Música

Notas musicales en un pentagrama

La música (en griego μουσική (τέχνη) - musiké (téchne),es el arte de las musas) es el arte de
combinar melodía y silencio con el ritmo musical.
El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos,
circunstancias , pensamientos o ideas.
En la música occidental, estos sonidos y silencios se combinan conforme a los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo musical.
Según Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso
sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio
propagador y un sistema receptor".
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales: la altura (o tono), la duración, la intensidad
(potencia) y el timbre.
La altura
Es el resultado de la frecuencia (mayor o menor número de vibraciones que produce un
cuerpo sonoro). A mayor frecuencia (vibraciones por segundo=hercios), más agudo será el
sonido. En una onda viene representada por la longitud de onda.
La intensidad
Es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. Hay dos tipos de
intensidades: la intensidad física que se mide en vatios/centímetro cuadrado, y la
intensidad fisiológica (con qué potencia llega a nuestros oídos), que se mide en decibelios
(dB). La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre
Es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos a pesar de que estén
produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que
escuchamos son complejos, es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos
simultáneos, pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre
depende de la cantidad de armónicos que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno
de ellos. El timbre se representa en una onda por el dibujo.
La duración
Corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del
sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los
segundos que ésta contenga.
La melodía:
Es un conjunto de sonidos que se perciben con sentido propio, es como una frase gramatical
bien construida. Aquí se podría discutir si una secuencia dodecafónica se considera melodía o
no.
 La armonía (concepción vertical, el acorde es la unidad)
 El contrapunto (concepción horizontal, nota contra nota, la relación de los sonidos de
las dos melodías es lo importante)
son la interrelación de dos o más sonidos que suenan a la vez.
El sonido es la sensación producida sobre el oído por el movimiento vibratorio de los cuerpos
sonoros. La ausencia de sonido es el silencio (que es relativo, ya que el silencio absoluto no se
da en la naturaleza al haber atmósfera).
 Todas las culturas tienen música, incluso se ha demostrado que las ballenas se
comunican gracias a un lenguaje sonoro que podríamos llamar musical al igual que la
mayoría de las aves, lo que sugiere un posible origen filogenético común.
 La música está ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, y es expresión de
estos últimos. Estos acontecimientos no son universales, por tanto no podemos decir
que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido e interpretación.
Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart no le parezcan música a un indígena
de Borneo.
 El compositor (creador), delega en el intérprete (emisor) la ejecución de sus obras que
en ocasiones, transmiten en la música determinados hechos y sentimientos a través de
una secuencia de sonidos.
 También existen culturas musicales que no tienen en cuenta la separación occidental
entre creador/intérprete ya que la música es improvisada principalmente.

Evolución histórica de la música occidental

La música occidental tiene sus orígenes en Grecia, donde desempeñó un papel moralizador y
pedagógico desde la época en que se escribieron los textos homéricos (siglo X adC)
Organo
En el primer milenio de la era cristiana, no se tocaba música en la iglesia, al considerarla
vulgar y por eso los monjes cantaban pasajes bíblicos (o salmos). Sin embargo, en el final de
la Edad Media la iglesia comenzó a usar el órgano.
Canto gregoriano
Hacia finales del siglo VI se refundió el llamado antiguo romano, y a este canto, adoptado de
forma oficial por la iglesia católica, se le llamó desde entonces canto gregoriano
extendiéndose por los diversos países europeos.
Polifonia
En el siglo IX, ya aparecen referencias al órganum, que era una forma medieval de escritura
polifónica basada en una melodía (canto llano) sobre la que se superponía otra melodía a
distancia de cuarta o quinta justa (según la afinación natural de las voces humanas).
Lirica
A finales del siglo XI florece la lírica galante (no religiosa) de los trovadores provenzales, que
inmediatamente se extiende al norte: los troveros en Francia y los minnesinger en Alemania y
luego a Italia, España y Portugal.
Motete
A principios del 1200 surge el motete (canto a varias voces con distintas letras).
Balada
En el siglo XIV floreció en Francia y se extendió a Italia el ars nova, con repertorio profano:
 rondós,
 baladas,
 y madrigales,
apareciendo músicos como Phillippe de Vitrý o Francesco Landino.
En el 1400 se desarrolla la polifonía en la escuela franco-flamenca, a la que pertenecen
Guillaume Dufay, Guilles Binchois y su máximo representante, Josquin Des Pres.
El renacimiento se inició como una prolongación de la etapa anterior, así nacieron los
repertorios instrumentales.
La música se enriqueció verdaderamente en el período barroco (1600-1700) con:
 la ópera,
 la cantata,
 el oratorio.
Tres fueron los centros musicales: Italia, Alemania y Francia.
Figuras señeras de la música como Vivaldi, Haendel y Bach aparecen en este período.
El arte de este tiempo se caracteriza por el contraste.
Esto en música se logra mediante la alternancia de movimientos rápidos con movimientos
lentos, tonalidades mayores con tonalidades menores.
El lenguaje musical del barroco está plagado de simbolismos (con especial maestría en la obra
de Bach); por ejemplo, ritmos rápidos, cortos ( stacatto ) y tonalidades mayores representan
alegría; acordes menores, movimientos lentos y cromatismos representan tristeza y dolor.
Un gran aporte a la música fue la creación del bajo continuo, un sistema de notación para
bajo, usualmente escrita para teclado que servía como acompañamiento.
Compositores barrocos:
 Johann Sebastian Bach
 George Frideric Haendel
 Antonio Vivaldi
 Tomasso Albinoni
 Henry Purcell
El barroco se divide en tres ramas:
 Barroco Temprano,
 Barroco Medio
 Barroco Tardío (de éste hubo una variación: el Rococó)
Clasicismo
El clasicismo (1700-1820), fue el periodo que le siguió, abarcando la segunda mitad del siglo
XVIII, destacando las figuras alemanas de Glück, Haydn y Mozart. El periodo clásico aportó
la mejora de la técnica en todos sus aspectos. Su música era en general tranquila, queriendo
demostrar paz, perfección. Cabe destacar a Beethoven (también participó en el romanticismo).
Romanticismo
En el siglo XIX, el romanticismo musical significó una libertad compositiva, desarrollándose
los grandes géneros sinfónicos, abundando genios como: Beethoven, Schubert, Schumann,
Chopin (se destacó como pianista), Wagner, Weber y Liszt. Este período se caracterizó porque
la música tenía un ritmo rápido, demostraba el culto a la belleza y a la Edad Media. También
surgió el lied, que eran canciones de corta duración.
 impresionismo,
 expresionismo,
 neoclasicismo,
etc.
Compositores dignos de mencionar son: Stravinski, Bartók, Prokófiev y De Falla.
La proliferación musical de tendencias fue sin duda la tónica del siglo XX, así tuvieron cabida
corrientes como:
 la música serial (desde 1923, basada en series matemáticas de alturas, duraciones y
dinámicas),
 la música concreta (desde [1948], basada en el procesamiento de grabaciones en
cinta),
 la música electrónica (desde 1956, basada en la generación de sonido por medio de
osciladores),
 la música electroacústica (combinación de las dos anteriores),
 la música aleatoria (John Cage), el postserialismo (Kagel, Hidalgo) y la música por
ordenador.
Cronologia:
 Música antigua (desde el 30.000 a.C.)
 Música medieval (850-1450)
 Música del Renacimiento (1450-1590)
 Música barroca (1590-1750)
 Música clásica (1750-1821)
 Música del romanticismo (1790-1901)
 Posromanticismo (1890-1920)
 Vanguardias clásicas (1900-1950)
 Música contemporánea (1950-...)

Música contemporánea
En el sentido más amplio, la música contemporánea es cualquier música que se escribe en el
presente. En el contexto de la música clásica, el término se aplica a la música escrita en los
últimos cincuenta años, particularmente después de los años sesenta.
Es materia de un arduo debate la discusión sobre si el término se debe aplicar a música de
cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a compositores de música de vanguardia, o
música "modernista". Se ha utilizado el término "contemporáneo" como sinónimo de
"moderno", particularmente en medios académicos, mientras que otros son más restrictivos y
se lo aplican sólo a los compositores que están vivos y a sus obras.
Ya que es una palabra que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea unificadora
en particular, no existe un acuerdo universal sobre cómo hacer estas distinciones.
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el de
Donaueschingen y el Huddersfield Contemporary Music Festival.
Podemos encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de películas y música
incidental, como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip Glass, El señor de los
anillos de Howard Shore y el tema de la campaña publicitaria de De Beers de Karl Jenkins.

Historia
A comienzos del siglo XX la música contemporánea incluía al modernismo, el serialismo
dodecafónico, la atonalidad, un mayor número de disonancias sin resolución, la complejidad
rítmica y la música "neoclásica". La música contemporánea de los años 50 en general
implicaba alguna forma de serialismo; en los 60s, serialismo, indeterminación, y música
electrónica, incluyendo música por computadoras, arte mixto, performance y el grupo Fluxus;
y desde entonces, música minimalista, posminimalista y todas las anteriores.
Desde los años 70 se ha incrementado la variedad estilística, con demasiadas escuelas como
para ser nombradas o etiquetadas. Sin embargo, de manera general, existen tres amplias
tendencias. La primera es una continuación de la tradición modernista de la vanguardia,
incluyendo a la música experimental, con, por ejemplo, Magnus Lindberg. La segunda está
conformada por las escuelas que buscan revitalizar un estilo basado en la armonía tonal de
siglos anteriores, incluyendo a John Corigliano, John Rutter y Manuel Alejandre. La tercera se
centra en la armonía triádica no funcional, ejemplificada por los compositores de música
minimalista y otras tradiciones similares.
La música contemporánea se ha visto alterada con una fuerza creciente por el uso de
computadoras en la composición, las que les permiten a los compositores escuchar esbozos de
sus obras antes del estreno, componer superponiendo partes ya interpretadas una sobre otra,
como se sabe que hace John Adams, y distribuir sus partituras por Internet. Es demasiado
pronto aún para decir cuál será el resultado final del efecto que tendrá esta ola de
computarización sobre la música.
Toda historia es provisional, y la historia contemporánea lo es aún más, debido a los bien
conocidos problemas de diseminación y poder social. Quiénes están "arriba" y quiénes
"abajo" es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que quizá tenga, por
ejemplo, no menos de 40 000 compositores de música orquestal sólo en los Estados Unidos de
Norteamérica, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más. La lección de
desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después se aplica doblemente a
los compositores contemporáneos, donde posiblemente habrá "primeros" anteriores a la lista
oficial de los primeros compositores de un estilo, y sus obras serán posteriormente admiradas
como ejemplos de esos estilos, aunque en su tiempo no sean reconocidas como tales.

Movimientos en la música contemporánea

Modernismo
Muchas de las figuras claves del movimiento modernista están vivas aún o han fallecido
recientemente, y en la acutalidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y aficionados
extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Elliot
Carter, por ejemplo, está activo aún, al igual que Lukas Foss. Si bien grandes escuelas de
composición modernista, como la del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el
período comtemporáneo está iniciando el proceso de ordenación del conjunto de elementos
del modernismo en busca de obras suficientemente valiosas para ser incluidas en los
repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de
compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a los
auditorios, y puesto que hasta la música de películas utiliza secciones de música claramente
enraizadas en el lenguaje de la música modernista. La lista de compositores modernistas
activos incluye a Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Judith Weir, Thomas Ades, Magnus
Lindberg y Gunther Schuller.
Posmodernismo
El posmodernismo es, naturalmente, una influencia fuerte en al música contemporánea. Un
crítico señaló que una manera fácil de encontrar "posmodernismo" es buscar la palabra
"nuevo" o los prefijos "neo-" o "pos-" en el nombre de algún movimiento. Sin embargo, en
una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen
siendo la realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales
naciones industrializadas, el posmodernismo parece mantenerse como el modo más común de
la expresión artística.
Poliestilismo
Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerada una
característica posmoderna. Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach,
George Rochberg, Dmitri Silnitsky, Alfred Schnittke, y John Zorn.
Conceptualismo
Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe más
visible del arte conceptual. La música conceptual encontró a su mejor representante en John
Cage. Una obra conceptual es una acto cuya importancia musical se obtiene del marco más
que del contenido de la obra. Un ejemplo puede ser 56 Blows de Alvin Singleton, una obra
que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el Senado de los Estados
Unidos.
Minimalismo y posminimalismo
La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva composición.
Philip Glass ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que la obra On the
Transmigration of Souls de John Adams, una obra coral en conmemoración de las víctimas de
los atentados del 11 de setiembre de 2001 ganó un Premio Pulitzer. Steve Reich ha explorado
la ópera electrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo música instrumental. Pero
más allá de mismos minimaslitas, los tropos de armonía triádica no funcional son ahora un
lugar común, incluso en compositores que no son reconocidos como minimalistas
propiamente dichos.
Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música minimalista al incluir
ritmos e instrumentos propios del rock y la música étnica (World Music), serialismo, y muchas
otras técnicas. Kyle Gann considera los Time Curve Preludes de William Duckworth como la
primera pieza "posminimalista", y considera a John Adams como un compositor
"posminimalista" y no minimalista. Gann define el "posminimalismo" como la búsqueda de
una mayor complejidad armónica y rítmica por compositores tales como Mikel Rouse y Glenn
Branca. El posminimalismo es también un movimiento artístico en pintura y escultura que
empezó a fines de los 60s.
Tonalidad posclacisista
Otro aspecto de posmodernidad se puede encontrar en la tonalidad "posclasicista" a la que
están dedicados compositores como Michael Daugherty y Tan Dun.
Eclecticismo
Con un amplio rango de estilos de interpretación, muchos compositores contemporáneos
trabajan combinando estilos, una técnica llamada poliestilismo, o combinando incluso
múltiples géneros musicales. Un compositor muy influyente de este tipo es John Zorn.
Música étnica (World music)
Un número creciente de compositores combina instruemtos occidentales y no occidentales,
incluyendo el gamelan de Indonesia, intrumentos tradicionales chinos, ragas de la música
clásica india. Existe también una exploración de tonalidades no occidentales, incluso en obras
de estructuración tradicional. Esto se puede dar en el contexto de obras posminimalistas, tal
como es el caso de las obras de influencia balinesa de Janice Giteck, o en el contexto de la
tonalidad posclasicista, tal como en la música de Bright Sheng, o en el contexto de obras en
estilo modernista.
Experimentación
Un movimiento importante de la música contemporánea involucra la expansión de los gestos
disponibles a los instrumentistas, como por ejemplo en la obra de George Crumb. El Kronos
Quartet se encuentra entre los conjuntos más activos que promueven la música
contemporánea para cuarteto de cuerdas, y se deleitan con la música que estira las maneras de
obtener sonidos de sus instrumentos.
Música electrónica
La electrónica es ahora parte de la corriente principal de creación musical. La interpretación
de obras ahora a menudo utiliza sintetizadores midi para acompañar o reemplazar algunos
músicos o instrumentos. Los procesos de loopeo, toma de muestras (sampling) y el empleo
(rara vez) de baterías electrónicas también está incluido. Sin embargo, la antigua idea de la
música electrónica -como una búsqueda de sonido puro y una interacción con el equipo en sí-
continúa encontrando un lugar en la composición, desde piezas comercialmente exitosas hasta
obras dirigidas a oyentes muy selectos.
Neorromanticismo
El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años del
siglo XX continua en el período contemporáneo, aunque no se le considera chocante o
controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por
ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos
del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del Neorromanticismo en Europa. Dentro de
esta corriente cabe destacar el compositor español Manuel Alejandre Prada.
Nueva complejidad
La Nueva Complejidad (en inglés New Complexity) es una corriente dentro del escenario
contemporáneo de las vanguardias europeas. Entre estos grupos diversos tenemos a Richard
Barrett, Brian Ferneyhough y Michael Finnissy. Otra corriente es la música espectral,
epitomizada por las obras de Tristan Murail, Roberto Carnevale, Gérard Grisey, Shigeru Kan-
no y Claude Vivier.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_contempor%C3%A1nea"