Recordings, procedentes
de soundboard, de estudios portátiles de CBS Records y de cintas del público, son
inéditos.267 Las notas del álbum están escritas por Clinton Heylin, autor del libro Judas!: From
Forest Hills to the Free Trade Hall: A Historical View of Dylan’s Big Boo, un estudio de la gira
del 1966.268

Never Ending Tour[editar]

Artículo principal: Never Ending Tour

Bob Dylan en concierto, en el Finsbury Park de Londres, el 18 de junio de 2011.

Never Ending Tour —en español: «La gira interminable»— es el nombre popular con el que se
conoce a la gira musical de Dylan desde el 7 de junio de 1988, desde la cual ha mantenido un
formato similar de sus conciertos y un promedio de cien fechas anuales durante tres décadas
consecutivas.191 La gira, que a fecha de mayo de 2014 suma más de 2 500
conciertos,269 270 incluye una banda de acompañamiento cambiante con un núcleo integrado
por el bajista Tony Garnier, el multiinstrumentista Donnie Herron y el guitarrista Charlie
Sexton. Los conciertos se caracterizan por una revisión del catálogo de Dylan con
nuevos arreglos musicales de sus composiciones antiguas y cambios del enfoque vocal de
año en año e incluso entre conciertos.271
La opinión crítica sobre la gira es mixta: críticos como Richard Williams y Andy Gill consideran
que Dylan ha encontrado una fórmula exitosa para presentar su vasto legado
musical,272 273 aunque otros han criticado sus actuaciones en directo por dar y escupir «las
mejores letras que se hayan escrito de forma que sean efectivamente irreconocibles» y por
dar tan poco al público que «es difícil entender qué está haciendo en el escenario».274
El paso de su gira por China en abril de 2011 generó controversia al no hacer ningún
comentario explícito sobre la situación política del país y por acceder a censurar su propia lista
de canciones según las autoridades chinas.275 Por el contrario, otros defendieron la presencia
de Dylan en el país y argumentaron que no existían pruebas de que el músico se sometiera a
la censura del país.276 En respuesta a estas alegaciones, el músico emitió un comunicado en
su página web: «En cuanto a la censura, el gobierno chino había pedido los nombres de las
canciones que iba a tocar. No hay una respuesta lógica a eso, así que les enviamos la lista de
los últimos tres meses. Si había alguna canción, algún verso o alguna línea censurada, nadie
me habló de ello y tocamos las canciones que pretendíamos tocar».277
El 31 de marzo de 2014, Dylan comenzó una nueva etapa por Japón seguida de fechas
por Europa entre junio y julio.278
Influencia, importancia y reconocimiento
internacional[editar]

Bob Dylan interpreta «The Times They Are a-Changin'» en la Casa Blanca durante un acto
conmemorativo del movimiento por los derechos civiles en febrero de 2010.

Se ha descrito a Bob Dylan como una de las figuras más influyentes del siglo XX desde el
punto de vista musical y cultural. Fue incluido en el especial Time 100: The Most Important
People of the Century, donde fue definido como "maestro poeta, crítico social cáustico e
intrépido espíritu guía de la generación contracultural".279 En 2004, se le elevó a la segunda
posición de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos en la revista Rolling Stone.280
Con un estilo inicialmente modelado a partir de las canciones de Woody Guthrie y de Robert
Johnson,281 Dylan aportó técnicas líricas cada vez más sofisticadas a la música folk de
comienzos de la década de 1960, infundiéndole "el intelectualismo de la literatura y poesía
clásicas".282 Paul Simon sugiere que con sus primeras composiciones, Dylan se hizo
virtualmente con el dominio del género folk: "Las primeras canciones eran muy ricas, con:
fuertes melodías. "Blowin' in the Wind" tiene una verdadera melodía muy fuerte. Se
engrandeció a sí mismo por medio del trasfondo de folk que incorporó durante un tiempo.
Durante un tiempo, definió el género".283
Cuando Dylan pasó de la música acústica al folk rock, la mezcla fue aún más compleja. Para
muchos críticos, el mayor logro de Dylan fue la síntesis cultural que ejemplifica su trilogía de
álbumes de mediados de los sesenta: Bringing It All Back Home, Highway 61
Revisited y Blonde on Blonde. Según Mike Marqusee: "Entre finales de 1964 y verano de
1966, Dylan creó una obra que sigue siendo única. Sobre las bases del folk, del blues, del
country, del R&B, del rock'n'roll, del gospel, del beat británico, de la
poesía simbolista, modernista y beat, del surrealismo y del dadaísmo, y recomendando la
jerga y el comentario social, Fellini y el Mad Magazine, forjó una coherente y original voz y
visión artística. La belleza de estos álbumes conserva el poder del impacto y del consuelo".284
Un legado de la sofisticación verbal de Dylan fue la creciente atención que lograba por parte
de críticos literarios. El profesor Christopher Ricks publicó un análisis de 500 páginas sobre el
trabajo de Dylan, emplazándolo en el contexto de autores como Eliot, Keats y Alfred
Tennyson.285 El poeta laureado de Gran Bretaña Andrew Motion sugirió también que las letras
de Bob Dylan deberían estudiarse en la escuela.286 En este mismo contexto, Dylan fue
nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.287
Dentro del terreno musical, Lou Reed, Jimi Hendrix, Bono,288 Neil Young,289 Bruce
Springsteen,290 Tom Petty, The Beatles, Van Morrison, Leonard Cohen, U2, The Go-
Betweens, David Bowie,291 Bryan Ferry,292 Mike Watt,293 Roger Waters, Ian Hunter, Paul
Simon, David Gilmour, Nick Cave,294 Keith Richards, Patti Smith, Iggy Pop, Jack White,Ronnie
Wood, Billy Joel, Glen Hansard, Robyn Hitchcock, Joe Strummer295 y Tom Waits,296 entre
otros, han reconocido la importancia de Dylan en la música contemporánea. También los
cantautores españoles Joaquín Sabina,297 Enrique Bunbury298 y Nacho Vegas,299 así como el
argentino Andrés Calamaro,300 quien participó en una gira por España con él en 1999,301 se
sienten influenciados por su música y legado. El asturiano Toli Morilla302 editó en junio de 2009
un disco con diez versiones en asturiano autorizadas por Dylan.303 Charly García y León
Gieco han reconocido la influencia de Bob Dylan e incluso fueron los músicos con los que
Dylan dio el recital en el estadio delClub Atlético Vélez Sarsfield (Buenos Aires) durante su
gira del 2008 por el continente americano.
La medida en que se estudia su obra a nivel académico se demostró en su septuagésimo
cumpleaños, el 24 de mayo de 2011, cuando tres universidades organizaronsimposios sobre
su obra. La Universidad de Maguncia, la Universidad de Viena y la Universidad de
Brístol invitaron a críticos literarios e historiadores culturales para dar ponencias sobre
diversos aspectos de la obra de Dylan. Otros eventos, incluyendo bandas tributo y
discusiones, tuvieron lugar de forma simultánea a lo largo del mundo. Según comentó The
Guardian: «De Moscú a Madrid, de Noruega a Northampton y de Malasia a su hogar
en Minnesota, confesos "Bobcats" se reunirán hoy para celebrar el 70 aniversario de un
gigante de la música popular».304

Pinturas y dibujos[editar]
Una década después de que Random House publicase Drawn Blank, un libro con dibujos de
Dylan, la exhibición The Drawn Blank Series se inauguró en octubre de 2007 en el
Kunstsammlungen de Chemnitz, Alemania.305 La primera exposición pública de las pinturas de
Dylan exhibió más de doscientas acuarelas y gouaches de sus dibujos originales. La
exposición coincidió con la publicación del libro Bob Dylan: The Drawn Blank Series, que
incluyó 170 reproducciones de la serie.305 Entre septiembre de 2010 y abril de 2011, la Galería
Nacional de Dinamarca exhibió cuarenta pinturas acrílicas de Dylan, bajo el título de The
Brazil Series.306
En julio de 2011, la Galería Gagosian, especializada en arte contemporáneo, anunció la
representación de pinturas del músico.307 Una exhibición de Dylan, titulada The Asia Series, se
inauguró en el Gagosian Madison Avenue Gallery el 20 de septiembre, con pinturas de
escenas ambientadas en China y el Lejano Oriente.308 The New York Timesseñaló que
«algunos seguidores y dilanólogo han planteado preguntas sobre si algunas de estas pinturas
se basan en experiencias y observaciones del cantante, o en fotografías que están
ampliamente disponibles y no fueron tomadas por Dylan», mientras que The Times señaló
semejanzas entre las pinturas de Dylan y fotografías tomadas por Dmitri Kessel y Henri
Cartier-Bresson.309 La agencia Magnum confirmó que Dylan había licenciado los derechos de
reproducción de las fotografías imitadas.310
La segunda exhibición de Dylan en la Galería Gagosian, Revisionist Art, abrió en noviembre
de 2012. La muestra consistió en treinta pinturas que transformaban y satirizaban revistas
populares como Playboy y Babytalk.311 En febrero de 2013, Dylan exhibió las pinturas de The
New Orleans Series en el Palacio Real de Milán de Milán.312 En agosto del mismo año,
la National Portrait Gallery de Londres acogió la primera gran exposición de Dylan en el Reino
Unido, Face Value, con doce pinturas al pastel.313
En noviembre de 2013, la Galería Halcyon de Londres acogió Mood Swings, una exhibición de
siete puertas de hierro creadas por Dylan. En un comunicado difundido por la galería, Dylan
dijo: «He estado con el hierro toda mi vida desde que era niño. Nací y crecí en un país de
mineral de hierro, donde podías olerlo y respirarlo todos los días. Las puertas me apelan por el
espacio negativo que permiten. Pueden ser cerradas, pero al mismo tiempo permiten que las
estaciones del año y las brisas entren y fluyan. Pueden dejarte fuera o dentro. Y en cierto
modo no hay ninguna diferencia».314
Vida personal[editar]
Dylan contrajo matrimonio en dos ocasiones: el 22 de noviembre de 1965 se casó con la ex-
modelo Sara Lownds, con quien tuvo cuatro hijos: Jesse Byron Dylan, que nació el 6 de enero
de 1966; Anna Lea, el 11 de julio de 1967; Samuel Isaac Abraham, el 30 de julio de 1968;
y Jakob Luke, el 9 de diciembre de 1969. Dylan también adoptó a Maria Lownds, hija que Sara
tuvo en su anterior matrimonio. Bob y Sara se divorciaron el 29 de junio de 1977.315 De sus
hijos, Jakob siguió los pasos de su padre como músico y formó el grupo The Wallflowers,
mientras que Jesse es director cinematográfico que ha dirigido varios videos musicales para
artistas como Tom Waits, Elvis Costello, Tom Petty,Lita Ford y Lenny Kravitz.
En junio de 1986, Dylan contrajo matrimonio con la corista Carolyn Dennis.316 Su hija, Desiree
Gabrielle Dennis-Dylan, nació el 31 de enero de 1986. La pareja se divorció en octubre de
1992, y su matrimonio fue un secreto para la opinión pública hasta la publicación de la
biografía de Howard Sounes Down the Highway: The Life of Bob Dylan en
2001.317 Actualmente, cuando no está de gira, Dylan reside en Malibú (California).318

Discografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Discografía de Bob Dylan

 1962: Bob Dylan
 1963: The Freewheelin' Bob
Dylan
 1964: The Times They Are a-
Changin'
 1964: Another Side of Bob
Dylan
 1965: Bringing It All Back
Home
 1965: Highway 61 Revisited
 1966: Blonde on Blonde
 1967: John Wesley Harding
 1969: Nashville Skyline
 1970: Self Portrait
 1970: New Morning
 1973: Pat Garrett & Billy the
Kid
 1973: Dylan
 1974: Planet Waves
 1974: Before the Flood
 1975: Blood on the  1990: Under the Red Sky
Tracks  1992: Good as I Been to You
 1976: Desire  1993: The 30th Anniversary Concert
 1976: Hard Rain Celebration
 1978: Street Legal  1993: World Gone Wrong
 1979: Slow Train  1995: MTV Unplugged
Coming  1997: Time Out of Mind
 1979: Bob Dylan at  2001: "Love and Theft"
Budokan  2006: Modern Times
 1980: Saved  2009: Together Through Life
 1981: Shot of Love  2009: Christmas in the Heart
 1983: Infidels  2012: Tempest
 1984: Real Live  2015: Shadows in the Night
 1985: Empire  2016: Fallen Angels
Burlesque
 1986: Knocked Out
Loaded
 1988: Down in the
Groove
 1989: Dylan & The
Dead
 1989: Oh Mercy
 GANADORES DEL PREMIO NOBEL DE LITERATURA
El Premio Nobel de Literatura (en sueco, Nobelpriset i litteratur) es entregado cada año por
la Academia Sueca a «escritores que sobresalen por sus contribuciones en el campo de
la literatura». Es uno de los cinco premios establecidos en el testamento de Alfred Nobel,
en 1895, y que son dados a todos aquellos que realizan contribuciones notables en la química,
la física, la literatura, la paz y la fisiología o la medicina.1 Según lo dictado por el testamento
de Nobel, este reconocimiento es administrado por la Fundación Nobel y concedido por un
comité conformado por cinco miembros elegidos por la Academia Sueca.2
Cada año, la Academia Sueca envía las candidaturas al Premio Nobel de Literatura. Los
miembros de la Academia, así como de diferentes academias y sociedades literarias, junto
con profesores de literatura e idiomas, los laureados con el Nobel de Literatura, y los
presidentes de organizaciones de escritores están autorizados a proponer un candidato. No
están permitidas las autonominaciones.3 Finalmente, en octubre, los miembros de la
Academia Sueca votan y el candidato que recibe más de la mitad de los votos totales es
designado como el nuevo Nobel de Literatura.4 El Premio Nobel de Literatura fue entregado
por primera vez en 1901 al francés Sully Prudhomme. Cada ganador recibe una medalla, un
diploma y un premio económico cuyo importe ha variado a lo largo de los años.5 En 1901,
Prudhomme ganó 150 782 SEK, que equivaldría a 7 731 004 SEK en diciembre de 2007. En
2008, el premio fue entregado al también francés Jean-Marie Gustave Le Clézio, que obtuvo
una recompensa estimada en 10 000 000 SEK.6
El galardón es presentado en Estocolmo, Suecia, en una celebración anual que se realiza
cada 10 de diciembre, fecha del aniversario del fallecimiento de Nobel.7
Hasta 2016, el galardón de Literatura ha sido entregado a 113 personas.8 Existen casos en los
que ha habido controversias debido a la elección de la Academia; por ejemplo, en 1958, el
ganador del Nobel Boris Pasternak fue obligado a rechazarlo debido a que se hallaba bajo
presión por parte del gobierno de la Unión Soviética. De forma similar, en 1964, el
francés Jean-Paul Sartre rehusó recibir el galardón, puesto que hasta entonces se había
negado a aceptar cualquier reconocimiento oficial que le fuese hecho en vida.9Un total de 14
mujeres han ganado el Nobel de Literatura, el segundo premio Nobel en número de mujeres
galardonadas, puesto que el Premio Nobel de la Paz ha sido otorgado a 16 mujeres en toda
su historia.10 Desde su creación, ha habido solamente cuatro ocasiones en que el Premio
Nobel de Literatura ha sido concedido a dos personas en un mismo año (1904, 1917, 1966 y
1974), así como siete años en los que éste no fue entregado (1914, 1918, 1935 y 1940–
1943).8

Índice
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 1Ganadores
o 1.1Número de galardonados por país
o 1.2Número de galardonados por lengua en la que escribieron
 2Véase también
 3Referencias
 4Bibliografía
 5Enlaces externos

Ganadores[editar]
Año Laureado País Idioma Motivación

«en reconocimiento
especial a su
composición poética,
lo cual da pruebas de
un elevado idealismo,
190 Sully
Francia Francés una perfección artística
1 Prudhomme
y una rara
combinación de las
cualidades tanto del
corazón como del
intelecto».11

«el más grandioso

maestro con vida del
arte de la escritura
190 Theodor Imperio histórica, con una
Alemán
2 Mommsen alemán especial referencia a
su obra
monumental, Historia
de Roma».12

«a manera de tributo a
su poesía noble,
magnífica y versátil, la
cual siempre se ha
190 Bjørnstjerne
Noruega Noruego distinguido tanto por la
3 Bjørnson
frescura de su
inspiración como por la
pureza rara de su
espíritu».13

«en reconocimiento a
la originalidad fresca e
inspiración verdadera
de su producción
190 Frédéric poética, la cual refleja
Francia Provenzal
4 Mistral fielmente el escenario
natural y espíritu nativo
de su gente, y,
adicionalmente, su
trabajo significativo
como
 un filólogo provenzal».
14

«en reconocimiento a
las numerosas y
brillantes
composiciones que, en
José
España Español una manera individual
Echegaray
y original, han revivido
las grandiosas
tradiciones del drama
español».14

«por sus méritos

190 Henryk
Polonia Polaco sobresalientes como
5 Sienkiewicz
un escritor épico».15

«no sólo en
consideración de su
aprendizaje profundo e
investigación crítica,
sino sobre todo a
190 Giosuè manera de tributo a su
Italia Italiano
6 Carducci energía creativa,
frescura de estilo y
fuerza lírica que
caracterizan sus
piezas maestras
poéticas».16

«en consideración de
su poder de
observación,
originalidad de
imaginación, virilidad
190 Rudyard de ideas y un talento
Reino Unido Inglés
7 Kipling extraordinario para la
narración que
caracterizan las
creaciones de este
autor famoso a nivel
mundial».17
 «en reconocimiento a
su búsqueda fervorosa
de la verdad, su poder
penetrante de
pensamiento, su
amplio rango de visión
Rudolf
190 Imperio y la calidez y la fuerza
Christoph Alemán
8 alemán en la presentación con
Eucken
la cual, en sus
numerosos trabajos,
ha reivindicado y
desarrollado una
filosofía idealista de la
vida».18

«en apreciación de su
idealismo elevado,
190 Selma imaginación intensa y
Suecia Sueco
9 Lagerlöf percepción espiritual
que caracteriza sus
escritos».19

«como tributo al arte

consumado, permeado
con idealismo, el cual
ha demostrado a lo
largo de su larga
191 Paul von Imperio
Alemán carrera productiva
0 Heyse alemán
como un poeta lírico,
dramaturgo, novelista
y escritor de novelas
cortas bien conocidas
a nivel mundial».20

«en reconocimiento a
sus actividades
literarias multilaterales,
y especialmente de
sus obras dramáticas,
191 Maurice que se distinguen por
Bélgica Francés
1 Maeterlinck una riqueza de
imaginación y una
fantasía poética, la
cual revela, a veces
con el aspecto de
un cuento de hadas,
una profunda
 inspiración, mientras
atraen los propios
sentimientos de los
lectores y estimulan su
imaginación de una
forma misteriosa».21

«principalmente en
apreciación de su
191 Gerhart Imperio producción fructífera,
Alemán
2 Hauptmann alemán variada y sobresaliente
en el campo del arte
dramático».22

«debido a su verso
profundamente
sensitivo, fresco y
hermoso, con el cual,
con una destreza
191 Rabindranat India consumada, ha creado
Bengalí
3 h Tagore su pensamiento
Bangladés poético, expresado en
sus propias palabras
en inglés, una parte de
la literatura de
Occidente».23
191
No entregado a causa de la Primera Guerra Mundial
4
«a manera de tributo al
idealismo elevado de
su producción literaria
191 Romain y a la simpatía y amor
Francia Francés
5 Rolland de la verdad con la
cual ha descrito
distintos tipos de seres
humanos».24
«en reconocimiento a
su importancia como el
191 Verner von
Suecia Sueco principal representante
6 Heidenstam
de una nueva era en
nuestra literatura».25

«por su poesía variada

191 Karl Adolph Danés yAlem y rica, que se halla
7 Gjellerup Dinamarca án inspirada por ideales
grandiosos».26
 «por sus descripciones
Henrik
auténticas de la vida
Pontoppida Dinamarca Danés
de hoy en día en
n
Dinamarca».26

191
No entregado a causa de la Primera Guerra Mundial
8

«en apreciación
191 Carl especial de su épica
Suiza Alemán
9 Spitteler obra, Olympian
Spring».27

«por su monumental
192 Knut
Noruega Noruego trabajo, La bendición
0 Hamsun
de la tierra».28

«en reconocimiento a
sus brillantes logros
literarios, que se
caracterizan por una
192 Anatole
Francia Francés nobleza de estilo, una
1 France
profunda simpatía
humana, elegancia y
un temperamento galo
verdadero».29

«por la feliz manera en

192 Jacinto que ha continuado las
España Español
2 Benavente tradiciones ilustres del
drama español».30

«por su poesía
siempre inspirada, la
cual brinda expresión
192 William
Irlanda Inglés al espíritu de una
3 Butler Yeats
nación entera de una
forma altamente
artística».31

«por su gran épica

192 Władysław
Polonia Polaco nacional, Los
4 Reymont
campesinos».32
 «por su trabajo que
está marcado tanto por
idealismo como por
George humanidad y su sátira
192
Bernard Irlanda Inglés estimulante que a
5
Shaw menudo se halla
infundida con una
singular belleza
poética».33
«por sus escritos
idealistas inspirados
que con una claridad
plástica describen la
192 Grazia vida en su isla natal y
Italia Italiano
6 Deledda con profundidad y
simpatía hacen frente
a los problemas
humanos en
general».34
«en reconocimiento a
sus ideas ricos y
192 Henri vitalizantes y la
Francia Francés
7 Bergson habilidad brillante con
la que se han
presentado».35

«principalmente por
sus poderosas
192 Sigrid descripciones de la
Noruega Noruego
8 Undset vida en el Norte
durante la Edad
Media».36

"principalmente por su
grandiosa novela, Los
Buddenbrook, la cual
ha ganado un
192 Thomas reconocimiento
Alemania Alemán
9 Mann continuamente
creciente como una de
las obras clásicas de la
literatura
contemporánea".37
«por su arte vigoroso y
gráfico de la
descripción y su
193 Sinclair Estados
Inglés capacidad para crear,
0 Lewis Unidos
con ingenio y humor,
nuevos tipos de
personajes».38
193 Erik Axel «la poesía de Erik Axel
Suecia Sueco
1 Karlfeldt Karlfeldt».39

«por su distinguido
arte de narración que
193 John
Reino Unido Inglés toma su forma más
2 Galsworthy
elevada en The
Forsyte Saga».40

«por el arte estricto

Imperio con el que ha llevado a
193
Iván Bunin ruso(ruso, huyó Ruso cabo la tradición
3
a Francia) clásica rusa en la
escritura en prosa».41

«por su reactivación
193 Luigi audaz e ingeniosa del
Italia Italiano
4 Pirandello arte dramático y
escénico».42

193
No entregado
5
«por las poderosas, la
honestas y profundas
emociones percibidas
193 Eugene Estados en sus obras
Inglés
6 O'Neill Unidos dramáticas, que
representan un
concepto original de
tragedia».43
«por el poder artístico
y la verdad con los que
ha representado los
conflictos humanos,
Roger así como algunos
193
Martin du Francia Francés aspectos
7
Gard fundamentales de la
vida contemporánea
en su ciclo de
novelas Les
Thibault».44
 «por sus descripciones
ricas y
verdaderamente
193 Pearl S. Estados épicas de la vida
Inglés
8 Buck Unidos campesina en China y
por sus obras
maestras
biográficas».45
«por su profundo
conocimiento de los
campesinos de su país
193 Frans Eemil y el arte exquisito con
Finlandia Finés
9 Sillanpää el que ha retratado su
forma de vida y su
relación con la
Naturaleza».46
194
No entregado a causa de la Segunda Guerra Mundial
0
194
No entregado a causa de la Segunda Guerra Mundial
1
194
No entregado a causa de la Segunda Guerra Mundial
2
194
No entregado a causa de la Segunda Guerra Mundial
3
«por la fuerza rara y la
fertilidad de su
imaginación poética
Johannes con la que se combina
194
Vilhelm Dinamarca Danés una curiosidad
4
Jensen intelectual de amplio
alcance y un estilo
audaz y frescamente
creativo».47
«por su poesía lírica
que, inspirada por
poderosas emociones,
ha convertido su
194 Gabriela
Chile Español nombre en un símbolo
5 Mistral
de las aspiraciones
idealistas de todo el
mundo
latinoamericano».48
«por sus escritos
inspirados que, al
194 Hermann Alemania crecer en osadía y
Alemán
6 Hesse Suiza penetración,
ejemplifican clásicos
ideales humanitarios y
 altas calidades de
estilo».49
«por sus escritos
comprensivos y
artísticamente
significativos, en los
que los problemas
194 humanos y las
André Gide Francia Francés
7 condiciones (de vida)
se han presentado con
un amor sin miedo de
la verdad y una
perspicacia psicológica
aguda».50

«por su contribución
Estados
194 sobresaliente y pionera
T. S. Eliot Unidos Inglés
8 a la poesía de hoy en
Reino Unido
día».51

«por su poderosa y
artísticamente única
194 William Estados
Inglés contribución a la
9 Faulkner Unidos
novela contemporánea
estadounidense».52

«en reconocimiento de
sus escritos variados y
significativos en los
195 Bertrand
Reino Unido Inglés que defiende los
0 Russell
ideales humanitarios y
la libertad de
pensamiento».53
«por el vigor artístico y
la verdadera
independencia de la
mente con los cuales
195 Pär intenta en su poesía
Suecia Sueco
1 Lagerkvist encontrar ls
respuestas a las
eternas preguntas que
confrontan la
humanidad».54
«para el discernimiento
profundamente
195 François espiritual y la
Francia Francés
2 Mauriac intensidad artística con
los que ha penetrado
en sus novelas el
 drama de la vida
humana».55
«por su dominio de las
descripciones
biográficas e históricas
195 Winston
Reino Unido Inglés así como por su
3 Churchill
brillante oratoria en
defensa de los valores
humanos exaltados».56
«por su dominio del
arte de la narrativa,
más recientemente
195 Ernest Estados demostrada en El viejo
Inglés
4 Hemingway Unidos y el mar, y por la
influencia que ha
ejercido en el estilo
contemporáneo».57

«por su vívido poder

épico con el que ha
195 Halldór
Islandia Islandés renovado el gran arte
5 Laxness
narrativo de
Islandia».58

«por su poesía lírica,

Juan que en idioma español
195
Ramón España Español constituye un ejemplo
6
Jiménez de elevado espíritu y
pureza artística».59

«por su importante
producción literaria,
que con una seriedad
195 Albert
Francia Francés clarividente ilumina los
7 Camus
problemas de la
consciencia humana
en nuestra época».60
«por su importante
Borís logro tanto en la
Pasternak(f poesía lírica
195 Unión
ue obligado Ruso contemporánea como
8 Soviética
a en el campo de las
rechazarlo) grandiosas tradiciones
épicas rusas».61

«por su poesía lírica,

que con un fuego
195 Salvatore clásico expresa la
Italia Italiano
9 Quasimodo trágica experiencia de
vida en nuestros
tiempos».62
 «por el vuelo al alza y
las imágenes
evocadoras de su
196 Saint-John poesía que, en un
Francia Francés
0 Perse aspecto visionario,
refleja las condiciones
de nuestros
tiempos».63
«por la fuerza épica
con la que ha trazado
196 temas y representado
Ivo Andrić Yugoslavia Serbocroata
1 destinos humanos
extraídos de la historia
de su país».64
«por sus escritos
realistas e
imaginativos,
196 John Estados combinados de tal
Inglés
2 Steinbeck Unidos forma que incorporan
un humor simpático así
como una percepción
social entusiasta».65

«por sus escritos

líricos eminentes,
196 Yorgos inspirados por un
Grecia Griego
3 Seferis sentimiento profundo
por el universo cultural
helénico».66

«por su obra que, rica

en ideas y llena del
espíritu de libertad y la
Jean-Paul
196 búsqueda de la
Sartre (lo Francia Francés
4 verdad, ha ejercido
rechazó)
una influencia de gran
alcance en nuestra
época».67
«por el poder la
integridad artísticos
con los que, en su
196 Mijaíl Unión epopeya del Don, ha
Ruso
5 Shólojov Soviética dado expresión a una
fase histórica en la
vida del pueblo
ruso».68
 «por su arte
profundamente
Shmuel
narrativo
Yosef Israel Hebreo
con tópicos característi
Agnón
cos de la vida del
pueblo judío».69
196
6 «por sus
sobresalientes escritos
líricos y dramáticos,
Nelly Sachs Alemania Alemán que interpretan el
destino de Israel con
una fuerza
conmovedora».69
«por sus logros
literarios vivos,
fuertemente arraigados
Miguel
196 en los rasgos
Ángel Guatemala Español
7 nacionales y las
Asturias
tradiciones de los
pueblos indígenas de
América Latina».70

«por su maestría
narrativa, que expresa
196 Yasunari
Japón Japonés con gran sensibilidad
8 Kawabata
la esencia de la mente
japonesa».71

«por su escritura, que

—en las nuevas
formas de la novela y
196 Samuel Francés eIngl
Irlanda el drama— en la
9 Beckett és
miseria del hombre
moderno adquiere su
elevación».72
«por la fuerza ética
con la que ha
Aleksandr
197 Unión perseguido las
Solzhenitsy Ruso
0 Soviética tradiciones
n
indispensables de la
literatura rusa».73
«por una poesía que
con la acción de una
197 Pablo fuerza elemental da
Chile Español
1 Neruda vida al destino y los
sueños de un
continente».74
 «por sus escritos que a
través su combinación
de una amplia
perspectiva sobre su
197 Heinrich Alemania tiempo y una habilidad
Alemán
2 Böll Occidental sensible en la
caracterización ha
contribuido a la
renovación de la
literatura alemana».75
«por un arte narrativo
épico y psicológico que
197 Patrick
Australia Inglés ha introducido a un
3 White
nuevo continente a la
literatura».76

«por un arte narrativo,

previsor en las tierras y
Eyvind
Suecia Sueco las edades, en el
Johnson
servicio de la
libertad».77
197
4
«por los escritos que
Harry atrapan la gota de
Suecia Sueco
Martinson rocío y reflejan el
cosmos».77

«por su poesía
distintiva que, con gran
sensibilidad artística,
197 Eugenio ha interpretado los
Italia Italiano
5 Montale valores humanos bajo
el signo de una visión
de la vida sin
ilusiones».78
«por la comprensión
humana y el análisis
Estados
197 sutil de la cultura
Saul Bellow Unidos Inglés
6 contemporánea que se
Canadá
combinan en su
obra».79
«por una creativa
escritura poética que
ilumina la condición del
197 Vicente hombre en el cosmos y
España Español
7 Aleixandre en la sociedad actual,
al mismo tiempo que
representa la gran
renovación de las
 tradiciones de la
poesía española entre
guerras».80
«por su arte narrativo
apasionado que, con
Isaac raíces en una tradición
197 Estados
Bashevis Yidis cultural judía polaca,
8 Unidos
Singer traen a la vida las
condiciones humanas
universales».81
«por su poesía, que,
en el contexto de la
tradición griega,
describe con fuerza
197 Odysseas sensual y con lucidez
Grecia Griego
9 Elytis intelectual la lucha del
hombre
contemporáneo por la
libertad y la
creatividad».82

«quien con una lucidez

no comprometedora
198 Czesław expresa la condición
Polonia Polaco
0 Miłosz expuesta del hombre
en un mundo de
conflictos graves».83

«por escritos
marcados por una
198 Elias Bulgaria
Alemán visión amplia, una gran
1 Canetti Reino Unido
cantidad de ideas y
una fuerza artística».84
«por sus novelas e
historias cortas, en las
que lo fantástico y lo
real se combinan en
Gabriel
198 un mundo ricamente
García Colombia Español
2 compuesto de
Márquez
imaginación, lo que
refleja la vida y los
conflictos de un
continente».85
«por sus novelas que,
con la perspicacia del
arte narrativo realista y
198 William la diversidad y
Reino Unido Inglés
3 Golding universalidad del mito,
ilumina la condición
humana en el mundo
de hoy en día».86
 «por su poesía, que
dotada con frescura y
una inventiva rica,
198 Jaroslav Checoslovaq proporciona una
Checo
4 Seifert uia imagen libertadora del
espíritu indomable y la
versatilidad del
hombre».87
«quien en su
novelística combina la
creatividad del poeta y
198 Claude del pintor con una
Francia Francés
5 Simon profunda conciencia
del tiempo en la
representación de la
condición humana».88

«quien, en una
perspectiva cultural
198 Wole amplia y con matices
Nigeria Inglés
6 Soyinka poéticos, innova el
drama de la
existencia».89

«por una autoría que

Estados
todo lo abarca,
198 Joseph Unidos
Ruso imbuida con claridad
7 Brodsky Unión
de pensamiento e
Soviética
intensidad poética».90

«quien, a través de
obras ricas en matices
— a veces con
clarividencia realistica,
y a veces
198 Naguib
Egipto Árabe evocativamente
8 Mahfuz
ambiguo — ha
formado un arte
narrativo árabe que se
aplica a toda la
humanidad».91
«por una prosa rica e
intensa que con una
compasión moderada
198 Camilo
España Español forma una visión
9 José Cela
retadora de la
vulnerabilidad del
hombre».92
 «por una apasionada
escritura con amplios
horizontes,
199
Octavio Paz México Español caracterizada por la
0
inteligencia sensorial y
la integridad
humanística».93
«quien, a través de su
magnífica épica
escritura ha sido —en
199 Nadine
Sudáfrica Inglés palabras de Alfred
1 Gordimer
Nobel— de gran
beneficio para la
humanidad».94
«por una obra poética
de gran luminosidad,
sustentada por una
199 Derek
Santa Lucía Inglés visión histórica,
2 Walcott
[siendo] el resultado de
un compromiso
multicultural».95
«quien en novelas
caracterizadas por
fuerza visionaria y
199 Toni Estados
Inglés sentido poético, da
3 Morrison Unidos
vida a un aspecto
esencial de la realidad
estadounidense».96
«quien con fuerza
poética crea un mundo
imaginario, donde se
condensan la vida y el
199 Kenzaburō
Japón Japonés mito para formar una
4 Ōe
imagen
desconcertante de la
condición humana de
hoy en día».97
«por las obras de una
belleza lírica y una
199 Seamus profundidad ética, que
Irlanda Inglés
5 Heaney exaltan milagros
diarios y vidas
pasadas».98
 «por su poesía que
con precisión irónica
permite que los
Wisława
199 contextos histórico y
Szymborsk Polonia Polaco
6 biológico salgan a la
a
luz en los fragmentos
de la realidad
humana».99

«por emular a los

bufones de la Edad
199 Media en la autoridad
Dario Fo Italia Italiano
7 flagelante y por
defender la dignidad
de los oprimidos».100
«quien, con parábolas
sostenidas por la
imaginación, la
199 José compasión y la ironía,
Portugal Portugués
8 Saramago continuamente nos
permite aprehender
una vez más una
realidad elusiva».101
«cuyas juguetonas
199 Günter fábulas negras retratan
Alemania Alemán
9 Grass el rostro olvidado de la
Historia».102
«por una obra de
validez universal, con
puntos de vista
200 Gao China penetrantes e ingenio
Chino
0 Xingjian Francia lingüístico, ha abierto
nuevos caminos para
la novela y el teatro
chinos».103
«por haber unido la
perceptiva narrativa y
el control incorruptible
200 V. S. Trinidad y
Inglés en obras que nos
1 Naipaul Tobago
obligan a ver la
presencia de historias
suprimidas».104
«por una redacción
que confirma la
200 Imre experiencia frágil del
Hungría Húngaro
2 Kertész individuo contra la
arbitrariedad bárbara
de la Historia».105
 «quien en
innumerables disfraces
200 J. M.
Sudáfrica Inglés retrata la sorprendente
3 Coetzee
implicación del
forastero».106

«por su flujo musical

de voces y contra-
voces en novelas y
obras teatrales que,
200 Elfriede
Austria Alemán con extraordinario celo
4 Jelinek
lingüístico, revelan lo
absurdo de los clichés
de la sociedad y su
poder subyugante».107
«quien en sus obras
desvela el precipicio
200 Harold bajo la charla cotidiana
Reino Unido Inglés
5 Pinter y obliga a la entrada
en las salas cerradas
de la opresión».108
«quien, en la
búsqueda del alma
melancólica de su
ciudad natal, ha
200 Orhan
Turquía Turco descubierto nuevos
6 Pamuk
símbolos para el
choque y el
entrelazamiento de
culturas».109
«esa narradora épica
de la experiencia
femenina que, con
200 Doris escepticismo, ardor y
Reino Unido Inglés
7 Lessing poder visionario, ha
sometido a escrutinio a
una civilización
dividida ».110
«escritor de nuevas
desviaciones,
aventuras poéticas y
Jean-Marie éxtasis sensual,
200 Francia
Gustave Le Francés explorador de una
8 Mauricio
Clézio humanidad más allá y
por debajo de la
civilización
reinante».111
 «quien, con la
concentración de la
200 Rumania poesía y la franqueza
Herta Müller Alemán
9 Alemania de la prosa, describe el
paisaje de los
desposeídos».112

«por su cartografía de
las estructuras de
Mario poder y sus imágenes
201 Perú
Vargas Español mordaces de la
0 España
Llosa resistencia del
individuo, la rebelión y
la derrota».113
«porque a través de
sus imágenes densas
201 Tomas
Suecia Sueco y translúcidas nos
1 Tranströmer
permite el acceso a la
realidad.»114
«quien combina los
cuentos populares, la
201 historia y lo
Mo Yan China Chino
2 contemporáneo con un
realismo
alucinatorio.»115

«maestra del cuento

201
Alice Munro Canadá Inglés corto
3
contemporáneo»116

«Por el arte de la
memoria con la que ha
evocado los más
201 Patrick
Francia Francés inasibles destinos
4 Modiano
humanos y descubierto
el mundo de la
ocupación».117
«por sus escritos
polifónicos, un
201 Svetlana
Bielorrusia Ruso monumento al
5 Aleksiévich
sufrimiento y al coraje
en nuestro tiempo».118
«por haber creado una
nueva expresión
201 Estados poética dentro de la
Bob Dylan Inglés
6 Unidos gran tradición
americana de la
canción».119
Número de galardonados por país[editar]
El país con más ganadores del Premio Nobel de Literatura es Francia, seguido por EE. UU.:
Nación Número de galardonados
Francia 15
Estados Unidos 12
Alemania 10
Reino Unido 9
Suecia 7
España 6
Italia 6
Polonia 4
Irlanda 4
Noruega 3
Unión Soviética 3
Chile 2
Dinamarca 2
Suiza 2
Grecia 2
Japón 2
Sudáfrica 2
China 2
Canadá 2
Guatemala 1
Colombia 1
México 1
Perú 1
Bélgica 1
India 1
Finlandia 1
Islandia 1
Yugoslavia 1
Israel 1
Australia 1
Checoslovaquia 1
Nigeria 1
Egipto 1
Santa Lucía 1
Portugal 1
Trinidad y Tobago 1
Hungría 1
 Nación Número de galardonados
Austria 1
Turquía 1
Mauricio 1
Rumania 1
Bielorrusia 1

Número de galardonados por lengua en la que escribieron[editar]

La lengua con mayor número de galardonados es la inglesa, con 27.
Lenguas germánicas (sueco, noruego, danés, inglés, alemán, islandés): 54
Si se consideran el conjunto de las lenguas romances (español, francés, italiano, portugués,
occitano), el número total de galardonados que escribieron en esas lenguas es 33.
Lenguas eslavas (ruso, polaco, checo, serbocroata): 13

Lengua Número de galardonados

Alemán 14
Árabe 1
Bengalí 1
Checo 1
Chino 2
Danés 3
Español 11
Finés 1
Francés 15
Griego 2
Hebreo 1
Húngaro 1
Inglés 27
Islandés 1
Italiano 6
Japonés 2
Provenzal 1
Polaco 4
Portugués 1
Noruego 3
Ruso 6
Serbocroata 1
Sueco 7
Turco 1
Yidis 1
Samuel Beckett y K. A. Gjellerup escribieron obras en dos lenguas y, por tanto, están
contados dos veces.
 René François
Armand «Sully» Prudhomme (París, 16 de
marzo de 1839 - Châtenay-Malabry, Francia, 6 de septiembre de1907) fue
un poeta y ensayista francés, ganador del primer Premio Nobel de Literatura en 1901.

Índice
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 1Biografía
 2Bibliografía
o 2.1Poesía
o 2.2Prosa
o 2.3Ensayo
 3Enlaces externos

Biografía[editar]
Prudhomme comenzó a estudiar originalmente ingeniería, pero decidió cambiarla por
la filosofía para consagrarse posteriormente a la poesía. Su intención era crear una lírica
científica e impersonal para los tiempos modernos: cantar las emociones y los sentimientos,
pero sin personalizarlos jamás. Desbordaba arte y pesimismo, componiendo estructuras de
grandes pretensiones, aunque un poco frías, como en las Stances et Poèmes, las Épreuves,
las Solitudes ("Soledades", 1869),La vie intérieure, Les Vaines tendresses o Le
Bonheur (1888). Obtuvo el primer premio Nobel de literatura, concedido en 1901.
Fue uno de los primeros valedores del capitán Alfred Dreyfus, participando en su defensa
pública durante el polémico caso (véase: Caso Dreyfus) que agitó a la sociedad francesa entre
1894 y 1906.
También se distinguió como uno de los pocos artistas que se manifestó abiertamente a favor
del proyecto de la Torre Eiffel en 1889 (modificando su opinión inicial contraria a la obra).
Sully Prudhomme ocupó el sillón 24 de la Academia Francesa, en el que también se han
sentado personalidades destacadas como el escritor y ensayista Jean de la Fontaine y el
matemático y físico Henri Poincaré.

Bibliografía[editar]

Tumba de Sully Prudhomme en el Cementerio de Père-Lachaise (París).

Poesía[editar]
 Stances et Poèmes, 1865.
 Les Épreuves, 1866.
 Les Solitudes, 1869.
 Les Destins, 1872.
 La France, 1874.
 Les Vaines tendresses, 1875.
 La Justice, 1878.
 Le Bonheur, 1888
 Épaves, 1908
Prosa[editar]
 Oeuvres de Sully Prudhomme (poesía y prosa), 8 volúmenes, A. Lemerre, 1883-1908.
 Que sais-je? (filosofía), 1896.
 Testament poétique (ensayos), 1901.
 La vraie religion selon Pascal (ensayos), 1905.
 Journal intime: lettres-pensées (diario), A. Lemerre, 1922.
Ensayo[editar]
 «La tour Eiffel, discours de M. Sully Prudhomme» discurso sobre la torre Eiffel publicado
en la Revue scientifique (France), 20 de abril de 1889. (Discurso de Prudhomme en
wikimedia)

José Echegaray y Eizaguirre (1832-1916) fue

un ingeniero, dramaturgo, político y matemático español, hermano del comediógrafo Miguel
Echegaray.
 Fue un polifacético personaje de la España de finales del siglo XIX, con excelentes resultados
en todas las áreas en las que se involucró. Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1904, y
desarrolló varios proyectos en ejercicio de las carteras ministeriales de Hacienda y Fomento.
Realizó importantes aportaciones a las matemáticas y a la física. Introdujo en España
la geometría deChasles, la teoría de Galois, las funciones elípticas. Está considerado como el
más grande matemático español del siglo XIX. Julio Rey Pastor afirmaba: «Para la matemática
española, el siglo XIX comienza en 1865 y comienza con Echegaray».

Índice
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 1Biografía
 2Profesor y científico
o 2.1Obra científica
 3En la política
 4En la literatura
o 4.1Obra literaria
 5Véase también
 6Notas
 7Referencias
 8Bibliografía
 9Enlaces externos

Biografía[editar]
Nació en Madrid el 19 de abril de 1832.1 nota 1 Su padre, médico y profesor de instituto, era
de Aragón y su madre de Navarra. Pasó su infancia en Murcia, donde realizó los estudios
correspondientes a la enseñanza primaria. Fue allí, en el Instituto de Murcia, donde comenzó
su afición por las matemáticas.
Con el objeto de preparar el ingreso a la Escuela de Ingenieros de Caminos, Canales y
Puertos, se trasladó con catorce años a Madrid,2 donde ingresó en el recién creado Instituto
de Segunda Enseñanza San Isidro. Cumplidos los veinte, salió de la Escuela de Madrid con el
título de Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, que había obtenido con el número uno de
su promoción, y se tuvo que desplazar a Almería y Granada para incorporarse a su primer
trabajo.
En su juventud leía a Goethe, Homero y Balzac, lecturas que alternaba con las de
matemáticos como Gauss, Legendre yLagrange.
José Echegaray mantuvo una gran actividad hasta su muerte, ocurrida el 14 de septiembre de
1916 en Madrid.1 3 nota 2 Su extensa obra no dejó de crecer en la vejez: en la etapa final de su
vida escribió 25 o 30 tomos de Física matemática. Con 83 años comentaba:
No puedo morirme, porque si he de escribir mi Enciclopedia elemental de Física matemática, necesito
por lo menos 25 años.

Profesor y científico[editar]
Echegaray, retratado porKaulak.

En 1854 comenzó a dar clase en la Escuela de Ingenieros de Caminos haciéndose cargo de la

secretaría de la misma. Allí dio clases de matemáticas, estereotomía, hidráulica, geometría
descriptiva, cálculo diferencial y física desde ese año hasta 1868. De 1858 a 1860 también fue
profesor de la Escuela de Ayudantes de Obras Públicas.
Diez años más tarde, cuando contaba treinta y dos años de edad, fue elegido miembro de
la Real Academia de las Ciencias Exactas. El discurso de ingreso, titulado Historia de las
matemáticas puras en nuestra España, en el que hizo un balance, exageradamente negativo y
con determinadas lagunas, de la matemática española a través de la historia y en el que
defendía la «ciencia básica» frente a la «ciencia práctica», fue fuente de una gran polémica,
tal como indican los periodistas Luis Antón del Olmet y Arturo García Carraffa en su
libro Echegaray:
Y como el discurso resultara áspero, crudo y hasta agresivo, produjo, a pesar de las felicitaciones y
elogios de rúbrica, pésimo efecto en algunos centros y colectividades... Muchos periódicos combatieron
su discurso. Los revolucionarios atacaron sus tendencias liberales; los liberales le acusaron de maltratar
a la Ciencia Española y la polémica fue ruda porque D. José contestó a todos en el mismo tono que
había empleado en su discurso.

Obra científica[editar]
En su carrera como científico y profesor publicó muchas obras sobre física y matemáticas.
Algunas de ellas, publicadas en su primera etapa, son las siguientes (si bien Echegaray
estuvo escribiendo hasta el final de sus días):

 Cálculo de variaciones (1858), que era casi desconocido en España.

 Problemas de geometría plana (Madrid, Bailly-Baillere, 1865).
 Problemas de geometría analítica (1865), calificada de obra maestra por Zoel García de
Galdeano.
 Teorías modernas de la física (1867).
 Introducción a la geometría superior (1867), exponiendo la geometría de Michel Chasles.
 Memoria sobre la teoría de los determinantes (1868), primera obra en España sobre el
tema.
 Tratado elemental de termodinámica (1868), breve ensayo sobre una ciencia que estaba
naciendo entonces.
 Resolución de ecuaciones y teoría de Galois: lecciones explicadas en el Ateneo de
Madrid (Madrid, J.A. García, 1897).
En la política[editar]

José Echegaray al final de sus días

Tras la Revolución de 1868 y la entrada de Prim en Madrid, Ruiz Zorrilla, con el que había
participado activamente en la fundación del Partido Radical, nombró a Echegaray director
general de Obras Públicas, cargo que ocuparía hasta 1869, cuando fue nombrado ministro de
Fomento (1869–1870 y 1872) y de Hacienda entre 1872 y 1873. En 1870 formó parte de la
comisión que recibió al rey Amadeo de Saboya en Cartagena. Como ministro de Fomento
realizó la Ley de Bases de Ferrocarriles.
La abdicación de Amadeo de Saboya el 11 de febrero de 1873 hizo que el gobierno de Ruiz
Zorrilla fuera destituido y se formara un nuevo gabinete republicano que sería depuesto con
la entrada del ejército en el congreso en enero de 1874 al mando de Pavía. Al golpe siguió la
formación de un gobierno de concentración, el cual volvió a requerir los servicios de
Echegaray como ministro de Hacienda, desde donde se le daría al Banco de España el
carácter de banco nacional con el monopolio de emisión de billetes.4
Dejó el Ministerio de Hacienda para dedicarse a la literatura. En 1905, regresó de nuevo al
Ministerio de Hacienda durante el reinado de Alfonso XIII, desaparecido su fervor republicano.
Fue además senador vitalicio y presidente del Consejo de Instrucción Pública.

En la literatura[editar]
En 1865, comenzó su actividad literaria con La hija natural aunque no llegó a estrenarla en
esa época. Luego, en 1874, escribió El libro talonario, considerada el comienzo de su
producción como dramaturgo. Estrenó 67 obras de teatro, 34 de ellas en verso, con gran éxito
entre el público de la época, aunque desprovistas de valores literarios para la crítica posterior.
En 1896 fue elegido miembro de laAcademia de la Lengua. En su primera época sus obras
estaban inmersas en la melancolía romántica, muy propia de la época, pero más adelante
adquirió un tono más social con una evidente influencia del noruego Henrik Ibsen.

Escojo una pasión, tomo una idea,

un problema, un carácter... y lo infundo,
cual densa dinamita, en lo profundo
de un personaje que mi mente crea.
 La trama, al personaje le rodea
de unos cuantos muñecos que en el mundo
o se revuelcan en el cieno inmundo
o se calientan a la luz febea.
La mecha enciendo. El fuego se prepara,
el cartucho revienta sin remedio,
y el astro principal es quien lo paga.
Aunque a veces también en este asedio
que al arte pongo y que al instinto halaga,
¡me coge la explosión de medio a medio!

—Célebre soneto en el que expuso su poética teatral

En 1904, Echegaray compartió el Premio Nobel de Literatura con el poeta provenzal Frédéric
Mistral,5 convirtiéndose así en el primer español en recibir un premio Nobel. El premio le fue
entregado en Madrid, el 18 de marzo de 1905, por el rey y la comisión sueca organizadora. La
concesión del Nobel de Literatura escandalizó a las vanguardias literarias españolas y, en
particular, a los escritores de la generación del 98.2 En ese tiempo Echegaray no era
considerado un dramaturgo excepcional y su obra era criticada muy duramente por escritores
de tanto relieve como Clarín o Emilia Pardo Bazán, aunque de un modo no siempre
consecuente. En el propio Clarín pueden leerse críticas elogiosas. Él mismo mantuvo siempre
una actitud distante con sus obras, no obstante contaba con la admiración de autores
comoBernard Shaw o Pirandello. Pero Echegaray tenía un gran prestigio en la España de
principios del siglo XX, un prestigio que alcanzaba los campos de la literatura, la ciencia y la
política y una asentada fama en la Europa de su tiempo. Sus obras triunfaron en ciudades
como Londres, París, Berlín y Estocolmo.6
Fue presidente del Ateneo de Madrid (1888); presidente de la Asociación de Escritores y
Artistas Españoles durante el periodo 1903 a 1908; miembro de la Real Academia
Española donde ocupó el sillón "e" minúscula entre 1894 y 1916; senador vitalicio (1900) y dos
veces presidente de la Real Academia de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales (1894–1896 y
1901–1916); primer presidente de la Sociedad Española de Física y Química, creada en 1903;
catedrático de Física matemática de la Universidad Central (1905); presidente de la sección de
Matemáticas de la Asociación Española para el Progreso de las Ciencias (1908); y primer
presidente de la Sociedad Matemática Española (1911). En 1907, a propuesta de Ramón y
Cajal, la Academia de Ciencias creó la Medalla Echegaray y se le concedió a José Echegaray
la primera de ellas.

Obra literaria[editar]
Algunas de sus obras más destacadas son:
 El libro talonario (1874)
 La esposa del vengador (1874)
 La última noche (1875)
 En el puño de la espada (1875)
 Un sol que nace y un sol que
muere (1876)
 Cómo empieza y cómo acaba (1876)
 El gladiador de Revens (1876)
 Locura o santidad (1876).
 O locura o santidad (1877)
 Iris de paz (1877)
 Para tal culpa, tal pena (1877)
 Los dos curiosos impertinentes (1881)
 Conflicto entre dos deberes (1882)
 Un milagro en Egipto (1884)
 Piensa mal ¿y acertarás? (1884)
 Manantial que no se agota (1889)
 Los rígidos (1889)
 Siempre en ridículo (1890)
 El prólogo de un drama (1890)
 Comedia sin desenlace (1891)
 Mariana (1891)
 El hijo de Don Juan (1892)
 El poder de la impotencia (1893)
  Lo que no puede decirse (1877)
 En el pilar y en la cruz (1878)
 Correr en pos de un ideal (1878)
 Algunas veces aquí (1878)
 Morir por no despertar (1879)
 En el seno de la muerte (1879)
 Bodas trágicas (1879)
 Mar sin orillas (1879)
 La muerte en los labios (1880)
 El gran Galeoto (1881)
 Haroldo el normando (1881)
 A la orilla del mar (1893)
 La rencorosa (1894)
 Mancha que limpia (1895)
 El estigma (1895)
 Amor salvaje (1896)
 La calumnia por castigo (1897)
 El hombre negro (1898)
 Silencio de muerte (1898)
 El loco de Dios (1900).
 Lances entre caballeros (Madrid, Sucesores de
Rivadeneyra, s.a.)

Jacinto Benavente y Martínez (Madrid, 12 de agosto de 1866-

Madrid, 14 de julio de 1954) fue un dramaturgo, director,guionista y productor de
cine español, Premio Nobel de Literatura en 1922.

Índice
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 1Biografía
 2Obra
o 2.1Adaptaciones al cine
 3Comentarios sobre el estilo
 4Limitaciones de su obra
 5Ideología
 6Todas las obras
o 6.1Adaptaciones
 7Premios y distinciones
 8Notas
 9Enlaces externos

Biografía[editar]
Nació el 12 de agosto de 1866 en la madrileña calle del León, fue el menor de los tres hijos
que tuvo el médico pediatra Mariano Benavente, circunstancia que suele relacionarse con el
interés que mostró por la medicina.
Inició los estudios de derecho en la Universidad Central de Madrid, pero, a la muerte de su
padre (1885) y gracias al desahogo económico que le brindó la herencia, los abandonó para
dedicarse a la literatura y a viajar por Francia y Rusia. Durante un tiempo fue empresario
de circo y algunos biógrafos, como Fernando Lázaro Carreter y Ángel Lázaro, sugieren que
trabajó inclusive en él, porque estaba enamorado de una trapecista inglesa, la Bella
Geraldine,1 2 lo que él siempre negó. Se ha dicho que Benavente, que nunca se casó, era
homosexual, si bien nunca se declaró como tal,3 y sus obras fueron censuradas durante un
periodo tras la Guerra Civil por este motivo y por haber sido cofundador en 1933 de
la Asociación de Amigos de la Unión Soviética.4 5 6
En 1892 publicó su primera obra, Teatro fantástico, a la que le sigue un libro de
poemas, Versos, otro de cuentos, Villanos y uno de crítica, Cartas de mujeres, todos
aparecidos al año siguiente.
El primer estreno data de 1894: El nido ajeno, que no tuvo éxito. Carreter señala al respecto
que «la obra fracasó porque el público y la crítica fueron ciegos para comprender sus
importantes novedades» y agrega que Azorín fue el único que supo valorar las primeras obras
del dramaturgo.1 Este, por su parte, reconoció: «Mal acogida por el público y mucho peor por
la crítica».7 A lo largo de su vida escribirá más de ciento setenta piezas.
En Gente conocida (1896) atacaba a las altas clases de la sociedad, pero esta crítica se va
diluyendo por una amable reprobación en sus obras siguientes, como La comida de las
fieras (1898).
En 1899, fundó en Madrid el Teatro Artístico, en el que colaboró Valle Inclán y cuyo objetivo
era representar un repertorio guiado por los intereses exclusivos del arte y por su
intencionalidad regeneracionista en toda la amplitud del término. Su referencia más inmediata
fue, como en otros casos, el Teatro Libre, creado años antes por André Antoine en París.
Entre sus propósitos, aluden a la escenificación de obras minoritarias y es perceptible un
cierto elitismo endogámico en sus propuestas. A los treinta y dos años ya era un autor
conocido y, tras pelearse con Valle-Inclán en la tertulia del Café de Madrid, formó la suya
aparte en la Cervecería Inglesa de la Carrera de San Jerónimo.
El éxito le llega con el nuevo siglo: La noche del sábado (1903) y Rosas de otoño (1905) y Los
intereses creados (1907), considerada su obra maestra. Carreter escribe que «el público lo
saca del teatro materialmente en hombros, algunas noches de estreno» y obtiene «la
aquiescencia de críticos tan difíciles como Unamuno y Ortega y Gasset».1
Ingresó en la Real Academia Española en 1912, ocupó en 1918 un escaño en el Congreso de
los Diputados.
Después de la muerte de su madre, en 1922, se fue a Estados Unidos como director artístico
de una compañía de teatro y fue, precisamente durante su viaje, cuando se enteró de la
concesión del Premio Nobel de Literatura. En Norteamérica pronunció conferencias, se
representaron algunas de sus obras y fue nombrado hijo adoptivo de Nueva York.
De regreso en España, recibió numerosos homenajes (entre ellos, hijo predilecto de Madrid,
1924) y después viaja a Egipto, la Tierra Santa, Oriente Medio y Rusia, donde pasó varios
meses.
Fue cofundador, el 11 de febrero de 1933, de la Asociación de Amigos de la Unión Soviética,
creada en unos tiempos en que la derecha sostenía un tono condenatorio en relación a los
relatos sobre las conquistas y los problemas del socialismo en la URSS.
Durante la Guerra Civil, Benavente permaneció primero en Madrid y luego en Valencia, donde
las autoridades del Gobierno del Frente Popular le homenajearon repetidamente y donde llegó
incluso a actuar en escena interpretando el papel de Crispín en Los intereses creados. Una
vez terminado el conflicto, ello le creó serias dificultades, aunque él alegase repetidamente
que sus tomas de posición le habían sido impuestas bajo amenaza de muerte.
Se llegó incluso al curioso extremo de permitir la puesta en escena de sus obras pero sin
indicar su nombre, que pasaba a ser «por el autor de La malquerida». Sin embargo, no ahorró
demostraciones de adhesión al nuevo régimen en piezas como Lo increíble (1940), Aves y
Pájaros (1941) y Abuelo y nieto (1941); es más, en Valencia subió a la tribuna presidencial
para asistir al desfile de las tropas "nacionales"8 y su presencia en la plaza de Oriente de
Madrid en la gran manifestación profranquista de 1947 —presencia abundantemente
comentada y fotografiada en la prensa—, le congració el aprecio del régimen y terminó con el
silencio oficial que la censura había impuesto sobre su persona y sus obras.
Fue presidente, a título honorario, de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles durante
el periodo de 1948 a 1954.
Amigo de Mary Carrillo, fue padrino de Las Hurtado. Vivió sus últimos años con esta familia
en Galapagar, y reposa en el cementerio de esta localidad española.

Obra[editar]
Abordó casi todos los géneros teatrales: tragedia, comedia, drama, sainete. Todos los
ambientes encontraron cabida y expresión cabal en su escena: el rural y el urbano, el plebeyo
y el aristócrata. Su teatro constituye una galería completa de tipos humanos. La comedia
benaventina típica, costumbrista, moderna, incisiva, supone una reacción contra el
melodramatismo desorbitado de Echegaray. Lejos del aparato efectista de este último,
Benavente construye sus obras tomando como fundamento la vida. Realismo, naturalidad y
verosimilitud son los tres supuestos de que parte su arte, sin excluir en muchos momentos
cierto hálito de poesía o de exquisita ironía. Conoce perfectamente todos los recursos
escénicos y sabe dar relieve dramático a las acciones más intrascendentes. En realidad puede
decirse que con su primera obra esterenada, El nido ajeno(1894), en que plantea un problema
de celos entre hermanos, abre un nuevo periodo en la dramaturgia española.
En Cartas a mujeres (1893) se advierte ya su interés por la psicología femenina, característica
que aparecerá en toda su obra; El nido ajeno, Gente conocida (1896) y La comida de las
fieras (1898) constituyen una reacción contra el teatro moralizador de Manuel Tamayo y
Baus o de Benito Pérez Galdós.
A partir de 1901, su teatro adquiere mayor profundidad con obras como La noche del
sábado (1903), novela escénica impregnada de poesía; El dragón de fuego (1903) y Los
intereses creados (1907), hábil combinación de sátira y humor, donde culmina su arte
innovador. En ella se ponen en movimiento los personajes de la commedia dell'arteitaliana,
con psicología española, y se hace una sutil y perspicaz crítica del positivismo imperante en la
sociedad contemporánea. La obra logró tan entusiasta acogida, que el público enfervorizado
llevara a su autor en hombros hasta su domicilio, al término de su representación en el Teatro
Lara de Madrid.
En 1908 estrenó La fuerza bruta, fundando al año siguiente, junto con el actor Porredón, un
teatro para niños. En otras obras los principios educativos se mezclan con ambientes y
motivos fantásticos (El príncipe que todo lo aprendió en libros, 1909).
Señora ama (1908) y La malquerida (1913) pertenecen al subgénero del drama rural. Se
inspiran en un pueblo de la provincia de Toledo, Aldea en Cabo, en que pasó largos periodos
de tiempo y presentan como personajes centrales caracteres femeninos dominados
sexualmente por hombres de escasa altura moral.
En total habría escrito 172 obras cuando murió. Cultivó además la poesía (Versos, 1893),
el cuento, el periodismo y otras modalidades literarias (Cartas de mujeres,
1893;Pensamientos, 1931) con muy destacado acierto.
Crítico de teatro en el periódico El Imparcial, recogió sus artículos en De sobremesa (1910, 5
volúmenes), El teatro del pueblo, Acotaciones (1914) y Crónicas y diálogos (1916).

Adaptaciones al cine[editar]
Atento a la innovación que supuso para el mundo del teatro y la literatura la puesta en
imágenes de historias con la llegada del cinematógrafo, comandó una adaptación de su
célebre Los intereses creados en 1911 que, según los historiadores de cine, es la mejor
traslación a la pantalla de una obra suya. Si no se ha hecho ninguna obra maestra más con
sus historias, quedan en el recuerdo un par de títulos apreciables: La malquerida (1949, Emilio
 Fernández); Vidas cruzadas (1942, Luis Marquina); La noche del sábado(1950, Rafael
Gil); Pepa Doncel (1969, Luis Lucia Mingarro).

Gabriela Mistral, 1
seudónimo de Lucila de María del Perpetuo
Socorro Godoy Alcayaga (Vicuña, Región de Coquimbo, Chile;7 de abril de 1889-Nueva
York, Estado de Nueva York, Estados Unidos; 10 de enero de 1957), fue
una poetisa, diplomática,feminista2 y pedagoga chilena. Una de las principales figuras de
la literatura chilena y latinoamericana, fue la primeraiberoamericana3 premiada con
el Nobel:4 ganó el de Literatura en 1945.5

Índice
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 1Biografía
o 1.1Inicios literarios
o 1.2Premio Nobel
o 1.3En Nueva York
 2Muerte, homenajes póstumos y legado
o 2.1Numismática
 3Premios y distinciones
 4Obras
o 4.1Obras sobre Gabriela Mistral
 5Referencias
 6Bibliografía
 7Enlaces externos

Biografía[editar]
Hija de Juan Jerónimo Godoy Villanueva, profesor de ascendencia diaguita,6 y de Petronila
Alcayaga Rojas, de ascendenciavasca,7 Gabriela Mistral nació en Vicuña, ciudad en la que
hoy existe un museo8 dedicado a ella en la calle donde nació y que actualmente lleva su
nombre. A los diez días sus padres se la llevaron a La Unión (Pisco Elqui), pero su «amado
pueblo», como ella misma decía, era Montegrande, donde vivió de los tres a los nueve años, y
donde pidió que le dieran sepultura.
Sus abuelos paternos, oriundos de la actual región de Antofagasta, fueron Gregorio Godoy e
Isabel Villanueva; y los maternos, Francisco Alcayaga Barraza y Lucía Rojas Miranda,
descendientes de familias propietarias de tierras del valle de Elqui. Gabriela Mistral tuvo una
media hermana, que fue su primera maestra, Emelina Molina Alcayaga, y cuyo padre fue
Rosendo Molina Rojas.
Casa-escuela de Montegrande.

Aunque su padre abandonó el hogar cuando ella tenía aproximadamente tres años, Gabriela
Mistral lo quiso y siempre lo defendió. Cuenta que «revolviendo papeles», encontró unos
versos suyos, «muy bonitos». «Esos versos de mi padre, los primeros que leí, despertaron mi
pasión poética», escribió.9
A los 15 años se enamoró platónicamente de Alfredo Videla Pineda, hombre rico y hermoso,
más de 20 años mayor que ella, con el que se carteó durante casi año y medio. En 1906
conoció a Romelio Ureta, un funcionario de ferrocarriles. Este sacó un dinero de la caja del
ferrocarril donde trabajaba con el fin de ayudar a un amigo; como no lo pudo devolver, Ureta
se suicidó en 1909. Más tarde ―a raíz de su triunfo en los Juegos Florales con Sonetos de la
muerte, versos que relacionaron con el suicida― nació el mito, que tuvo amplia difusión, del
gran amor entre ambos.
En 1904 comenzó a trabajar como profesora ayudante en la Escuela de la Compañía
Baja (en La Serena) y empezó a mandar colaboraciones al diario serenense El Coquimbo. Al
año siguiente continuó escribiendo en él y en La Voz de Elqui, de Vicuña.
Desde 1908 fue maestra en la localidad de La Cantera y después en Los Cerrillos, camino
a Ovalle. No estudió para maestra, ya que no tenía dinero para ello, pero posteriormente, en
1910, convalidó sus conocimientos ante la Escuela Normal № 1 de Santiago y obtuvo el título
oficial de «profesora de Estado», con lo que pudo ejercer la docencia en el nivel secundario.
Este hecho le costó la rivalidad de sus colegas, ya que este título lo recibió mediante
convalidación de sus conocimientos y experiencia, sin haber concurrido al Instituto
Pedagógico de la Universidad de Chile. Posteriormente su valía profesional quedó demostrada
al ser contratada por el Gobierno de México para asentar las bases de su nuevo sistema
educacional, modelo que actualmente se mantiene vigente casi en su esencia, pues solo se le
han hecho reformas para actualizarlo.[cita requerida]

Inicios literarios[editar]
Decreto del Ministerio de Educación que designa a Lucila Godoy directora del Liceo de Niñas de Punta
Arenas en 1918.

Casa que habitó Lucila Godoy en el popular Barrio Franklin

El 12 de diciembre de 1914 obtuvo el primer premio en el concurso de literatura de los

«Juegos Florales» organizados por la FECh en Santiago, por sus Sonetos de la muerte.
Desde entonces utilizó el seudónimo literario «Gabriela Mistral» en casi todos sus escritos, en
homenaje a dos de sus poetas favoritos, el italianoGabriele D'Annunzio y el francés Frédéric
Mistral. En 1917, Julio Molina Núñez y Juan Agustín Araya publicaron una de las más
importantes antologías poéticas de Chile, Selva lírica, donde Lucila Godoy aparece ya como
una de las grandes poetas chilenas. Esta publicación es una de las últimas en que utiliza su
nombre verdadero.
Desempeñó el cargo de inspectora en el Liceo de Señoritas de La Serena. Además, como
destacada educadora, visitó México, Estados Unidos yEuropa estudiando las escuelas y
métodos educativos de estos países. Fue profesora invitada en las universidades de Barnard,
Middlebury yPuerto Rico.
El hecho de haber vivido desde Antofagasta, en el extremo norte, hasta el puerto de Punta
Arenas, en el extremo sur, donde dirigió su primer liceo y estimuló la vida de la ciudad, la
marcó para siempre. Su mentor y quien la trasladara a dicha ciudad austral para hacerse
cargo del Liceo N°1 de Niñas, fue el gobernador del territorio de Magallanes, general Luis
Alberto Contreras y Sotomayor. Su apego a Punta Arenas también se debió a su relación con
Laura Rodig, que vivía en aquella ciudad. Pero la escritora de Elqui no soportaba bien el clima
polar. Por eso, pidió un traslado, y en 1920 se mudó a Temuco, desde donde partió en ruta a
Santiago al año siguiente. Durante su estancia en la Araucanía conoció a un joven llamado
Neftalí Reyes, quien posteriormente sería conocido mundialmente como Pablo Neruda.
Gabriela Mistral aspiraba a un nuevo desafío después de haber dirigido dos liceos de pésima
calidad. Opositó y ganó el puesto prestigioso de directora del Liceo № 6 de Santiago, pero los
profesores no la recibieron bien, reprochándole su falta de estudios profesionales.
Desolación, considerada su primera obra maestra, apareció en Nueva York en 1922 publicada
por el Instituto de Las Españas, a iniciativa de su director Federico de Onís. La mayoría de los
poemas que forman este libro los había escrito diez años atrás mientras residía en la localidad
de Coquimbito.

Gabriela Mistral en 1925.

El 23 de junio de 1922 Gabriela Mistral, en compañía de Laura Rodig, zarpó hacia México en
el vaporOrcoma, invitada por el entonces ministro de Educación José Vasconcelos. Allí
permaneció casi dos años, trabajando con los intelectuales más destacados del mundo
hispanohablante en aquel entonces.
En 1923 se inauguró su estatua en México, se publicó allí su libro Lectura para mujeres,
apareció en Chile la segunda edición de Desolación (con una tirada de 20 000 ejemplares) y
apareció en España la antología Las mejores poesías, con prólogo de Manuel de Montoliú.

MENÚ
0:00
Voz de Gabriela Mistral, registrada por la Radio Universidad Nacional de La Plata (Argentina).

Tras una gira por Estados Unidos y Europa, volvió a Chile, donde la situación política era tan
tensa que se vio obligada a partir de nuevo, esta vez para servir en Europa como secretaria de
una de las secciones de la Liga de Naciones en 1926; el mismo año ocupó la secretaría del
Instituto de Cooperación Internacional, de la Sociedad de las Naciones, en Ginebra.
En 1924 publicó en Madrid Ternura, libro en el que practicó una novedosa «poesía escolar»,
renovando los géneros tradicionales de la poesía infantil (por ejemplo, canciones de cuna,
rondas, y arrullos) desde una poética austera y muy depurada. Petronila Alcayaga, su madre,
murió en 1929, por lo cual le dedicó la primera parte de su libro Tala.
Gabriela Mistral con el muralista colombianoSantiago Martínez Delgado, en 1930.

Su vida fue, en adelante, una continuación de la errantía incansable que conoció en Chile, sin
un puesto fijo en que utilizar su talento. Prefirió, entonces, vivir entre América y Europa. Así,
viajó, por ejemplo, a la isla de Puerto Rico en 1931, como parte de un tour del Caribe y de
América del Sur. Es en esta gira donde la nombra «Benemérita del Ejército Defensor de la
Soberanía Nacional» en Nicaragua el general Augusto Sandino, a quien había dado su apoyo
en numerosos escritos. Además, dio discursos en la Universidad de Puerto Rico, Río Piedras,
en Santo Domingo, en Cuba, y en todos los otros países de América Central.
A partir de 1933, y durante un periodo de veinte años, trabajó como cónsul de su país en
ciudades de Europa y América. Su poesía fue traducida al inglés, francés, italiano, alemán y
sueco, y ha resultado muy influyente en la obra creativa de muchos escritores
latinoamericanos posteriores, como Pablo Neruda y Octavio Paz.

Premio Nobel[editar]
La noticia de que había ganado el Nobel la recibió en 1945 en Petrópolis, la
ciudad brasileña donde desempeñaba la labor de cónsul desde 1941 y donde se había
suicidado Yin Yin (Juan Miguel Godoy Mendoza) a los 18 años, quien era su sobrino según la
documentación oficial, pero que dijo ya estando muy disminuida en sus días finales a Doris
Dana que era su hijo carnal, al que, con su amiga y confidente Palma Guillén, "había
adoptado" y con el que vivía por los menos desde que este tenía cuatro años.10
La motivación para entregarle el premio fue «su obra lírica que, inspirada en poderosas
emociones, ha convertido su nombre en un símbolo de las aspiraciones idealistas de todo el
mundo latinoamericano».11
A finales de 1945 regresó a Estados Unidos por cuarta vez, entonces como cónsul en Los
Ángeles y, con el dinero ganado con el premio, se compró una casa en Santa Bárbara.12 Fue
allí donde al año siguiente escribió gran parte de Lagar I, en muchos de cuyos poemas se
observa la huella de la Segunda Guerra Mundial, y que sería publicado en Chile en 1954.
En 1946, conoció a Doris Dana, una escritora estadounidense con quien estableció una
controvertida relación, y de quien no se separaría hasta su muerte.

En Nueva York[editar]
Gabriela Mistral en los años 1950.

Artículo principal: Doris Dana

Gabriela Mistral fue nombrada cónsul en Nueva York en 1953, cargo que consiguió para estar
junto a la escritora y bachiller estadounidense Doris Dana, a quien había conocido en 1946 y
quien fue receptora, portavoz y albacea oficial.
La correspondencia entre Doris Dana y Gabriela Mistral revela aparentemente el
establecimiento de una sólida relación interpretada por muchos como homosexual entre
ambas, cosa que Dana negó hasta el final de sus días.13 Existe correspondencia entre ambas,
que publicó en Chile la editorial Lumen en 2009 bajo el título de Niña errante, con
transcripción, prólogo y notas de Pedro Pablo Zegers, conservador del Archivo del Escritor, de
la Biblioteca Nacional. «Doris, yo estoy en Estados Unidos por ti ―le dice en una carta―. Soy
tuya en todos los lugares del mundo y del cielo». Y antes: «Tal vez fue locura muy grande
entrar en esta pasión».14 1516 17 18 19 20 21
En 1954, Gabriela Mistral fue recibida con honores tras la invitación del gobierno de Chile
encabezado por Carlos Ibáñez del Campo.22 En esa ocasión la acompañó Doris Dana, a quien
la prensa nacional identificaba como «la secretaria de Mistral», y que pisaba tierra chilena por
primera y última vez.
En Santiago, que había declarado día festivo, la esperaban las autoridades de la capital,
mientras su auto descubierto era escoltado por patrullas de carabineros seguidas de huasos a
caballo y escolares destacados de diferentes colegios portando banderas. En su trayecto,
Gabriela Mistral pasó por un arco de triunfo hecho con flores frescas en la Alameda con
España ― «El buen sembrador siembra cantando», se podía leer en él―; a su paso la gente
le lanzaba flores. En la tarde, fue recibida en La Moneda por el presidente Ibáñez y al día
siguiente, se la honró con el título de doctor honoris causa por la Universidad de Chile.23
Posteriormente volvió a Estados Unidos, «país sin nombre», según ella. Para Gabriela Mistral,
la ciudad de Nueva York era demasiado fría; ella hubiera preferido vivir en Floridao Nueva
Orleans (había vendido su propiedad en California), y así se lo dijo a Doris, a quien le propuso
comprar una casa a nombre de las dos en alguno de esos lugares, pero al final terminó
acomodándose en Long Island, en la mansión de la familia de Doris Dana y se instaló en las
afueras de la megalópolis: «Pero si tú no quieres dejar tu casa, cómprame, repito, un
calentador y quedamos aquí», le escribe en 1954.
Doris Dana en esa época, consciente de que la existencia de Gabriela Mistral era finita,
comenzó un minucioso registro de cada conversación que tenía con la poeta. Además,
acumuló un total de 250 cartas y miles de ensayos literarios, que hoy constituyen el más
importante legado mistraliano y que fue donado por su sobrina Doris Atkinson después de su
muerte, acaecida en noviembre de 2006.

Muerte, homenajes póstumos y legado[editar]

Centro prescolar Gabriela Mistral enHouston, Estados Unidos.

Mistral tenía diabetes y problemas cardíacos. Finalmente murió en el Hospital de Hempstead

(en la ciudad de Nueva York) a causa de uncáncer de páncreas, el 10 de enero de 1957, a la
edad de 67 años, estando Doris Dana presente.
Doris Dana permaneció como albacea de la obra de Mistral y evitó enviarla a Chile hasta que
no se reconociera a la poeta como correspondía a su estatura mundial. Incluso se le llegó a
extender una invitación de parte del gobierno del presidente Ricardo Lagos Escobar, cosa que
ella gentilmente declinó.
En su testamento, Mistral estipuló que el dinero producido por la venta de sus libros en
América del Sur debía destinarse a los niños pobres de Montegrande, donde pasó sus
mejores años de infancia, y el de la venta en otras partes del mundo a Doris Dana y Palma
Guillén, quien renunció a esa herencia en beneficio de los niños pobres de Chile. Esta petición
de la poeta no se había podido realizar debido al decreto 2160, que derivaba los fondos a
editoriales e intelectuales. Este decreto fue derogado y actualmente los ingresos producto de
su obra llegan a los niños de Montegrande en el valle del Elqui.
La sobrina de Doris Dana, Doris Atkinson, donó finalmente al Gobierno chileno el legado
literario de Mistral ―más de 40 000 documentos, custodiados actualmente en los archivos de
la Biblioteca Nacional de Chile, incluidas las 250 cartas escogidas por Zegers para su
publicación―.
Sus restos llegaron a Chile el 19 de enero de 1957 y fueron velados en la casa central de
la Universidad de Chile, para después ser sepultados en Montegrande, como era su deseo.
Una vez mencionó que le gustaría que bautizaran un cerro de Montegrande en su honor; lo
consiguió póstumamente: el 7 de abril de 1991, en el que hubiera sido su 102.° cumpleaños,
el cerro Fraile pasó a llamarse Gabriela Mistral.
Centro Cultural Gabriela Mistral.

El poeta y estudioso de la obra de Gabriela Mistral, Jaime Quezada, ha editado una serie de
libros póstumos con escritos de la premio Nobel: Escritos políticos (1994), Poesías
completas (2001), Bendita mi lengua sea (2002) y Prosa reunida (2002).
La Organización de los Estados Americanos instituyó en 1979 el Premio Interamericano de
Cultura «Gabriela Mistral», «con el propósito de reconocer a quienes han contribuido a la
identificación y enriquecimiento de la cultura propia de América y de sus regiones o
individualidades culturales, ya sea por la expresión de sus valores o por la asimilación e
incorporación a ella de valores universales de la cultura».24 Fue otorgado por primera vez en
1984 y por última en 2000. Además, hay una serie de otros premios y concursos que llevan su
nombre.
Una universidad privada fundada en 1981, una de las primeras en Chile, también lleva su
nombre: la Universidad Gabriela Mistral. En 1997, el gobierno de Chile instituyó en su honor
la Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral.
El 15 de noviembre de 2005, Gabriela Mistral recibió un homenaje en el Metro de Santiago en
conmemoración de los sesenta años de su recepción del premio Nobel. Se le dedicó un tren
boa tapizado con fotografías de la poeta.
Prácticamente todas la ciudades importantes de Chile poseen una calle, plaza o avenida
bautizada en honor a ella con su nombre literario.
En diciembre de 2007 llegó a Chile gran parte del material retenido en Estados Unidos por su
primera albacea, Doris Dana. Lo recibió la ministra chilena de cultura Paulina Urrutia, junto a
Doris Atkinson, la nueva albacea. El trabajo de recopilación, transcripción y clasificación ha
sido hecho por el humanista chileno Luis Vargas Saavedra que, al mismo tiempo, ha
preparado una edición del trabajo llamada Almácigo.25
El 19 de octubre de 2009 se renombró el edificio Diego Portales como Centro Cultural
Gabriela Mistral.26 La presidenta de la República Michelle Bachelet promulgó la ley 20386,
publicada el 27 de octubre de 2009, que cambió la denominación del edificio a Centro Cultural
Gabriela Mistral, «con la finalidad de perpetuar su memoria y honrar su nombre y su
contribución a la conformación del patrimonio cultural de Chile y de las letras
hispanoamericanas».27
El presidente del Banco CentralJosé de Gregorio presentó en 2009 el nuevo billete de 5000 pesos con
el rostro de Mistral.

Numismática[editar]
La imagen de Gabriela Mistral ha aparecido en el billete de 5000 pesos chilenos desde julio de
1981.28 En septiembre de 2009 se puso en circulación un nuevo billete, del mismo valor, con
una imagen más agradable de Mistral.29

Premios y distinciones[editar]
 1945: Premio Nobel de Literatura
 1947: Doctor honoris causa por el Mills College of Oakland (California).
 1951: Premio Nacional de Literatura de Chile
Entre los muchos doctorados honoris causa que ella recibió, destacan los de la Universidad de
Guatemala, la Universidad de California (Los Ángeles) y la Universidad de Florencia (Italia),
por nombrar algunos, además del que le otorgó a su regreso a la patria en 1953 laUniversidad
de Chile.

Obras[editar]
Mural en cerámina de Fernando Daza, ubicado en las faldas del costado sur del Cerro Santa Lucía,
creado en 1971, y restaurado en 1997.

 Desolación, Instituto de las Españas en los Estados Unidos, Nueva York, 1922.
 Lecturas para mujeres. Destinadas a la enseñanza del lenguaje, con prólogo de Palma
Guillén. México: Departamento Editorial de la Secretaría de Educación de México, 1923.
 Ternura. Canciones de niños: rondas, canciones de la tierra, estaciones, religiosas, otras
canciones de cuna. Madrid: Saturnino Callejas, 1924.
 Nubes blancas: poesías, y La oración de la maestra, B. Bauza, Barcelona, 1930.
 Tala, Editorial Sur, Buenos Aires, 1938; descargable desde el portal Memoria Chilena
 Antología, selección de la autora; Editorial Zig-Zag, Santiago, 1941.
 Los sonetos de la muerte y otros poemas elegíacos. Santiago: Philobiblion, 1952.
 Lagar, Editorial del Pacífico, Santiago, 1954.
 Recados, contando a Chile. Santiago: Editorial del Pacífico, 1957.
Ediciones póstumas:

Busto de Gabriela Mistral enGuayaquil, Ecuador.

 Desolación, Ternura, Tala y Lagar, compilación de Palma Guillén; México DF: Parrúa,
1957.
 Motivos de San Francisco, selección y prólogo de César Díaz-Muñoz Cormatches.
Santiago: Editorial del Pacífico, 1965; descargable desde el portal Memoria Chilena.
 Poema de Chile, texto revisado por Doris Dana; Editorial Pomaire, 1967; descargable
desde el portalMemoria Chilena
 Poesías completas, con prólogo de Esther de Cáceres. Madrid: Aguilar, 1968.
 Magisterio y niño, selección de prosas y prólogo de Roque Esteban Scarpa.
Santiago: Editorial Andrés Bello, 1979; descargable desde el portal Memoria Chilena.
 Lagar II. Santiago: Ediciones de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Biblioteca
Nacional), 1991; descargable desde el portal Memoria Chilena.
 Antología mayor, 4 tomos (1: Poesía; 2: Prosa; 3: Cartas; 4: Vida y obra), edición y
cronología general de Luis Alberto Ganderats. Santiago: Lord Cochrane, 1992.
 Gabriela Mistral en 'La Voz de Elqui'. Santiago: Dirección de Bibliotecas, Archivos y
Museos, Museo Gabriela Mistral de Vicuña, 1992;descargable desde el portal Memoria
Chilena.

Monumento a Gabriela Mistral, en Viña del Mar (Chile).

 Gabriela Mistral en «El Coquimbo». Santiago: Dirección de Bibliotecas Archivos y Museos,

Museo Gabriela Mistral de Vicuña, 1994;descargable desde el portal Memoria Chilena.
 Gabriela Mistral: Escritos políticos, selección, prólogo y notas de Jaime Quezada.
Santiago: Fondo de Cultura Económica, 1994.
 Poesías completas, con un estudio preliminar y referencias cronológicas de Jaime
Quezada. Santiago: Andrés Bello, 2001.
 Bendita mi lengua sea. Diario íntimo de Gabriela Mistral (1905-1956), edición de Jaime
Quezada. Santiago: Planeta/Ariel, 2002;descargable desde el portal Memoria Chilena. * El
ojo atravesado. Correspondencia entre Gabriela Mistral y los escritores uruguayos,
edición, selección y notas de Silvia Guerra y Verónica Zondek. Santiago: LOM, 2005.
 Gabriela Mistral: 50 prosas en «El Mercurio»: 1921-1956, prólogo y notas de Floridor
Pérez. Santiago: El Mercurio/Aguilar, 2005.
 Moneda dura. Gabriela Mistral por ella misma, compilado por Cecilia García Huidobro.
Santiago: Catalonia, 2005.
 Esta América nuestra. Correspondencia 1926-1956. Gabriela Mistral y Victoria Ocampo,
edición, introducción y notas de Elisabeth Horan y Doris Meyer. Buenos Aires: El Cuenco
de Plata, 2007.
 Gabriela Mistral esencial. Poesía, prosa y correspondencia, selección, prólogo, cronología
y notas de Floridor Pérez. Santiago: Aguilar, 2007.
 Gabriela y México, selección y prólogo de Pedro Pablo Zegers. Santiago: Red
Internacional del Libro, 2007.
 Gabriela Mistral. Álbum personal. Santiago: Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos;
Pehuén, 2008.
 Almácigo, poemas inéditos; edición de Luis Vargas Saavedra. Santiago: Universidad
Católica de Chile, 2009.
  Niña errante. Cartas a Doris Dana, edición y prólogo de Pedro Pablo Zegers; Lumen,
Santiago, 2009.
 Hijita querida, edición, selección y prólogo de Pedro Pablo Zegers; Dibam/Pehuén,
Santiago, 2011.
 Epistolario americano, correspondencia con José Vasconcelos y Radomiro Tomic,
además de Ciro Alegría, Salvador Allende, Alone,Eduardo Frei Montalva, Pablo
Neruda y Ezra Pound, entre otros;30 Santiago: Das Kapital Ediciones, 2012.
 Baila y sueña. Rondas y canciones de cuna inéditas de Gabriela Mistral, 13 canciones de
cuna y 18 rondas inéditas recopiladas por Luis Vargas Saavedra, quien las descubrió en
2006, cuando Doris Atkinson lo invitó a conocer una serie de manuscritos inéditos en
South Hadley;31 Santiago: Universidad Católica, 2012.
 Caminando se siembra, prosas inéditas, selección de Luis Vargas Saavedra. Santiago:
Lumen, 2013.
 Poema de Chile, nueva versión con edición, investigación y prólogo de Diego del Pozo,
que suma 54 poemas a los 70 que tenía el preparado por Doris Dana en 1967. Santiago:
La Pollera, 2013.
 Por la humanidad futura, antología política de Gabriela Mistral. Investigación, edición y
prólogo por Diego del Pozo. El libro rescata textos políticos inéditos, así como otros que
no estaban compilados anteriormente, además de discursos y entrevistas. Santiago: La
Pollera, 2015.
Obras sobre Gabriela Mistral[editar]
 Amado, apresura el paso, álbum de Ángel Parra, 1995.

Juan Ramón Jiménez

Mantecón (Moguer, Huelva, 23 de diciembre de 1881 — San Juan, Puerto
Rico, 29 de mayo de 1958) fue un poeta español, ganador del Premio Nobel de
Literatura en 1956, por el conjunto de su obra, designándose como trabajo destacado de la
misma, la narración lírica Platero y yo.

Índice
[ocultar]

 1Biografía
o 1.1Guerra Civil y exilio
 2Su poesía
 3Etapas de su obra
o 3.1La etapa sensitiva (1898-1916)
o 3.2La etapa intelectual (1916-1936)
o 3.3La etapa suficiente o verdadera (1937-1958)
 4Obras
o 4.1Edición original
o 4.2Ediciones recientes
 5Bien de Interés Cultural (B.I.C.) lugares vinculados con Juan Ramón Jiménez
 6Fundación Juan Ramón Jiménez
 7Bibliografía
 8Véase también
 9Referencias
 10Enlaces externos

Biografía[editar]
Juan Ramón Jiménez nació el 23 de diciembre de 1881 en la casa número dos de la calle de
la Ribera de Moguer.1 Era hijo de Víctor Jiménez, natural de Nestares, la Rioja, y de
Purificación Mantecón López-Parejo,2 quienes se dedicaban con éxito al comercio de vinos.
En 1887 sus padres se trasladan a una antigua casa de la calle Nueva y aprende primaria y
elemental en el colegio de Primera y Segunda Enseñanza de San José.

Retrato de Juan Ramón Jimenez hacia 1900.

En 1891 aprueba con calificaciones de sobresaliente el examen de Primera Enseñanza en el

Instituto "La Rábida" de Huelva. En 1893 estudia Bachillerato en el colegio de San Luis
Gonzaga del Puerto de Santa María, y obtiene el título de Bachiller en Artes. Se traslada a
Sevilla, en 1896, para ser pintor, creyendo que esa es su vocación. Allí frecuenta la biblioteca
del Ateneo sevillano. Escribe sus primeros trabajos en prosa y verso. Empieza a colaborar en
periódicos y revistas de Sevilla y Huelva.

Lectura del poeta español Juan

Ramon Jimenez

MENÚ
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El autor lee sus poemas "Pureza del

mar" (1912) y "Belleza consciente"
(1925).
 ¿Problemas al reproducir este archivo?

Retrato de Juan Ramón Jiménez, pintado por Joaquín Sorolla.

Comenzó la carrera de Derecho impuesta por su padre en la Universidad de Sevilla, aunque la

abandona en 1899.
En 1900 se trasladó a Madrid y publicó sus dos primeros libros de textos, Ninfeas y Almas de
violeta. La muerte de su padre en este mismo año y la ruina familiar, confirmada cuando él y
su familia perdieron todo su patrimonio embargado al fallar el Tribunal Supremo a favor
delBanco de Bilbao, le causaron una honda preocupación, vivida intensamente a causa de su
carácter hiperestésico, y en 1901 será ingresado con depresión en un sanatorio en Burdeos,
regresando a Madrid, posteriormente, al Sanatorio del Rosario. Su primer amor fue la
idealizada Blanca Hernández Pinzón, la "novia blanca" de sus versos, pero pronto el poeta se
convertirá en todo un donjuán; los 104 poemas de sus Libros de amor (1911-1912) consignan
aventuras con mujeres solteras, casadas, con una norteamericana madre de una hija, con la
esposa del psiquiatra que atendió su depresión tras la muerte de su padre "y sí, hasta
monjas", como proclama su editor en 2007, José Antonio Expósito.3
En 1902 publica Arias tristes e interviene en la fundación de la revista literaria Helios. También
abandona el Sanatorio del Rosario y se traslada al domicilio particular del doctor Luis Simarro.
Ya en 1904 publica Jardines lejanos.
En 1905 regresa a su pueblo natal a causa de los problemas económicos por los que
atravesaba su familia, residiendo en la casa de la calle Aceña. Este periodo coincide con la
etapa de mayor producción literaria, entre los que figuran, en la Segunda Antología
Poética (terminada de imprimir en 1922), los libros en verso: Pastorales (1903-
1905); Olvidanzas (1906-1907); Baladas de primavera (1907); Elegías (1907-1908); La
soledad sonora (1908); Poemas májicos y dolientes (1909); Arte menor (1909); Poemas
agrestes (1910-1911); Laberinto (1910-1911);Melancolía (1910-1911); Poemas
impersonales (1911); Libros de amor (1911-1912); Domingos (Apartamiento: 1) (1911-
1912); El corazón en la mano (Apartamiento: 2) (1911-1912); Bonanza (Apartamiento: y
3) (1911-1912); La frente pensativa (1911-1912); Pureza (1912); El silencio de oro (1911-
1913) e Idilios4 (1912-1913), todos escritos durante su estancia en la casa.
El nº 38 de la calle de Padilla de Madrid, donde vivieron Juan Ramón y Zenobia de 1929 a 1936. El
edificio fue proyectado como casa-palacio por el arquitectoBernardo Giner de los Ríos.

En Madrid, gracias a Gregorio Martínez Sierra y a María Lejárraga,5 conoce a una elegante y
culta norteamericana, Luisa Grimm, casada con el rico español Antonio Muriedas Manrique de
Lara, quien tenía intereses económicos en México. Juan Ramón Jiménez se enamora de
Luisa Grimm y mantiene una copiosa correspondencia con ella entre 1907 y 1912. Grimm,
gran amante de la poesía, le dará a conocer a Jiménez muchos textos líricos escritos en
inglés, especialmente de autores del Romanticismo, que entonces eran poco conocidos en
España. En 1912, Jiménez empieza a traducir con ayuda del institucionistaAlberto Jiménez
Fraud el Himno a la belleza intelectual de Shelley, que publicará en 1915. Por fin conoce
a Zenobia Camprubí Aymar en 1913 y se enamora profundamente, aunque el noviazgo fue
difícil. En 1914 es nombrado director de las Ediciones de la Residencia de Estudiantes por su
amigo Jiménez Fraud y traduce para esta editorial la Vida de Beethoven de Romain Rolland.
Hizo varios viajes a Franciay luego a Estados Unidos, donde en 1916 se casó con Zenobia.
Este hecho y el redescubrimiento del mar será decisivo en su obra, escribiendo Diario de un
poeta recién casado. Esta obra marca la frontera entre su etapa sensitiva y la intelectual.
Desde este momento crea una poesía pura con una lírica muy intelectual. Asimismo, inicia con
ayuda de su esposa el largo proceso de traducir 22 obras del poeta y Nobel
indio Rabindranath Tagore. En 1918 encabeza movimientos de renovación poética, logrando
una gran influencia en la Generación del 27. Del año 1921 al 1927 publica en revistas parte de
su obra en prosa, y de 1925 a 1935 publica sus Cuadernos, donde se encuentran la mayoría
de sus escritos. En 1930 le es presentada en un concierto la escultora y escritora Margarita Gil
Roësset, amiga de Zenobia, que queda enamorada del poeta; este la rechaza y tras dos años
de intentos desesperados de lograr su amor, se suicida en 1932;6 el hecho impresionó a Juan
Ramón, quien le dedica una semblanza en sus Españoles de tres mundos. A partir de 1931, la
esposa del poeta sufrirá los primeros síntomas de un cáncerque acabará con su vida.

Guerra Civil y exilio[editar]

En 1936, año que marca en su obra el paso de la etapa intelectual a la etapa suficiente o
verdadera, estalla la Guerra Civil Española y apoya decididamente a la República, acogiendo
a varios niños huérfanos en una de sus casas. Sin embargo, se siente inseguro en Madrid,
pues el diario socialista Claridad emprende una campaña contra los intelectuales,7 y es
Manuel Azaña quien ayuda a salir de la capital al matrimonio por vía diplomática.8 Se instala
en Washington como agregado cultural. En 1937 se traslada aCuba para dar tres
conferencias; en 1938 su sobrino Juan Ramón Jiménez Bayo perece en el frente de Teruel, lo
que dejó a Juan Ramón absolutamente destrozado. Según Zenobia, «El dolor dejó a Juan
Ramón absolutamente estéril por casi año y medio».9 En 1939 los sublevados saquean el piso
del matrimonio en la calle Padilla de Madrid y roban los libros, manuscritos y pertenencias del
poeta y de su mujer. Entre 1939 y 1942 se establecen en Miami, Florida, donde compone
los Romances de Coral Gables; en 1940 es hospitalizado unos meses en el Hospital
universitario de Miami por depresión, de la cual sale con los proyectos de dos ambiciosos
poemas: Espacio y Tiempo; solo llegará a concluir el primero, culmen de la lírica española del
siglo XX. En 1942 se trasladan a Washington y entre 1944 y 1946 Zenobia y Juan Ramón son
contratados para dar clases como profesores en la Universidad de Maryland. En 1946 el poeta
permanece hospitalizado otros ocho meses a causa de un nuevo episodio depresivo; en 1947
compran una casa en Riverdale cerca de una clínica y entre agosto y noviembre de 1948
viajan a Argentina y Uruguay por mar, siendo apoteósicamente recibidos; Juan Ramón lee en
ambos países varias conferencias. En 1950 la pareja vuelve a Puerto Rico para dar clases
en Recinto de Río Piedras, sede de la Universidad de Puerto Rico.
En 1956 la Academia Sueca le otorga el Premio Nobel de Literatura por su obra Platero y Yo.
Tres días después, muere su esposa en San Juan. Él jamás se recuperará de esta pérdida y
permanece en Puerto Rico mientras que Jaime Benítez, rector del Recinto de Río Piedras,
acepta el premio en su nombre. Juan Ramón Jiménez fallece dos años más tarde, en la
misma clínica en la que falleció su esposa. Sus restos fueron trasladados a España.

Su poesía[editar]

Casa natal de Juan Ramón Jiménez.

Aunque por edad pertenece a la segunda generación, tiene una estrecha relación con las dos
que la rodean. Se sumó al modernismo, siendo maestro de muchos de los autores
vanguardistas.
Busca conocer la verdad y de esta manera alcanzar la eternidad. La exactitud para él, es la
belleza. La poesía es una fuente de conocimiento, para captar las cosas.
Juan Ramón Jiménez tiene una poesía panteística, exacta y precisa. Su poesía evoluciona de
forma que se distinguen dos épocas. La primera acaba al iniciarse la segunda en 1916.
Escribió el Diario de un poeta recién casado en el que cuenta su luna de miel en Estados
Unidos.
Los temas son el amor, la realidad de las cosas... otro de sus éxitos fue Poemas májicos y
dolientes, extravagante título en el que se destaca la forma personal de escribir de Juan
Ramón, que siempre escribía «j» en vez de «g» antes de «e, i».10
Su Moguer natal fue un referente en toda su obra, fuente de inspiración y elemento de
nostalgia.
Te llevaré Moguer a todos los lugares y a todos los tiempos, serás por mí, pobre pueblo mío, a
despecho de los logreros, inmortal.

Te he dicho Platero que el alma de Moguer es el vino, ¿verdad?. No; el alma de Moguer es el pan.
Moguer es igual que un pan de trigo, blanco por dentro como el migajón, y dorado en torno -¡oh sol
moreno!- como la blanda corteza.
 Miguel Ángel Asturias Rosales (Ciudad de
Guatemala, 19 de octubre de 1899 - Madrid, 9 de junio de 1974) fue
un escritor,periodista y diplomático guatemalteco que contribuyó al desarrollo de la literatura
latinoamericana, influyó en la cultura occidental y, al mismo tiempo, llamó la atención sobre la
importancia de las culturas indígenas, especialmente las de su país natal,Guatemala.
Aunque Asturias nació y se crio en Guatemala, vivió una parte importante de su vida adulta en
el extranjero.1 Durante su primera estancia en París, en la década de los años 1920,
estudió antropología y mitología indígena.2 Algunos científicos lo consideran el primer
novelista latinoamericano en mostrar cómo el estudio de la antropología y de
la lingüística podía influir en la literatura.3 4En París, Asturias también se asoció con el
movimiento surrealista. Se le atribuye la introducción de muchas características del estilo
modernista en las letras latinoamericanas.5 Como tal, fue un importante precursor
del boom latinoamericano de los años 1960 y 1970.6
En El señor presidente, una de sus novelas más famosas, Asturias describe la vida bajo
la dictadura de Manuel Estrada Cabrera, quien gobernó en Guatemala entre 1898 y 1920. Su
oposición pública lo llevó al exilio, por lo que tuvo que pasar gran parte de su vida en el
extranjero, sobre todo en América del Sur y Europa. La novela Hombres de maíz, que se
describe a veces como su obra maestra, es una defensa de la cultura maya. Asturias sintetiza
su amplio conocimiento de las creencias mayas con sus convicciones políticas para canalizar
ambas hacia una vida de compromiso y solidaridad.7 Su obra es a menudo identificada con las
aspiraciones sociales y morales de la población guatemalteca.8
Tras décadas de exilio y marginación, Asturias finalmente obtuvo amplio reconocimiento en los
años 1960. En 1965 ganó elPremio Lenin de la Paz de la Unión Soviética. Luego en 1967
recibió el Premio Nobel de Literatura, convirtiéndose así en el tercer autor americano no
estadounidense en recibir este honor —tras Gabriela Mistral en 1945 y Saint-John Perse en
1960— y el segundo latinoamericano. Asturias pasó sus últimos años en Madrid, donde murió
a la edad de 74 años. Fue enterrado en elcementerio de Père Lachaise en París.

Índice
[ocultar]

 1Biografía
o 1.1Vida temprana y educación
o 1.2Carrera política
o 1.3Familia
o 1.4Exilio y rehabilitación
o 1.5Muerte
 2Obras mayores
o 2.1Leyendas de Guatemala
o 2.2El señor presidente
o 2.3Hombres de maíz
o 2.4La trilogía bananera
o 2.5Mulata de tal
 3Temas
o 3.1Identidad
o 3.2Política
o 3.3Naturaleza
 4Estilo
o 4.1Influencia maya
 o 4.2Surrealismo y realismo mágico
o 4.3Uso del lenguaje
 5Legado
 6Obras seleccionadas
 7Filmografía
 8Véase también
 9Notas y referencias
o 9.1Referencias
o 9.2Bibliografía
 10Bibliografía adicional
 11Enlaces externos

Biografía[editar]
Vida temprana y educación[editar]

Mapa de Guatemala.

Nació en la Ciudad de Guatemala el 19 de octubre de 1899, como el primer hijo de Ernesto

Asturias Girón, abogado y juez, y María Rosales de Asturias, maestra de escuela.9 Su
hermano Marco Antonio nació dos años después. Los padres de Asturias eran de ascendencia
española, y relativamente distinguidos: su padre podía trazar su línea familiar hasta los
colonos que habían llegado a Guatemala en la década de 1660; su madre, con una
ascendencia más difusa, era la hija de un coronel. En 1905, cuando Asturias tenía seis años,
la familia se trasladó a la casa de sus abuelos donde vivieron un estilo de vida más cómodo.10
A pesar de su posición relativamente privilegiada, el padre de Asturias se opuso a la dictadura
del presidente Manuel Estrada Cabrera, quien había llegado al poder en febrero de 1898.
Como Asturias recordó más tarde: «Mis padres eran bastante perseguidos, pero no eran
conjurados ni cosa que se parezca».11 Tras un incidente en 1904, en el que el padre de
Asturias, en su calidad de juez, puso en libertad a algunos estudiantes detenidos por causar
disturbios, se enfrentó directamente con el dictador, y perdió su empleo. En 1905, la familia se
vio obligada a trasladarse a la ciudad de Salamá, la cabecera departamental de Baja Verapaz,
donde Miguel Ángel Asturias vivió en la granja de sus abuelos.9 12 Fue aquí que Asturias por
primera vez entró en contacto con la población indígena de Guatemala;12 su niñera, Lola
Reyes, era una joven indígena que le contaba historias, mitos y leyendas de su cultura, que
más tarde tendrían una gran influencia en su obra.13
En 1908, cuando Asturias tenía nueve años, regresó con su familia a los suburbios de la
Ciudad de Guatemala. Establecieron una tienda de suministros en el barrio de La Parroquia
Vieja, donde pasó su adolescencia.12 14 Asturias asistió al Colegio del Padre Pedro y después
al Colegio del Padre Solís;14 cuando era estudiante comenzó a escribir y realizó el primer
borrador de una historia que más tarde se convertiría en la novela El señor
presidente.15 Finalmente, obtuvo su bachillerato en Ciencias y Letras en el Instituto Nacional
Central para Varones.12 16
En 1922, junto con otros estudiantes, fundó la Universidad Popular,17 un proyecto comunitario
según el cual «la clase media se anima a contribuir al bienestar general, mediante la
enseñanza de cursos gratuitos para los más desfavorecidos».9 Pasó un año estudiando
medicina antes de pasar a la Escuela Facultativa de Derecho y Notariado de la Universidad
Nacional.a 18 Obtuvo su título de abogado en 1923 y recibió el Premio Gálvez para su tesis
sobre la problemática de los indígenas.9 Recibió también el Premio Falla por ser el mejor
estudiante de su facultad. Fue en la Universidad Nacional que fundó la Asociación de
Estudiantes Universitarios y la Asociación de estudiantes El Derecho, además de participar
activamente en La Tribuna del Partido Unionista.19Este último grupo fue el que en última
instancia derrocó a la dictadura de Manuel Estrada Cabrera en 1920.19 En referencia a su obra
literaria, la participación de Asturias en todas estas organizaciones influenció muchas de las
escenas en las novelas El Señor Presidente19 y Viernes de Dolores.16 Asturias se involucró en
la política trabajando como representante de la Asociación General de Estudiantes
Universitarios, y viajó a El Salvador y Honduras para su nuevo empleo. En 1920, mientras
estaba en elInstituto Nacional Central para Varones participó en el levantamiento contra
Manuel Estrada Cabrera, organizando huelgas.20Asturias y sus compañeros de clase,
formaron lo que ahora se conoce como «La Generación del 20».21
La tesis universitaria de Asturias, «El problema social del indio», fue publicada en
1923.22 23 24 En 1923, después de recibir su título de abogado, viajó a Europa.
En París estudió etnología en la Sorbona —Universidad de París—18 y se convirtió en un
surrealista dedicado bajo la influencia del poeta y teórico de la literatura francesa André
Breton.25 En París fue también influenciado por el círculo de escritores y artistas
de Montparnasse y comenzó a escribir poesía y ficción. Durante este tiempo desarrolló una
profunda preocupación por la cultura maya y en 1925 comenzó con la traducción al español
del Popol Vuh, el texto sagrado de los mayas, un proyecto al que se dedicó durante cuarenta
años.26 También fundó la revista Nuevos Tiemposmientras estaba en París.27 Se quedó en
París durante diez años.
En 1930 publicó su primer libro Leyendas de Guatemala.28 Dos años más tarde, en París,
Asturias recibió el Premio Sylla Monsegur para la traducción al francés de Leyendas de
Guatemala29 y el 14 de julio de 1933 regresó a Guatemala.

Carrera política[editar]
Miguel Ángel Asturias frente alMuro de los Lamentos en Israel.

Miguel Ángel Asturias en su época de estudiante universitario.

Cuando Asturias regresó a su país natal en 1933, tuvo su primer encuentro con el
dictador Jorge Ubico y su régimen que no iba a tolerar sus ideales políticos. Ubico cerró la
Universidad Popular que Asturias había fundado en 1922.28 En 1933 Asturias trabajó como
periodista. Fundó y editó una «revista» de radio llamado El diario del aire.25 Escribió varios
volúmenes de poesía en esta época, siendo Sonetos el primero, publicado en 1936.25
En 1942, fue elegido diputado al Congreso Nacional.30 Tras la caída del régimen de Jorge
Ubico y la elección del presidente reformista Juan José Arévalo en 1944, Asturias comenzó
una carrera diplomática en 1946, sin dejar de escribir durante su servicio en varios países de
América Central y América del Sur. Asturias tuvo puestos diplomáticos en Buenos Aires en
1947 y en París en 1952.31

Familia[editar]
Miguel Ángel Asturias se casó con Clemencia Amado en 1939. Tuvieron dos hijos, Miguel
Ángel y Rodrigo. Se divorciaron en 1947. Asturias se casó con su segunda esposa, Blanca
Mora y Araujo, en 1950.32 Como Mora y Araujo era argentina, cuando Asturias fue expatriado
de Guatemala en 1954, se fueron a vivir a Buenos Aires donde permanecieron ocho años.
Asturias dedicó su obra Week-end en Guatemala a su esposa, Blanca, después de que fuera
publicado en 1956.28 Permanecieron casados hasta la muerte de Asturias en 1974.
Rodrigo Asturias Amado, hijo de su primer matrimonio, fue comandante guerrillero de
la ORPA e integrante de la Unidad Revolucionaria Nacional Guatemalteca (URNG). Rodrigo
Asturias adoptó el nombre de guerra Gaspar Ilom, el nombre de un indígena rebelde
en Hombres de maíz, la novela de su padre. La URNG fue una organización guerrillera que se
opuso a los gobiernos militares de la década de 1980 durante la Guerra Civil de Guatemala.
Tras la firma de los acuerdos de paz en 1996 la URNG se convirtió en un partido político.33

Exilio y rehabilitación[editar]

Tumba de Miguel Ángel Asturias en el cementerio de Père Lachaiseen París, Francia, coronada con una
réplica de la Estela 14 deCeibal.

Miguel Ángel Asturias dedicó gran parte de su energía política apoyando al gobierno
de Jacobo Arbenz, el sucesor electo del presidente Juan José Arévalo.34 Tras la caída del
gobierno de Jacobo Arbenz, el nuevo mandatario Coronel Carlos Castillo Armas, ordenó que
Asturias fuera despojado de su nacionalidad guatemalteca y expulsado del país por su apoyo
al anterior gobierno. Durante los siguientes ocho años, Asturias vivió en exilio en Buenos
Aires y Chile. Después de un cambio de gobierno en Argentina, una vez más tuvo que buscar
un nuevo hogar, y se trasladó a Europa.35 Mientras vivía en exilio en Génova su reputación
como autor creció con la publicación de su novela Mulata de tal (1963).36
En 1966 el presidente electo Julio César Méndez Montenegro llegó al poder en Guatemala y
rehabilitó a Asturias: le fue devuelta su ciudadanía guatemalteca y fue nombrado como
embajador en Francia, donde se desempeñó hasta 1970, ocupando una residencia
permanente en París.37 En 1967, la traducción al inglés de Mulata de tal fue publicada en
Boston.28 y Asturias fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura «Por sus logros
literarios vivos, fuertemente arraigados en los rasgos nacionales y las tradiciones de los
pueblos indígenas de América Latina».38

Muerte[editar]
Asturias pasó sus últimos años en Madrid, donde murió de cáncer en 1974. Está enterrado en
el cementerio de Père Lachaise en París. Su tumba esta coronada con una réplica de la Estela
14 de Ceibal.
 Pablo Neruda, seudónimo de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes
Basoalto (Parral, 12 de julio de 1904-Santiago de Chile, 23 de septiembre de 1973), fue un
poeta chileno, considerado entre los más destacados e influyentes artistas de su siglo; «el
más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma», según Gabriel García Márquez.1
Entre sus múltiples reconocimientos, destacan el Premio Nobel de Literatura en 1971 y
un Doctorado Honoris Causa por laUniversidad de Oxford. «Ningún poeta del hemisferio
occidental de nuestro siglo admite comparación con él», ha escrito el crítico literario Harold
Bloom,2 quien lo considera uno de los veintiséis autores centrales del canon de la literatura
occidental de todos los tiempos.3
Además, fue un destacado activista político, senador, miembro del Comité Central del Partido
Comunista, precandidato a lapresidencia de su país y embajador en Francia.

Índice
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 1Biografía
o 1.1Primeros años
o 1.2Guerra Civil Española
o 1.3Carrera política
o 1.4Exilio
o 1.5Regreso a Chile
o 1.6Premio Nobel de Literatura
o 1.7Muerte
 2Estilo
 3Obras
o 3.1Publicadas en vida
o 3.2Discografía
o 3.3Publicación póstuma
 4Tributos
o 4.1Álbumes
o 4.2Artes escénicas
o 4.3Otros
 5Notas y referencias
o 5.1Notas
o 5.2Referencias
 6Bibliografía
 7Enlaces externos

Biografía
Primeros años
Fotografía del joven Neruda, aún firmando como Ricardo Reyes.

Fue hijo de José del Carmen Reyes Morales, obrero ferroviario, y de Rosa Neftalí Basoalto
Opazo, maestra de escuela fallecida de tuberculosis cuando Neruda tenía un mes de
edad.4En 1906, la familia se trasladó a Temuco, donde su padre se casó en segundas nupcias
con Trinidad Candia Marverde, a quien Neruda llamaba «mamadre».5
Neruda ingresó al Liceo de Hombres, donde cursó todos sus estudios hasta terminar el 6.º año
de humanidades en 1920.4 El impresionante entorno natural de Temuco, sus bosques, lagos,
ríos y montañas marcaron para siempre el mundo poético de Neruda.
En 1917, publicó su primer artículo, «Entusiasmo y perseverancia», en el diario La Mañanade
Temuco. En esta ciudad, escribió gran parte de los trabajos, que pasaron a integrar su primer
libro de poemas: Crepusculario.5 En 1919, obtuvo el tercer lugar en los Juegos Florales del
Maule con su poema «Comunión ideal» o «Nocturno ideal».4 En 1920, comenzó a contribuir
en la revista literaria Selva Austral. En ese mismo período, conoció a Gabriela Mistral, de cuyo
encuentro recordó: «ella me hizo leer los primeros grandes nombres de la literatura rusa que
tanta influencia tuvieron sobre mí».6
Hacia 1921, con diecisiete años de edad, comenzó a firmar definitivamente sus trabajos con
el seudónimo de Pablo Neruda, esencialmente con el propósito de evitar el malestar del
padre por tener un hijo poeta.7 Si bien Neruda nunca aclaró el origen de su nombre artístico,
nunca desmintió, e incluso apoyó, la conjetura de que lo habría escogido en honor al
escritor checo Jan Neruda,[cita requerida] del cual leyó un cuento por esos años que le causó una
honda impresión. Sin embargo, la obra de Jan se publicó entre 1857 y 1883, y es poco
probable que Neruda haya tenido acceso a traducciones en 1921 —en lugar de esto, se
presume que su apodo está inspirado más bien en un personaje de la novela de Arthur Conan
Doyle titulada Estudio en escarlata (1887), donde, en el capítulo IV, el personaje Sherlock
Holmes dice ir a escuchar un concierto de Norman-Neruda, una famosa violinista, Guillermina
María Francisca Neruda, casada con el músico sueco Ludwig Norman, conociéndosela
entonces como Wilma Norman-Neruda—.8
En 1921, se radicó en Santiago y comenzó sus estudios de pedagogía en idioma francés en
el Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile, donde obtuvo el primer premio de los
Juegos Florales de la Primavera con el poema «La canción de fiesta», publicado
posteriormente en la revista Juventud.
En 1923, publicó Crepusculario, que es reconocido por escritores como Hernán Díaz
Arrieta, Raúl Silva Castro y Pedro Prado.5 En 1924, publicó su famoso Veinte poemas de amor
y una canción desesperada, donde todavía se nota una influencia del modernismo.
Posteriormente, se manifestó un propósito de renovación formal, de intención vanguardista, en
tres breves libros publicados en 1926: El habitante y su esperanza, Anillos (en colaboración
con Tomás Lago) y Tentativa del hombre infinito. En 1927, comenzó su larga carrera
diplomática siendo cónsul en Rangún, Birmania, desde donde se desarrolla un notable
epistolario con el escritor argentino Héctor Eandi. Luego fue cónsul en Sri
Lanka, Java, Singapur, Buenos Aires —donde conoció a Federico García Lorca—
, Barcelona —donde conoció a Rafael Alberti— y Madrid. Pregonó su concepción poética de
entonces, la que llamó "poesía impura", y experimentó el poderoso y liberador influjo
del surrealismo.
El 6 de diciembre de 1930 se casó con la neerlandesa María Antonia Hagenaar
Vogelzang, Maruca —se la cita como Maruca Reyes, Maruca de Reyes y Maruca Neruda—.
La hija que nació en 1934 de esta unión, Malva Marina Trinidad, padecía hidrocefalia y murió
en 1943, a los ocho años. Neruda se separó de Hagenaar en 1936 —se divorciaría de ella a
distancia, en México en 1942, divorcio que no fue aceptado por la justicia chilena—.9
En 1935, Manuel Altolaguirre le entregó a Neruda la dirección de la revista Caballo verde para
la poesía, donde fue compañero de los poetas de la Generación del 27. Ese mismo año
apareció la edición madrileña de Residencia en la tierra.

Guerra Civil Española

Acceso a "La Casa de las Flores" en el barrio de Argüelles, donde vivió Neruda mientras fuera Cónsul
en Madrid. La casa fue bombardeada y casi totalmente destruida al estallar la guerra civil.

En 1936 estalló la Guerra Civil Española. Conmovido por ella y por el asesinato de su
amigo García Lorca,5 Neruda se comprometió con el movimiento republicano, primero en
España y luego en Francia, donde comenzó a escribir España en el corazón (1937). Ese
mismo año regresó a Chile, y su poesía durante el período siguiente se caracterizó por una
orientación hacia cuestiones políticas y sociales, lo que reforzó sus grandes ventas de libros.
Durante la guerra civil, Neruda también conoció al poeta mexicano Octavio Paz. Ambos se
hicieron amigos instantáneos, pero, posteriormente, en México, tuvieron un altercado por
diferencias ideológicas, llegando casi a los golpes. Más de veinte años después se
reconciliaron en el Festival Internacional de Poesía de Londres. Paz diría con respecto a su
colega: «Musito el nombre de Pablo Neruda y me digo: lo admiraste, lo quisiste y lo
combatiste. Fue tu enemigo más querido».10
En 1939 fue designado, por el presidente Aguirre Cerda, cónsul especial para la inmigración
española en París, donde destacó como el gestor del proyecto Winnipeg, barco que llevó a
cerca de 2000 inmigrantes españoles desde Francia a Chile. Poco tiempo después, fue
asignado como cónsul general en México, donde reescribió su Canto General de
Chile transformándolo en un poema del continente sudamericano. Canto General fue
publicado en México en 1950, y también clandestinamente en Chile. Compuesto de unos 250
poemas en quince ciclos literarios, constituye (a juicio del propio Neruda) la parte central de su
producción artística. Al poco tiempo de salir a luz, fue traducido a alrededor de diez idiomas.
Casi todos los poemas que lo componen fueron creados en circunstancias particularmente
difíciles, cuando Neruda vivía en la clandestinidad en Chile al ser perseguido por ser miembro
del Partido Comunista de Chile y acusado de «infringir la Ley de Seguridad Interior del Estado
e injuriar al presidenteGonzález Videla».

Carrera política

Neruda junto a su esposa Delia de Carril y Erich Honecker en 1951.

Contra la organización de la miseria (Neruda), asfaltada en Feira de Santana, Bahía, Brasil.

Neruda retornó a Chile en 1943 —año en que se casó con Delia de Carril, la Hormiguita, en
México, en un matrimonio que no fue reconocido por la justicia chilena debido a que su
divorcio de Maruca fue declarado ilegal— y dos años después recibe el Premio Nacional de
Literatura. En ese año de 1945, en marzo, es electo senador por las provincias
de Tarapacá y Antofagasta.4 Se unirá en julio del mismo año al Partido Comunista, donde
militaban sus dos más férreos rivales, los poetas Pablo de Rokha y Vicente Huidobro, con
quienes protagonizaría de por vida las más ácidas rencillas.
En las elecciones presidenciales de 1946 triunfa la Alianza Democrática, una coalición
integrada por radicales, comunistas y demócratas, que lleva al poder a Gabriel González
Videla. La represión desencadenada por este último contra los trabajadores mineros en huelga
llevará a Neruda a protestar vehementemente en el Senado.
La persecución desatada por el gobierno de González Videla contra sus antiguos aliados
comunistas, mediante la Ley de Defensa Permanente de la Democracia, culminará en la
prohibición del Partido Comunista el 3 de septiembre de 1948. Neruda se transforma entonces
en el más fuerte antagonista del presidente, dictando discursos en el Senado y publicando
artículos contra el Gobierno en el extranjero, ya que el diario comunista El Siglo estaba bajo
censura.
Neruda criticó fuerte a González Videla, a quien llamó «rata», lo acusó de ser amigo de los
nazis durante sus años de embajador en París a quienes invitaba a elegantes cenas a la
embajada chilena, de vender el país a empresas estadounidenses e incluso menciona a su
esposa, Rosa Markmann, de ocultar sus orígenes judíos mientras vivieron en Europa durante
la Segunda Guerra Mundial y de enriquecerse comprando diamantes a europeos
empobrecidos y casando a su descendencia con las familias más ricas de América del Sur.
Famoso es su artículo La crisis democrática de Chile es una advertencia dramática para
nuestro continente, que más tarde fue conocido como Carta íntima para millones de hombres,
publicado en el diario El Nacional de Caracas. Esto provocó la petición del Gobierno a los
tribunales de un desafuero del senador Neruda por «denigrar a Chile en el exterior y por
calumnias e injurias al Primer Mandatario».11 y posteriormente se dictó una orden de
detención contra él, forzándolo primero a la clandestinidad en su propio país, y luego al exilio.

Exilio

Neruda en 1956.

Neruda realiza la travesía para escapar de una persecución política durante el otoño de 1949.
Por ello, vive meses en la clandestinidad entre Santiago, Valdivia y la comuna
de Futrono,12 en el lago Huishue, cruza por el paso de Lilpela hacia Argentina montado a
caballo; estuvo a punto de ahogarse mientras cruzaba el río Curringue.
A mediados de abril llega de incógnito a París y protegido por varios amigos, entre
ellos Picasso, logra regularizar su situación. Reaparece públicamente en la sesión de clausura
del Primer Congreso del Movimiento Mundial de Partidarios de la Paz y es nombrado miembro
del Consejo Mundial de la Paz. Desde Europa emprende numerosos viajes junto a su mujer
Delia del Carril: Checoeslovaquia, Unión Soviética, Polonia, Hungría,
México, Rumania, India, Italia, Francia, República Democrática Alemana (RDA), Guatemala.
En el II Congreso del Movimiento Mundial de Partidarios de la Paz, celebrado en Varsovia en
noviembre de 1950, recibe junto con Picasso, Paul Robeson y otros el Premio Internacional de
la Paz, otorgado a Neruda por su poema Que despierte el leñador. Más tarde, al volver a
Chile, recibirá en 1953 el Premio Stalin para la Consolidación de la Paz entre los Pueblos.13
Durante su exilio vive en Capri y Nápoles con su futura esposa Matilde Urrutia. Allí recibe la
noticia de que ya no era buscado y podía volver a Chile, adonde regresa el 12 de agosto de
1952. Lo esperaba su mujer Delia del Carril y es recibido con varios actos públicos.14

Regreso a Chile
Casa de Neruda en Isla Negra, donde reposan los cuerpos de Neruda y su mujer Matilde Urrutia, que
actualmente es un museo en honor del premio Nobel chileno.

En Italia en 1952, publicó anónimamente Los versos del capitán y en 1954 Las uvas y el
viento (en donde se encuentra una elegía aStalin) y Odas elementales. En 1953 recibe
el Premio Stalin para la Consolidación de la Paz entre los Pueblos. En 1955 se separó de su
esposa Delia, y comenzó a vivir con Matilde Urrutia. En 1958 apareció Estravagario con un
nuevo cambio en su poesía. En 1965 se le otorgó el título de doctor honoris causa en
la Universidad de Oxford, el Reino Unido.
Solo en 1966 pudo contraer matrimonio con Matilde después del fallecimiento de Maruca, su
primera mujer, en los Países Bajos el 27 de marzo de 1965. La boda se realizó en una sencilla
ceremonia civil y privada en su casa de Isla Negra, donde conserva sus particulares
colecciones de caracolas y mascarones de proa.
En 1969 fue nombrado miembro honorario de la Academia Chilena de la Lengua. Ese año,
durante la campaña para las presidenciales, el Partido Comunista lo eligió precandidato, pero
renunció en favor de Salvador Allende, que se convirtió en el candidato único de laUnidad
Popular. El gobierno de Allende lo designó embajador en Francia.

Premio Nobel de Literatura

Neruda tras recibir elPremio Nobel de Literatura en 1971.

La Academia Sueca consideró candidato al Premio Nobel de Literatura a Neruda en 1963,

cuando fue parte de una lista junto con elbritánico-estadounidense W. H. Auden,
el irlandés Samuel Beckett,n 1 el japonés Yukio Mishima, el danés Aksel Sandemose y
el griego Giorgos Seferis. Luego, formó la terna final junto con Auden y Seferis, a quien
finalmente le fue concedido.15
Ocho años después, el 21 de octubre de 1971, Neruda fue galardonado con el Nobel y viajó
a Estocolmo a recibirlo el 10 de diciembre. En susMemorias, el poeta recuerda: «El anciano
monarca nos daba la mano a cada uno; nos entregaba el diploma, la medalla y el cheque [...]
Se dice (o se lo dijeron a Matilde para impresionarla) que el rey estuvo más tiempo conmigo
que con los otros laureados, que me apretó la mano con evidente simpatía. Tal vez haya sido
una reminiscencia de la antigua gentileza palaciega hacia los juglares».

Muerte

Neruda en 1972 en el Estadio Nacional, junto al General Carlos Pratsy otras autoridades. Atrás a la
izquierda, el ministro de defensa José Tohá.

Féretro de Pablo Neruda.

Su última aparición en público fue el 5 de diciembre de 1972, donde el pueblo chileno realizó
un homenaje al poeta en el Estadio Nacional.
En febrero de 1973, por razones de salud, renuncia a su cargo de embajador en Francia.
Después del golpe militar del 11 de septiembre su salud se agrava y el 19 es trasladado de
urgencia desde su casa de Isla Negra a Santiago, donde muere debido a un cáncer de
próstata el 23 a las 22.30 en laClínica Santa María. En 2011 un artículo16 recogió
declaraciones de Manuel Araya Osorio, asistente del poeta desde noviembre de 1972 hasta su
muerte, quien aseguraba que Neruda habría sido asesinado en la clínica tras aplicársele una
inyección letal. Aunque la información fue desmentida por la Fundación Pablo Neruda,17 el
Partido Comunista solicitó, el 6 de diciembre, la exhumación de los restos del Nobel de
Literatura, para verificar si fue envenenado.
La casa de Neruda en Santiago fue saqueada después del golpe encabezado por el
general Augusto Pinochet y sus libros, incendiados. El funeral del poeta fue realizado en
el Cementerio General. Al mismo acudieron los miembros de la directiva del Partido
Comunista, a pesar de estar perseguidos por el régimen. Aunque los asistentes estaban
rodeados de soldados armados de ametralladoras, se escuchaban desafiantes gritos de
homenaje a él y a Salvador Allende, junto a la entonación de La Internacional. Después del
funeral, muchos de los asistentes que no pudieron huir acabaron engrosando las listas de
desaparecidos por la dictadura.
Sus restos descansaron primero en el mausoleo de la familia Dittborn, que les había cedido un
espacio, y siete meses después fueron trasladados al nicho 44 del módulo México.18
El 11 de diciembre de 1992, los restos de Neruda y Matilde Urrutia fueron exhumados y
llevados para un velatorio ceremonial en el Salón de Honor del ex Congreso Nacional. Al día
siguiente se dio cumplimiento al deseo del poeta: que sus restos fuesen enterrados en su casa
de Isla Negra. Ese lugar y todas las demás pertenencias son ahora museos administrados por
la Fundación Neruda.
En 2013 el juez Mario Carroza, que anteriormente había abierto una investigación para
esclarecer las circunstancias de la muerte de Neruda, ordenó, después de 20 meses de
interrogatorios y pericias, la exhumación del cuerpo del poeta.19 La Fundación Pablo Neruda,
que en un principio se oponía a ello por considerarlo una profanación, finalmente lo ha
aceptado y declarado confiar en que "el examen tanatológico contribuya a aclarar las dudas
que pudieran existir respecto de la muerte del poeta".20 Los preparativos para la exhumación
comenzaron en Isla Negra el 6 de abril con la instalación de una carpa en el lugar de su
sepultura21 y el 8 se efectuó la diligencia, que duró una hora y dieciocho minutos; ese mismo
día los restos de poeta llegaron al Servicio Médico Legal de Santiago, en vistas a análisis a
realizar en laboratorios chilenos y extranjeros.22
En noviembre, Patricio Bustos, director del Servicio Médico Legal de Chile, dio a conocer los
resultados de los exámenes toxicológicos realizados en EE.UU. y España, que descartaron
que Neruda hubiera sido envenenado y confirmaron que falleció producto de un avanzado
cáncer de próstata.23 Sin embargo, Rodolfo Reyes, sobrino del poeta, insistió en que terceras
personas están involucradas en la muerte de Neruda y anunció que pedirán nuevas
diligencias.24 . En 2015 un informe realizado a petición de la Corte de Apelaciones de Santiago
concluye que muy probablemente el poeta muriera como consecuencia de una inyección que
recibió con origen desconocido25

Estilo
La literatura de Neruda distingue distintos períodos estilísticos. Desde su obra Canto
General (1950), el autor se circunscribe en el llamado realismo socialista soviético, impulsado
por Andréi Zhdánov, y en el cual Neruda alcanzaría su culminación con Las uvas y el
viento (1954).26

Vicente Pío Marcelino Cirilo

Aleixandre y Merlo (Sevilla, 26 de abril de 1898-Madrid, 13 de
diciembre de 1984) fue un poetaespañol de la llamada Generación del 27. Elegido académico
en sesión del día 30 de junio de 1949, ingresó en la Real Academia Española el 22 de
enero de 1950. Ocupó el sillón de la letra O.
 Obtuvo el Premio Nacional de Literatura en 1933 por La destrucción o el amor,1 el Premio de
la Crítica en 1963 por En un vasto dominio, y en 1969, por Poemas de la consumación, y
el Premio Nobel de Literatura en 1977.

Índice
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 1Biografía
 2Obra poética
o 2.1Poesía pura
o 2.2Poesía surrealista
o 2.3Poesía antropocéntrica
o 2.4Poesía de vejez
 3Libros de poesía
 4Artículos y escritos
 5Véase también
 6Referencias
 7Enlaces externos

Biografía[editar]
Hijo de una familia de la burguesía española, su padre fue ingeniero de ferrocarriles. Nace en
Sevilla en 1898 pero pasa su infancia en Málaga, donde comparte estudios con el futuro
escritor Emilio Prados. Se traslada a Madrid donde cursa estudios de Derecho y Comercio.
En 1919 se licencia en Derecho y obtiene el título de intendente mercantil. Ejerce de profesor
de Derecho Mercantil desde 1920 hasta 1922 en la Escuela de Comercio.
En 1917 conoce a Dámaso Alonso en Las Navas del Marqués, lugar donde veraneaba, y este
contacto supone el descubrimiento de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón
Jiménez. Inicia de este modo una profunda pasión por la poesía.
Su salud empieza a empeorar en 1922. En 1925 se le declara una nefritis tuberculosa, que
termina con la extirpación de un riñón, operación realizada en 1932. Publica sus primeros
poemas en la Revista de Occidente en 1926. Establece contacto
conCernuda, Altolaguirre, Alberti y García Lorca. A lo largo de su vida ocultó su
homosexualidad.2 En los años 1930, el poeta conoce a Andrés Acero y ambos inician una
intensa relación amorosa que será interrumpida por el exilio a México de Andrés tras la Guerra
Civil. En palabras de Molina Foix, "Aleixandre era muy pudoroso de su
condición homosexual por el daño que pudiera hacer a su familia, sobre todo a su hermana,
pero a mí me dijo que cuando muriese no le importaba que se supiera la verdad; consideraba
que no era ningún desdoro".3 4 5 6
En los primeros días de la Guerra Civil, víctima de una denuncia, pasa veinticuatro horas en
una cheka de la que es liberado por su amigo Pablo Neruda, cónsul de Chile a la sazón.
Después de la guerra, a pesar de sus ideas izquierdistas, permanece enEspaña y se convierte
en uno de los maestros de los jóvenes poetas, con los que se cartea abundantemente y a los
que recibe sin escatimar tiempo en su domicilio de Madrid, Wellingtonia (o Velintonia), 3
(ahora y desde el año 1978, renombrada en su honor calle Vicente Aleixandre7 ). El poeta no
tenía inconveniente siquiera en enviar poemas inéditos a las revistas escolares que se lo
pedían.
El 22 de enero de 1950 lee su discurso de ingreso en la Real Academia Española, que versa
sobre el tema Vida del poeta: el amor y la poesía. Su amigo Dámaso Alonso leyó el discurso
de contestación. Durante la década de 1950 pronuncia conferencias en diversas ciudades de
España, Inglaterra y Marruecos. Las revistas Papeles de Son
Armadans (1958), Ágora e Ínsula (1959) le dedican números de homenaje. Igualmente lo
hacen, en los años 1960, algunas revistas hispanoamericanas.
En 1963 encabezó la firma de una carta al ministro franquista Manuel Fraga Iribarne
solicitando una investigación sobre las agresiones y torturas a mineros asturianos y a sus
esposas durante la Huelga de 1962. La misiva estuvo firmada por 120 intelectuales españoles.
El ministro Fraga Iribarne publicó en respuesta una "carta abierta" a uno de los firmantes (el
poeta José Bergamín), negando los hechos.
El 6 de octubre de 1977 la Academia Sueca le concede el Premio Nobel de Literatura «por
una obra de creación poética innovadora que ilustra la condición del hombre en el cosmos y
en nuestra sociedad actual, a la par que representa la gran renovación, en la época de
entreguerras, de las tradiciones de la poesía española».
Hospitalizado de urgencia el 10 de diciembre de 1984, en la Clínica Santa Elena, con
hemorragia intestinal, muere en la noche del 13 de diciembre. Es enterrado en el panteón
familiar del Cementerio de la Almudena de Madrid el sábado 15 de diciembre de 1984.8
Tras la muerte de su gran amigo Carlos Bousoño, se empezaron a hacer públicos los versos y
las cartas de explícito contenido amoroso y homoerótico que Aleixandre le dedicó.9

Obra poética[editar]
Su obra poética presenta varias etapas: pura, surrealista, antropocéntrica y de vejez. Además
este personaje nos muestra el verdadero rostro de las personas en sus diversos poemas
como el de «vinieras y te fueras dulcemente».

Poesía pura[editar]
Su primer libro, Ámbito, compuesto entre 1924 y 1927 y publicado en Málaga en 1928, es la
obra de un poeta incipiente, que aún no ha encontrado su propia voz. Predomina el verso
corto asonantado y la estética de la poesía pura juanramoniana y guilleniana, además de
ecos ultraístas y de la poesía clásica española del Siglo de Oro, en especial Fray Luis de
León y Góngora.

Poesía surrealista[editar]
En los años siguientes, entre 1928 y 1932, se produce un cambio radical en su concepción
poética. Inspirado por los precursores del surrealismo (en especial por Arthur
Rimbaud y Lautréamont) y por Freud, adopta como forma de expresión el poema en
prosa (Pasión de la Tierra, de 1935), el verso libre, y procedimientos plenamente surrealistas
como el versículo y la imagen visionaria (Espadas como labios, de 1932; La destrucción o el
amor, de 1935, Sombra del Paraíso, de 1944). La estética de estos poemarios es
irracionalista, y la expresión se acerca a la escritura automática, aunque sin aceptar la misma
como dogma de fe. En línea con el surrealismo, el poeta no asume tradición alguna, ni
siquiera la métrica, y se libera, de suerte que incluso su amigo Luis Cernuda pudo decir: "Su
verso no se parece a nada". Y en efecto su estilo aporta novedades estilísticas inéditas como
el símil inverso (Espadas como labios) o el nexo disyuntivo equivalente (La destrucción o el
amor), la hipérbole suma, el símbolo onírico no codificado, enriqueciendo definitivamente las
posibilidades estilísticas de la lengua poética española, como en un tiempo pasado
hicieron Garcilaso, Góngora y Rubén Darío, cada uno de ellos un gran renovador del lenguaje
lírico. El poeta celebra el amor como fuerza natural ingobernable, que destruye todas las
limitaciones del ser humano, y critica los convencionalismos con que la sociedad intenta
apresarlo.
Poesía antropocéntrica[editar]
Tras la guerra, su obra cambia, acercándose a las preocupaciones de la poesía
social imperante. Desde una posición solidaria, aborda la vida del hombre común, sus
sufrimientos e ilusiones. Su estilo se hace más sencillo y accesible. Dos son los libros
fundamentales de esta etapa: Historia del corazón, de 1954 y En un vasto dominio, de1962.

Poesía de vejez[editar]
En sus últimos libros (Poemas de la consumación, de 1968, y Diálogos del conocimiento,
de 1974) el poeta inicia su ciclo de senectute y el estilo del poeta vuelve a dar un giro
volviendo a procedimientos que recuerdan su surrealismo inicial. La experiencia frustrante del
paso del tiempo ("o tarde, o pronto, o nunca"), de la vejez (en su poema "Como Moisés es el
viejo" y otros) y de la cercanía de la muerte le llevan a replantearse su irracionalismo juvenil,
aunque ya en una modalidad extremadamente depurada, meditativa y serena. Utiliza un
complejo conceptismo estilístico que opone conceptos como mirar / ver, conocer / saber y usa
los tiempos verbales y la metáfora negativa para crear distanciamiento: "Nació, y no supo. /
Respondió, y no ha hablado". El segundo, como su propio título indica,
contiene diálogos entablados entre personajes simbólicos sumamente abstractos. A estos dos
títulos canónicos, esto es, de los publicados en vida por el propio poeta, podría añadirse un
tercero, En gran noche, de aparición póstuma, en 1991, que recoge poemas no incluidos en
los dos libros anteriores y en su misma línea metafísica y reflexiva.

Libros de poesía[editar]
 Ámbito, Málaga (6.º Suplemento de Litoral), 1928.
 Espadas como labios, M., Espasa-Calpe, 1932.
 La destrucción o el amor, M., Signo, 1935 (Premio Nacional de Literatura 1934).
 Pasión de la tierra, México, Fábula, 1935 (2ª edición aumentada: Madrid, Adonais, 1946).
 Sombra del Paraíso, M., Adán, 1944.
 En la muerte de Miguel Hernández, Zaragoza, Cuaderno de las Horas Situadas, 1948.
 Mundo a solas, M., Clan, 1950.
 Poemas paradisíacos, Málaga, El Arroyo de los Ángeles, 1952.
 Nacimiento último, M., Ínsula, 1953.
 Historia del corazón, M., Espasa-Calpe, 1954.
 Ciudad del Paraíso, Málaga, Dardo, 1960.
 Poesías completas, M., Aguilar, 1960. (Edic. del propio autor y Arturo del Hoyo)
 En un vasto dominio, M., Revista de Occidente, 1962 (Premio de la Crítica).
 Retratos con nombre, B., Col. El Bardo, 1965.
 Obras completas, M., Aguilar, 1968 (2º edición aumentada: 1977).
 Poemas de la consumación, B., Plaza y Janés, 1968 (Premio de la Crítica).
 Poesía surrealista. Antología, B., Barral, 1971.
 Sonido de la guerra, Valencia, Hontanar, 1971.
 Diálogos del conocimiento, B., Plaza y Janés, 1974.
 Tres poemas seudónimos, Málaga, Col. Juan de Yepes, 1984.
 Nuevos poemas varios, B., Plaza y Janés, 1987. (Edic. Alejandro Duque Amusco;
recopilación: el mismo e Irma Emiliozzi)
 Prosas recobradas, B., Plaza y Janés, 1987. (Edic. Alejandro Duque Amusco)
 En gran noche. Últimos poemas, B., Seix Barral, 1991. (Edic. de Carlos Bousoño y
Alejandro Duque Amusco)
  Álbum. Versos de juventud (con Dámaso Alonso y otros), B., Tusquets, 1993 (Edic. de
Alejandro Duque Amusco y María-Jesús Velo).
 Prosa: Los encuentros. Evocaciones y pareceres. Otros apuntes para una poética, M.,
Austral, 1998 (Edic. Alejandro Duque Amusco)
 Poesías completas, M., Visor/Comunidad de Madrid/Ayuntamiento de Málaga, 2001 (Edic.
de Alejandro Duque Amusco).
 Prosas completas, M., Visor/Comunidad de Madrid/Ayuntamiento de Málaga, 2002 (Edic.
de Alejandro Duque Amusco).

Gabriel José de la Concordia García

Márquez (Aracataca, 6 de marzo de 1927 -Ciudad de México 17 de
nota 1

abril de 20143 ), más conocido como Gabriel García Márquez ( escuchar), fue
un escritor, novelista, cuentista, guionista, editor y periodistacolombiano. En 1982 recibió
el Premio Nobel de Literatura.
Fue conocido familiarmente y por sus amigos
como Gabito (hipocorístico guajiro para Gabriel), o por su apócope Gabo desde que Eduardo
Zalamea Borda, subdirector del diario El Espectador, comenzara a llamarlo así.4
Está relacionado de manera inherente con el realismo mágico y su obra más conocida, la
novela Cien años de soledad, es considerada una de las más representativas de este
movimiento literario e incluso se considera que por el éxito de la novela es que tal término se
aplica a la literatura surgida a partir de los años sesenta en Latinoamérica.5 6 En 2007, la Real
Academia Española y la Asociación de Academias de la Lengua Española lanzaron una
edición popular conmemorativa de esta novela, por considerarla parte de los grandes clásicos
hispánicos de todos los tiempos.7
Fue famoso tanto por su genialidad como escritor como por su postura política.8 Su amistad
con el líder cubano Fidel Castro fue bastante conocida en el mundo literario y político.9

Índice
[ocultar]

 1Biografía
o 1.1Infancia y vejez
 1.1.1Educación y adultez
o 1.2Matrimonio y familia
o 1.3La fama
o 1.4Enfermedad y muerte
 2Carrera literaria
o 2.1Periodismo
o 2.2Sus primeras y principales publicaciones
o 2.3Últimos trabajos
 3Estilo
 o 3.1Temas importantes
 3.1.1La soledad
 3.1.2Macondo
 3.1.3Violencia y cultura
o 3.2Influencias literarias
o 3.3Realismo y realismo mágico
 4Premios, reconocimientos y homenajes
 5Legado y críticas de Gabriel García Márquez
 6Actividad política
o 6.1Militancia e ideología
o 6.2Amistad con Fidel Castro
o 6.3Mediaciones y apoyos políticos
o 6.4La política en sus obras
 7Obras
o 7.1Novelas
o 7.2Libros de cuentos
o 7.3Reportajes
o 7.4Teatro
o 7.5Memorias
o 7.6Obra periodística
o 7.7Entrevista
o 7.8Discurso
o 7.9Talleres de cine
o 7.10En la pantalla
o 7.11En el teatro
 8García Márquez en ficción
 9Véase también
 10Notas y referencias
o 10.1Notas
o 10.2Referencias
 11Enlaces externos

Biografía[editar]
Infancia y vejez[editar]
Hijo de Gabriel Eligio García y Luisa Santiaga Márquez, nació en Aracataca, departamento
del Magdalena (Colombia), «el domingo 6 de marzo de 1927 a las nueve de la mañana...»,
como refiere el propio escritor en sus memorias.4
Cuando sus padres se enamoraron, el padre de Luisa, el coronel Nicolás Ricardo Márquez
Mejía, se opuso a esa relación, pues Gabriel Eligio García, que había llegado a Aracataca
como telegrafista, no era el hombre que consideraba más adecuado para su hija, por ser hijo
de madre soltera, pertenecer al Partido Conservador Colombiano y ser un mujeriego confeso.4
Con la intención de separarlos, Luisa fue enviada fuera de la ciudad, pero Gabriel Eligio la
cortejó con serenatas de violín, poemas de amor, innumerables cartas y frecuentes mensajes
telegráficos. Finalmente, la familia capituló y Luisa consiguió el permiso para casarse con
Gabriel Eligio, lo cual sucedió el 11 de junio de 1926 en Santa Marta. La historia
y tragicomedia de ese cortejo inspiraría más tarde a su hijo la novela El amor en los tiempos
del cólera.4
Poco después del nacimiento de Gabriel, su padre se convirtió en farmacéutico y, en enero de
1929, se mudó con Luisa a Barranquilla, dejando a Gabriel en Aracataca al cuidado de sus
abuelos maternos. Dado que vivió con ellos durante los primeros años de su vida, recibió una
fuerte influencia del coronel Márquez, quien de joven mató a Medardo Pacheco en un duelo y
tuvo, además de los tres hijos oficiales, otros nueve con distintas madres. El Coronel era
un liberal veterano de la Guerra de los Mil Días, muy respetado por sus copartidarios y
conocido por su negativa a callar sobre la Masacre de las bananeras, suceso en el que
murieron cientos de personas a manos de las Fuerzas Armadas de Colombia durante
una huelga de los trabajadores de las bananeras, hecho que García Márquez plasmaría en su
obra.4
El coronel, a quien Gabriel llamaba "Papalelo", describiéndolo como su «cordón umbilical con
la historia y la realidad», fue también un excelente narrador y le enseñó, por ejemplo, a
consultar frecuentemente el diccionario, lo llevaba al circo cada año y fue el primero en
introducir a su nieto en el «milagro» del hielo, que se encontraba en la tienda de la United Fruit
Company.4 Frecuentemente decía: «Tú no sabes lo que pesa un muerto», refiriéndose así a
que no había mayor carga que la de haber matado a un hombre, lección que García Márquez
más tarde incorporaría en sus novelas.4 1 10
Su abuela, Tranquilina Iguarán Cotes, a quien García Márquez llama la abuela Mina y
describe como "una mujer imaginativa y supersticiosa"1 que llenaba la casa con historias de
fantasmas, premoniciones, augurios y signos, fue de tanta influencia en García Márquez como
su marido e incluso es señalada por el escritor como su primera y principal influencia literaria,
pues le inspiró la original forma en que ella trataba lo extraordinario como algo perfectamente
natural cuando contaba historias y sin importar cuán fantásticos o improbables fueran sus
relatos, siempre los refería como si fueran una verdad irrefutable. Además del estilo, la abuela
Mina inspiró también el personaje de Ursula Iguaránque, unos treinta años más tarde, su nieto
usaría en Cien años de soledad, su novela más popular.4 11
Su abuelo murió en 1936, cuando Gabriel tenía ocho años. Debido a la ceguera de su abuela,
él se fue a vivir con sus padres en Sucre, población ubicada en el departamento
de Sucre (Colombia), donde su padre trabajaba como farmacéutico.
Su niñez estaba relatada en sus memorias Vivir para contarla.4 Después de 24 años de
ausencia, en 2007 regresó a Aracataca para un homenaje que le rindió el gobierno
colombiano al cumplir sus 80 años de vida y los 40 desde la primera publicación de Cien años
de soledad.
Educación y adultez[editar]

Gabriel García Márquez en 2009.

Poco después de llegar a Sucre, se decidió que Gabriel debía empezar su educación formal y
fue mandado a un internado enBarranquilla, un puerto en la boca del Río Magdalena. Allí
adquirió reputación de chico tímido que escribía poemas humorísticos y dibujaba tiras
humorísticas. Serio y poco dado a las actividades atléticas, fue apodado El Viejo por sus
compañeros de clase.10
García Márquez cursó los primeros grados de secundaria en el colegio jesuita San José (hoy
Instituto San José) desde 1940, en donde publicó sus primeros poemas en la revista
escolar Juventud. Luego, gracias a una beca otorgada por el Gobierno, Gabriel fue enviado a
estudiar a Bogotá de donde lo reubican en el Liceo Nacional de Zipaquirá, población ubicada a
una hora de la capital, donde culminará sus estudios secundarios.
Durante su paso por la casa de estudios bogotana, García Márquez destacó en varios
deportes, llegando a ser capitán del equipo del Liceo Nacional de Zipaquirá en tres disciplinas,
fútbol, béisbol y atletismo.
Después de su graduación en 1947, García Márquez permaneció en Bogotá para
estudiar derecho en la Universidad Nacional de Colombia, donde tuvo especial dedicación a la
lectura. La metamorfosis de Franz Kafka «en la falsa traducción de Jorge Luis Borges»12fue
una obra que le inspiró especialmente. Estaba emocionado con la idea de escribir, no
literatura tradicional, sino en un estilo similar a las historias de su abuela, en las que se
«insertan acontecimientos extraordinarios y anomalías como si fueran simplemente un
aspecto de la vida cotidiana». Su deseo de ser escritor crecía. Poco después, publicó su
primer cuento, La tercera resignación, que apareció el 13 de septiembre de 1947 en la edición
del diario El Espectador.
Aunque su pasión era la escritura, continuó con la carrera de derecho en 1948 para complacer
a su padre. Después del llamado «Bogotazo» en 1948, unos sangrientos disturbios que se
desataron el 9 de abril a causa del magnicidio del líder popular Jorge Eliécer Gaitán, la
universidad cerró indefinidamente y su pensión fue incendiada. García Márquez se trasladó a
la Universidad de Cartagena y empezó a trabajar como reportero de El Universal. En 1950,
desiste de convertirse en abogado para centrarse en el periodismo y se traslada de nuevo a
Barranquilla para trabajar como columnista y reportero en el periódico El Heraldo. Aunque
García Márquez nunca terminó sus estudios superiores, algunas universidades, como
la Universidad de Columbia de Nueva York, le han otorgado un doctorado honoris causa en
letras.10

Matrimonio y familia[editar]
Durante su etapa de estudiante, y cuando visitaba a sus padres en Sucre, conoció a Mercedes
Barcha, también hija de un boticario, en un baile de estudiantes y decidió enseguida que tenía
que casarse con ella cuando terminara sus estudios.10 En efecto, García Márquez contrajo
matrimonio en marzo de 1958 en la iglesia de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro
de Barranquilla con Mercedes «a la que le había propuesto matrimonio desde sus trece
años».4 13
Mercedes es descrita por uno de los biógrafos del escritor como "una mujer alta y linda con
pelo marrón hasta los hombros, nieta de un inmigrante egipcio, lo que al parecer se manifiesta
en unos pómulos anchos y ojos castaños grandes y penetrantes".10 Y García Márquez se ha
referido a Mercedes constantemente y con cariño orgulloso; cuando habló de su amistad con
Fidel Castro, por ejemplo, observó, «Fidel se fía de Mercedes aún más que de mí».9
En 1959 tuvieron a su primer hijo, Rodrigo, quien se convirtió en cineasta, y en 1961 se
instalaron en Nueva York, en donde ejerció como corresponsal de Prensa Latina. Tras recibir
amenazas y críticas de la CIA y de los disidentes cubanos, que no compartían el contenido de
sus reportajes, decidió trasladarse a México y se establecieron en lacapital. Tres años
después, nació su segundo hijo, Gonzalo, actualmente diseñador gráfico en la capital
mexicana.10
Aunque García Márquez poseía residencias en París, Bogotá y Cartagena de Indias, vivió la
mayor parte del tiempo en su casa de la Ciudad de México, donde fijó su residencia a
principios de los años 60 y en donde escribió Cien años de soledad en el número 19 de la
calle La Palma de la colonia San Ángel.14 1 15

La fama[editar]

Placa conmemorativa en elHôtel des 3 Collèges en París(Francia), donde García Márquez vivió en
1956.

La notoriedad mundial de García Márquez comenzó cuando Cien años de soledad se publicó
en junio de 1967 y en una semana vendió 8000 ejemplares. De allí en adelante, el éxito fue
asegurado y la novela vendió una nueva edición cada semana, pasando a vender medio
millón de copias en tres años. Fue traducido a más de veinticuatro idiomas y ganó cuatro
premios internacionales. El éxito había llegado por fin y el escritor tenía 40 años cuando el
mundo aprendió su nombre. Por la correspondencia de admiradores, los premios, entrevistas
y las comparecencias era obvio que su vida había cambiado. En 1969, la novela ganó el
Chianciano Aprecia en Italia y fue denominado el «Mejor Libro Extranjero» en Francia. En
1970, fue publicado en inglés y fue escogido como uno de los mejores doce libros del año
en Estados Unidos. Dos años después le fue concedido el Premio Rómulo Gallegos y
el Premio Neustadt y en 1971, Mario Vargas Llosa publicó un libro acerca de su vida y obra.
Para contradecir toda esta exhibición, García Márquez regresó simplemente a la escritura.
Decidido a escribir acerca de un dictador, se trasladó con su familia a Barcelona (España) que
pasaba sus últimos años bajo el régimen de Francisco Franco.10
La popularidad de su escritura también condujo a la amistad con poderosos líderes,
incluyendo el ex presidente cubano Fidel Castro, amistad que ha sido analizada en Gabo y
Fidel: retrato de una amistad.9 En una entrevista con Claudia Dreifus en 1982, dice que su
relación con Castro se basa fundamentalmente en la literatura: «La nuestra es una amistad
intelectual. Puede que no sea ampliamente conocido que Fidel es un hombre culto. Cuando
estamos juntos, hablamos mucho sobre la literatura». Algunos han criticado a García Márquez
por esta relación; el escritor cubano Reinaldo Arenas, en 1992 en sus memorias Antes que
anochezca, señala que García Márquez estaba con Castro, en 1980 en un discurso en el que
este último acusó a los refugiados recientemente asesinados en la embajada de Perú de ser
«chusma». Arenas recuerda amargamente a compañeros del escritor homenajear por ello con
«hipócritas aplausos» a Castro.9

Gabriel García Márquez firmando una copia de Cien años de soledad en La Habana(Cuba).

También debido a su fama y a sus puntos de vista sobre el imperialismo de Estados Unidos,
fue etiquetado comosubversivo y por muchos años le fue negado el visado estadounidense
por las autoridades de inmigración.11 Sin embargo, después de que Bill Clinton fuera elegido
presidente de Estados Unidos, éste finalmente le levantó la prohibición de viajar a su país y
afirmó que Cien años de soledad «es su novela favorita».16
En 1981, el año en el que le fue concedida la Legión de Honor de Francia, regresó a Colombia
de una visita con Castro, para encontrarse una vez más en problemas. El gobierno del
liberal Julio César Turbay Ayala lo acusaba de financiar al grupo guerrillero M-19. Huyendo de
Colombia solicitó asilo en México, donde hasta su muerte continuaba manteniendo una casa.9
Desde 1986 hasta 1988, García Márquez vivió y trabajó en México D.F., La
Habana y Cartagena de Indias. Después, en 1987 hubo una celebración en Europa y América
del vigésimo aniversario de la primera edición de Cien años de soledad. No sólo había escrito
libros, también había terminado escribiendo su primera obra de teatro, Diatriba de amor contra
un hombre sentado. En 1988 se estrenó la película Un señor muy viejo con unas alas
enormes, dirigida por Fernando Birri, adaptación del cuento del mismo nombre.17
En 1995, el Instituto Caro y Cuervo publicó en dos volúmenes el Repertorio crítico sobre
Gabriel García Márquez.17
En 1996 García Márquez publicó Noticia de un secuestro, donde combinó la orientación
testimonial del periodismo y su propio estilo narrativo. Esta historia representa la onda
inmensa de violencia y secuestros que Colombia continuaba encarando.18
En 1999, el estadounidense Jon Lee Anderson publicó un libro revelador acerca de García
Márquez, para lo cual tuvo la oportunidad de convivir varios meses con el escritor y su mujer
en su casa de Bogotá.18

Enfermedad y muerte[editar]
Artículo principal: Muerte y funeral de Gabriel García Márquez

En 1999 le fue diagnosticado un cáncer linfático. Al respecto, el escritor declaró en una

entrevista en el año 2000 a El Tiempo de Bogotá:
Hace más de un año fui sometido a un tratamiento de tres meses contra un linfoma, y hoy me sorprendo
yo mismo de la enorme lotería que ha sido ese tropiezo en mi vida. Por el temor de no tener tiempo para
terminar los tres tomos de mis memorias y dos libros de cuentos que tenía a medias, reduje al mínimo
las relaciones con mis amigos, desconecté el teléfono, cancelé los viajes y toda clase de compromisos
pendientes y futuros, y me encerré a escribir todos los días sin interrupción desde las ocho de la
mañana hasta las dos de la tarde. Durante ese tiempo, ya sin medicinas de ninguna clase, mis
relaciones con los médicos se redujeron a controles anuales y a una dieta sencilla para no pasarme de
peso. Mientras tanto, regresé al periodismo, volví a mi vicio favorito de la música y me puse al día en
mis lecturas atrasadas.19

En la misma entrevista, García Márquez se refiere al poema titulado La marioneta, que le fue
atribuido por el diario peruano La República a modo de despedida por su inminente muerte,
desmintiendo tal información.19 Negó ser el autor del poema y aclaró que «el verdadero autor
es un joven ventrílocuo mexicano que lo escribió para su muñeco», refiriéndose al ventrílocuo
mexicano Johnny Welch.20
En 2002, su biógrafo Gerald Martin voló a México, D.F. para hablar con García Márquez. Su
mujer, Mercedes, tenía gripe y el escritor tuvo que visitar a Martin en su hotel. Según dijo,
Gabriel García Márquez ya no tenía la apariencia del típico sobreviviente de cáncer. Todavía
delgado y con el pelo corto, completó Vivir para contarla ese año.10
A principios de julio de 2012, por comentarios de su hermano Jaime, se rumoreó que el
escritor padecía de demencia senil, pero un vídeo en que celebra su cumpleaños en marzo de
2012 sirvió para desmentir el rumor.21
En abril de 2014 fue internado en el Instituto Nacional de Ciencias Médicas y Nutrición,
en México, D. F., debido a una recaída producto del cáncer linfático que le fue diagnosticado
en 1999. El cáncer había afectado un pulmón, ganglios e hígado. García Márquez falleció el
17 de abril de 2014.22 23 El presidente de Colombia Juan Manuel Santos señaló que el escritor
fue «el colombiano que, en toda la historia de nuestro país, más lejos y más alto ha llevado el
nombre de la patria», decretando tres días de duelo nacional por su muerte.24

Carrera literaria[editar]
Periodismo[editar]

Gabo en 1984 luciendo unsombrero vueltiao, típico del Caribe colombiano

García Márquez comenzó su carrera como periodista mientras estudiaba derecho en la
universidad. En 1948 y 1949 escribió para el diarioEl Universal de Cartagena. Desde 1950
hasta 1952, escribió una «caprichosa» columna con el seudónimo de «Septimus» para el
periódico local El Heraldo de Barranquilla.10 García Márquez tomó nota de su tiempo en El
Heraldo. Durante este tiempo se convirtió en un miembro activo del grupo informal de
escritores y periodistas conocidos como el Grupo de Barranquilla, una asociación que fue una
gran motivación e inspiración para su carrera literaria. Trabajó con figuras como José Félix
Fuenmayor, Ramón Vinyes, Alfonso Fuenmayor, Álvaro Cepeda Samudio, Germán
Vargas, Alejandro Obregón, Orlando Rivera «Figurita» y Julio Mario Santo Domingo, entre
otros.18 García Márquez utilizaría, por ejemplo, a Ramón Vinyes, que sería representado como
un «sabio catalán», propietario de una librería en Cien años de soledad. En esa época, García
Márquez leyó las obras de escritores como Virginia Woolf y William Faulkner, quienes le
influyeron en sus técnicas narrativas, los temas históricos y la utilización de localidades
provinciales. El entorno de Barranquilla proporcionó a García Márquez una educación literaria
a nivel mundial y una perspectiva única sobre la cultura del Caribe. Con respecto a su carrera
del periodismo, Gabriel García Márquez ha mencionado que le sirvió como una herramienta
para «no perder contacto con la realidad».17
A petición de Álvaro Mutis en 1954, García Márquez regresó a Bogotá para trabajar en El
Espectador como reportero y crítico de cine. Un año después, García Márquez publicó en el
mismo diario Relato de un náufrago, una serie de catorce crónicas sobre el naufragio del
destructor A. R. C. Caldas, basándose en entrevistas con Luis Alejandro Velasco, joven
marinero que sobrevivió al naufragio. La publicación de los artículos dio lugar a una
controversia pública a nivel nacional cuando en el último escrito reveló la historia oculta, ya
que desacreditó la versión oficial de los acontecimientos que había atribuido la causa del
naufragio a una tormenta.4 Como consecuencia de esta controversia, García Márquez fue
enviado a París para ser corresponsal extranjero de El Espectador. Escribió sus experiencias
en El Independiente, un periódico que sustituyó brevemente a El Espectador, durante el
gobierno militar del general Gustavo Rojas Pinilla y que más tarde fue cerrado por las
autoridades colombianas. Poco después, tras el triunfo de la revolución cubana en 1960,
García Márquez viajó a La Habana, donde trabajó en la agencia de prensa creada por el
gobierno cubano Prensa Latina e hizo amistad con Ernesto Guevara.
En 1974, García Márquez, junto con intelectuales y periodistas de izquierda,
fundó Alternativa que duró hasta 1980 y marcó un hito en la historia del periodismo de
oposición en Colombia. Para el primer número, García Márquez escribió un artículo exclusivo
sobre el bombardeo al Palacio de La Moneda durante el Golpe de Estado en Chile de 1973, lo
que garantizó que se agotara la edición. Luego sería el único que firmaría los artículos25 .
En 1994, junto con su hermano Jaime García Márquez y Jaime Abello Banfi, Gabriel García
Márquez creó la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), que tiene como
objetivo ayudar a jóvenes periodistas a aprender con maestros como Alma
Guillermoprieto y Jon Lee Anderson, y estimular nuevas formas de hacer periodismo. La sede
principal de la entidad está en Cartagena de Indias y García Márquez fue el presidente hasta
su muerte26 . En su honor, la FNPI creó el Premio Gabriel García Márquez de Periodismo, que
se otorga desde el año 2013 a lo mejor del periodismo iberoamericano.

Sus primeras y principales publicaciones[editar]

Su primer cuento, La tercera resignación, fue publicado en 1947 en un periódico liberal de
Bogotá llamado El Espectador. Un año después, empezó su trabajo de periodismo para el
mismo periódico. Sus primeros trabajos eran todos cuentos publicados en el mismo periódico
desde 1947 hasta 1952. Durante estos años publicó un total de quince cuentos.18
Gabriel García Márquez quería ser periodista y escribir novelas; también quería crear una
sociedad más justa.18 Para La hojarasca, su primera novela, le llevó varios años encontrar un
editor. Finalmente se publicó en 1955, y aunque la crítica fue excelente, la mayor parte de la
edición se quedó en bodega y el autor no recibió de nadie «ni un céntimo por
regalías».4 García Márquez señala que «de todo lo que había escrito, La hojarasca fue su
favorita porque consideraron que era la más sincera y espontánea».18
Gabriel García Márquez tardó dieciocho meses en escribir Cien años de soledad.18 El martes
30 de mayo de 1967 salió a la venta en Buenos Aires la primera edición de la novela. Tres
décadas después se había traducido a 37 idiomas y vendido 25 millones de ejemplares en
todo el mundo. «Fue un verdadero bombazo, que hizo explosión desde el primer día. El libro
salió a las librerías sin ningún tipo de campaña publicitaria, la novela agotó su primera edición
de 8000 copias a las dos semanas y pronto convirtió el título y su realismo mágico en el
espejo del alma latinoamericana».27 Cien años de soledad ha influido en casi todos los
novelistas importantes en todo el mundo. La novela hace una crónica de la familia Buendía en
el pueblo de Macondo, que fue fundado por José Arcadio Buendía. Puede ser considerada
una obra de realismo mágico.28
El amor en los tiempos del cólera se publicó por primera vez en 1985. Está basada en las
historias de dos parejas. La historia de la joven pareja formada por Fermina Daza y Florentino
Ariza está inspirada en la historia de amor de los padres de García Márquez.4 Sin embargo,
como García Márquez explica en una entrevista: «La única diferencia es que mis padres se
casaron. Y tan pronto como se casaron, ya no eran interesantes como figuras literarias».16 El
amor de los ancianos se basa en una historia que leyó en un periódico sobre la muerte de dos
estadounidenses, de casi ochenta años de edad, que se reunían todos los años en Acapulco.
Estaban en un barco y un día fueron asesinados por el barquero con sus remos. García
Márquez señala: «A través de su muerte, la historia de su romance en secreto se hizo
conocida. Yo estaba fascinado con ella. Estaban cada uno casado con otra persona».16

Últimos trabajos[editar]
En 2003, García Márquez publicó el libro de memorias Vivir para contarla, el primero de los
tres volúmenes de sus memorias, que el escritor había anunciado como:
Empieza con la vida de mis abuelos maternos y los amores de mi padre y mi madre a principios del
siglo, y termina en 1955 cuando publiqué mi primer libro, La hojarasca, hasta viajar a Europa como
corresponsal de El Espectador. El segundo volumen seguirá hasta la publicación de Cien años de
soledad, más de veinte años después. El tercero tendrá un formato distinto, y sólo serán los recuerdos
de mis relaciones personales con seis o siete presidentes de distintos países. 19

La novela Memoria de mis putas tristes apareció en 2004 y es una historia de amor que sigue
el romance de un hombre de noventa años y su pubescente concubina. Este libro causó
controversia en Irán, donde se prohibió después de 5 000 ejemplares impresos y vendidos.
En México, una ONG amenazó con demandar al escritor por hacer apología de la prostitución
infantil.29

Estilo[editar]
Si bien hay ciertos aspectos que casi siempre los lectores pueden esperar encontrar en la
obra de García Márquez, como el humor, no hay un estilo claro y predeterminado, de plantilla.
En una entrevista con Marlise Simons, García Márquez señaló:
En cada libro intento tomar un camino diferente [...]. Uno no elige el estilo. Usted puede investigar y
tratar de descubrir cuál es el mejor estilo para un tema. Pero el estilo está determinado por el tema, por
el ánimo del momento. Si usted intenta utilizar algo que no es conveniente, apenas no resultará.
Entonces los críticos construyen teorías alrededor de esto y ven cosas que yo no había visto. Respondo
solamente a nuestro estilo de vida, la vida del Caribe.30
García Márquez también es conocido por dejar fuera detalles y eventos aparentemente
importantes de tal manera que el lector se ve obligado a cumplir un papel más participativo en
la historia desarrollada. Por ejemplo, en El coronel no tiene quien le escriba de los personajes
principales no se dan nombres. Esta práctica se ve influida por las tragedias griegas,
como Antígona y Edipo rey, en el que ocurren eventos importantes fuera de la representación
que se dejan a la imaginación del público.11

Temas importantes[editar]
La soledad[editar]
El tema de la soledad atraviesa gran parte de las obras de García Márquez. Pelayo observa
que «El amor en los tiempos del cólera, como todos los trabajos de Gabriel García Márquez,
explora la soledad de la persona y de la especie humana... retrato a través de la soledad del
amor y de estar en amor».31
Plinio Apuleyo Mendoza le preguntó: «Si la soledad es el tema de todos sus libros ¿dónde
debemos buscar las raíces de este exceso? ¿En su infancia tal vez?». García Márquez
respondió: «Creo que es un problema que todo el mundo tiene. Toda persona tiene su propia
forma y los medios de expresar la misma. La sensación impregna la labor de tantos escritores,
aunque algunos de ellos pueden expresar lo inconsciente».1
En su discurso de aceptación del Premio Nobel, La soledad de América Latina, se refiere a
este tema de la soledad relacionado con América Latina: «La interpretación de nuestra
realidad a través de los patrones, no los nuestros, sólo sirve para hacernos cada vez más
desconocidos, cada vez menos libres, cada vez más solitarios».32
Macondo[editar]
Otro tema importante en la obra de García Márquez es la invención de la aldea que él
llama Macondo. Él usa su ciudad natal de Aracataca (Colombia), como una referencia
geográfica para crear esta ciudad imaginaria, pero la representación del pueblo no se limita a
esta área específica. García Márquez comparte: «Macondo no es tanto un lugar como un
estado de ánimo».1
Este pueblo de ficción se ha vuelto notoriamente conocido en el mundo literario y «su
geografía y los habitantes son constantemente invocados por profesores, políticos y agentes»
[...] que hacen «difícil de creer que es una pura invención».33 En La hojarasca, García
Márquez describe la realidad del «auge del banano» en Macondo, que incluye un período
aparente de «gran riqueza» durante la presencia de empresas de los Estados Unidos, y un
período de depresión con la salida de las empresas estadounidenses relacionadas con el
banano. Además, Cien años de soledad se lleva a cabo en Macondo y narra la historia
completa de esta ciudad ficticia desde su fundación hasta su desaparición con el último
Buendia.34
En su autobiografía, García Márquez explica su fascinación por la palabra y el
concepto Macondo cuando describe un viaje que hizo con su madre de vuelta a Aracataca:
El tren se detuvo en una estación que no tenía ciudad, y un rato más tarde pasó la única plantación de
banano a lo largo de la ruta que tenía su nombre escrito en la puerta: Macondo. Esta palabra ha atraído
mi atención desde los primeros viajes que había hecho con mi abuelo, pero sólo he descubierto como
un adulto que me gustaba su resonancia poética. Nunca he oído decir, y ni siquiera me pregunto lo que
significa... me ocurrió al leer en una enciclopedia que se trata de un árbol tropical parecido a la ceiba" 4

Según algunos académicos, Macondo —la ciudad fundada por José Arcadio Buendía en Cien
años de soledad— solamente existe como resultado del lenguaje. La creación de Macondo es
totalmente condicionada a la existencia de la palabra escrita. En la palabra —como
instrumento de comunicación— se manifiesta la realidad, y permite al hombre lograr una unión
con circunstancias independientes de su entorno inmediato.35
Violencia y cultura[editar]

Mural sobre García Márquez enAracataca, Colombia.

En varias de las obras de García Márquez, entre ellas El coronel no tiene quien le escriba, La
mala hora y La hojarasca, hay sutiles referencias sobre «La Violencia», esa guerra civil entre
conservadores y liberales que se prolongó hasta los años sesenta, causando la muerte de
varios cientos de miles de colombianos. Son referencias a situaciones injustas que viven
diversos personajes, como por ejemplo el toque de queda o la censura de prensa. La mala
hora, que no es una de las novelas más famosas de García Márquez, destaca por su
representación de la violencia con una imagen fragmentada de la desintegración social
provocada por la violencia. Se puede decir que en estas obras «la violencia se convierte en
cuento, a través de la aparente inutilidad de tantos episodios de sangre y muerte».17
Sin embargo, aunque García Márquez describe la naturaleza corrupta y las injusticias de esa
época de violencia en Colombia, se niega a usar su trabajo como una plataforma de
propaganda política. «Para él, el deber del escritor revolucionario es escribir bien, y el ideal es
una novela que mueve al lector por su contenido político y social, y al mismo tiempo por su
poder para penetrar en la realidad y exponer su otra cara».34
En las obras de García Márquez se puede encontrar también una «obsesión por captar la
identidad cultural latinoamericana y particularizar los rasgos del mundo
caribeño».36 Asímismo, trata de deconstruir las normas sociales establecidas en esta parte del
mundo. Como ejemplo, el carácter de Memeen Cien años de soledad puede ser visto como
una herramienta para criticar las convenciones y prejuicios de la sociedad. En este caso, ella
no conforma a la ley convencional que «las jóvenes deben llegar vírgenes al matrimonio»
porque ha tenido una relación ilícita con Mauricio Babilonia.17 Se puede ver otro ejemplo de
esta crítica de las normas sociales a través de la relación amorosa entre Petra
Cotes y Aureliano Segundo. Al final de la obra —cuando los protagonistas son viejos— se
enamoran más profundamente que antes. Así, García Márquez está criticando la imagen
mostrada por la sociedad de que «los viejos no pueden amar».17

Influencias literarias[editar]
En su juventud, al asociarse al grupo de Barranquilla, Gabriel García Márquez comenzó a leer
la obra de Ernest Hemingway, James Joyce, Virginia Woolf y, más importante, deWilliam
Faulkner de quien recibe una trascendente influencia reconocida explícitamente por él mismo
cuando en su discurso de recepción del premio Nobel menciona: "mi maestro William
Faulkner".32 En la obra de Gabriel García Márquez titulada Nabo, el negro que hizo esperar a
los ángeles publicada en 1951, ya aparecen elementos similares a los de Faulkner como la
ambigüedad deliberada y una pintura temprana de la soledad.34
También emprendió un estudio de las obras clásicas, encontrando enorme inspiración en la
obra de Edipo Rey de Sófocles de quien, en muchas ocasiones, Gabriel García Márquez ha
expresado su admiración por sus tragedias y utiliza una cita de Antígona al principio de su
obra La hojarasca cuya estructura se ha dicho también que tiene la influencia del dilema moral
de Antígona.34
En una entrevista a Juan Gustavo Cobo Borda en 1981, García Márquez confesó que el
movimiento poético iconoclasta denominado "Piedra y cielo" (1939) fue fundamental para él,
afirmando que:
"La verdad es que si no hubiera sido por “Piedra y Cielo”, no estoy muy seguro de haberme convertido
en escritor. Gracias a esta herejía pude dejar atrás una retórica acartonada, tan típicamente
colombiana... Creo que la importancia histórica de “Piedra y Cielo” es muy grande y no suficientemente
reconocida... Allí no sólo aprendí un sistema de metaforizar, sino lo que es más decisivo, un entusiasmo
y una novelería por la poesía que añoro cada día más y que me produce una inmensa nostalgia." 37

Realismo y realismo mágico[editar]

Artículo principal: Realismo mágico

Como autor de ficción, García Márquez es siempre asociado con el realismo mágico. De
hecho, es considerado, junto al guatemalteco Miguel Ángel Asturias, figura central de este
género. El realismo mágico se usa para describir elementos que tienen, como es el caso en
los trabajos de este autor, la yuxtaposición de la fantasía y el mito con las actividades diarias y
ordinarias.
El realismo es un tema importante en todas las obras de García Márquez. Él dijo que sus
primeros trabajos (con la excepción de La hojarasca), como El coronel no tiene quien le
escriba, La mala hora y Los funerales de la Mamá Grande, reflejan la realidad de la vida
en Colombia y este tema determina la estructura racional de los libros. Dice: «No me
arrepiento de haberlas escrito, pero pertenecen a un tipo de literatura premeditada que
ofrecen una visión de la realidad demasiado estática y exclusiva».1
En sus otras obras ha experimentado más con enfoques menos tradicionales a la realidad, de
modo que «lo más terrible, lo más inusual se dice con expresión impasible».34 Un ejemplo
comúnmente citado es la ascensión espiritual y física al cielo de un personaje mientras está
colgando la ropa para secar, en Cien años de soledad. El estilo de estas obras se inscribe en
el concepto de lo «real maravilloso» descrito por el escritor cubano Alejo Carpentier y ha sido
etiquetado como realismo mágico.38 El crítico literario Michael Bell propone una interpretación
alternativa para el estilo de García Márquez, por cuanto la categoría de realismo mágico ha
sido criticada por ser dicotomizadora y exotizadora: «Lo que está realmente en juego es una
flexibilidad psicológica que es capaz de habitar nada sentimentalmente el mundo diurno
mientras se mantiene abierta a las incitaciones de aquellos dominios que la cultura moderna
tiene, por su propia lógica interna, necesariamente marginalizados o reprimidos».31 García
Márquez y su amigo Plinio Apuleyo Mendoza discuten su trabajo de un modo similar, «El
tratamiento de la realidad en tus libros... ha recibido un nombre, el de realismo mágico. Tengo
la impresión de que tus lectores europeos suelen advertir la magia de las cosas que tú
cuentas, pero no ven la realidad que las inspira. Seguramente porque su racionalismo les
impide ver que la realidad no termina en el precio de los tomates o de los huevos.1
García Márquez crea un mundo tan semejante al cotidiano pero al mismo tiempo totalmente
diferente a ello. Técnicamente, es un realista en la presentación de lo verdadero y de lo irreal.
De algún modo trata diestramente una realidad en la que los límites entre lo verdadero y lo
fantástico se desvanecen muy naturalmente.34
García Márquez considera que la imaginación no es sino un instrumento de la elaboración de
la realidad y que una novela es la representación cifrada de la realidad y a la pregunta de si
todo lo que escribe tiene una base real, ha contestado:1
No hay en mis novelas una línea que no esté basada en la realidad.
Premios, reconocimientos y homenajes[editar]

Casa Museo de Gabriel García Márquez en Aracataca, Colombia.

Centro Cultural Gabriel García Márquez, en Bogotá, Colombia.

 Premio Nobel. García Márquez recibió el Premio Nobel de Literatura en 1982, según la
laudatoria de la Academia Sueca, «por sus novelas e historias cortas, en las que lo
fantástico y lo real son combinados en un tranquilo mundo de imaginación rica, reflejando
la vida y los conflictos de un continente».39
Su discurso de aceptación fue titulado La soledad de América Latina.32 Fue el primer
colombiano y el cuarto latinoamericano en ganar un Premio Nobel de Literatura, después de lo
cual declaró: «Yo tengo la impresión de que al darme el premio han tenido en cuenta la
literatura del subcontinente y me han otorgado como una forma de adjudicación de la totalidad
de esta literatura».
García Márquez ha recibido muchos otros premios, distinciones y homenajes por sus obras
como los relacionados a continuación:17

 Premio de la Novela ESSO por La mala hora (1961).

 Doctor honoris causa de la Universidad de Columbia en Nueva York (1971).
 Premio Rómulo Gallegos por Cien años de soledad (1972).
 Premio Jorge Dimitrov por la Paz (1979).
 Medalla de la Legión de Honor de Francia en París (1981).
 Condecoración Águila Azteca en México (1982).
 Premio cuarenta años del Círculo de Periodistas de Bogotá (1985).
 Miembro honorario del Instituto Caro y Cuervo en Bogotá (1993).
 Museo: El 25 de marzo de 2010 el gobierno colombiano terminó de reconstruir la casa en
que nació García Márquez enAracataca, pues había sido demolida 40 años atrás, e
 inauguró en ella un museo dedicado a su memoria con más de catorce ambientes que
recrean los espacios en los que transcurrió su niñez.40
 En el Este de Los Ángeles (California), en el municipio de Las Rozas de Madrid y
en Zaragoza (España) hay calles que llevan su nombre.
 En Bogotá el Fondo de Cultura Económica de México construyó un centro cultural que
lleva su nombre, inaugurado el 30 de enero de 2008[7].
 En 2015, el Banco de la República de Colombia anunció una nueva serie de billetes en
donde aparecerá su imagen, más exactamente en el billete de $50.000 pesos que iniciará
su circulación en el 2016.41

Predecesor: Sucesor:
Elias Canetti Premio Nobel de Literatura William Golding
1982

Legado y críticas de Gabriel García Márquez[editar]

Gabriel García Márquez con Jorge Amado (a su derecha) y Adonias Filho.

García Márquez es una parte importante del Boom latinoamericano de la literatura. Sus obras
han recibido numerosos estudios críticos, algunos extensos y significativos, que examinan la
temática y su contenido político e histórico. Otros estudios se enfocan sobre el contenido
mítico, las caracterizaciones de los personajes, el ambiente social, la estructura mítica o las
representaciones simbólicas en sus obras más notables.28
Mientras que las obras de García Márquez atraen a una serie de críticos, muchos eruditos
elogian su estilo y creatividad. Por ejemplo, Pablo Neruda escribió sobre Cien años de
soledad que «es la mayor revelación en lengua española desde el Don
Quijote de Cervantes».16
Algunas críticas arguyen que a García Márquez le falta la experiencia adecuada en la arena
literaria y que solamente escribe de sus experiencias personales e imaginación. De esta
manera, dicen que sus obras no deben ser significativas. En respuesta a esto, García
Márquez ha mencionado que él está de acuerdo que a veces su inspiración no viene de libros,
sino de la música.16 Sin embargo, según Carlos Fuentes, García Márquez ha logrado una de
las mayores características de la ficción moderna. Eso es la liberación del tiempo, a través de
la liberación de un instante a partir del momento que permite a la persona humana recrear a sí
mismo y a su tiempo.42 A pesar de todo, nadie puede negar que García Márquez ha ayudado
a rejuvenecer, reformular y recontextualizar la literatura y la crítica en Colombia y en el resto
de América Latina.43 Al este del Atlántico Cervantes, al oeste García Márquez, dos baluartes
captaron la realidad honda de su momento y dejaron una visión encantada de un mundo no
soñado, a flor de tierra44
Actividad política[editar]
Militancia e ideología[editar]
En 1983, cuando se le preguntó a Gabriel García Márquez: «¿Es usted comunista?» el
escritor respondió: «Por supuesto que no. No lo soy ni lo he sido nunca. Ni tampoco he
formado parte de ningún partido político».45 García Márquez contó a su amigo Plinio Apuleyo
Mendoza: «Quiero que el mundo sea socialista y creo que tarde o temprano lo será».46 Según
Ángel Esteban y Stéphanie Panichelli, «Gabo entiende por socialismo un sistema de progreso,
libertad e igualdad relativa» donde saber es, además de un derecho, un izquierdo (hay un
juego de palabras que ambos autores utilizan para titular el capítulo de su libro: "Si saber no
es un derecho, seguro será un izquierdo").9 García Márquez ha viajado a muchos países
socialistas como Polonia, Checoslovaquia, Alemania Oriental, la Unión Soviética, Hungría, y
después escribió algunos artículos, mostrando su «desacuerdo con lo que allí ocurría».47 En
1971, en una entrevista para la revista "Libre" (que patrocinaba) declaró: «Yo sigo creyendo
que el socialismo es una posibilidad real, que es la buena solución para América Latina, y que
hay que tener una militancia más activa».48
En 1959, García Márquez fue corresponsal en Bogotá de la agencia de prensa Prensa
Latina creada por el gobierno cubano después del comienzo de la revolución cubanapara
informar sobre los acontecimientos en Cuba. Allí «tenía que informar objetivamente sobre la
realidad colombiana y difundir a la vez noticias sobre Cuba y su trabajo consistía en escribir y
enviar noticias a La Habana. Era la primera vez que García Márquez hacia periodismo
verdaderamente político».9 Más tarde, en 1960, fundó con su amigo Plinio Apuleyo Mendoza
una revista política, Acción Liberal, que quebró después de publicarse tres números.49

Amistad con Fidel Castro[editar]

Gabriel García Márquez conoció a Fidel Castro en enero de 1959 pero su amistad se formó
después, cuando García Márquez estaba trabajando con Prensa Latina, viviendo enLa
Habana y se vieron de nuevo varias veces. Después de conocer a Castro, «Gabo estaba
convencido de que el líder cubano era diferente a los caudillos, héroes, dictadores o canallas
que habían pululado por la historia de Latinoamérica desde el siglo XIX, e intuía que solo a
través de él esa revolución, todavía joven, podría cosechar frutos en el resto de los países
americanos».9
Según Panichelli y Esteban, «ejercer un poder es uno de los placeres más reconfortantes que
el hombre puede sentir», y ellos piensan que eso es el caso con García Márquez «hasta una
edad madura». Por eso, se ha cuestionado la amistad entre García Márquez y Castro y si es
un resultado de la admiración de García Márquez por el poder.9
Jorge Ricardo Masetti, exguerrillero y periodista argentino, piensa que Gabriel García Márquez
«es un hombre a quien le gusta estar en la cocina del poder».9
En opinión de César Leante, García Márquez tiene algo de obsesión con los caudillos
latinoamericanos. También dice que «El apoyo incondicional de García Márquez a Fidel
Castro cae en buena parte dentro del campo psicoanalítico […] cual es la admiración que el
criador del Patriarca ha sentido, siempre y desmesuradamente, por los caudillos
latinoamericanos brotados de las montoneras. Verbigracia, el coronel Aureliano Buendía, pero
sobre todo el innominado dictador caribeño que como Fidel Castro envejece en el poder».
Dice Leante que García Márquez «es considerado en Cuba como una especie de ministro de
cultura, jefe de cinematografía y embajador plenipotenciario, no del Ministerio de Relaciones
Exteriores, sino directamente de Castro, que lo emplea para misiones delicadas y
confidenciales que no encarga a su diplomacia».50
Juan Luis Cebrián ha llamado a Gabriel García Márquez «un mensajero político», debido a
sus artículos.47
Según el británico Gerald Martin, quien publicó en 2008 la primera biografía autorizada del
novelista, García Márquez siente una «enorme fascinación por el poder». Señala que «Él ha
querido ser siempre testigo del poder y es justo decir que esa fascinación no es gratuita, sino
que persigue determinados objetivos» y menciona que muchos consideran como excesiva su
proximidad al líder cubano Fidel Castro.10 Martin recuerda que también se ha relacionado
con Felipe González (expresidente del Gobierno español) o con Bill Clinton (expresidente de
Estados Unidos) pero «todo el mundo se fija sólo en su relación con Castro».51
Por otra parte, el diplomático, periodista, biógrafo y compadre del Nobel, Plinio Apuleyo
Mendoza señala que «Él es amigo de Castro, pero no creo que sea partidario del sistema,
porque nosotros visitamos el mundo comunista y quedamos muy desencantados».52

Mediaciones y apoyos políticos[editar]

García Márquez participó como mediador en las conversaciones de paz adelantadas entre
el Ejército de Liberación Nacional (ELN) y el gobierno colombiano que tuvieron lugar
en Cuba y entre el gobierno de Belisario Betancourt y el grupo Movimiento 19 de abril (M-19);
igualmente participó en el proceso de paz entre el gobierno de Andrés Pastrana y la guerrilla
de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) que sin embargo fracasó.53
En 2006, García Márquez se unió a la lista de prominentes figuras de América Latina
como Pablo Armando Fernández, Ernesto Sabato, Mario Benedetti, Eduardo Galeano,Thiago
de Mello, Frei Betto, Carlos Monsiváis, Pablo Milanés, Ana Lydia Vega, Mayra Montero y Luis
Rafael Sánchez que apoyan la independencia de Puerto Rico, a través de su adhesión a la
"Proclama de Panamá" aprobada por unanimidad en el Congreso Latinoamericano y Caribeño
por la Independencia de Puerto Rico, celebrado en Panamá en noviembre de 2006.54

La política en sus obras[editar]

La política desempeña un papel importante en las obras de García Márquez, en las que utiliza
representaciones de varios tipos de sociedades con diferentes formas políticas para presentar
sus opiniones y creencias con ejemplos concretos, aunque sean ejemplos ficticios. Esa
diversidad de maneras con que García Márquez representa al poder político es una muestra
de la importancia de la política en sus obras. Una conclusión que puede ser derivada de sus
obras es que «la política puede extenderse más allá o más acá de las instituciones propias del
poder político».8
Por ejemplo, en su obra Cien años de soledad tenemos la representación de un lugar «donde
no existe todavía un poder político consolidado y no hay, por lo tanto, ley en el sentido de
precepto votado por el Congreso y sancionado por el presidente, que regule las relaciones
entre los hombres, entre estos y el poder público y la constitución y funcionamiento de este
poder».8 En contraste, la representación del sistema político en El otoño del patriarca es la de
una dictadura, en la que el líder es grotesco, corrupto y sanguinario y con un poder tan grande
que alguna vez preguntó qué hora es y le habían contestado la que usted ordene, mi
general».8
Una de las primeras novelas de García Márquez, La mala hora, puede ser una referencia a la
dictadura de Gustavo Rojas Pinilla y representa la tensión política y la opresión en un pueblo
rural, cuyos habitantes aspiran a la libertad y la justicia pero sin éxito en conseguir ninguna de
las dos.18

Obras[editar]
Artículo principal: Anexo:Bibliografía de Gabriel García Márquez

Novelas[editar]
 La hojarasca (1955)
 El coronel no tiene quien le escriba (1961)
 La mala hora (1962)
 Cien años de soledad (1967)
 El otoño del patriarca (1975)
 Crónica de una muerte anunciada (1981)
 El amor en los tiempos del cólera (1985)
 El general en su laberinto (1989)
 Del amor y otros demonios (1994)
 Memoria de mis putas tristes (2004)
Libros de cuentos[editar]
 Los funerales de la Mamá Grande (1962)
 La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada (1972)
 Ojos de perro azul (1972, recopilación de sus primeros cuentos)
 Doce cuentos peregrinos (1992)
Reportajes[editar]
 Relato de un náufrago (1970)
 La aventura de Miguel Littín clandestino en Chile (1986)
 Noticia de un secuestro (1996)
Teatro[editar]
 Diatriba de amor contra un hombre sentado (1987)
Memorias[editar]
 Vivir para contarla (2002)
Obra periodística[editar]
 Textos costeños (1948-1952) (1981)
 Entre cachacos (1954-1955) (1982)
 De Europa y América (1955-1960) (1983)
 Por la libre (1974-1995) (1984, 1999)
 Notas de prensa (1961-1984) (1991, 1999)
 El amante inconcluso (2001)
 Gabo periodista (2013)
Entrevista[editar]
 García Márquez habla de García Márquez en 33 grandes reportajes (1979). Recopilación
y prólogo de Alfonso Rentería Mantilla.
 El olor de la guayaba (1982, con Plinio Apuleyo Mendoza)
Discurso[editar]
 Yo no vengo a decir un discurso (2010)
Talleres de cine[editar]
 Cómo se cuenta un cuento (1995)
 Me alquilo para soñar (1995)
 La bendita manía de contar (1998)
En la pantalla[editar]

Gabriel García Márquez con la exministra de Cultura de ColombiaPaula Moreno (izquierda) en

la Festival Internacional de Cine de Guadalajara, en Guadalajara, México, en marzo de 2009.

García Márquez desarrolló un interés particular por el cine y la televisión, participando como
guionista, mecenas y permitiendo la adaptación de su obra. Ya en su etapa juvenil
en Barranquilla, conjuntamente con el pintor Enrique Grau, el escritor Álvaro Cepeda
Samudio y el fotógrafo Nereo López, participó en la realización del cortometraje surrealista La
langosta azul (1954).55
Posteriormente, en los años cincuenta, estudió la carrera de cine en el Centro Sperimentale Di
Cinematografia de Roma, teniendo como condiscípulos al argentino Fernando Birri y
al cubano Julio García Espinosa, que más tarde serían considerados fundadores de la
llamada Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano. Estas tres personalidades han declarado
en reiteradas oportunidades el impacto que supuso para ellos ver la película Milagro en
Milán de Vittorio de Sica, así como también asistir al nacimiento del neorrealismo italiano,
tendencia que los hizo vislumbrar la posibilidad de realizar cine en América Latina siguiendo
las mismas técnicas. Es preciso anotar que esta estancia en Roma sirvió para que el escritor
aprendiera varios de los entresijos que comporta el quehacer cinematográfico, en tanto y
cuanto compartió largas horas de trabajo en moviola al lado del guionista Cesare Zavattini.
Este particular afinó en García Márquez una precisión cinematográfica a la hora de narrar con
imágenes, que más tarde usaría como parte de su trabajo en la Ciudad de México García
Márquez presidió desde 1986 la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, que tiene sede
en La Habana.
Se tiene conocimiento de que muchas obras cinematográficas mexicanas de los años 1960
fueron escritas por García Márquez, quien al igual que muchos intelectuales de la época firmó
los guiones con seudónimo. Memorables son, en todo caso, El gallo de oro (1964), de Roberto
Gavaldón,56 y Tiempo de morir(1966), de Arturo Ripstein. La primera, basada en el cuento
homónimo de Juan Rulfo, coescrita junto con el propio autor y el también escritor
mexicano Carlos Fuentes, fue protagonizada por Ignacio López Tarso, Narciso
Busquets y Lucha Villa, y fotografiada por el insigne Gabriel Figueroa. La segunda, western
filmado inicialmente por Ripstein, tuvo su secuela casi veinte años más tarde bajo la tutela
de Jorge Alí Triana.
Además de las tres películas citadas, entre 1965 y 1985, García Márquez participó
directamente como guionista en los siguientes filmes: En este pueblo no hay ladrones (1965),
de Alberto Isaac; Juego peligroso (segmento "HO") (1966), de Luis Alcoriza y Arturo
Ripstein; Patsy, mi amor (1968), de Manuel Michel; Presagio (1974), de Luis Alcoriza; La viuda
de Montiel (1979), de Miguel Littín; María de mi corazón (1979), de Jaime Humberto
Hermosillo; El año de la peste (1979), de Felipe Cazals (adaptación del libro de Daniel
Defoe El diario de la peste), y Eréndira (1983), de Ruy Guerra.57
En 1975 R.T.I. Televisión de Colombia produce la serie televisiva La mala hora dirigida
por Bernardo Romero Pereiro, basada en la novela homónima de García Márquez y
transmitida en 1977.58
En 1986, conjuntamente con sus dos condiscípulos del Centro Sperimentale di
Cinematografía, y apoyados por el Comité de Cineastas de América Latina, funda la Escuela
Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Los Baños en Cuba, institución a la cual
le dedicará tiempo y dinero de su propio bolsillo para apoyar y financiar la carrera de cine de
jóvenes provenientes de América Latina, el Caribe, Asia y África. A partir del año siguiente, en
dicho centro se dedicará a impartir el taller «Cómo se cuenta un cuento», fruto del cual salen
innumerables proyectos audiovisuales, amén de varios libros sobre dramaturgia.
En 1987, Francesco Rosi dirige la adaptación de Crónica de una muerte anunciada,
protagonizada por Rupert Everett, Ornella Muti, Gian Maria Volonté, Irene Papas, Lucía
Bosé y Anthony Delon.
En 1988 se produjeron y exhibieron: Un señor muy viejo con unas alas enormes, de Fernando
Birri, con Daisy Granados, Asdrúbal Meléndez y Luis Ramírez; Milagro en Roma, de Lisandro
Duque Naranjo, con Frank Ramírez y Amalia Duque García; Fábula de la bella palomera,
de Ruy Guerra, con Claudia Ohana y Ney Latorraca, y Cartas del parque, de Tomás Gutiérrez
Alea, con Ivón López, Víctor Laplace, Miguel Paneque y Mirta Ibarra.
En 1990, García Márquez, viajó a Japón, haciendo escala en Nueva York para conocer al
director contemporáneo cuyos guiones más admira: Woody Allen. La razón de su viaje al país
oriental es la de encontrarse con Akira Kurosawa, en ese momento rodando Los Sueños de
Akira Kurosawa, interesado en llevar a la gran pantalla la historia de El otoño del patriarca,
ambientado en el Japón medieval. La idea de Kurosawa fue totalizadora, incrustar toda la
novela en el celuloide sin importar el metraje; infortunadamente, para esta idea no existió
posibilidad de financiación, y el proyecto quedó en eso.
En 1991, la televisión colombiana produce María, la novela de Jorge Isaacs, adaptada por
García Márquez junto con Lisandro Duque Naranjo y Manuel Arias.
En 1996 se presentó Edipo Alcalde, adaptación de Edipo rey de Sófocles hecha por García
Márquez y Estela Malagón, dirigida por Jorge Alí Triana, y protagonizada por Jorge
Perugorría, Ángela Molina y Paco Rabal.
En 1999, Arturo Ripstein filma El coronel no tiene quien le escriba, protagonizada
por Fernando Luján, Marisa Paredes, Salma Hayek y Rafael Inclán.
En 2001 aparece Los niños invisibles, de Lisandro Duque Naranjo.
En 2006 se rodó El amor en los tiempos del cólera, con guion del sudafricano Ronald
Harwood y bajo la batuta del director británico Mike Newell. Filmada en Cartagena de Indias,
los personajes son encarnados por Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, John
Leguizamo, Catalina Sandino y Benjamin Bratt.
En marzo de 2010, y en el marco del Festival Internacional de Cine de Cartagena, se estrenó
la versión fílmica de Del amor y otros demonios, coproducción entre Colombia yCosta
Rica dirigida por la costarricense Hilda Hidalgo.
Memoria de mis putas tristes, coproducción entre Dinamarca y México, dirigida por el
danés Henning Carlsen y con la adaptación cinematográfica a cargo del francés Jean-Claude
Carrière iba a ser filmada en el 2009 en el estado de Puebla, pero se suspendió por problemas
de financiación al parecer por una polémica motivada por el tema59 por la amenaza de
demanda de una ONG calificando la novela y el guion como apología de la prostitución
infantil y pederastia.29 Finalmente, la película fue filmada en secreto en la ciudad de San
Francisco de Campeche (México) en 2011, protagonizada por Emilio Echevarría y se estrenó
en 2012.60

En el teatro[editar]
García Márquez incursionó poco directamente en el teatro, pues solo se conoce
el monólogo Diatriba de amor contra un hombre sentado, montada por primera vez en 1988
enBuenos Aires y reestrenada el 23 de marzo de 1994 en el Teatro Nacional de Bogotá61
Su obra en el teatro en su mayoría han sido adaptaciones de sus novelas. En 1991, Juan
Carlos Moyano adaptó y dirigió un espectáculo de teatro de calle y plaza pública
llamado Memoria y olvido de Úrsula Iguarán, basado en la novela Cien años de soledad, que
presentó en el Festival Internacional de Teatro de Manizales de 1991 y en elFestival
Iberoamericano de Teatro de Bogotá de 1992. En el 2000, Jorge Alí Triana estrenó la versión
teatral de Crónica de una muerte anunciada adaptación de la novela homónima, con gran
éxito nacional e internacional.62
Igualmente la obra de García Márquez ha sido adaptada al género de la ópera:

 Florencia en el Amazonas (1991), ópera con un libreto de Marcela Fuentes-Berain puesto

en metro músico por Daniel Catán basada en motivos de la novela El amor en los tiempos
del cólera.63
 Eréndira (1992), ópera con música de Violeta Dinescu basada en el cuento La increíble y
triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada.64
 Love and other demons (2008), ópera con un libreto de Kornél Hamvai puesto en metro
músico por Péter Eötvös, basada en la novela Del amor y otros demonios.64

García Márquez en ficción[editar]

 En la novela Cartagena de Claudia Amengual, publicada en 2015, aparece García
Márquez como personaje en sus últimos años de vida.65

Véase también[editar]
 Muerte y funeral de Gabriel García Márquez

Camilo José de Cela y

Trulock ,1 (Padrón, La Coruña; 11 de mayo de 1916-Madrid, 17 de
enero de 2002) fue un escritorespañol. Autor prolífico, destacó por igual
 como novelista, periodista, ensayista, editor de revistas literarias, conferencista, fue
académico de la Real Academia Española durante 45 años y resultó galardonado, entre otros,
con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1987, el Premio Nobel de
Literatura en 1989 y el Premio Cervantes en 1995. Por sus méritos literarios, en 1996 el
rey Juan Carlos I le otorgó el marquesado de Iria Flavia, creado ex profeso.
En el año 2000, Camilo José Cela puso la primera piedra, junto a Felipe Segovia Olmo, de
la Universidad Camilo José Cela, de la que es Rector Honorífico.

Índice
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 1Biografía
 2Estrategia política
 3Obra literaria
 4La imagen
 5Premios
 6Obras
o 6.1Novela larga
o 6.2Novela corta, cuentos, fábulas y apuntes carpetovetónicos
o 6.3Artículos y ensayos
o 6.4Libros de viajes
o 6.5Poesía, romances de ciego
o 6.6Otros géneros
 7Notas
 8Enlaces externos

Biografía[editar]

Placa conmemorativa en Vigo.

Camilo José Cela nació en la parroquia de Iria Flavia, perteneciente al término de Padrón, en
la provincia de La Coruña, el 11 de mayo de 1916. Su padre (Camilo Crisanto Cela y
Fernández)2 era gallego y su madre gallega de ascendencia inglesa e italiana(Camila
Emanuela Trulock y Bertorini); su sexto apellido es belga, Lafayette.3 Fue el primogénito de la
familia Cela Trulock y bautizado con los nombres de Camilo José María Manuel Juan Ramón
Francisco Javier de Jerónimo en la Colegiata de Santa María la Mayor. Durante los
años 1921 a 1925 la familia vivió en Vigo, instalándose en 1925 en Madrid, donde Camilo
cursó estudios en el colegio de los Escolapios de la calle General Díaz Porlier.
En 1931, hubo de ser internado en el Sanatorio antituberculoso de Guadarrama, experiencia
que recrearía posteriormente en su novela Pabellón de reposo. Según contara más tarde,
Cela empleó los periodos de inacción que su enfermedad le impuso en intensas lecturas
de Ortega y Gasset y la colección de autores clásicos españoles de Rivadeneyra.
En 1934 terminó sus estudios secundarios en el Instituto San Isidro de Madrid e inició la
carrera de Medicina. No existe demasiada información sobre las actividades que nutrieron su
acervo intelectual (académicas, influencias, amistades, viajes, idiomas o lecturas) y que
cimentaron en el joven Cela su erudición. Se sabe que gustaba asistir de oyente a las clases
de Literatura Española Contemporánea dePedro Salinas en la nueva Facultad de Filosofía y
Letras. Allí se hizo amigo del escritor y filólogo Alonso Zamora Vicente. También trató a Miguel
Hernández y María Zambrano, en cuya casa de la Plaza del Conde de Barajas conoció en
tertulia a Max Aub y otros escritores e intelectuales.
La Guerra Civil estalló mientras él estaba en Madrid, con 20 años y recién convaleciente
de tuberculosis. Cela, de ideas conservadoras, logró escapar a la zona sublevada y se alistó
como soldado, fue herido y hospitalizado en Logroño.
Tres margaritas visitaron la sala n.° 5, en una cesta llevaban los regalos.
—Soldadito, te voy a condecorar con un escapulario del Sagrado Corazón
para que te preserve de todo mal, mira lo que dice: «Deténte, bala, el Corazón de
Jesús está conmigo»—.
El artillero Camilo se puso pálido, se le escapó todo el color de la cara.
—«No, no, muchas gracias, condecore usted a otro, se lo ruego, se lo pido
por favor, yo llevaba uno prendido con un imperdible en la guerrera y aún no hace
un mes me lo sacaron por la espalda, se lo digo con todo respeto, señorita, pero
para mí que el Sagrado Corazón es gafe»—.
Mazurca para dos muertos, pág. 183

Al acabar la guerra decidió no continuar sus estudios

universitarios y entró a trabajar en una Oficina de Industrias
Textiles, donde empezó a escribir lo que sería su novela La
familia de Pascual Duarte. «Empecé a sumar acción sobre acción
y sangre sobre sangre y aquello me quedó como un petardo» ha
dicho Cela al respecto.4
A los 50 años, Cela comenzó a escribir sus memorias y trazó
entonces un amplio proyecto que llamó La cucaña. De aquel plan
solo se editó un libro La rosa5 que termina en los recuerdos de su
infancia. El volumen II se publicó en el año 20016 que abarca
parte de la infancia, la adolescencia y juventud del autor.
Se casó en 1944 con María del Rosario Conde Picavea, maestra
de formación,7 con quien tuvo, dos años después, su único
hijo,Camilo José. Se divorciaría en 19908 para casarse
en 1991 con Marina Castaño López,9 periodista con la que
compartió sus últimos doce años.
Orientado a la literatura y ambicioso, puso en marcha en
plena autarquía un mecanismo que el poeta falangista Dionisio
Ridruejodefinió como «estrategia de la fama, el culto a la
personalidad y la voluntad imperativa».

Estrategia política[editar]
Cela malvivió de colaboraciones con la prensa en la posguerra.
Obtuvo el imprescindible carné de periodista con el apoyo
de Juan Aparicio en 1943.10 Fue censor del régimen. El periodista
Eugenio Suárez, censor confeso, refiere estos primeros años
difíciles de Cela.11 Optó y ocupó un puesto en el Cuerpo Policial
de Investigación y Vigilancia del Ministerio de la Gobernación
del régimen franquista donde trabajó como censor (véase el
recuadro) durante 1943 y 1944. Sus dos primeras obras literarias
fueron censuradas lo que hizo aumentar las expectativas de los
lectores.

EXCELENTÍSIMO SEÑOR COMISARIO GENERAL DE

INVESTIGACIÓN Y VIGILANCIA.

El que suscribe, Camilo José Cela Trulock, de 21 años de

edad, natural de Padrón (La Coruña) y con domicilio en
esta capital, Avenida de la Habana 23 y 24, Bachiller
Universitario (Sección de Ciencias) y estudiante del
Cuerpo Pericial de Aduanas, declarado Inútil Total para el
Servicio Militar por el Tribunal Médico Militar de Logroño
en cuya Plaza estuvo prestando servicio como soldado
del Regimiento de Infantería de Bailén (nº 24), a V.E.
respetuosamente expone:
Que queriendo prestar un servicio a la Patria adecuado a
su estado físico, a sus conocimientos y a su buen deseo
y voluntad, solicita el ingreso en el Cuerpo de
Investigación y Vigilancia.
Que habiendo vivido en Madrid y sin interrupción durante
los últimos 13 años, cree poder prestar datos sobre
personas y conductas, que pudieran ser de utilidad.
Que el Glorioso Movimiento Nacional se produjo estando
el solicitante en Madrid, de donde se pasó con fecha 5 de
octubre de 1937, y que por lo mismo cree conocer la
actuación de determinados individuos.
Que no tiene carácter de definitiva esta petición, y que se
entiende solamente por el tiempo que dure la campaña o
incluso para los primeros meses de la paz si en opinión
de mis superiores son de utilidad mis servicios.
Que por todo lo expuesto solicita ser destinado a Madrid
que es donde cree poder prestar servicios de mayor
eficacia, bien entendido que si a juicio de V.E. soy más
necesario en cualquier otro lugar, acato con todo
entusiasmo y con toda disciplina su decisión.
Dios guarde a V.E. muchos años.
La Coruña a 30 de marzo de 1938. II Año Triunfal.
Fdo. Camilo José Cela
Conquistado literariamente Madrid, se trasladó a Palma de
Mallorca (1954–1989), donde se introdujo en el negocio editorial
creando en 1956, con Caballero Bonald como secretario de
redacción, una revista literaria llamada Papeles de Son
Armadans(1956–1979) que Cela supo orientar más allá del
sectarismo propio de aquellos tiempos, apoyando la participación
de relevantes escritores del exilio.12 También creó la editorial
Alfaguara, donde se publicaron sus obras y las de otros muchos
autores del momento.13 A pesar de su mayor estabilidad
económica Cela demostró su talante mercantilista y su
connivencia con el poder político del tardofranquismo.
El profesor Ysàs desveló en 2004 con documentos cómo
personas de renombre de la literatura española, como era ya
Camilo José Cela, se ofrecieron a colaborar con el Ministerio de
Información en los años de la Transición con el objeto de
reconducir, o mejor dicho frenar, la disidencia de otros
compañeros.14 Cela sugirió que algunos intelectuales, disidentes
en apariencia, podrían ser sobornados, «domesticados» o
convertidos en fieles al sistema. Incluso llegó a sumarse a un
grupo de escépticos e inconformistas simulados para poder así
espiar sus actividades. Conociendo las dificultades del oficio,
entre otros trucos Cela proponía la compra de libros a ciertos
autores para favorecerlos, o hacerles contratos de edición en
alguna editorial que colaborara con el franquismo, y si era preciso
que se crease al efecto, aumentándoles el porcentaje a percibir
para ganárselos.
Presidió la Sociedad de Amistad España-Israel, constituida en
los años 70 con el fin de ayudar al establecimiento de relaciones
diplomáticas entre los dos países y a fomentar las relaciones
culturales, bajo la idea de los elementos judíos constitutivos de la
cultura española.
Cela fue nombrado senador en las primeras Cortes Generales de
la transición democrática y tomó parte activa en la revisión que
el Senado efectuó del texto constitucional elaborado en el
Congreso de los Diputados. Su enmienda consistió en denominar
a la lengua oficial del Estado como «castellano o español» y que
el color «gualda» (término casi exclusivo del léxico de
la heráldica) de la bandera española sea designado como
«amarillo». Con el comienzo del año de 1979 y con la
convocatoria de nuevas elecciones generales, Cela concluyó su
etapa de senador por designación real.

Obra literaria[editar]
En 1938, concluyó Pisando la dudosa luz del día, poemario
surrealista, cuando la Guerra Civil española ya había estallado y
Madrid estaba asediado (el libro sería publicado luego en 1945).
En 1942, la Editorial Aldecoa, situada en la calle Diego de Siloe
de Burgos, publicó la primera novela del joven escritor
gallego. 15 La familia de Pascual Duarte, novela que se desarrolla
en la Extremadura rural de antes de la Guerra Civil y durante ella
y en la que su protagonista cuenta la historia de su vida, en la
que se presenta la violencia más cruda como única respuesta
que conoce a los sinsabores de su existencia. Este libro inauguró
un nuevo estilo en la narrativa española, conocido con el término
«tremendismo». Fue llevada al cine con el título de Pascual
Duarte en 1975, bajo la dirección de Ricardo Franco, y fue
presentada en competición oficial en el Festival de
Cannes de 1976, donde el actor protagonista, José Luis Gómez,
recibió el Premio a la Mejor Interpretación Masculina.
A partir de aquí Cela concibió la novelística como un género en
libertad: el escritor no debe someterse a ninguna norma, de ahí
su voluntad experimental que hace que cada una de sus obras
sea diferente y que en cada una ensaye una técnica diferente.
Mezclando sabiamente los recursos narrativos de las
vanguardias del siglo XX, se convirtió en un artista «rompedor».
Descubrió la infalible fórmula literaria que utilizará en adelante:
equilibrada aleación de humor, ternura, horror, desenfado verbal
y léxico escatológico.16 Al contrario de otros autores, Cela explica
detenidamente o anuncia, en prólogos, paratextos y entrevistas
todo lo que escribe y por qué lo hace.
Una de sus obras maestras, La colmena, se editó primeramente
en 1951 en Buenos Aires, ya que la censura había prohibido su
publicación en España a causa de sus pasajes eróticos.
Posteriormente, durante el mismo franquismo, Manuel Fraga,
como Ministro del Interior, autorizó personalmente la primera
edición española. La novela cuenta retazos de las historias de
múltiples personajes que se desarrollan en el Madrid de los
primeros años del franquismo. Muchos críticos consideran que
esta obra incorpora la literatura española a la novelística
moderna. El mismo autor definió esta obra como «esta crónica
amarga de un tiempo amargo» en el que el principal protagonista
es el «miedo». Está considerada por parte de la crítica
especializada como una de las mejores novelas españolas del
segundo tercio del siglo XX. Fue llevada al cine bajo la dirección
de Mario Camus en 1982, en película donde el propio Cela
participó como guionista y actor.
Tenía pactadas con el régimen del dictador venezolano Marcos
Pérez Jiménez,17 a precio de oro y para los siguientes 10 años,
una serie de cinco o seis novelas (Historias de Venezuela)
propagandísticas a favor de aquella dictadura. La catira fue la
primera, publicada en 1955. Cela quiso refundar literariamente
Venezuela; incluso se aplicó para crear una nueva lengua,
la llanera, que fue una impostura absoluta. Se parecía al español
rústico, una lengua barbárica que cortaba las palabras por el
final. Cela cobró por La catirauna suma bastante alta para la
época: unos tres millones de pesetas, según el testimonio de su
hijo en su biografía Cela, mi padre.18
El caso de Cela fue especial. Su encargo se insertó en una
ofensiva diplomática para promocionar el Perezjimenismo y sus
programas de inmigración en el exterior, pero también para
vender culturalmente el franquismo. No hay que olvidar que
160.000 españoles se instalaron por entonces en Venezuela.
Pero La catira provocó tal escándalo en los círculos culturales del
país que la colaboración entre la dictadura del coronel Pérez
Jiménez y el escritor gallego quedó liquidada y no hubo
más Historias de Venezuela.19 20

«Siempre bajo el título genérico de Historias de

Venezuela voy anotando datos y escenas para los
siguientes libros, aparte del que hoy me ocupa, claro es
[La catira], y que podríamos llamar la novela del llano: La
flor del frailejón, novela de los Andes, La cachucha y el
pumpá, novela de Caracas, Oro chocano, la novela de
Guayana, Las inquietudes de un negrito mundano, novela
del Caribe, y una última aún sin título definitivo sobre el
mundo del petróleo» (...). «Pienso que, si en un plazo de
10 años, lográsemos tener esa panorámica literaria de
nuestro —¿por qué va ser más de usted que mío?—
complejo y apasionante país, Venezuela se encontraría a
la cabeza de todos los temarios novelísticos de cualquier
escritor europeo».

Busto de Camilo José Cela en Guadalajara.

San Camilo, 1936 (1969), obra de gran categoría, ambientada,

como su título indica («Vísperas, festividad y octava de San
Camilo 1936 en Madrid»), en la semana precedente al estallido
de la Guerra Civil Española, está escrita en un monólogo interior
continuo. Estilo parecido se encuentra en su obra Cristo versus
Arizona(1994), una de sus novelas más enigmáticas, basada en
los sucesos de 1881 del OK Corral, la cual está escrita en una
única y larga oración con el uso de un solo punto (el final). Son
narraciones caóticas, con aparición de cientos de personajes y
empleo de técnicas cubistas de fragmentación y collage.
Fue un viajero incansable que anduvo con la mochila al hombro
por las tierras de España. El escritor manifestó su voluntad de
recorrer únicamente tierras españolas, no le interesaba lo
exótico, ni lo lejano.21 Sus libros de viaje, que incluyen Viaje a la
Alcarria (1948), el más célebre, y Del Miño al Bidasoa que relata
la historia de un vagabundo que va desde el río Miño hasta el
Bidasoa y que lo une con Asturias, comunidad autónoma en la
que le entregaron el premio Príncipe de Asturias. (1952), le
dieron cierta fama de hombre andariego, fornicador y
tragaldabas.16
La insólita y gloriosa hazaña del cipote de Archidona (1977), no
demasiado conocida para el público en general, es, sin duda, una
de sus obras más divertidas, destacándose que narra un hecho
real. Literariamente pertenece al género epistolar: reúne la
delirante correspondencia mantenida entre Cela y su amigo y
académico Alfonso Canales.22Básicamente se comentaban todo
suceso extraordinario y normalmente relacionado con la gente
común y sus costumbres y hábitos sexuales o estrambóticos en
general. Fue llevada al cine con mucho éxito.
María Sabina. Oratorio dividido en 1 pregón (que se repite) y 5
melopeas. Libreto inspirado en la celebrada mujer de
conocimiento mazateca. La primera edición de esta obra fue
publicada en la revista Papeles de Son Armadans, en diciembre
de 1967. Se estrenó, con música de Leonardo Balada, en
el Carnegie Hall de Nueva York, el 17 de abril de 1970. Un mes
más tarde, el Teatro de la Zarzuela recibía con manifiesta
hostilidad de crítica y público esta ópera inscrita en una línea de
ruptura que por aquellos tiempos alcanza otra significativa
expresión novelística.
Camilo José Cela fue elegido, en febrero de 1957, miembro de
la Real Academia Española, donde ocupó el sillón Q. Su discurso
de presentación tuvo lugar el día 27 de mayo del mismo año. En
su discurso, al que respondió Gregorio Marañón, trató de la obra
literaria del pintor José Gutiérrez Solana (1886–1945).

La imagen[editar]

Cela (a la derecha) y Gaspar Sánchez Salas.

 Estatua de Camilo José Cela en Padrón.

Tenía grandes dotes de actor, entre ellas una voz poderosa, una
excepcional capacidad paródica, sabia dosificación de la
expectativa y la sorpresa, empatía con el auditorio y un gran
sentido del espectáculo.23 Su primera incursion como guionista y
actor fue en el largometraje El Sótano dirigido en 1949 por el
cineasta Jaime de Mayora, en el que interpreta uno de los
papeles protagonistas.24 Cela siempre se mantuvo independiente
y a contrapelo de muchas tendencias aun reconociendo una
«grave falta de interés por la aventura intelectual». Mantuvo sus
ideas políticas derechistas, y el hecho de haber combatido y
trabajado a favor del campo nacionalista, le granjearon la
enemistad del establishment literario "progresista" y la de los
gobiernos socialistas de la época.16 A ello contestaba Cela con su
humor dedicando algunos de sus libros «a mis enemigos que
tanto me han ayudado en mi carrera».
Considerado como «gran farsante», por la constante antinomia
que mantuvo durante su vida entre lo que decía y lo que hacía,
Cela propició una especie de relaciones públicas al revés. Era
pronto para la imprecación y el exabrupto.25
En octubre de 1989 le fue concedido el Premio Nobel de
Literatura según la propia Academia sueca: «...por la riqueza e
intensidad de su prosa, que con refrenada compasión encarna
una visión provocadora del desamparo de todo ser humano».
En 1994 recibió el Premio Planeta. La obra premiada de Cela, La
Cruz de San Andrés, dio origen a un juicio por
supuesto plagio que ha sido reabierto,26 al haber sido denunciado
por una de las participantes que enviaron manuscritos al citado
certamen, si bien los peritos judiciales que intervinieron
descartaron la existencia de plagio.
En 1995 recibió el Premio Cervantes, el más prestigioso galardón
literario de los países de lengua española.
Murió el 17 de enero de 2002 a los 85 años. Sus últimas palabras
fueron: ¡Viva Iria Flavia!.27

Premios[editar]
 Premio de la Crítica de narrativa castellana (1956)
 Gran cruz de la Orden de Isabel la Católica (1980)
 Premio Nacional de Narrativa (1984)
 Premio Sant Jordi de las Letras (1986)
 Premio Ramón de Carranza (1986)
 Premio Príncipe de Asturias de las Letras (1987)
 Premio Nobel de Literatura (1989)
 Premio Mariano de Cavia de Periodismo (1992)
 Premio Planeta (1994)
 Premio Cervantes (1995)

Obras[editar]
Novela larga[editar]
 La familia de Pascual Duarte (1942)
 Pabellón de reposo (1943)
 Nuevas andanzas y desventuras de Lazarillo de
Tormes (1944)
 La colmena (1951)
 Mrs Caldwell habla con su hijo (1953)
 La catira. Historias de Venezuela (1955). Premio de la Crítica
 Tobogán de hambrientos (1962)
 San Camilo, 1936 (1969)
 Oficio de tinieblas 5 (1973)
 Mazurca para dos muertos (1983). Premio Nacional de
Narrativa
 Cristo versus Arizona (1988)
 El asesinato del perdedor (1994)
 La cruz de San Andrés (1994). Premio Planeta
 Madera de boj (1999)
Novela corta, cuentos, fábulas y apuntes
carpetovetónicos[editar]
 Esas nubes que pasan (1945)
 El bonito crimen del carabinero y otras invenciones (1947)
 El gallego y su cuadrilla y otros apuntes
carpetovetónicos (1949)
 Timoteo el incomprendido (1952)
 Santa Balbina 37, gas en cada piso (1952)
 Café de artistas y otros relatos (1953)
 Baraja de invenciones (1953)
 Ensueños y figuraciones (1954)
 El molino de viento y otras novelas cortas (1956)
 Nuevo retablo de don Cristobita. Invenciones, figuraciones y
alucinaciones (1957)
 Historias de España. Los ciegos. Los tontos (1958)
 Los viejos amigos (1960)
 Gavilla de fábulas sin amor (1962)
 El solitario y los sueños de Quesada (1963)
 Toreo de salón. Farsa con acompañamiento de clamor y
murga (1963)
 Once cuentos de fútbol (1963)
 Izas, rabizas y colipoterras. Drama con acompañamiento de
cachondeo y dolor de corazón (1964)
 Nuevas escenas matritenses (1965)
 La familia del héroe (1965)
 El ciudadano de Iscariote Reclús (1965)
 La bandada de palomas (1970)
 La mancha en el corazón y los ojos (1971)
 Cinco glosas y otras tantas verdades de la silueta que un
hombre trazó de sí mismo (1971)
 Balada del vagabundo sin suerte (1973)
 El tacatá oxidado. Florilegio de carpetovetonismos y otras
lindezas (1974)
 Cuentos para después del baño (1974)
 Rol de cornudos (1976)
 La insólita y gloriosa hazaña del cipote de Archidona (1977)
 El espejo y otros cuentos (1981)
 Las orejas del niño Raúl (1985)
 Vocación de repartidor (1985)
 Los Caprichos de Francisco de Goya y Lucientes (1989)
 El hombre y el mar (1990)
 Torerías (1991)
 Cachondeos, escarceos y otros meneos (1993)
 La sima de las penúltimas inocencias (1993)
 La dama pájara y otros cuentos (1994)
 Historias familiares (1999)
 Cuaderno de El Espinar. Doce mujeres con flores en la
cabeza (2002)
Artículos y ensayos[editar]
 Mesa revuelta (1945)
 La naranja es una fruta de invierno (1951)
 Mis páginas preferidas (1956)
 Recuerdo de don Pío Baroja (1957)
 Cajón de sastre (1957)
 La obra literaria del pintor Solana (1957)
 La rueda de los ocios (1957)
 Cuatro figuras del 98: Unamuno, Valle-Inclán, Baroja y
Azorín (1961)
 Garito de hospicianos o guirigay de imposturas o
bombollas (1963)
 Las compañías convenientes y otros fingimientos y
cegueras (1963)
 Diez artistas de la escuela de Mallorca (1963)
 Al servicio de algo (1969)
 La bola del mundo. Escenas cotidianas (1972)
 Fotografías al minuto (1972)
 A vueltas con España (1973)
 Los sueños vanos, los ángeles curiosos (1979)
 Los vasos comunicantes (1981)
 Vuelta de hoja (1981)
 Lectura del Quijote (1981)
 El juego de los madroños (1983)
 El asno de Buridán (1986)
 Dedicatorias (1986)
 Conversaciones españolas (1987)
 Páginas escogidas (1991)
 Desde el palomar de Hita (1991)
 El camaleón soltero (1992)
 El huevo del juicio (1993)
 A bote pronto (1994)
 El color de la mañana (1996)
Libros de viajes[editar]
 Viaje a la Alcarria (1948)
 Ávila (1952)
 Del Miño al Bidasoa. Notas de un vagabundaje (1952)
 Cuaderno del Guadarrama (1952)
 Vagabundo por Castilla (1955)
 Judíos, moros y cristianos. Notas de un vagabundaje por
Ávila, Segovia y sus tierras (1956)
 Primer viaje andaluz. Notas de un vagabundaje por Jaén,
Córdoba, Sevilla, Huelva y sus tierras (1959)
 Páginas de geografía errabunda (1965)
 Viaje al Pirineo de Lérida (1965)
 Madrid. Calidoscopio callejero, marítimo y campestre de
Camilo José Cela para el Reino y Ultramar (1966)
 Barcelona. Calidoscopio callejero, marítimo y campestre de
Camilo José Cela para el Reino y Ultramar (1970)
 Nuevo viaje a la Alcarria (1986)
 Galicia (1990)
Poesía, romances de ciego[editar]
 Pisando la dudosa luz del día. Poemas de una adolescencia
cruel (1945)
 El monasterio y las palabras (1945)
 Cancionero de la Alcarria (1948)
 Tres poemas gallegos (1957)
 La verdadera historia de Gumersinda Costulluela, moza que
prefirió la muerte a la deshonra (1959)
 Encarnación Toledano o la perdición de los hombres (1959)
 Viaje a U.S.A. o el que la sigue la mata (1965)
  Dos romances de ciego (1966)
 Reloj de arena, reloj de sol, reloj de sangre (1989)
 Poesía completa (1996)
Otros géneros[editar]
 El Sótano (1949) — cine
 La cucaña, I. Memorias de Camilo José Cela. La rosa (1959)
— memorias
 María Sabina (1967) — teatro
 Diccionario secreto. Tomo 1 (1968) — lexicografía
 Homenaje a El Bosco, I. El carro de heno o el inventor de la
guillotina (1969) — teatro
 Diccionario secreto. Tomo 2 (1971) — lexicografía
 Enciclopedia del erotismo (1976) — lexicografía
 La cucaña, II. Memorias de Camilo José Cela. Memorias,
entendimientos y voluntades (1993) — memorias
 Diccionario geográfico popular de España (1998) —
lexicografía
 Homenaje a El Bosco, II. La extracción de la piedra de la
locura o la invención del garrote vil (1999) — teatro.

Octavio Irineo Paz y Lozano 1

(Ciudad de
México, 31 de marzo de 1914-19 de abril de 1998) fue
un poeta, escritor, ensayista ydiplomático mexicano, Premio Nobel de Literatura en 1990. Se
le considera uno de los más influyentes escritores del siglo XX y uno de los grandes poetas
hispanos de todos los tiempos.2 Su extensa obra abarcó géneros diversos, entre los que
sobresalieron poemas, ensayos y traducciones.

Índice
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 1Biografía
o 1.1Primeros años
o 1.2Vida de estudiante
o 1.3Primeras experiencias literarias
o 1.4Muerte
 2Estilo literario
 3Obras
o 3.1Poesía
o 3.2Ensayo
o 3.3Teatro
o 3.4Traducción
o 3.5Antología
o 3.6Correspondencia
o 3.7Edición definitiva de sus obras completas
 4Premios y distinciones
 5Referencias
 6Bibliografía
 7Enlaces externos

Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Octavio Paz nació el 31 de marzo de 1914, durante la Revolución mexicana. Apenas pasados
unos meses, al unirse su padre al movimiento zapatista junto con Antonio Díaz Soto y Gama,
su madre le llevó a vivir a la casa del abuelo paterno, Ireneo Paz, en Mixcoac, entonces un
poblado cercano a la ciudad de México. Ahí radicaron hasta que Octavio Paz Solórzano tuvo
que asilarse en Los Ángeles con la representación de Zapata ante los Estados Unidos, cargo
que mantendría hasta 1919, año del asesinato de Zapata.
En ese tiempo lo cuidaron su madre Josefina Lozano, su tía Amalia Paz Solórzano y su abuelo
paterno, Ireneo Paz (1836-1924), un soldado retirado de las fuerzas de Porfirio Díaz,
intelectual liberal y novelista. Su padre, Octavio Paz Solórzano (1883-1935), el menor de siete
hermanos, trabajó como escribano y abogado para Emiliano Zapata; estuvo involucrado en la
reforma agraria que siguió a la Revolución, fue diputado y colaboró activamente en
el movimiento vasconcelista.3 4 5 Todas estas actividades provocaron que el padre se
ausentara de casa durante largos periodos.

Vida de estudiante[editar]
Su educación se inició en los Estados Unidos, en donde Paz Solórzano llegó en octubre de
1916 como representante de Zapata.6
La estancia en los Estados Unidos, de casi dos años, significó para Octavio Paz el
enfrentamiento con la imposibilidad de comunicarse; según recuerda Paz, en Los Ángeles sus
padres lo llevaron a un colegio, «y como yo no hablaba una sola palabra de inglés me costó
mucho trabajo comunicarme con mis compañeros. El primer día hubo burlas y, claro, una
pelea. Regresé a mi casa con el traje desgarrado, un ojo semicerrado y la boca rota. A los dos
años volvía a México y sufrí lo mismo entre mis compatriotas: otra vez burlas y puñetazos».7
En 1929 José Vasconcelos se lanza a la gran aventura de buscar la presidencia, apoyado por
aspiraciones legítimas de un sector social identificado con la autonomía universitaria.
Arrebatado por la huelga estudiantil, Octavio Paz, pese a no haber participado en el
movimiento vasconcelista, comulgó con el ideal que lo guiaba, se vio envuelto «en la gran fe
vasconcelista, en ese fervor que posteriormente produjo muchas cosas y, entre ellas, una
organización de estudiantes pro obrero y campesino de la que a su vez surgieron muchas
gentes que con los años se convirtieron al marxismo o al sinarquismo».8 .
Octavio Paz se adhirió al anarquismo sostenido por José Bosch, un joven catalán a quien
conocería entonces y que lo introduciría al «pensamiento libertario». Momento también de
elecciones, Paz se enfrentaría a la que sería la disyuntiva de su generación: política o
violencia, «de ahí la predisposición de algunos a las soluciones extremas: las tendencias al
fascismo o al marxismo. Yo me identifiqué con la gente de izquierda».[cita requerida]
Asumiendo esta elección, y siendo consecuente con ella, es como a los quince años Octavio
Paz se convierte en activista de la fugaz Unión de Estudiantes Pro Obreros y Campesinos, y
se inicia en la lectura de Kropotkin, Eliseo Réclus, José Ferrer y Proudhon, antecedentes con
los que ingresa a la Escuela Nacional Preparatoria de San Ildefonso, donde habría de
encontrar a un viejo conocido de su padre, Antonio Díaz Soto y Gamaliel Santana
Banda quien, como profesor y amigo, le haría compartir la idea de que el movimiento
zapatista encarnaba el verdadero espíritu de la Revolución.
Primeras experiencias literarias[editar]
Deslumbrado, literalmente, por la lectura de The Waste Land de T. S. Eliot, traducido por
Enrique Munguía como El páramo, y publicado en la revista Contemporáneos en 1930. Por
eso, aunque mantuviese en sus actividades un prioritario interés en la poesía, atendía desde
la prosa un panorama inevitable: "Literalmente, esta práctica dual fue para mí un juego de
reflejos entre poesía y prosa".
Preocupado por confirmarse la existencia de vínculos entre la moral y la poesía, escribió en
1931, a los dieciséis años, el que sería su primer artículo publicado, «Ética del artista», donde,
antes de plantearse la pregunta sobre el deber del artista entre lo que denomina arte de tesis
o arte puro, descalifica al segundo en razón de la enseñanza de la tradición. Asimilando un
lenguaje que recuerda al estilo religioso y, paradójicamente, marxista, encuentra el verdadero
valor del arte en su intención, en su sentido, por lo que, los seguidores del arte puro, al
carecer de él, se encuentran en una posición aislada y favorecen la idea kantiana del «hombre
que pierde toda relación con el mundo».9
La revista Barandal apareció en agosto de 1931, dirigida por Rafael López Malo, Salvador
Toscano, Arnulfo Martínez Lavalle y Octavio Paz, jóvenes antecedidos, excepto por Salvador
Toscano, por cierta celebridad literaria debida a sus padres. Rafael López participó en la
revista "Moderna" y, al igual que Miguel D. Martínez Rendón, en el movimiento de los
agoristas, aunque era más comentado y conocido por los estudiantes preparatorianos, sobre
todo por su poema "La bestia de oro". A Octavio Paz Solórzano se le conocía en este círculo
como el autor ocasional de narraciones literarias aparecidas en el suplemento dominical del
periódico El Universal, además de que Ireneo Paz era el nombre que le daba ya identidad a
una calle de Mixcoac.
En medio de encuentros, verdaderas confrontaciones, entre representantes de la generación
del Ateneo y de los Siete Sabios, sobre las ruinas de un positivismo sobreviviente en crónicas
periodísticas, donde se debatían las posibilidades del materialismo histórico, el realismo
socialista crecía como la única doctrina viable, a la que debían apegarse todos, o casi todos,
los que simpatizaran con las promesas del comunismo. Octavio Paz, cercano a estas ideas,
fundó, después de la desaparición de la revista Barandal, y ya estando inscrito en la Escuela
de Derecho de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), unos Cuadernos del
Valle de México que sólo lograrían aparecer por dos números, pero que sirvió para, además
de publicar algunos poemas, constatar que el grupo original no tendría la solidez para la
continuación de una empresa en común.
En 1933, Octavio Paz publicó el poemario Luna Silvestre, editado por Miguel N. Lira, que
revelaba ya cierta asimilación de temas románticos; como expresa Carlos H. Magis, «los
poemas de Luna Silvestre tocan aspectos del espíritu romántico vigentes aún en la poesía
moderna: el desprendimiento de la realidad puramente sensible, el misterio de la poesía, la
verdad del sueño».10
Los siete poemas de Luna silvestre no tendrían cabida en la revisión que Paz hiciera
posteriormente de su obra, pero revelan a pesar de ello un rigor en la palabra mecida en la
sensualidad de sí misma, seducida por la presencia inasible de la mujer, de la naturaleza. El
deseo y la pasión andan por los poemas como desprendidos del silencio y de la memoria, se
recrean y se recuerdan, se fijan y se desvanecen en el pronunciamiento.11
En este momento, prendido a una escritura de tipo intimista, Paz tendrá oportunidad de
mostrar sus poemas a Rafael Alberti, quien le señalará una contradicción entre su ideal
revolucionario de la poesía y de la política. Llegado a México en 1934, Rafael
Alberti representaba la encarnación del poeta de los nuevos tiempos, el advenimiento de un
lenguaje socialista congruente con la poesía: su presencia fue un acontecimiento que fascinó
sobre todo a los más jóvenes, teniendo en ellos a sus mejores lectores. «Abanderado con el
poema La toma del poder de Louis Aragón», según recuerda Efraín Huerta, Alberti venía como
afiliado del Partido Comunista Español para dictar una serie de conferencias, después de las
cuales se reunía con los jóvenes poetas, entre ellos Octavio Paz, quien recuerda que «Una
noche, todos los que lo rodeábamos le leímos nuestros poemas... Todos éramos de izquierda
pero ya desde entonces sentía cierta desconfianza ante la poesía política y la literatura que
después se llamó 'comprometida'. En aquella época, en 1934, Alberti escribía una poesía
política –es la época de Consignas–, aquel librito en el que había afirmado que la poesía
debía estar al servicio del partido comunista, una posición muy semejante a la de Louis
Aragón en Francia. Y cuando yo le enseñé mis poemas a Alberti, él me dijo: 'Bueno, esto no
es poesía social' (al contrario, era una poesía intimista –una palabra horrible ésta, intimista,
pero eso era: intimista–), 'no es una poesía revolucionaria en el sentido político', dijo Alberti,
'pero Octavio es el único poeta revolucionario entre todos ustedes, porque es el único en el
cual hay una tentativa por transformar el lenguaje'».12
La confrontación con la fatalidad provoca rebeldías: Octavio Paz, recogido en si mismo, se
enfrenta a si mismo. La calidad de sus expresiones románticas empieza a cobrar verdadero
sentido y empieza a realizar una lectura más atenta de San Juan de la Cruz, de Novalis,
de Rilke y de D. H. Lawrence, en quienes encuentra el mismo interés por tender puentes entre
la vida y la poesía, entre la realidad y el mito: develamiento de aquel punto de intersección que
llamará «comunión». La redacción del diario íntimo que comenzará a expresar, sólo conocerá
la publicación hasta cuatro años después, en 1938, bajo el título de Vigilias: diario de un
soñador, en la revista Taller, cuando hayan sucedido dos hechos trascendentales en su vida,
su estancia en Yucatán y la Guerra Civil Española.
A fines de 1936, Octavio Paz escribiría la primera versión del libro de poemas Raíz del
Hombre, que fue publicada en enero del siguiente año. El libro fue saludado por dos reseñas:
una, crítica y aguda, de Jorge Cuesta, la otra, despiadada e intranquila, de Bernardo Ortíz de
Montellano; ambas, publicadas en el número dos de la revista Letras de México, reflejan la
visión de un grupo forjado en los ataques y la incomprensión.
Jorge Cuesta, conocido de Paz desde 1935, le destaca una voluntad para dejarse consumir
por su objeto, le reconoce en posesión de un destino y le advierte una filiación con la voces
de Ramón López Velarde, Carlos Pellicer, Xavier Villaurrutia y Pablo Neruda. Raíz del
Hombre, en gran medida, despejará el silencio que entornara a Luna silvestre y a¡No
pasarán!; en su relación con los Contemporáneos modificará la visión que había provocado su
último poema –considerado por Bernardo Ortíz de Montellano como un texto que no era
poesía; será también el poemario que lo dará a conocer frente a Pablo Neruda y que le
permitirá ser invitado al Congreso de Intelectuales Antifascistas en España–.
Aunque Paz conocía a algunos de los Contemporáneos desde su época de Barandal, el libro y
su recepción le valieron conocerlos a todos ellos juntos. Frente a Xavier Villaurrutia y Jorge
Cuesta, Ortíz de Montellano, José y Celestino Gorostiza, Samuel Ramos, Octavio G. Barreda
(director de Letras de México), Jaime Torres Bodet, Enrique González Rojo y el abate
Mendoza, Paz fue, nuevamente cuestionado: «Me interrogaron largamente sobre la
contradicción que les parecía advertir entre mis opiniones políticas y mis gustos poéticos».13
Plegándose, entonces, sobre su propia angustia, Octavio Paz entendió que sólo con la
renuncia podría obtener. Renunciar a los estudios de Derecho, renunciar a la familia, renunciar
a la ciudad: acción de desprendimiento que intentaba, o que era símil, de la instauración de
una congruencia entre la política y la poética, congruencia vista, pero no sentida. Parte en
1937 hacia Mérida (Yucatán), por un periodo de cuatro meses en los que, junto con Octavio
Novaro y Ricardo Cortés Tamayo, participa en la fundación de una escuela secundaria para
hijos de trabajadores, en los que escribe para El Diario del Sureste -mismo periódico en el que
un año antes colaborara Efraín Huerta-, en los que ayuda a organizar un Comité Pro-
Democracia Española, en los que escribe el poema «Entre la piedra y la flor».
Hora de palpar la realidad, Octavio Paz se encuentra con una tierra entrañable y extraña,
acogedor espacio que se ata por la memoria y se desvanece en el filo del descubrimiento; otra
vida, otra presencia late y se respira enmedio del calor: la de lo indígena, imagen que en la luz
se erige como un signo para ser descifrado o comprendido, que exige una acción, como dice
Octavio Paz: «De este encuentro parte, en realidad, todo intento de comprensión, todo
esfuerzo por acercarse a lo que verdaderamente mueve a la Península. Aquí lo indígena no
significa el caso de una cultura capaz de subvivir, precaria y angustiosamente, frente a lo
occidental, sino el de los rasgos perdurables y extraordinariamente vitales de una raza que
tiñe e invade con su espíritu la superficial fisonomía blanca de una sociedad».14
En junio de 1937, las actividades de Octavio Paz en Yucatán se vieron de pronto
interrumpidas por una «carta de invitación al Congreso. La carta, me parece, la firmaban Pablo
Neruda y Rafael Alberti».15 Se trataba del II Congreso Internacional de Escritores Antifascistas
que había de celebrarse del 4 al 17 de julio de 1937 en Madrid, Barcelona y Valencia, ciudad
esta última donde se encontraba la sede del gobierno republicano presidido por Juan Negrín.
Al evento, mecido entre una tímida distancia crítica y una coronación del dogmatismo, asistiría
más de un centenar de escritores, entre los que se encontraban André Malraux,Tristan
Tzara y Julien Benda, de Francia; M. Koltszov y A. Tolstoi, de Rusia; W. H. Auden y Stephen
Spender, de Inglaterra; Malcom Cowley, John Dos Passos y Ernest Hemingway, de Estados
Unidos; Alejo Carpentier, Nicolás Guillén y Juan Marinello, de Cuba; César Vallejo, de
Perú; González Tuñón, de Argentina; Vicente Huidobro y Pablo Neruda, de Chile; José
Bergamín, Antonio Machado y Rafael Alberti, de España; y de parte de México la delegación
de la LEAR: José Chávez Morado y Fernando Gamboa –quienes montarían la exposición Cien
años de Grabados Políticos Mexicanos–, José Mancisidor, Juan de la Cabada, Silvestre
Revueltas –quien a su regreso a México realizaría el Homenaje a García Lorca– y la
pedagoga Ma. Luisa Vera. Invitado por Neruda y Alberti, asistiría también Carlos Pellicer,
conocido por su catolicismo y franco antifascismo; él, al igual que Paz, eran los únicos
mexicanos que no pertenecían a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, aunque, a
diferencia de éste, no era mirado con tanta suspicacia y menos con la desaprobación de
algunos grupos por su reticencia frente a la doctrina del realismo socialista; Paz viajaba así
con la velada acusación de ser trotskista, sin serlo.
El viaje de Octavio Paz a España estaba antecedido por una admiración a los poetas de la
generación del 27, conocidos en México sobre todo por la Antología poética en honor a
Góngora que dirigiera Gerardo Diego con motivo de la celebración y recuperación del poeta
barroco a trescientos años de su muerte, y en la que la propuesta de Diego era la de crear
objetos verbales que en su ensalmo rebasaran al verso. En esta antología se daban a conocer
poesías de García Lorca, Pedro Salinas, Jorge Guillén y Manuel Altolaguirre. Con esta
procedencia, Octavio Paz iba al encuentro de una generación debatida en la búsqueda de una
alternativa para la poesía que se enfrentaba a una realidad insumisa a la proclama de un
hombre nuevo.
Junto con Carlos Pellicer, Octavio Paz llegó a París el 1o. de julio de 1937. Ahí conoció a
Neruda y a Vallejo, al «mito nacido del océano» y al «vagabundo de la ciudad», como les
llamó. De París fueron a Barcelona y de ahí a Valencia, donde sería la inauguración.
Su padre se retiró de la política en 1928, y murió el 10 de marzo de 1935, en la colonia Santa
Marta Acatitla, al ser arrollado por un tren,16 en un accidente ocasionado por su
embriaguez.[cita requerida] Después de la muerte de su padre, se trasladó a España para combatir
en el bando republicano en la guerra civil, y participó en la Alianza de Intelectuales
Antifascistas. Al regresar a México fue uno de los fundadores de Taller (1938) y El Hijo
Pródigo.[cita requerida]
En 1937 viajó a Yucatán como miembro de las misiones educativas del general Lázaro
Cárdenas en una escuela para hijos de obreros y campesinos de Mérida. Ahí comenzó a
escribir Entre la piedra y la flor (1941, revisado en 1976), poema sobre la dramática
explotación del campo y el campesino yucateco. Estuvo casado con la dramaturga, escritora y
poeta Elena Garro a quién conoció en la UNAM (1938-1959), con quien tuvo una hija, Laura
Helena, divorciándose en 1950. En 1959 se unió a Bona Tibertelli de Pisis, con quien convivió
hasta 1965, mientras era embajador de México en la India. Al año siguiente contrajo
matrimonio con la francesa Marie José Tramini, su compañera hasta el final.
En 1937, Paz fue invitado a España durante la guerra civil como miembro de la delegación
mexicana al Congreso Antifascista, donde mostró su solidaridad con los republicanos, y donde
conoció y trató a los poetas de la revista Hora de España, cuya ideología política y literaria
influyó en su obra juvenil. Sin embargo, como confesó años después en la serie
televisiva Conversaciones con Octavio Paz, ese sentimiento de solidaridad con la causa
republicana se vio afectado por la represión contra los militantes del Partido Obrero de
Unificación Marxista de Cataluña entre quienes tenía camaradas. Este prolongado proceso de
desilusión lo llevaría a denunciar los campos de concentración soviéticos y los crímenes
de Stalin en marzo de 1951.
A su regreso de España, participó en 1938 como cofundador en la revista literaria Taller, en la
que escribió hasta 1941.
En 1943 recibió la Beca Guggenheim e inició sus estudios en la Universidad de California,
Berkeley en los Estados Unidos. Dos años después comenzó a servir
comodiplomático mexicano, y fue destinado a Francia donde permaneció hasta 1951 y donde
conoció a los surrealistas, que le influyeron, y colaboró en la revista Esprit.17 Durante esa
estancia, en 1950, publicó El laberinto de la soledad, un innovador ensayo antropológico sobre
los pensamientos y la identidad mexicanos.
De enero a marzo de 1952 trabaja en la embajada mexicana en la India y después, hasta
enero de 1953, en Japón. Regresa a la Ciudad de México a dirigir la oficina de Organismos
Internacionales de la Secretaría de Relaciones Exteriores.
En 1954, Paz tuvo «una participación muy estrecha en la fundación de la Revista Mexicana de
Literatura, influenciada «políticamente con la idea de la llamada 'tercera vía', que significaba ni
con la izquierda, ni con la derecha. Esta idea venía de París, con León Blum».17 El primer
número fue el de septiembre-octubre de 1955, y contó con el apoyo de Paz hasta que 4 años
más tarde éste regresó a Europa.18
En 1955 contribuyó en la Revista Mexicana de Literatura y en El Corno Emplumado.19 En
1956, participó en Poesía en voz alta.20
En 1959 regresó a París y tres años más tarde fue designado embajador en la India. En 1964
conocería a la francesa Marie-José Tramini, que se convertiría en su última esposa.
En 1968, estaba en Nueva Delhi cuando tuvo lugar la masacre de Tlatelolco como parte
del Movimiento de 1968 en México el 2 de octubre. En señal de protesta contra estos
lamentables sucesos, que empañaron la celebración de los Juegos Olímpicos, renunció a su
cargo de embajador, dejando patentes sus diferencias con el gobierno de Gustavo Díaz
Ordaz. Fue el único que se atrevió a hacerlo. Trabajará los próximos años enseñando en
diversas universidades estadounidenses, como las de Texas,
Austin, Pittsburgh,Pensilvania, Harvard.21
Tres años más tarde, en octubre de 1971, ya bajo la presidencia de Luis Echeverría, «un poco
con esa idea de redescubrir los valores liberales y democráticos en la sociedad
mexicana»,17 fundaría la revista Plural, «elegante fusión de literatura y política»,22 y que
dirigiría hasta su desaparición en 1976 el mismo Paz. A diferencia de otros escritores e
intelectuales mexicanos, Paz no tardó en retirarle su apoyo al presidente Echeverría, una vez
que éste demostró su escasa voluntad de aclarar las matanzas de Tlatelolco, en 1968, y en
San Cosme, el llamado Jueves de Corpus, en 1971, en donde hubo una represión brutal
contra una protesta estudiantil.
Tanto en esa revista como en Vuelta —fundada ese mismo año de 1976 y donde «la influencia
del liberalismo sería fundamental», reflejando la «reconciliación» del escritor con esta corriente
de pensamiento—17 Paz denunció las violaciones a los derechos humanos de los
regímenes comunistas. Esto le trajo mucha animosidad de parte de la izquierda
latinoamericana y algunos estudiantes universitarios. En el prólogo del tomo IX de sus obras
completas, publicado en 1993, Paz declaró:
En México, antes había sido visto con sospecha y recelo; desde entonces, la desconfianza
empezó a transformarse en enemistad más y más abierta e intensa. Pero en aquellos días
[década de los 1950] yo no me imaginaba que los vituperios iban a acompañarme años y
años, hasta ahora. (Página 44).

Muerte[editar]
El 19 de abril de 1998 Octavio Paz murió en la Casa de Alvarado, Calle de Francisco Sosa,
barrio de Santa Catarina, Coyoacán, Ciudad de México. El escritor había sido trasladado ahí
por la presidencia de la República en enero de 1997, ya enfermo, luego de que un incendio
destruyó su departamento y parte de su biblioteca en diciembre de 1996.23 Durante un tiempo,
la Casa Alvarado fue sede de la Fundación Octavio Paz y ahora lo es de la Fonoteca
Nacional.24

Estilo literario[editar]
Experimentación e inconformismo pueden ser dos de las palabras que mejor definen su labor
poética. Con todo, Paz es un poeta difícil de encasillar. Ninguna de las etiquetas adjudicadas
por los críticos encaja con su poesía: poeta neomodernista en sus comienzos; más tarde,
poeta existencial; y, en ocasiones, poeta con tintes de surrealismo. Ninguna etiqueta le cuadra
y ninguna le sobra, aunque el mismo Paz reconoció que en su formación «fundamentales
fueron los surrealistas, con quienes hice amistad en el año 46 o 47, que en esa época estaban
más cerca de los libertarios».
En realidad, se trata de un poeta que no echó raíces en ningún movimiento porque siempre
estuvo alerta ante los cambios que se iban produciendo en el campo de la poesía y siempre
estuvo experimentando, de modo que su poesía, como toda poesía profunda, acabó por
convertirse en una manifestación muy personal y original. Además, se trata de un poeta de
gran lirismo cuyos versos contienen imágenes de gran belleza. Después de la preocupación
social, presente en sus primeros libros, comenzó a tratar temas de raíz existencial, como la
soledad y la incomunicación. Una de las obsesiones más frecuentes en sus poemas es el
deseo de huir del tiempo, lo que lo llevó a la creación de una poesía espacial cuyos poemas
fueron bautizados por el propio autor con el nombre de topoemas (de topos + poema). Esto es
lo que significa poesía espacial: poesía opuesta a la típica poesía temporal y discursiva. Se
trata de una poesía intelectual y minoritaria, casi metafísica, en la que además de signos
lingüísticos se incluyen signos visuales. En lostopoemas, igual que ocurría en la poesía de los
movimientos de vanguardia, se le da importancia al poder sugerente y expresivo de las
imágenes plásticas. No cabe duda de que en la última poesía de Paz hay
bastante esoterismo, pero, al margen de ello, toda su poesía anterior destaca por su lirismo y
por el sentido de transubstanciación que el autor da a las palabras.

Obras[editar]
Poesía[editar]
 1933 - Luna silvestre
 1936 - ¡No pasarán!
 1937 - Raíz del hombre
 1937 - Bajo tu clara sombra y otros poemas sobre España
 1941 - Entre la piedra y la flor
 1942 - A la orilla del mundo y Primer día, Bajo tu clara sombra, Raíz del hombre, Noche
de resurrecciones
 1949 - Libertad bajo palabra
 1951 - ¿Águila o sol?
 1954 - Semillas para un himno
 1957 - Piedra de sol
 1958 - La estación violenta
 1960 - Libertad bajo palabra: obra poética: (1935-1957)
 1962 - Salamandra (1958-1961)
 1965 - Viento entero
 1967 - Blanco, escrito en tres columnas; permite diferentes lecturas
 1968 - Discos visuales, con Vicente Rojo
 1969 - Ladera este (1962-1968)
 1971 - Topoemas
 1972 - Renga, con Jacques Roubaud, Edoardo Sanguineti y Charles Tomlinson
 1974 - El mono gramático
 1975 - Pasado en claro
 1976 - Vuelta (primera edición artesanal, publicada por El Mendrugo, de 1971)
 1979 - Air Born/Hijos del aire, con Charles Tomlinson
 1979 - Poemas (1935-1975)
 1987 - Árbol adentro
 1990 - Obra poética (1935-1988)
 1990 - Figuras y figuraciones, con Marie José Paz
Ensayo[editar]
 1950 - El laberinto de la soledad
 1956 - El arco y la lira
 1957 - Las peras del olmo
 1965 - Cuadrivio
 1965 - Los signos en rotación
 1966 - Puertas al campo
 1967 - Corriente alterna
 1967 - Claude Levi-Strauss o El nuevo festín de Esopo
 1968 - Marcel Duchamp o El castillo de la pureza (la reedición ampliada, Apariencia
desnuda, es de 1973)
 1969 - Conjunciones y disyunciones
 1970 - Postdata, continuación de El laberinto de la soledad.
 1973 - El signo y el garabato25
 1974 - Los hijos del limo
 1974 - La búsqueda del comienzo. Escritos sobre el surrealismo
 1978 - Xavier Villaurrutia en persona y obra
 1979 - El ogro filantrópico
 1979 - In-mediaciones
 1982 - Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe
 1983 - Tiempo nublado
 1983 - Sombras de obras
 1984 - Hombres en su siglo y otros ensayos
 1985 - Pasión crítica, conversaciones con diversos interlocutores
 1988 - Primeras letras: 1931-1943, colección de sus prosas de juventud
 1990 - Pequeña crónica de grandes días
 1990 - La otra voz. Poesía y fin de siglo
 1991 - Convergencias
 1992 - Al paso
 1993 - Un más allá erótico: Sade
 1993 - La llama doble
 1993 - Itinerario
 1995 - Vislumbres de la India
Teatro[editar]
 1956 - La hija de Rappaccini26
Traducción[editar]
 Versiones y diversiones (1974)
Antología[editar]
 Poesía en movimiento (1966, con Homero Aridjis, Alí Chumacero y José Emilio Pacheco)
 Palabras en Espiral (2014, Edición Danubio Torres Fierro, publicada por la Conaliteg)
Correspondencia[editar]
 Correspondencia Alfonso Reyes/Octavio Paz (1939-1959) (1998)
 Memorias y palabras: cartas a Pere Gimferrer (1966-1997) (1999)
 Cartas cruzadas. Octavio Paz y Arnaldo Orfila (1965-1970) (2006)
 Cartas a Tomás Segovia (1957-1985) (2008)
 Jardines errantes. Cartas a J. C. Lambert (1952-1992) (2008)
 Al calor de la amistad. Correspondencia con José Luis Martínez (1950-1984) (2014)
Edición definitiva de sus obras completas[editar]
(Publicada en España, entre 1999 y 2005, por Galaxia Gutenberg/Círculo de lectores; y en
México, en 2014, por el Fondo de Cultura Económica. Edición preparada por el autor).

 I. La casa de la presencia. Poesía e historia

 II. Excursiones e incursiones. Dominio extranjero. Fundación y disidencia. Dominio
hispánico
 III. Generaciones y semblanzas. Dominio mexicano. Sor Juana Inés de la Cruz o Las
trampas de la fe
 IV. Los privilegios de la vista. Arte moderno universal. Arte de México
 V. El peregrino en su patria. Historia y política de México
 VI. Ideas y costumbres. La letra y el cetro. Usos y símbolos
 VII. Obra poética
 VIII. Miscelánea. Primeros escritos y entrevistas
Premios y distinciones[editar]
 Becario de la Fundación Guggenheim 194426
 Premio Xavier Villaurrutia 1957 por El arco y la lira27
 Premio Internacional de Poesía, Bruselas, Bélgica. 196326
 Miembro de El Colegio Nacional a partir del 1 de agosto de 196728
 Premio del Festival de Poesía Flandes (compartido con Jorge Guillén, Saint-John Perse,
Leopoldo Sega y Giullia Yllyes) 1972 26
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Boston 197326
 Premio Nacional de Ciencias y Artes en Lingüística y Literatura 197729
 Premio Jerusalem 1977 26
 Premio de la Crítica Española, Barcelona. 197726
 Premio Nacional de Letras, México 1977.26
 Premio de la Crítica de Editores, España 1977.26
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México 197830
 Premio Gran Águila de Oro del Festival Internacional del Libro, Niza 197926
 Premio Ollin Yoliztli 198026
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Harvard 198031
 Premio Cervantes 1981 26
 Premio Internacional Neustadt de Literatura 1982 26
 Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán 1984 26
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Nueva York 1985 26
 Premio Internacional Alfonso Reyes 1985 26
 Premio Oslo de Poesía, Noruega 198526
 Premio Mazatlán de Literatura 1985 por Hombres en su siglo 32
 Premio Internacional Menéndez Pelayo 198726
 Medalla Picasso, otorgada por la UNESCO, París, Francia 198726
 Premio Britania, de la Enciclopedia Británica, Nueva York 1988 26
 Premio Alexis de Tocqueville, otorgado por la Academia Francesa 198926
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Murcia 1989 26
 Premio Nobel de Literatura 199033
 Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana 199134
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Texas 1992 26
 Gran Cruz al Mérito 1993, Berlín26
 Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 1993 a su revistaVuelta26
 Gran Cruz de la Legión de Honor de Francia 199426
 Medalla Gabriela Mistral, Santiago de Chile 1994 32
 Premio de Periodismo Mariano de Cavia, Madrid, España 1995 32
 Premio Blanquerna, Barcelona, España 1996 32
 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Roma 199726
 Miembro honorario de la Academia Mexicana de la Lengua a partir del 26 de agosto de
199735
 Premio Nacional de Periodismo de México 1998 en reconocimiento a su trayectoria36
 Medalla al Mérito Ciudadano de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal (póstumo)
1998 32
 Gran Cruz de Isabel la Católica 1998 (póstumo).32
 Honorary “Nosotros” Golden Eagle Award 1998 (póstumo), Los Ángeles.32
 Mexican Cultural Institute Award 1999 (póstumo), Washington.32
 Predecesor: Sucesora:
Camilo José Cela Premio Nobel de Literatura Nadine Gordimer
1990

Predecesor: Sucesor:
Juan Carlos Onetti Premio Miguel de Cervantes Luis Rosales
1981