COLEGIO PREUNIVERITARIO “EL PRADO”

1 calle 25-21 zona 1 colonia el cervecero

Tel: 7765-1040 - 7765-2037

¨ Temario¨

Carrera;
5to. Diseño Grafico

Integrantes:
Nayeli Noemi de León Morales
Marielen Michell García Ochoa
Teresa Debora Gómez Sambrano
Luis Andrés Huertas Santizo
Jhonatan Abel Jocol Gabriel
Andrés Fernando Piedrasanta Clee
José Cecilio García Mul

Quetzaltenango 21 de agosto del 2018

 INTRODUCCION:
A continuación, en dicho temario usted encontrara temas de diferentes ramas del diseño desde
digital hasta el diseño impreso. El diseño se ha convertido en un elemento de capital importancia en todo
tipo de producciones humanas y constituye hoy uno de los principales motores de la economía cultural.
El diseño se aplica, en todos los ámbitos y se encuentra por todas partes, penetrando en lo cotidiano
de tal manera que su omnipresencia lo torna imperceptible. La función del diseño en la sociedad
contemporánea no debe entenderse únicamente como el proceso de ideación y proyectación, para la
producción de objetos ya sean estos bidimensionales o tridimensionales.
Un problema de diseño no es un problema circunscrito a la superficie geométrica de dos o tres
dimensiones. Todo objeto se conecta siempre, directa o indirectamente, con un entorno y, por tanto, el
conjunto de conexiones que un objeto de establecer con muy distintas esferas es extensísimo. Por ello el
diseñador ha de contribuir a que se establezca una relación reconocible e inmediata del hombre con su
entorno, donde éste se hace accesible, amable, útil y adaptado. El diseño ha de atender tanto a los aspectos
materiales, tecnológicos y funcionales de los objetos, como a los simbólicos y comunicacionales.
Un buen diseño contribuye a que podamos utilizar eficazmente los objetos de una manera intuitiva
y cómoda o a que comprendamos con rapidez los mensajes de nuestro entorno. Para ampliar más dicho
conocimiento sobre cada rama se le presentan diversos a continuación.
 JUSTIFICACION.

El siguiente trabajo realizado es parte de nuestros estudios, el objetivo general

será en tener más conocimiento sobre nuestro mundo de sus acontecimientos históricos,
que nos ayudara a tener otra perspectiva de lo que nos rodea y como ha surgido la mayoría
de cosas que utilizamos día con día.
 ÍNDICE

Historia del Arte…………………………...............................1

Arte Clásica…………………………………..…………...….2

Arte de la Edad Moderna……..…………………………..…..3

Siglo XIX……………………………...……………………...4

Siglo XX……………………………………………………...5

Historia del Dibujo………………………………..……...…..6

Rapidografos……………………………………….……....…7

Historia del Diseño Gráfico…………..…………………..…..8

Cromatología del Color…………….....……………………...9

 CAPITULO 1 Prehistoria artística de América
La SURAMÉRICA PREHISTÓRICA comprende civilizaciones matriarcales que se remontan a
5.500 años adne. Los más antiguos restos antropomorfos que nos han dejado en herencia son
exclusivamente femeninos al igual que en el resto del mundo, tanto de I - PETROGLIFOS de símbolos
femeninos como II -MONUMENTOS FUNERARIOS y III - ESCULTURAS FEMENINAS identificadas
con la GRAN DIOSA MADRE. Son testimonios que patentizan un culto religioso a lo femenino y reflejan
la estructura matrilineal de la sociedad y cuya tradición está vinculada a la Fertilidad y a la consideración
de que todos los fenómenos naturales están regidos exclusivamente por el Principio femenino. Según la
Encicl. Espasa. Tomo 33 (1988, 1.005): "Cuando Colón descubrió el continente americano, tanto en el N.
como en el S., la filiación femenina constituía la regla casi general.:

 PETROGLIFOS
se han hallado rocas con el motivo de la vulva grabada de forma esquemática que recuerdan las
vulvas Auriñacienses de Francia, las halladas en España, África, etc. Asimismo, aparecen petroglifos del
diseño de la "S" y el diseño de la greca. Ambos motivos se observan en el llamado "xonecuilli" Dibujo 1.
Ambas son formas alternas y equivalentes del mismo símbolo, uno curvilíneo y otra angular. Y símbolo
de lo fértil asociado a la lluvia y atributo de la Diosa de la Fertilidad.

Pero los más abundantes petroglifos son del motivo de cúpula / agujero / cavidad: piedras con
oquedades semiesféricas o "tacitas" que al igual que en otras regiones tienen el simbolismo de Útero de la
Diosa Tierra del que surge la Creación, el agua y las almas de los recién nacidos.
Confirman la idea de que tienen el simbolismo de Útero de la Diosa, una costumbre que se ha conservado
hasta el siglo XX citada por GRIEDER (1987, 44) de las mujeres Pomo de los Indios de California: "Por
ejemplo, Aeider y Baumnoff (1962: 237) registran que «hacen marcas de cavidades en grandes piedras
cuando desean concebir un hijo»"
Lo hacen para que la Madre Tierra se los conceda. Esta
conducta está en concordancia con de las mujeres de La
India que subían agua del Ganges y la vertían sobre las
cavidades. Cavidades que además se consideraban
fuente de atracción mágica de la lluvia. En ambos casos
es idéntica la simbología para

conseguir por magia imitativa la lluvia y el deseado

embarazo: implica la metáfora de que, del Seno de la Diosa, al igual que surgen los bebés, surge la
vegetación y todos los fenómenos naturales.

1.2 PALEOLITICO
Durante mucho tiempo se creyó, de manera rotunda, que el Continente americano, no había tenido
Prehistoria, e incluso los especialistas más avanzados que defendían que sí la había tenido, señalaban a
continuación que la Prehistoria americana había sido una etapa de corta duración sin ninguna
trascendencia o repercusión artística. En la actualidad estas ideas se han revelado como falsas y absurdas,
justo en el preciso momento en que se empezaron a aplicar los métodos modernos de datación al arte
rupestre americano, y se puede comprobar que los restos tienen antigüedad contrastable. Sin embargo, hay
que señalar que esta disciplina es joven en América, ya que los primeros estudios sobre prehistoria
americana se remontan a los años 50, es una disciplina que se encuentra en continuo desarrollo, porque
los hallazgos no paran de sucederse. Así y todo, en el momento presente existen sobre la prehistoria
mesoamericana obras de divulgación y de introducción al tema, pero no una obra de conjunto y de
referencia.

Lo que en el Viejo Mundo denominamos Paleolítico, en el continente americano recibe el nombre

de Periodo Lítico. Es un hecho constatable y verificable la presencia de seres humanos en el continente
americano desde, al menos, la glaciación wisconsiniana, es importante porque ello significa que la
prehistoria americana tiene una antigüedad constatable y real, y aunque no es comparable a la prehistoria
del Viejo Mundo, que tiene como mínimo 1.000.000 de años, la americana tiene una cronología de entre
30.000 y 70.000 años, lo que desde luego no es un periodo corto, como suponían los primeros estudios;
en el cual se han descubierto y se están descubriendo restos de arte rupestre correspondiente al periodo
Lítico.

Pintura rupestre

Respecto al arte rupestre, y más en concreto en

Norteamérica, las pinturas más importantes y
prácticamente las únicas, se encuentran en la Bahía de
Kachemak y Cook Inlet de la costa de Alaska. Estas
pinturas rupestres han sido estudiadas con todo detalle
por la investigadora Frederica Laguna, quien, después de cotejarlas, ha llegado a la conclusión de que son
de fechas tardías, pudiendo

enmarcarlas en el lítico superior, e incluso, ha indicado que existen conexiones formales entre
estas pinturas y la cultura Denbigh, una cultura Mesolítico que se ubica en la costa meridional de Alaska.

En estas pinturas aparecen representados seres humanos que están mostrados, o bien individualmente, o
bien en grupos, en embarcaciones que recuerdan por su forma los típicos kayaks que todavía hoy emplean
los esquimales.

1.3 Arte Neolítico

En el periodo que se denomina como del Neolítico los glaciares del hemisferio norte concluyeron
su larga y lenta retirada, proporcionando terrenos apropiados y estabilizando el clima, uno de los factores
que permitió que muchas tribus abandonaran sus formas errantes y comenzaran a construir más o menos
aldeas y asentamientos permanentes.

El impacto que tuvo en los seres humanos este cambio climático fue de máxima importancia y
fueron estableciéndose en sociedades agrarias un poco más complejas, esto les posibilitó tener suficiente
tiempo libre para explorar la realización de algunos de los aspectos claves que conforman una civilización,
entre ellos la religión; como medio de refugiarse en aquello que ellos consideraban podía concederles
protección ante las adversidades de la vida en un medio hostil.

Otros de estos aspectos fueron la medición, los rudimentos de la arquitectura y escritura y también
la representación artística de los elementos de su entorno a través de diferentes medios como pintura
rupestre, la decoración de vasijas de barro o la elaboración de estatuillas de bulto, muchas con carácter
propiciatorio; como la maternidad y contenido religioso, pero más elaboradas que las realizadas durante
el Mesolítico.

Los pueblos del Neolítico perfeccionaron las técnicas agrícolas y de conformación de rebaños
domesticando a sus animales. Con un creciente y estable suministro de granos y carnes, los seres humanos
ahora tuvieron tiempo para reflexionar sobre su entorno y desarrollar nuevas ideas, así como algunos
avances tecnológicos bastante radicales.

Tipo de arte que se desarrolló durante este periodo:

El Tejido

La arquitectura

La construcción de megalitos.

Estilizadas pictografías.

La estatuaria, pintura y cerámica tuvieron en esta época mayor

refinamiento.

Las estatuillas tuvieron un gran auge luego de haber estado casi

ausentes en la época del mesolítico.

El tema de la fertilidad femenina tomo papel protagónico, así como

representación de la diosa madre muy en relación con la agricultura.

Edad de los metales

Edad del Cobre, Edad del Bronce, La Edad de Hierro.

La edad del Cobre.

 Se denomino como Edad del cobre por mucho tiempo a este periodo
que coincide con el periodo Calcolítico (también se le conoce como
Eolitico) de la edad de Piedra, pero según una más actualizada
clasificación se presume que su inicio fue alrededor del 6000 AC y el
2500 AC, se considera ahora más como un periodo de transición antes
de la edad del Bronce, ya que pocos asentamientos humanos
conocieron esta técnica según los hallazgos, siendo en muchos casos
lo que utilizaban el cobre debido a su comercio o intercambio con las
pocas culturas o asentamientos humanos que si conocían como elaborarlo y que por lo general preceden
el periodo del uso del bronce

 La cerámica
Como habíamos dicho anteriormente, el desarrollo de la cerámica jugo un papel
muy importante en el entendimiento de las técnicas para trabajar el metal. Estos
vasos cerámicos son de excelente calidad, de color rojo o marrón-rojizo,
decorados profusamente con bandas horizontales incisos (grabados) o impresos,
con temas geométricos, rayados, ajedrezados, etc.

El vaso cuneiforme, fue una manifestación calco lítica que se manifestó por toda Europa y por su forma
de campana invertida y

profusamente decorada, es por lo que se les denomina con este

nombre, han sido encontradas generalmente en contextos
funerarios.

Edad del Bronce – 2500-800 B.C.

La época de bronce se caracteriza por importantes hitos en la

historia de la humanidad. Ocurre una mayor difusión de la
agricultura y la cría de ganado y la masterización de un nuevo
material – metal: cobre y sus aleaciones. Al comienzo de los
períodos de metales ocurre un mayor contacto entre los pueblos que viven en los vastos territorios.
  La edad de Hierro
Periodo histórico durante el cual el hierro reemplazó al bronce como material de fabricación de
instrumentos y armas. El hierro parece haber sido usado ampliamente y por vez primera en Oriente
Próximo por los hititas entre el 2000 y el 1500 a.C. y se difundió desde allí a Europa, al sur de Asia y a
África del Norte.

En Europa los primeros objetos se obtuvieron por martilleo, no se sabe si se los fundía o se añadía carbono,
aspectos ya conocidos por los hititas.

Casco de hierro con forma de cuernos. Museo Británico. Edad del Hierro.Como todo el proceso difería
radicalmente de la manufactura de los objetos de cobre o de bronce, no es sorprendente que el trabajo del
hierro fue una evolución directa del trabajo del bronce, que se utilizaba principalmente para elementos de
adorno personal, como alfileres o espejos.

La tecnología militar diseñada para aprovechar el uso del hierro se originó en Asiria. El comercio de hierro
entre Asiria y la ciudad independiente de Troya estaba ya bien establecido en esas fechas, y el secreto de
su producción era celosamente guardado por los asirios.

 El arte antiguo
Hace 3,000 años, en la región que hoy ocupan México, Centro y Sudamérica, surgió, prosperó y decayó
un espléndido conjunto de distintivas civilizaciones que más tarde fue absorbido por otras culturas que se
levantaron sobre sus extraordinarios logros. Cuando los invasores españoles llegaron al continente en el
siglo XVI, gran parte de la región estaba dominada por los inmensos imperios de los aztecas, en el centro
de México, y de los incas, en Perú. Sin embargo, los aztecas y los inkas eran herederos de esas culturas
anteriores: el enfoque, la diversidad y la sofisticación de estas civilizaciones - que despertaron la
admiración de los españoles - habían sido formados y enrequecidos, en su mayoría, por esas culturas más
tempranas. A las antiguas civilizaciones americanas con frecuencia, pero inapropiada e inadecuadamente,
se les llama "pre-colombinas," término que sólo las caracteriza en referencia a la llegada de los europeos
a sus tierras. En realidad, el arte, la arquitectura, la planificación urbana, la ciencia, la religión, la estructura
social y las organizaciones políticas que existieron en América antes del siglo XVI representan los logros
de sociedades tempranas que se pueden colocar - juntamente con Mesopotamia, Egipto, Nubia, India y
China - entre las cunas de la civilización.
 La nueva instalación del Museo

Esta nueva instalación del Museo enfoca varias tradiciones artísticas: las
elegantes esculturas en jade creadas por los olmecas en México, los finos
ornamentos y la joyería delicadamente ejecutada en oro en Panamá, Colombia,
Perú, Ecuador y Costa Rica, las extraordinarias esculturas y objetos de cerámica
creados por los mayas en Guatemala y México.

 Los olmecas
Alrededor del año 1,200 a.C., los olmecas, pueblo que se difundió por las planicies tropicales de la
Costa del Golfo de México, establecieron la primera civilización avanzada en Mesoamérica (la región que
actualmente ocupan México, Guatemala, Belice, Honduras y El Salvador). Durante su momento de
esplendor, alrededor del 500 a.C., los grandes centros olmecas estaban rodeados por tierras de labranza en
donde se producía maíz, frijoles, calabaza, tomates y chiles por medio de sistemas de agricultura intensiva.

Los mayas

La gran civilización mesoamericana de los mayas floreció en lo que actualmente es el territorio de

Guatemala y las zonas vecinas de México, Belice, Honduras y El Salvador. La ocupación más temprana
en el área se remonta a, por lo menos, unos 13,000 años; la agricultura y la vida en aldeas en esta región
se originaron alrededor del año 3,000 a.C. Los mayas alcanzaron su máximo esplendor durante su periodo
clásico (250-900 d.C,

 Los Andes
 Más aún que la mayoría de las otras antiguas culturas americanas, aquéllas ubicadas a lo largo de
la costa occidental de Sudamérica (el territorio que hoy ocupan Perú y parte de Bolivia, Chile y Ecuador)
lograron vivir en un medio ambiente inhóspito, pero, a pesar de ello,
dedicaron gran parte de su tiempo y su energía a la creación de
extraordinarias muestras de cerámica, orfebrería, arquitectura y
textiles. En esta región, a lo largo de la costa del Pacifico,

El oro de la América antigua

Los cronistas españoles anotaron que Atahualpa, el último

gobernante inka, comía y bebía en vasijas de oro y que los recibió
en una litera hecha de este metal. El Templo del Sol en Cuzco, la
capital inka, estaba cubierto con placas de este precioso material.
Un español que presenció el entierro de Parita, un cacique
panameño, describe un cuerpo cubierto de tela y magníficos
ornamentos de oro. Para los pueblos indígenas el oro - llamado por los inkas "sudor del sol" - era un
elemento sagrado que, según ellos, personificaba la esencia del astro, la cual se reflejaba en su brillante
belleza.

 Arte en Mesopotamia
Mural de cerámica Aura Mazda. 124x100x5cm

Hace 5000 años, los sumerios y los akkadios, asentados en la región comprendida entre los ríos Tigris y
Eúfrates (actual Irak) desarrollaron la primera civilización urbana en Oriente Medio, una de las cunas de
la civilización, junto con Egipto.

El Arte desarrollado por los sumerios tiene sobre todo un significado religioso, respondiendo a la
unión estrecha entre religión y política. Una de sus características es la acusada continuidad estética, que
se traspasará a las civilizaciones posteriores (acadia, babilonia, asiria, persa...). Por tanto, a pesar de
constituir pueblos diferentes, se pueden observar ciertos rasgos que perpetúan esta continuidad.

Debido a la pobreza de los materiales existentes en la región de la Mesopotamia, no han quedado

muchos ejemplos tanto en la arquitectura como en las artes plásticas. Sin embargo, en lo relativo a otras
disciplinas, como la glíptica (elaboración de sellos de arcilla, ilustrados con pequeñas imágenes) y en la
orfebrería, destacarán por su destreza técnica y la variedad y originalidad de los temas.
  Arquitectura
La arquitectura sumeria se desarrolló en torno al desarrollo de los núcleos urbanos alrededor de un centro
político-religioso constituido por el templo (el famoso zigurat, o pirámide escalonada) y el palacio.

Los materiales empleados en la arquitectura fueron el adobe y el ladrillo, frente a la piedra o la

madera, escasas en la zona. Esto es su principal hándicap, pues la fragilidad de estos materiales ha
impedido la conservación de monumentos, frente a, por ejemplo,
lo sucedido en Egipto, cuyo empleo de la piedra caliza permitió el
que sus construcciones hayan podido llegar hasta nuestros días en
un aceptable grado de conservación.

En el caso de Sumer esto no ha sido posible; sólo gracias

al trabajo de los arqueólogos, y de la reconstrucción de zigurats
llevada a cabo por éstos, es por lo que podemos conocer el arte
arquitectónico sumerio-acadio (teniendo en cuenta también la
dificultad que muchas veces presenta la región, por ser centro de
continuos conflictos geopolíticos.)

 Escultura
La escultura sumeria se realizó en piedra caliza o en alabastro, y sus
principales producciones fueron de esculturas de bulto redondo y de relieves.

Trata temas y escenas de la realidad cotidiana, lo que ayuda a la hora de aprender

acerca de determinadas características de su cultura (vestimenta, tradiciones, etc.…)

El sumerio se representa como una figura de aspecto rechoncho, de cabeza

rapada, sin cuello, con grandes ojos y nariz curva y marcada. Aparecen vestidos con
el "kaunakes", un manto o falda de piel de oveja, a veces con la parte lana hacia fuera,
representada con bucles o escamas, otras con la parte de la piel con unos flecos. La
postura de perfil con el ojo de frente recuerda al arte egipcio. La boca sonríe un poco.
La postura de los pies y brazos es hierática, así como la composición de las escenas, realizada de forma
lineal. Las representaciones destacan sobre un fondo liso, sin paisajes,
 1.4 Arte del Antiguo Egipto
En estos periodos predomina la pintura decorativa (en
cerámicas) o simbólica (en tumbas) y pequeños objetos de carácter
utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y
"paletas" votivas, como la de Narmer.

Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte

egipcio, con un estilo único y característico que surgió durante las
primeras dinastías y permanece "casi" inalterado en cuatro milenios
de la nueva cultura. Y fue una de las primeras miradas de la historia

Pintura y bajorrelieves

Bajorrelieve. Louvre.

Se caracteriza principalmente por presentar figuras junto

a otras en planos superpuestos. Las imágenes se representan con
criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más
grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado.

Predominaba el canon de perfil que consiste en

representar la cabeza y las extremidades de perfil, pero los
hombros y los ojos de frente. Las pinturas se encuentran en papiros y paredes de tumbas, los bajorrelieves
principalmente en los muros de los templos. Las escenas más típicas eran las de la vida cotidiana o las del
"Más Allá".

Arquitectura

Pirámide de Kefrén.

La arquitectura religiosa egipcia se caracteriza por su monumentalidad a partir del Imperio

Antiguo, con el empleo de piedra, en grandes bloques, sistema constructivo adintelado y sólidas columnas.
En la arquitectura civil se empleó profusamente el adobe en viviendas, palacios, fortalezas y murallas,
perdurando escasos restos.

Surge en una sociedad con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado, con una concepción
religiosa de inmortalidad, al principio sólo del faraón, que debía reflejar su magnificencia y durabilidad.
1.5 Prehistoria, África
Los hombres de la prehistoria decoraban las cuevas donde vivían dibujando los animales que
cazaban o pintando imágenes sobre pieles y cortezas. ¿Era arte? "El arte empieza en el momento en que
el hombre crea, no con un objetivo utilitario como hacen los animales, sino para representar o expresar",
dictaminó el ensayista René Huyghe. Concebido como mensaje, medio de expresión, es una forma de
comunicación entre los hombres. Pero ¿en qué momento una obra humana se convierte en algo artístico?
¿Son arte las hachas del Paleolítico, los cantos rodados transformados en instrumentos para coser, comer
o matar animales? A ello responde la nueva entrega de la Historia del Arte de EL PAÍS.

Es un enigma saber qué impulsó al hombre del

Paleolítico a pintar estas figuras. Unos hablan de
aburrimiento, otros de magia. Las primeras pinturas de
caza, caballos, osos, mamuts, bisontes y renos, aparecen
en el Paleolítico superior tardío hace unos 25.000 años
sobre la pared de las cuevas donde se cobijaba el hombre.
Es el arte rupestre. La representación naturalista de la
realidad. Un censo de estas pinturas, elaborado por el
Instituto francés de Arte Prehistórico de Toulouse, ha documentado más de 1.544 figuras pintadas sólo al
norte de los Pirineos.

Las cuevas de Lascaux, en Francia, son, junto con las de Altamira, las mejores muestras de este
arte.

Las cuevas de Altamira, en Santillana del Mar, Cantabria, son la Capilla Sixtina del arte
cuaternario. Descubiertas en 1868 por un cazador, fueron estudiadas por Marcelino Sanz de Sautuola,
un reputado intelectual santanderino aficionado a la paleontología. Pero el mayor mérito le corresponde a
su hija María, quien en 1879 descubrió las representaciones de bisontes escondidas entre las rocas del
techo. Las cuevas de Altamira se componen de una galería principal de grandes dimensiones en la que
penetra la luz del sol y donde se cree habitó el hombre. Los bisontes de la Gran Sala de los Polícromos,
una bóveda de 18 metros de largo por nueve de ancho, datan de hace más de 15.000 años. Fue la primera
cueva decorada que se descubrió y sigue siendo la más bella. Todos los bisontes adoptan distintas
posiciones y dan sensación de movimiento. El hombre cazador da paso al hombre agricultor. El Paleolítico
al Neolítico. En el Neolítico se producen ya los primeros asentamientos humanos. Los rastros más antiguos
se hallaron al norte de Mesopotamia.

El hombre construye casas, fabrica vasijas y talla figuras que, en el caso de las que representan
a la mujer, acentúan los rasgos relacionados con la fertilidad. Venus de caracteres sexuales evidentes, con
formas redondas y rotundas. Algunas tienen las caderas muy marcadas, como la de Lespuge. La más
grande es la de Savignano (mide unos 22 centímetros); la de Willendorf y la de Laussel son las más
famosas.

1.6. Arte (Paleolítico)

Durante parte del Paleolítico inferior (500 000-150 000 a. C.) los pre neandertales (Homo heidelbergensis)
que habitaron Europa ya dominaban el fuego y, en sus utensilios, demuestran cierto

sentido de la estética que rebasa la mera funcionalidad. Lo más evidente en piezas como los
bifaces es la búsqueda de la simetría. Además, es posible atribuirles prácticas de canibalismo que, aunque
en la mayor parte de los casos parece ser simplemente gastronómico, es decir,
cuestión de supervivencia, en raras ocasiones podría tratarse de canibalismo ritual.
Hasta hace poco nada indicaba que los ante neandertales europeos tuviesen sentido
religioso o artístico y, por tanto, pensamiento simbólico.

Cierto que algunos hallazgos paleolíticos del norte de África (como El Gettar,
en Argelia) y en Alemania (por ejemplo, un fragmento óseo de pata de elefante
grabado con 28 cortes en Bilzingsleben,3 yacimiento de 412 000 años,
aproximadamente), inducían a sospechar lo contrario, pero son inconcluyentes.4 Sin
embargo, los hallazgos de la Sima de los Huesos, en la Sierra de Atapuerca, parecen
una acumulación consciente de cadáveres con fines religiosos.

Si a esto añadimos la presencia de un bifaz cuidadosamente tallado (bautizado

con el'pintoresco nombre de Excalibur), podemos sospechar que ya en el Pleistoceno
medio los seres humanos tenían creencias religiosas que se asocian al futuro
desarrollo del arte. Pero, lo más revolucionario ha sido
el descubrimiento de estatuillas que, a pesar de su tosquedad, han sido interpretadas
como figuras femeninas: La Venus de Berejat Ram (Altos del Golán) y la Venus de
Tan-Tan (Marruecos), ambas han sido discutidas y habría que esperar que las
investigaciones se consoliden.

áfrica. - Las primeras manifestaciones artísticas conocidas se han encontrado en unas piedras,
pintadas hace más de 25.000 años en Sudáfrica. Durante milenios los Khoisan fueron dejando sus huellas
pictóricas en un extensísimo territorio que cubre todo el Africa austral y zonas del centro del continente.
Generalmente, reflejan escenas de caza.

V Sahara. - Mucho más conocidas son las pinturas rupestres de los montes Tassili N'Ajjer (Argelia),
en el desierto del Sahara. Aunque los restos arqueológicos encontrados demuestran la presencia humana
en la región desde casi 20.000 años A.C., no será hasta entre 4.000 y 5.000 años A.C. que aparecerán las
primeras creaciones artísticas. Se han catalogado más de 30.000 pinturas y grabados que abarcan un
periodo de 3.000 años (5.000 a 2.000 A.C.), hasta la desertización de la

región.

Los grabados fueron hechos por los bereberes del norte, mientras que las pinturas fueron
realizadas por artistas pertenecientes a pueblos que, más tarde, emigraron hacia la cuenca del Niger.

Las más antiguas (Periodo de Bubalus) reflejan gentes que aún se dedicaban, exclusivamente, a la caza
(búfalo, elefante, rinoceronte e hipopótamo). Más tarde, durante el cuarto milenio A.C. comienzan a
domesticar ganado (ovejas y cabras, vacas y finalmente camellos) lo que dejan reflejado en las pinturas
del Periodo Ganadero, con escenas de pastoreo, además de animales coetaneos como antílopes, oryx,
gacelas, avestruz, etc. De las épocas más tardías, se han conservado, además de pinturas con escenas
sociales, diverso arte mobiliario (bailarín enmascarado, huevos de avestruz utilizados como recipientes
para beber y decorados con dibujos geométricos...).

1.7. Neolítico en África

El Neolítico, que se define en razón del conocimiento y uso de la agricultura y/o de la ganadería,
se detecta en África hacia el final del último periodo glaciar, cuando algunas sociedades de cazadores-
recolectores comenzaron a transformarse progresivamente en productoras. Suele ir acompañado por la
alfarería, pero no siempre es así.

El Neolítico africano ha sido estudiado tradicionalmente como un fenómeno dependiente de la

neolitización del Próximo Oriente, debido a la precocidad de este último y a la proximidad geográfica de
ciertas zonas africanas, como el Bajo Egipto. En los últimos años la investigación prehistórica en África
parece haberse ido librando de esta orientación difusionista al quedar en evidencia la originalidad del foco
neolítico sahariano, surgido de sustratos culturales autóctonos y que siguió sus propios y complejos
mecanismos de transformación. Aunque posiblemente recibió especies animales domésticas asiáticas, el
Neolítico africano tiene una notable personalidad propia que se reflejó posteriormente en el desarrollo del
Egipto faraónico, cuya idiosincrasia diferencia claramente esta civilización de sus vecinas
contemporáneas.

No obstante, la ausencia de buenas secuencias arqueológicas limita, por el momento, el desarrollo

de una adecuada investigación.

Esquema de las actividades agrícolas del Neolítico relacionadas con sus herramientas. Se han
elegido tanto dibujos de herramientas reales (hallazgos arqueológicos), como actividades representadas,
en este caso en pinturas egipcias.

Las cronologías tienden a variar en tanto se analice una u otra área del
continente africano, aunque de forma general el proceso de
neolitización parece iniciarse en torno al 7000 a. C., si bien algunos
autores rebajan la fecha hasta el 5000 a. C. en la región noroccidental
de África. De todos modos, para el Neolítico africano se dispone de
muy pocas fechas calibradas, por lo que cualquier cronología es
discutible.

Con respecto a una periodización interna, buena muestra de la

importancia que en la neolitización de África tuvo el pastoreo es el
hecho de que generalmente suela dividirse en Neolítico Prepastoral y
Neolítico Pastoral.
En áreas como Egipto el desarrollo de especies
cultivadas y la domesticación de animales fue secundaria
en los primeros momentos, siendo buena parte del
proceso de neolitización debido a influencias saharianas
y asiáticas. También se suele creer que el acceso a la
agricultura en Etiopía fue el resultado de influencias
externas, aunque se consiguieron cultivar plantas locales
exclusivas de la región.

1.8. Edad de los Metales

La Edad de los Metales es una de las dos grandes etapas tecnológicas en las que tradicionalmente
se ha subdividido la Prehistoria euroasiática. Por definición, es el período que siguió a la Edad de Piedra
y durante el cual el hombre empezó a fabricar objetos de metal1 fundido. La existencia de procesos
metalúrgicos es indispensable para establecer la adscripción de una cultura arqueológica a esta etapa, ya
que los metales nativos eran trabajados por martilleado desde las fases iniciales del Neolítico.2 Siguiendo
este criterio, la Edad de los Metales comenzaría con las primeras evidencias de fundición del cobre, que
son del VI milenio a. C.

En Anatolia y los montes Zagros) y acabaría con la progresiva entrada en la Historia de cada
región (en Europa esto se produjo durante el I milenio a. C.). En Mesopotamia y Egipto coincide ya con
el desarrollo de la escritura y por tanto la m

Los primeros indicios de metalurgia en Europa proceden del área de los Balcanes, a mediados del V
milenio a. C. y son de origen autóctono. Para el resto del continente las evidencias aparecen

durante la segunda mitad del IV milenio a. C., aunque su generalización y el consecuente abandono de la
piedra como elemento básico para la fabricación de artefactos solo se materializó con la llegada del hierro.
Debido a la escasez de materia prima, en el Egipto faraónico esta sustitución nunca se llegó a producir.2

Dado que no existen rupturas en el desarrollo de las tecnologías metalúrgicas entre la prehistoria, la
protohistoria y la historia, en este artículo se incluyen procesos que se dieron en periodos claramente
históricos
1.9. Arte antiguo africano

El arte africano es un conjunto de manifestaciones artísticas producidas

por los pueblos del África negra a lo largo de la historia.

El continente africano acoge una gran variedad de culturas, caracterizadas

cada una de ellas por un idioma propio, unas tradiciones y unas formas
artísticas características. Aunque la gran extensión del desierto del Sahara
actúa como barrera divisoria natural entre el norte de África y el resto del
continente, hay considerables evidencias que confirman toda una serie de
influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales que
atravesaron África desde tiempos remotos.

En numerosas tribus indígenas de África, el arraigo de la tradición artística autóctona ha

permitido el mantenimiento de diversas manifestaciones estéticas hasta épocas relativamente recientes.
De hecho, es precisamente a partir de principios del siglo XX cuando este arte comienza a ser apreciado
en Occidente, primero por los representantes de la vanguardia y después por museos y público en general.

Hay grandes diferencias estilísticas de unas zonas a otras, encontramos desde figuras y máscaras
esquemáticas a piezas muy naturalistas. Aunque casi todas tienen en común la simetría, el darle más
importancia a la cabeza y torso y mucho menos a las piernas, que se suelen representar cortas y con menos
detalle que el resto de las partes del cuerpo.

1.10. Arte de Mesopotamia

El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia del arte que trata de
Mesopotamia durante la Edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que
florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates desde el Neolítico
(hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída de Babilonia ante los persas en
el año 539 a. C.

Entre ambas fechas se desarrollaron las civilizaciones sumerias, acadia,

babilonia (o caldea), casita, hurrita (Mittani) y asiria (arte asirio).

Tras milenios pendulando entre el predominio de la Baja

Mesopotamia y la Alta Mesopotamia, la región, al formarse el imperio
persa, se incorporó a una dimensión espacial de orden muy superior,
que el imperio de Alejandro Magno y el helenismo conectaron con la época
romana (arte persa, arte helenístico). Incluso en la época anterior a los persas, el
arte mesopotámico tuvo varias vías de contacto, a través de la guerra, la
diplomacia y el comercio a larga distancia, con el de las demás civilizaciones del
Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización hitita y otras del Asia Menor;
arte fenicio, del antiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante mediterráneo;
y el arte egipcio), e incluso con el arte de la India y del Asia central.

1.11. Egipto y Nubia.

Unos 4500 años A.C.., los habitantes del delta del Nilo habían
empezado a desarrollar, en sucesivos periodos y de forma gradual, una
sociedad compleja basada en la organización eficaz de tierra y otros
recursos, desarrollando habilidades técnicas sofisticadas, y creando los
principios de la escritura jeroglífica. Poco antes del 3000 A.C., este
proceso culminó en la unificación de todo el territorio bajo un solo
gobernante, un acontecimiento que los egipcios consideraron el principio de su historia dinástica.

Las manifestaciones artísticas más antiguas que se conocen en la región de

Nubia y el Valle del Nilo están datadas en la edad de piedra, entre los años 3.050 y
2.600 A.C. Se componen de recipientes decorados, tanto de cerámica como hechos
con huevos de avestruz, collares, ....

Desde entonces, y durante los siguientes 3.000 años, Egipto será la primera
potencia cultural y política del mundo circundante y su influencia se extenderá a reinos e imperios que
nacerían más tarde (Grecia, Roma). Sus descubrimientos científicos y los logros en
el avance técnico fueron produciendo obras de ingeniería y construcciones
arquitectónicas, que, hoy, 5.000 años más tarde, aún siguen causando admiración.

En el siglo XV A.C., con la llegada al poder de la reina Hatsepsut, Egipto

logrará una estabilidad política interna y en sus relaciones con los pueblos vecinos
que le permitirá dedicar gran parte de los esfuerzos, anteriormente empeñados en
guerras internas y de conquista, a su desarrollo económico, comercial y social,
dejando su reinado y las siguientes dinastías obras artísticas de las más importantes de todo su legado
cultural.

Durante siglos, Egipto aspiró al dominio político sobre el

importante reino de su frontera sur, Nubia, o reino de Kush, según la
denominación egipcia. Nubia, a su vez, siendo el principal proveedor
del Imperio de Egipto para muchos de los productos suntuosos
provenientes del sur del continente, como eran las maderas preciosas,
el marfil, vidrio, oro, etc., igualmente, aspiraba a hacerse con el
control de las tierras fronterizas de su vecino del norte.

Pero no serían las poderosas tropas egipcias quienes

conquistaran Nubia, sino que fue una mujer nubia, Nefertiti, quien casándose con el rey egipcio Ramsés
II, se haría con el control de ambos reinos, tras la muerte de su esposo. Esta unión, al igual que sucediera
doscientos años antes, con Hatsepsut, trajo una época de paz que quedó reflejada en un nuevo esplendor
de las culturas egipcia y Nubia.

1.12. Prehistoria asiática

La Prehistoria es el periodo histórico más largo de la historia que abarca desde la aparición del ser
humano hace unos 2,5 millones de años, hasta la invención de la escritura, hace unos 5.000. Al no poder
recurrir a documentos escritos, esta ciencia tiene que basarse en los documentos materiales, provenientes
de investigaciones arqueológicas y hallazgos de arte mobiliar. Dentro de la prehistoria, es en el Paleolítico
Superior, hace aproximadamente unos 40.000 años, cuando se produce la aparición del arte en distintas
localizaciones de Europa y Asia.

Se ha hallado arte prehistórico en todos los continentes habitados, y en un principio parece no tener un
condicionante estético en su aparición, sino que está ligado a un rol social, relacionado con las creencias
místico-religiosas, por lo que su estudio debe contemplar puntos de vista antropológicos, históricos y
arqueológicos y, no tanto, estéticos.

Para adentrarnos en la evolución del arte asiático, retrocedamos

en la historia y gocemos de la belleza de ésta enigmática región
llena de costumbres y tradiciones. Las influencias históricas del
arte asiático abarcan una amplia variedad de religiones,
conquistadores, e influencias culturales.
1.13 Arte paleolítico

El arte paleolítico nace en el Paleolítico superior, aproximadamente hacia el año 40 000 a. C.,
cuando los seres humanos modernos poblaban prácticamente todo el globo terráqueo. Sin embargo, sus
manifestaciones fundamentales, por no decir casi las únicas, parecen reducirse a Europa, al sur del límite
que marcarían los hielos durante la glaciación de Würm. Es más, el arte mural de las cuevas (llamado arte
parietal) se concentra muy intensamente en ciertas regiones francesas (Dordoña, Pirineos franceses,
Corrèze, Charente, Loira, Hérault, Lot y Garona, etc.) y españolas (Cornisa Cantábrica, Pirineos, costa
mediterránea y algunos puntos de la Meseta Central como Maltravieso, Siega Verde o Los Casares),
aunque ocasionalmente puede aparecer en Portugal, Italia, Europa Oriental y poco más. No se ha
averiguado el motivo que explique por qué no se han hallado restos de arte paleolítico parietal en el resto
del mundo.

El arte mueble o mobiliar (definido como

objetos artísticos, funcionales o no, que pueden ser
transportados) es más abundante, extendiéndose no
solo por Francia y España, sino también por los valles
del Danubio, del Don y la cuenca del Baikal, ya en
Asia. Hay restos esporádicos en el resto del mundo,
como se indica al final. Desde los primeros
descubrimientos de objetos artísticos paleolíticos, en el siglo XIX,1 siempre se ha suscitado el enigma de
su motivación y su significado, aunque parece haber consenso en que se trata de un arte de función
religiosa y que su temática está íntimamente relacionada con el medio natural y su numen.

Queda pendiente el hecho innegable de su alto valor estético y artístico: los hombres prehistóricos
demostraron, en algunos casos, un ansia de perfección y un sentido de la belleza totalmente comparable a
los artistas de otras épocas históricas.

No obstante, este artículo solo toca, forzosamente, aquellos elementos artísticos que se han
conservado a lo largo de los siglos, lo que constituye, sin duda, una parte ínfima de todo el corpus

artístico paleolítico. Hemos perdido, como mínimo, aspectos tan fundamentales como la tradición oral, la
danza, la música, el adorno corporal, etc.
1.14 Arte Neolítico
El Neolítico es la última etapa de la Prehistoria, entre el 9000 y el 6000 a.C., cuando los seres humanos
pasaron de limitarse a recoger los productos de la naturaleza, a modificarla para producir artificialmente
nuevos tipos de recursos. En ese tiempo, los grupos humanos, en lugares y épocas distintos y sin relación
alguna entre sí, empezaron a practicar la agricultura y la ganadería.

Se ha planteado el crecimiento demográfico como probable causa del surgimiento de la

agricultura; se cree que la población humana aumentó a tal punto que los recursos resultaban insuficientes
para satisfacer las necesidades alimenticias; por lo tanto, las sociedades prehistóricas se vieron forzadas a
interactuar con la naturaleza para aumentar la producción de plantas y animales.

Neolítico-Mesolítico, culturas ca. 4500-4000 a. C.:

Cultura de la cerámica de bandas Cultura Bükk Cerámica
cardial Ertebölliense Cultura Dniéper-Don Cultura de
Vinča Cultura almeriense Dímini Cultura de la cerámica
perforada

El Neolítico (del griego νέος, néos: ‘nuevo’, y λίθος, listos: ‘piedra’), Edad de Piedra Nueva o
Pulida, es uno de los periodos en que se considera dividida la Edad de Piedra. El término fue acuñado por
John Lubbock en su obra Prehistoric Times (1865).

Inicialmente se le dio este nombre en razón de los hallazgos de herramientas de piedra

pulimentada, en vez de tallada; es decir, en vez de golpeada, que era menos resistente,1 que parecían
acompañar al desarrollo y expansión de la agricultura. Hoy en día se define el Neolítico precisamente en
razón del conocimiento y uso de la agricultura o del pastoreo. Normalmente, pero no necesariamente, va
acompañado por el trabajo de la alfarería.
1.15. Edad de los metales
Su fecha de aparición, duración y contexto varía dependiendo de la región estudiad. El periodo de
la evolución tecnológica de la humanidad caracterizado por el desarrollo de la metalurgia;

comienza antes del V milenio a. C. y acabaría en cada lugar con la entrada en la Historia, para
buena parte de Europa en el I milenio a. C.

Se descubre la posibilidad de fundir y dar forma a

los metales, con lo cual nace la metalurgia. El
bronce y el hierro contribuyen al mejoramiento de
las armas y las herramientas de trabajo, y por tanto
comienzan a reemplazar a la piedra como material
de construcción. El mejoramiento de los
instrumentos de trabajo trae consigo el progreso de
las técnicas de agricultura.

El hombre de la Edad de los Metales empieza a dedicarse firmemente a la minería. Se inventa la rueda.
Aparición de la ruta de los metales. Eran los caminos que el hombre abría en busca de encontrar cobre y
estaño para fabricar el bronce. Se inicia un gran intercambio comercial entre ciudades distantes, y este
hecho provoca que el hombre desarrolle la navegación.

La Edad de los Metales se divide en tres fases principales, que se distinguen debido al tipo de metal que
comienzan a manipular: cobre, bronce y hierro.

Este período de la prehistoria se definió primeramente como una transición entre el período Neolítico y la
Edad del Bronce. Sin embargo, ya que se caracteriza por la utilización de un metal, a esta etapa suele
unírsela directamente a la Edad del Bronce y se la separa de la Edad de Piedra.

1.16. Arte antigua de Asia

En el gran continente asiático a lo largo de la Edad Media fueron surgiendo una serie de grandes
civilizaciones, la mayoría de las cuales serán una pura evolución de etapas históricas precedentes. En el
Asia oriental con su gran civilización china y sus largos caminos de penetración, y el Japón siempre
protegido por su situación insular. Como nexo de unión entre el Asia más occidental y la oriental el mundo
de las estepas se convertirá en más de una ocasión en el verdadero protagonista de la Historia continental,
llegando incluso con su impulso a influir directa o indirectamente en la Historia del continente europeo
pintura: Se caracteriza por ser muy animalista y por el trazo de líneas en tinta dándoles unos acabados
muy distintivos al igual que su aplicación de color en las mismas.

las deidades con rasgos humanos muy perfectos y muy estéticos la apreciación del a naturaleza en
sus vestimentas o el entorno del personaje resalta mucho. La conexión con la naturaleza y el hombre
representando una serenidad y equilibrio entre ambos.

arquitectura: Se resalta la construcción de grandes mausoleos para los emperadores y los

rascacielos como las pagodas o la planificación urbana y sus estatuas

De los caldeos, asirios y medo-persas se conocen como obras de pintura las decoraciones de ladrillos
vidriados (azulejos) y de relieve y asimismo otras murales sobre estuco.

En todas ellas, se divisan figuras de personas, animales, florones y palmetas trazadas con una
técnica semejante a sus esculturas o relieves. Son notables entre los mencionados ladrillos esmaltados, el
del palacio de Nimrud (siglo VII a. C.) que hoy se halla
en el Museo Británico, los del palacio de Sargón en
Kórsabad (siglo VIII a. C.) y los célebres Friso de los
leones y Friso de los arqueros del palacio de Susa (siglo
IV a. C.), hoy en el Museo del Louvre. Se distinguieron
también los asirios y persas en la composición de
mosaicos para pavimento con labores geométricas y de
allí se importó su conocimiento a Europa al igual que de
su cerámica esmaltada.

En la India, se decoraban los muros de importantes edificios con frescos de vivos colores
representando varias escenas de caza y procesiones en honor de Buda y se animaban con esmalte y
policromía las estatuas o relieves de las divinidades. Sólo las figuras de animales y las de Buda se hallan
tratadas en la antigua India con cierta imitación del natural de que desdichadamente se ven privadas las
representaciones mitológicas.
1.17 Arte Mesopotamia
La historia de Mesopotamia es una sucesión de civilizaciones, iniciada por los sumerios hacia el
3.000 a.C. Estos son vencidos por las huestes de Sargón, rey de los acadios hacia el 2.350 a.C. Desde ese
momento conviven dos importantes culturas: los asirios (Assur) al norte, y los babilonios (Babilonia) al
sur, hasta que toda la región quede bajo dominio del Imperio Persa en 539 a. C.

- La sociedad era controlada por una fuerte jerarquía a cuya cabeza estaba un “lugal” (gran hombre),
considerado como intermediario de la divinidad, y una casta de sacerdotes.

. SUMER

- En Sumer florecen numerosos centros urbanos muy relacionados entre sí, como las ciudades-estado de
Kish, Ur, Uruk, Lagash o Mari. Para llevar el control de los crecientes intercambios comerciales se
perfecciona la escritura, que se llama “cuneiforme” por estar desarrollada con signos en forma de cuña.
Es la época del poema épico de Guilgamesh, rey de Uruk hacia 2.650 a.C., en el que ya se menciona el
Diluvio Universal.

- Los templos, con enormes escalinatas de acceso, se alzan sobre plataformas en talud, rematadas por una
torre de la oración, un ejemplo es el Ziggurat de Ur III (fig. 1): delante del ziggurat, que presenta un
aspecto muy sólido, con pocos vanos, se abren enormes patios abiertos, donde se congregaban los fieles.
La escasez de piedra obliga a emplear el adobe o el ladrillo, a veces decorado, como material de
construcción.

1.18. Egipto
El arte egipcio se ha superado más allá de la historia alrededor del siglo XVIII, pero fue el siglo XX quien
le dio su gran valor a pesar de lo antiguo, ha ido evolucionando a la era moderna ya que sus artes eran
comprendidas, unificadas, la cual se han desarrollado en el arte egipcio. Dándola a conocer por otros
lugares, la cual también se ha dado a conocer y se ha destacado por sus esplendidas artes. Egipto fue uno
de los primeros pueblos que entró en la historia, ya que su escritura es una de las más antiguas ya
descifrada.

Por lo cual durante los últimos siglos modernos se ha ido desarrollando a través de las evoluciones de los
estudios en sus historias dado al área del arte egipcio, por el cual, si hablamos de sus escrituras, que fueron
o son aún gran parte fundamental para las escrituras como el desenvolvimiento, en el dialecto, como,
además. La traducción de la escritura jeroglífica egipcia se pudo realizar gracias al descubrimiento de la
Piedra Roseta en la zona del Bajo Egipto por Cariampollar en 1799 (considerado como el primer
politólogo. Se trata de un bloque de basalto negro de 1,14 mts. de altura por 0,72 mts. De ancho. Se trata
de un decreto del siglo II a. Cto. En tres versiones: jeroglífica arriba, despótica en el centro (que es la
lengua popular derivada del jeroglífico) y griega abajo. Tras la caída de Napoleón los británicos la
trasladaron al British Museum. Egipto se convirtió pronto en un pueblo agrícola, a la vez que urbano,
desarrollando formas políticas propias, siendo estas formas políticas características las que favorecen la
aparición del arte. El Arte Egipcio es la manifestación de un poder autoritario que une en la figura del
Faraón aspectos políticos y religiosos. Para ello tuvo mucha importancia el nacimiento de los Imperios
Agrarios.

Han constituido regiones, estados, ciudades únicas de una misma nación, para el pueblo, lo que ha ayudado
a fortalecer muchos de los ámbitos, por el cual se ha
desarrollado una sociedad, en la cual se establece un jefe
político, un jefe religioso, o en otro caso; Clase social
formada por las personas que poseen títulos nobiliarios
concedidos por el rey o heredados de sus antepasados unida
a ellos. A partir de ese momento surgirán las
manifestaciones artísticas. Geográficamente, la cultura
egipcia se aglutina en la Cuenca del Rilo, que es la zona
más rica y fértil de Egipto.

1.19. Arte prehistórico en la India

Dispersas por toda la India hay miles de pinturas rupestres prehistóricas dibujadas en cuevas, bosques y
dólmenes.

El Centro Nacional de Arte Indira Gandhi acaba de poner en marcha un gran proyecto para
estudiarlas. Arqueólogos, artistas, geógrafos, geólogos, historiadores, botánicos y antropólogos
participarán en este "proyecto etno-arqueológico", que no sólo pretende localizar y conservar estas
pinturas prehistóricas, sino también descifrar su significado.

La zona de tamil-Nadu, en el extremo sudeste del país, será uno

de los primeros destinos de este equipo multidisciplinar. En esta zona se
han identificado más de 80 pinturas diferentes. Algunas parecen contar
historias completas de cacerías con niños y perros, escenas de guerra, individuos remando y hombres
ataviados con máscaras de pájaro. También se han encontrado figuras geométricas decorativas a base de
círculos, triángulos y otros motivos ornamentales. Cuando se habla de la pintura de la India hay que tener
en cuenta que esta ocupa una región muy vasta y que recibió influencias procedentes de otras culturas,
estando estás acorde a la situación histórica y religiosa que se desenvolvió en forma diferente en cada
región.

En relación al surgimiento de la pintura en el arte indio se han encontrado vestigios de

representaciones en pintura rupestre en Bhimbetka; cercana a la zona de Bhopal en aproximadamente mil
cuevas. La fecha establecida para estas cuevas data del periodo paleolítico (7000 A.C). En tan remoto
tiempo los pobladores de esta zona estaban aún conformando las bases de la civilización y sin embargo
ya los insipientes ejemplares de realización pictórica se realizan en las paredes de estas cavernas que
usaban además como protección de las inclemencias del tiempo y los animales

1.20. Paleolítico
Es el monumento más famoso de la India lo erigieron en los mongoles en Agra a una mujer. El
Tal Majal fue la ofrenda postema del Sha Djahán a su esposa favorita Mumtaz Majal. La prístina blancura
de su mármol incrustado de piedras debía oponerse al intenso negro de su otro edificio gemelo al otro lado
del río; el cautiverio del Sha, víctima de su hijo, puso repentino fin al magno proyecto. El Taj Majal, de
regularidad extraordinaria, de sorprendente unidad estilica a pesar de las diferentes tendencias que en él
se funden, se ha convertido en gran centro de turismo mundial.

Dentro de la cámara funeraria está el tabique, a modo de delicado encaje de mármol con
incrustaciones de piedras semipreciosas de colores, rodea las tumbas
de Shah Djahàn y de su favorita. Se trataba de uno de los más
prodigiosos ejemplos mundiales del virtuosismo artesano. 8.
Investigar cuales son las principales religiones de la India, que
lenguas usan y cuáles son los textos canónicos. En la india al periodo
védico, le sucede el periodo brahmánico, que comprendió de dos
etapas: a) La prebúdica: tiempos anteriores a Buda b) La búdica:
tiempos de Buda y posteriores.

Los brahmanes se encargaron de recopilar los preceptos religiosos en un libro llamado Libro de la
Ley de Manú, personaje que ellos consideraban el padre de todos los arios. Tuvieron un poder absoluto
en la India hasta el siglo VI a.C. fecha en que se establece el budismo, en parte como una protesta contra
la tiranía religiosa y social de aquella casta privilegiada.

Hicieron todo lo posible por combatirla. Cambiaron su religión abstracta por dioses concretos a
los que elevaron a la misma categoría de Brama. De esta manera establecen la célebre trimurti o Trinidad
India. Con ellos consiguieron que cayera el budismo y prácticamente desaparece.

1.21. Época Neolítico

Los grabados tienen una gran semejanza con los de las paredes de las cuevas de Edakkal, en las
colinas de Ambukuthy. Cuatro figuras, una con dos venados enfrentados y las otras tres abstractas, se han
encontrado grabadas en una roca. Otras líneas encontradas en una roca pequeña que podría haberse
desprendido de la roca original, también tenía grabados inscritos con forma de arnés. Las rocas se
encuentran en el recinto del templo de Sree Veliyambam Kotta Sicva, un templo semicircular construido
en el siglo XII, dentro de la División Forestal de la parte sur de Wayanad.

Los grabados se remontan al Neolítico, según

informa Gira Gratier, una investigadora de Bélgica que
estuvo en la zona trabajando para su proyecto de
investigación sobre las tribus del sur de la India. Al enterarse
por los habitantes del descubrimiento, se acercó al
emplazamiento e indicó que podría tratarse de un lugar
donde nuestros antepasados realizaran ritos antiguos.

Por otro lado, el director del Departamento de Arqueología a cargo de las cuevas Edekkal, explicó que
una exploración reciente de su equipo en la zona, reveló los restos de un hacha neolítica, lo que confirma
aún más la teoría de que los grabados puedan remontarse a ese periodo de nuestra historia.

La Srta.

Gratier, ha declarado que cree que los grabados en la piedra podrían haber sido parte de una gran
estructura en el pasado. Además, el estilo antropomorfo de las figuras y otros elementos artísticos de
Edakkal, son parecidas a los nuevos grabados encontrados.

También explicó que hace unos años, una inscripción en piedra datada sobre el siglo XI y X,

relacionada con la fe Jain, fue descubierta en la misma zona hace algunos años, por lo que quizás se trata
de un área clave para los arqueólogos, especialistas e investigadores.
1.22. Edad de los metales
El descubrimiento de la fundición de los metales tuvo un impacto muy profundo en las culturas existentes.
El espació dejó de ser, definitivamente, homogéneo, y las zonas mineras comenzaron a ser más ricas que
las demás. Hubo un interés creciente por dominarlas, incluso por la fuerza.

Aunque la fundición de los metales revela un mayor dominio del medio, esto no quiere decir que
los pueblos que sabían procesar el bronce tuviesen culturas más avanzadas. El periodo de transición entre
el Neolítico y la Edad del Cobre se le llama Eneolítico, aunque no todos los historiadores reconocen este
período. En realidad, sólo la cultura micénicafue una civilización basada en la metalurgia del bronce. Pero
también es cierto que el alfabeto surgió en sociedades que dominaban la metalurgia del hierro.

En este período aparecen las tradiciones

orales de la Protohistoria, y ya se conocen algunas
culturas que no teniendo escritura son referidas por
culturas que sí las tienen, por lo que es normal incluir
todo el período en lo que se denomina Historia
Antigua.

Edad del Cobre o Calcolítico

El descubrimiento de la metalurgia del cobre no supuso el fin de la industria lítica. Algunas

culturas tendrán ahora su época de mayor perfección; pero se irán aculturando con el tiempo. El cobre es
un metal blando y de pocas aplicaciones, que en principio no competía con la piedra. Además, las
demandas eran muchas y las zonas mineras pocas, lo que le hacía un metal muy caro.

El descubrimiento del cobre se realizó o en Egipto o en la altiplanicie del Kurdistán. Fue desde este último
lugar, desde donde se inició su difusión por todo el mundo. Hacia el año 4000 adC ya se conoce el cobre
en Egipto; hacia el 3500 a.C. aparece en Mesopotamia, Irán y la India; hacia el 3000 a.C. en el mar Egeo
y China; y entre el 2500 y el 2000 a.C. en Europa. Los objetos de cobre entraron en Europa a través del
valle del Kubán, pero los auténticos propagadores de la técnica de fundición fueron la cultura del vaso
campaniforme.
1.23. Arte antiguo
Arte indio abarca un período de unos 4500 años. Geográficamente se extiende por todo un palio
subcontinente y culturalmente reúne varias civilizaciones y reinos que recibieron su influencia a través de
sucesivas invasiones y vínculos comerciales.

Los ejemplos más antiguos del arte indio se

remontan a la Edad de Bronce en la cuenca del
indo, la cual alcanzó su máximo esplendor entre
los años 2500 y 1500 a.C. Entre las ruinas de
Mohenjo-Daro a orillas del Indo y Harappa en
el Punjab, se encuentran las ruinas de los
palacios, viviendas, graneros y comercios, así
como esculturas y bajorrelieves, en los que se
observa que lo religioso era el motivo principal del arte de la Edad de Bronce. Se reconoce el sacrificio
ritual del toro y los cultos a la fecundidad, temas que reaparecerán en el posterior arte hindú y budista.

La civilización del Indo desapareció en consecuencia de cambios geográficos que determinaron

un curso diferente para el río Indo y por las invasiones arias provenientes del norte de Asia. Los pueblos
arios se instalaron en las orillas del Ganges y del Yamuna y desarrollaron la religión védica.

1.24. Mesopotamia
La India fue el único territorio localizado en el Oriente, que griegos y romanos conocieron,
siempre rodeado de un halo hacía de él como una tierra misteriosa. Después de la expedición de Alejandro,
se comentaron en Grecia las maravillas de los hombres de ciencia
que acompañaron al gran conquistador y a ello se debieron en
Europa las primeras noticias positivas acerca de los pueblos
hindúes, tres siglos antes de Jesucristo. Por su parte, los relatos de
los peregrinos chinos que después visitaron los santos lugares del
budismo contribuyeron a divulgar por el Extremo Oriente los
conocimientos acerca del país y del arte hindú, que a través de
misioneros budistas había entrado en China en el siglo II a.C.
 La finalidad primordial del arte indio antiguo no es conseguir resultados meramente estéticos, sino
facilitar la contemplación religiosa, ya sea por medio de símbolos, o valiéndose de formas sensibles y
sensuales, que forman parte, de composiciones de un animado estilo narrativo, en el que a

veces esconde la intención religiosa bajo la capa de una apariencia de dinamismo o aun de erotismo. Todo
de acuerdo con una teoría de la belleza que es muy diferente de la que se manifiesta en la mentalidad
occidental.

En cuanto a la prehistoria la India cuenta con un prolongado estilo artístico que, en líneas generales
coincide con el de Próximo Oriente y sur de Europa, y que en el sur del Deccán no conoció la Edad del
Bronce y se prolongó hasta mediados del I milenio a.C. dejando vestigios de un arte megalítico autóctono.

1.25. Egipto
La India posee un territorio extenso que ha albergado durante siglos a un conglomerado de
diferentes culturas, religiones y tradiciones provenientes de muchos otros pueblos que han contribuido a
definir su cultura actual. El arte de la India tiene por tanto características multiétnicas y multiculturales
que se ha desarrollado pendiente de la naturaleza y la religión durante su conformación, pero dotada al
mismo tiempo de misticismo, sensualidad y fuerte imaginación derivada de la fusión de esta con otras no
menos imaginativas y místicas culturas.

Puede decirse que la India posee una de las más complejas sociedades con milenarias interinfluencias de
razas, culturas tradiciones y religiones que hacen del estudio del arte de este país una tarea compleja pero
increíblemente interesante.

Se define el arte de la India como un arte sacro o sagrado, no es solo la apreciación de la belleza
de las obras artísticas la que se persigue, sino también la emoción de la contemplación de las mismas. Por
medio de símbolos y representaciones artísticas altamente sensibles se
brinda la posibilidad a los fieles de identificarse plenamente con las
mismas si este ha crecido y vivido en esta cultura, para los que no;
resulta difícil en ocasiones entender a plenitud el mensaje muchas
veces velado. No por ello sin embargo se deja de apreciar por el
observador en general la belleza y perfección de estas obras ya que
utilizan uno de los mejores vehículos para ello; la

sensualidad que es un elemento universalmente vivido y percibido por todas las personas.
 Composiciones de un animado estilo narrativo que no parecen a simple vista tener mensajes o
contenido religioso son portadoras no obstante de esta intención devota bajo la apariencia de dinamismo,
frivolidad o aun de erotismo en ocasiones. Atreves del interés y la devoción que estas obras despiertan en
el espectador, se propicia una base mediante la que se propaga con mayor efectividad el mensaje y la
propaganda religiosa al apelar a elementos primordiales para los seres humanos, como es el caso de los
sentimientos, el erotismo, la esperanza y el amor

1.26. Arte prehistoria

China es un vasto país que vivió durante largo tiempo sin contactos con el mundo occidental, ni
con el sur asiático, y algunos de los valores que exaltó en su humanismo difieren bastante de los
occidentales. Esto contribuye a acrecentar el interés que esta civilización ofrece, no sólo desde el punto
de vista de la historia del pensamiento, sino también desde el de la historia de las actividades artísticas.

Este aislamiento se prolongó hasta que en primer lugar las conquistas del emperador Han Wuti,
entre los años 121 y 102 a.C, y después, entre los años 74 y 102, las del general Pan Tchao, contribuyendo
a prolongar a través del Pamir la Ruta de la Seda, permitieron un enlace permanente con Persia y la India.
Esta comunicación había de significar, en su día, un aflujo de influencias artísticas persas, y desde luego
facilitó la penetración de la estatuaria del budismo.

El arte chino cuenta también con una prolongada prehistoria. Los hallazgos de mayor antigüedad,
realizados en Yang-chao, en el norte del Honan, datan de una época que cabe situar entre los siglos XIX
y XVII a.C. y han proporcionado una cerámica con
decoración pintada geométrica, además de cuchillos de
hueso o sílex y hachas de jade. Contemporánea a ello, o
poco posterior, es la cerámica encontrada en la región de
Panchán, en Kansu, con espléndida ornamentación
policroma de espirales, volutas y losanges.
1.27. Paleolítico
El paleolítico antiguo está representado en China por el célebre sinántropo, cuyas osamentas fueron
descubiertas (1921) en Zhou Koudian (Chou-Kou-tien), al sudoeste de Beijing. A partir del 4.000 a.C. se
comprueba un rápido desarrollo de varias culturas neolíticas, particularmente en la

región de la “China del loes” (valle del Huang He), que aparece ya como adelantado sobre las comarcas
vecinas.

A fines de este período neolítico (2200 a.C. a 1800 a.C.) los anales tradicionales sitúan la primera
dinastía de la historia de China, la de los Xia o Hsia. Hacia principios del milenio II a.C. se produce en
China un fenómeno capital: la aparición de la técnica del cobre.

Con esta revolución técnica se precisan algunas

características de la civilización china arcaica. Así, apareció lo que
se ha llamado la “dicotomía fundamental”: por una parte, los
nobles, habitantes de las “ciudades-palacio”, y, por otra parte, los
campesinos, que cultivaban las tierras alrededor de los muros de la
población.

1.28. Neolítico
Neolítico y arte mantienen una estrecha relación debido a la gran cantidad de piezas y objetos existentes
y a las innovaciones en cuanto a los materiales utilizados como el jade y la seda, y el uso de otros más
corrientes como la madera y el hueso.

Sobre todo, en los ritos funerarios, donde se utilizaban cerámicas especializadas reservadas a tal
uso en el que los artistas desarrollaban todo su arte de una manera concisa y equilibrada.

También en este periodo el jade cobró protagonismo especialmente en las figurillas de trípodes de
la cultura Longshan o en las placas de jade de la cultura Liangzhu, aunque su máximo apogeo sería en la
Edad del Bronce.
 De mirada penetrante, estas figurillas fueron complementos o
partes de jarras y vasijas de la cultura de Yangshao o simples figurillas
humanas en hueso de las culturas de Hongshan y de Liangzhu.

Por último, hay que señalar la presencia de elementos usados

dentro de la vida cotidiana que no corresponden a cerámicas, sino
ornamentos para el pelo hechos en jade con incrustaciones de turquesas
pertenecientes a la cultura de Longshan u hojas de cuchillo relacionadas
con la tardía cultura de Erlitou usadas en ceremoniales, a caballo entre el
Neolítico y la Edad del Bronce.

1.29. La Edad del Hierro en China

La evolución que se aprecia desde el siglo VI a.C. se precisaría y aceleraría con la introducción
de la fundición del hierro y el arado uncido. Con las nuevas herramientas agrícolas y con los grandes
trabajos colectivos de construcción de diques se incrementaron las tierras aptas para el cultivo.

Herramientas de metal halladas en China.

Estos importantes cambios en las condiciones económicas determinaron una nueva

estructuración de la sociedad. Diversas reformas tendieron a
destruir los restos de la antigua nobleza y a organizar las bases
de un poder centralizado.

Los campesinos fueron agrupados y se instauró el

principio de la responsabilidad colectiva. Paralelamente se
engrandecieron los núcleos urbanos, que se convirtieron en
centros comerciales y artesanales.

1.30. Arte de la antigua China

La China es una de las civilizaciones más antiguas que han mantenido una continuidad cultural y cohesión
política a lo largo de su historia, gracias en parte a su ubicación geografía que es única, situada en el
extremo del continente asiático frente al océano Pacífico lo que les permitió mantener su cultura fuerte
por milenios, crédito también a su forma de vida, que era muy íntima, ellos se mantuvieron lo más lejos
posible de las influencias del mundo exterior por milenios.
 Aunque algunos de los invasores a lo largo de la historia de China podrían haber diluido su forma
de vida e idiosincrasia por la fuerza o la absorción, esto no sucedió porque los chinos decidieron seguir
sus tradiciones y creencias con firmeza y continuaron su devoción a la naturaleza y sus antepasados, aun
cuando disimiles religiones fueron acogidas en diferentes épocas.

El pueblo chino prefería una economía

autosuficiente donde las costumbres tradicionales y los conocimientos sobre los oficios artesanales
pasaron de generación en generación entre los miembros de las familias. Sus producciones de arte eran un
reflejo directo de su filosofía sobre la vida y su amor por la naturaleza, con la que trataron de estar siempre
en armonía y a la que respetaron y veneraron. Con el comienzo de la era moderna en el siglo XVI los
efectos de una ola de cambios importantes que estaban sucediendo en todo el mundo trajeron para China
nuevos retos, sumado a los problemas internos del país, pero este artículo se concentrara solamente en el
arte de este inmenso país en la antigüedad.

Hasta el periodo de los Estados Combatientes (475-221 A.C), las representaciones artísticas eran
producidas por artesanos anónimos que trabajaban para la realeza y las cortes feudales. Se piensa que
durante el periodo Shang y el periodo temprano Zhou la
producción de vasijas de bronce con propósitos rituales fue
regulada exclusivamente bajo la autoridad de la corte en las
que patrones de diseño se compartieron entre los especialistas
que trabajaban en los diferentes medios artísticos como los
bronces, los trabajos en laca o los textiles, siendo
significativamente uniformes en su expresión artística.

1.31. Mesopotamia
Mesopotamia significa (país) entre ríos. La antigua Mesopotamia localizada en la actual Iraq tenía una
tierra muy fértil a causa de los ríos Tigris y el Éufrates, que desembocan en el Golfo Pérsico; es un terreno
envuelto de desierto. Estas tierras fueron ocupadas hace más de 5.000 años a.C. por los sumarios, quienes
construyeron las primeras ciudades como Ur y Lagash sobre colinas y las fortificaron para defenderlas de
otros pueblos que buscaban un lugar mejor donde vivir. Cada ciudad se gobernaba a sí misma, eran estados
independientes.
 Las civilizaciones fluviales, como es el caso de Mesopotamia, son las ciudades que se formaron
con grandes ríos, como el Tigris o el Éufrates, en el caso de Egitpo, el Nilo, el rio Indus con India, y los
ríos Amarillo y Azul con China. Para los griegos, entre el Tagos (Tajo) y el Anas (el Guadiana) había una
Mesopotamia habitada principalmente por celtas. Finalmente, añadir como introducción que los primeros
residentes de la región de Mesopotamia fueron las culturas neolítica y calcolítica, hacia el año 7000 a.C.
con la eclosión de las primeras poblaciones agrícolas hasta llegar a las ciudades sumerias en el 3700 a.C.
Más tarde, se cree que los sumerios se desplazaron hacia el noroeste del país entre los dos ríos hacia el
año 4000 a.C, y que substituyeron o se mezclaron con las poblaciones locales. Unas veces representaba
soberanos, otros dioses, otros funcionarios, etc, pero

siempre personas individualizadas (a veces

con su nombre grabado), busca substituir a la persona
más que representarla. Por este motivo, la cabeza y el
rostro aparecen desproporcionados en relación al
resto de la figura. (véase imagen a la izquierda) Era
característico lo que se denomina “realismo
conceptual”, y es que simplifica y regula las formas
naturales provocando que tanto la parte izquierda
como la derecha sean totalmente simétricas. También se observan dentro de este realismo el crear la figura
dentro de un esquema geométrico que solía ser el cilindro o el cono. Las representaciones humanas
presentan una total indiferencia con la realidad, sin ningún parecido, mientras que las representaciones
animales tienen un mayor realismo y fidelidad con la imagen real

1.32. Egipto
Egipto. Cultura sedentaria y agrícola, arquitectura y obra civil Culto a los muertos, inmortalidad
y resurrección El mito de Isis El idealismo en la representación. Faraón-Dios Esquematización narrativa:
la pintura Rigidez narrativa y rigidez política Pintura a la encáustica Idealismo y naturalismo: escultura
Mobiliario y objetos suntuarios Mesopotamia y Persia Hechos artísticos relevantes: restos arqueológicos
China: escultura en terracota

Las grandes culturas de la antigüedad.

Iconografía religiosa en las culturas antiguas Egipto Sumer/babilonia Creta/Micenas Ritos

principales Reencarnación divina, búsqueda de la inmortalidad Adivinación, cánticos, conjuros,
sacrificios Epifanías, danzas, sacrificios Ciudades principales
Tebas, Heliópolis, Menfis Nínive y Balilonia Cnosos/Micenas
Deidad femenina principal Isis (Diosa Madre) Inanna/Ishtar Gran
Diosa (Potnia Theros) Deidad masculina principal Amón-Ra,
luego Osiris Enlil/Marduk Dioniso, Zeus Representación de las
divinidades Zoomorfa Antropomorfa Mito relacionado con un
culto iniciático Pruebas que pasa el faraón antes de vencer a la
muerte Epopeya de Gilgamesh Mito del laberinto Animal relacionado con el culto Halcón, chacal,
cocodrilo, carnero Toro Cultos de muerte Momificación, tumbas preparadas para la vida en el más allá
Son menos significativos que en otras culturas Iniciación ritual del difunto al más allá

 EGIPTO:

Cultura sedentaria y agrícola, arquitectura y obra civil. Analizar la posible relación entre el modo
de vida y el arte egipcio Relaciona el tipo de vida sedentario con el auge de la arquitectura y de las obras
públicas.

1.33. prehistoria Japón

LA PREHISTORIA JAPONESA ES UN PERÍODO DE MÁS DE 50000 AÑOS, Y AUNQUE SE
CONOCE SUS FORMAS DE VIDA NO SE HA DESCIFRADO TODAVÍA LA COMPOSICIÓN
ETNIA JAPONESA.

Edwar Silverter Morse (1838-1925), profesor de zoología de la Universidad de Tokio, es

considerado uno de los precursores de la arqueología japonesa. Gracias a Morse la arqueología japonesa
sufrió un gran impulso durante las primeras décadas del siglo XX. Pero no será hasta después de la II
Guerra Mundial cuando este campo sufra una profunda remodelación en el Imperio del Sol Naciente. La
prehistoria japonesa se divide en los siguientes períodos: paleolítico 50000 al
11000/10000 a.C.; período Jamón 11000/10500 a.C. al 300 a.C.; período
Yayoi 300 a.C. al 300 d.C. y período Kofun 300 al 552 d.C. (para el período
Kofun algunos investigadores utilizan otra cronología que llega hasta el 650
d.C. e incluso hasta el 710 d.C., aunque la más utilizada es la primera).

Dedicados a la caza y la recolección se agrupaban en pequeños

asentamientos permanentes. No existe un conocimiento profundo acerca de
sus creencias. Celebraban ritos comunes a los de otras culturas prehistóricas:
caza, pesca, fertilidad o curación de enfermedades; en los que se realizaban ofrendas en vasijas de
cerámica. Se piensa que no existía la creencia en el más allá debido a que no se han encontrado
enterramientos con ajuares. Las construcciones típicas de este período son a base de cabañas de planta
cuadrada o circular, con bases semi-hundidas y tejados de paja que apoyaban en el suelo. El interior solía
estar revestido de lajas de piedra. Se trataba de viviendas donde podían llegar a convivir entre 5 y 6
personas.

Respecto a las representaciones artísticas, lo más destacado son las vasijas de cerámica de carácter
cotidiano y religioso. Piezas cocidas al aire libre (sin horno) de forma cónica, base pequeña -generalmente
para ser clavadas en la tierra- y boca amplia. También se han encontrado estatuillas

antropomórficas, generalmente femeninas, y de animales denominadas Dogu. Son las primeras esculturas
de Japón. Caracterizadas por las formas grotescas, sus ojos huecos o en forma de grano de café.
Relacionadas con rituales religiosos o incluso propiciatorios.

1.34. Paleolítico en Japón

La 'Paleolítico japonés' (¿旧石器时代 Jidai kyūsekki?) comenzó alrededor de 50.000 a 30.000 antes

de Cristo, cuando se encontraron utensilios de piedra y herramientas,

y continuó en torno a 14.000 antes de Cristo, al final de la última edad
de hielo, que se corresponde con el principio del Mesolítico periodo
Jamón. La fecha 35.000 AC es la más generalmente aceptada: cualquier
fecha de la presencia humana antes de 30.000-35.000 aC es
controvertida, con artefactos de apoyo a un pre, 000 aC la presencia
humana en el archipiélago sigue siendo de dudosa autenticidad.

Los primeros huesos humanos fueron descubiertos en Hamamatsu, Shizuoka. El radiocarbono que
data ha demostrado que los fósiles datan de alrededor de 14.000 - 18.000 años atrás.

Piedra y herramientas talladas

Herramientas de piedra pulida o ejes. Hinatabayashi B site, Shinanomachi, Nagano. Pre-Jamón

(Paleolítico) periodo, 30,000 BC. Museo Nacional de Tokio.

El Paleolítico japonés también es único porque incorpora el más antiguo conocido piedra suelo
herramientas y piedra pulida herramientas en el mundo, data de alrededor de 30.000 antes de Cristo, una
tecnología típicamente asociada con el inicio de la Neolítico, en torno a 10.000 antes de Cristo, en el resto
del mundo. No se sabe por qué este tipo de herramientas se crearon tan pronto en Japón, aunque el plazo
se asocia con un calentador clima en todo el mundo (30,000-20,000 antes del presente), y las islas puede
haber beneficiado especialmente de ella.

Debido a esto la originalidad, el período Paleolítico japonés en Japón no coincide exactamente

con la definición tradicional de Paleolítico, basada en tecnología de la piedra (piedra

talladaherramientas). Herramienta Paleolítico japonés implementa así visualizar Mesolítico y

Neolíticorasgos ya en 30.000 antes de Cristo.

1.35. Neolítico japonés

La evolución histórica y cultural del Japón vendrá marcada, desde sus inicios, por el carácter insular del
país. Aunque compuesto por un sinfín de islas, sólo cuatro de ellas ocupan el 98 % de su territorio. De
norte a sur son: Hokkaidô, Honshû, Shikoku y Kyûshû, siendo la segunda citada la isla principal. Entre la
pléyade de islas que completan ese 2 % restante del territorio nipón, destaca el archipiélago de las Ryûkyû
(que no formaban parte de Japón en la época más antigua) y las islas de Iki y Tsushima, que desempeñaron
un papel clave como puente de comunicación entre Japón y los vecinos China y Corea, países éstos que
influirán poderosamente en la cultura japonesa, a pesar de que no siempre dichos contactos fueron
pacíficos.

Otro de los factores condicionantes del Japón viene de la mano de las características físicas del
país, pues la activa sismología que padece ha dibujado una orografía complicada que dificulta las labores
agrícolas, restringidas a un ínfimo territorio cultivable que, en la actualidad, se reduce a menos del 12 %
del territorio nacional y que, a lo largo de la historia, constituyó una constante preocupación para todos
los gobernantes. En contrapartida, podemos calificar el paisaje nipón como uno de los más privilegiados
del planeta por la belleza de sus parajes, que habrían de influir de manera indeleble en la sensibilidad de
los japoneses. Aunque se desconoce el origen exacto del pueblo japonés, las investigaciones apuntan a
que las islas recibieron aportes de varios grupos humanos que llegaron en
sucesivas oleadas procedentes tanto del nordeste asiático como del sureste
de Asia o sur de China, así como un contingente de origen mongol que
penetró en las islas a través de Corea. Además de los aportes étnicos
venidos desde el exterior, también debería tenerse en cuenta la presencia
de una etnia autóctona de las islas, representada por los antepasados del
actual pueblo ainu, asentado hoy en día en Hokkaidô.
1.36. Edad de los metales
La Edad de los Metales es una de las dos grandes etapas tecnológicas en las que tradicionalmente
se ha subdividido la Prehistoria euroasiática. Por definición, es el período que seguido a la Edad de

Piedra y durante el cual el hombre empezó a fabricar objetos de metal fundido. La existencia de metalurgia
es indispensable para establecer la adscripción de una cultura arqueológica, ya que los metales nativos
eran trabajados por martilleado desde las fases iniciales del Neolítico. Comenzaría con las primeras
evidencias de fundición del cobre, que son del VI milenio a. C. (en Anatolia y los montes Zagros) y
acabaría con la entrada en la Historia de cada región (en Europa sería durante el I milenio a. C. En
Mesopotamia y el Egiptocoincide ya con el desarrollo de la escritura y por tanto la metalurgia allí es
plenamente histórica.

El cobre, junto con el oro y la plata, es de los primeros metales utilizados en la Prehistoria, tal vez
porque, a veces, aparece en forma de pepitas de metal nativo. El objeto de cobre
más antiguo conocido hasta el momento es un colgante oval procedente de Shanidar
(Irán), que ha sido datado en niveles correspondientes al X milenio a. C. 9500 a.
C., o sea, a principio del Neolítico. Sin embargo, esta pieza es un caso aislado, ya
que no es hasta 3000 años más tarde cuando las piezas de cobre martilleado en frío
comienzan a ser habituales.

La técnica de fundición del cobre es relativamente sencilla; la clave está en

que el horno alcance la temperatura adecuada, lo cual se conseguía inyectando aire
soplando o con fuelles a través de largas toberas. Se mezclaba el mineral triturado
con carbón de leña. Con el calor las impurezas van liberándose en forma de
monóxido y dióxido de carbono, reduciendo el mineral a un cobre relativamente
puro; al alcanzar los 1000 °C, el metal se licúa depositándose en la zona inferior
del horno. Un orificio en el fondo del horno permite que el líquido candente fluya
hacia el exterior, donde se recoge en moldes
1.37. arte antiguo
En el arte chino se tiene especial relevancia desde su concepción a la función social y jerárquica
a la que está destinada la obra. El arte servía como símbolo de posición social en una sociedad muy
jerarquizada. Las esculturas y tumbas reales representaban el poder real, los artistas era anónimos, creando
sus obras en talleres colectivos. Todas las formas artísticas se llevaban a cabo con un gran conocimiento
técnico. Con las escuelas filosóficas a partir del siglo VI A.C, como son el taoísmo y el confucianismo, se
profundiza en la relación del ser humano con el entorno, la armonía con el cosmos mediante la
introspección, el estudio, buenos principios, ceremonias y el culto a los antepasados.

La pintura, la poesía y la caligrafía estaban reservadas a una clase intelectual formada a la tradición,
utilizando los mismos principios técnicos y estéticos en las diferentes dinastías. Se buscaba la
espontaneidad y expresividad en el trazo. Las dinastías Shang y Zhou utilizan el bronce y el jade en sus
obras, con la expansión del imperio en la dinastía Han se utiliza la seda y la laca. Con la dinastía Qin la
cerámica sirve de referencia (arcilla, porcelana, terracota).

La arquitectura china se caracteriza por distribuir el espacio en unidades rectangulares que se unen
en un todo. Desde muy antiguo se utilizaba la simbología del I ching, libro de las mutaciones, (del que
utilizará el feng shui) como un conocimiento oracular ya utilizados sus primeros textos en el 1.200 A.C,
el texto tradicional de origen taoísta fue aumentó con la dinastía Zhou y por comentarios de la escuela de
Confucio. El I Ching describe la situación presente de quién lo consulta y el modo que se resolverá en el
futuro si se adopta una posición correcta. Es un
filosófico y adivinatorio. La arquitectura china
se rige por principios de equilibrio y simetría,
con una estructura principal y las secundarias a
ambos lados. El aspecto exterior es
impresionante, dinámico y misterioso. Los
chinos utilizaban la madera como uno de los
materiales principales de construcción.
1.38. MESOPOTAMIA
La civilización mesopotámica se desarrolla entre los ríos Tigris y Eúfrates,
cuyas aguas canalizaban para regar. Son territorios que actualmente
pertenecen a Irak.

Conocieron ya el arado, la carreta con cuatro ruedas y el barco de

vela.

Los primeros habitantes de esta zona fueron los Sumerios. Estos

desarrollaron un floreciente comercio en la zona, organizando caravanas
que llevaban las mercancías de unos lugares a otros.

Posteriormente surgieron dos grupos diferentes que se repartieron el territorio. Hacia el norte se
establecieron los Caldeos y los Asirios y más al sur los Medos y los persas.

Estos pueblos eran politeístas y adoraban a dioses que representaban la fuerza de la naturaleza y a los
astros.

El arte mesopotámico destaca por sus grandes construcciones arquitectónicas.

Los palacios con grandes salas adornadas con relieves y estandartes

Los templos o zigurats, edificios con una torre escalonada y por la que consideraban que descendías los
dioses un objeto característico de esta cultura es el cilindro-sello que se tallaba en piedra. Cada cilindro
tenía un dibujo único, que equivalía a la firma de su propietario.

En la escultura destacan los bajorrelieves, siendo de gran belleza los dedicados a escenas de caza.

Utilizaban la cerámica vidriada (con un barniz que le da brillo), de la que se conservan algunas muestras
de gran belleza.

También hemos de destacar las innumerables figuras de personajes sumerios, de ejecución y rasgos
característicos.

A la civilización de Mesopotamia pertenece el código de justicia más antiguo que se conoce. Está
grabado en un bloque de diorita (una piedra parecida al granito) y recibe el nombre de código de
Hammurabi, que era el rey que había cuando se redactó. En la parte superior del grabado, se representa al
rey recibiendo la Ley del dios Shamash. En el centro de la piedra se encuentra grabado el código. En este
código figura la conocida ley del talión "ojo por ojo y diente por diente", que establece un castigo igual al
daño que se ha causado.
1.49. Egipto
El arte japonés evidencia la proximidad entre la creación artística y una profunda intuición filosófica de
la realidad.

El zen, rama del budismo iniciada por Bodhidharma (o Daruma en el Japón), impregnó la cultura
japonesa y sus diversas expresiones artísticas como la pintura, arquitectura, poesía, el arte de los jardines
o la célebre ceremonia del té. Se trata del perfil místico del budismo, donde lo vacío es la fuente primaria
del sentido, de la plenitud, la belleza y la expansión vital.

En el Japón, el arte exige un esfuerzo de

atención, de conocimiento y de simpatía mayor que en
China, país al que deben gran parte de su cultura.

Como todas las artes que provienen de las culturas

asiáticas, las bases de su estética se centran en el
elemento sagrado.

Se cree en la existencia de múltiples fuerzas invisibles, dioses locales, genios protectores, espíritus
de las cosechas, del hogar, de los antepasados y de los parientes fallecidos, fuerzas de la fertilidad, de la
generación de la vida, poderes que mueven tanto al cosmos como a los humildes objetos.

Estas fuerzas son los kami, representaciones de lo sagrado que no están individualizadas ni
personalizadas. Los kami se multiplicaron y se hallan presentes en todas las actividades de la vida diaria
del japonés. La historia cuenta que el universo fue creado por los tres kami, nacidos sin progenitores, y
por una jerarquía descendiente que recuerda los eons gnósticos.

El culto a estas creencias forma la religión nacional, llamada "sinto".

La liturgia de esta religión recordaba a los japoneses que existían fórmulas mágicas que favorecían la
pesca, los trabajos de la granja, la fabricación de objetos y demás tareas. Esta mentalidad, esta visión del
mundo, está muy presente todavía en el pueblo japonés y permanece en el subconciente colectivo de este
pueblo.

En el arte japonés se imita la armonía de la Naturaleza, se evoca a los dioses que forman la
sustancia de las cosas la llegada del budismo a través de China en el siglo VI., transformó profundamente
la cultura japonesa, pero no modificó los conceptos en que se basaba. El arte de Japón, al entrar en contacto
con la cultura búdica, un pensamiento más refinado, se volvió más presico en sus técnicas.
  Características principales del arte japonés:

- Simplicidad de sus formas.

- El elemento ornamental o decorativo desaparece.

1.50. prehistoria Oceanía

El Arte de Oceanía es un conglomerado de estilos, que reflejan las distintas culturas que cubren
este continente marcadas por su aislamiento insular durante muchos siglos, que ha provocado un sinfín de
rasgos culturales en las distintas islas.

Desde la época prehistórica, se desarrollaron las

distintas culturas diferenciadas por la variedad racial del
continente, y producto de las distintas olas de migraciones de
los pobladores primitivos. Anteriores a la llegada del hombre
occidental que supondrá un nuevo tipo de mestizaje, se
distinguían, tres grupos étnicos principales: los aborígenes
australianos primitivos, los papúes de Nueva Guinea y los
austronesios y los polinesios que ocupan Hawái y Nueva
Zelanda. Cada etnia generó distinta civilización en los archipiélagos aislados que forman el continente
oceánico. El arte oceánico se caracteriza por su temática generalmente religiosa y por un tratamiento
realista en sus representaciones figurativas, con caracteres resumidos en ocasiones a un signo.

En Australia, se encuentran pinturas rupestres, grabados mágicos, placas rupestres de origen

religioso, así como las placas de madera o piedra, ovaladas y alargadas, con decoraciones geométricas,
abundando líneas y círculos.

Hawái ofrece sus trabajos en plumas de aves y los ídolos de maderas

Isla de Pascua, son conocidas las estatuas de roca canica y estatuillas de madera con forma humana.

Islas Marquesas, son típicas estatuas que representan divinidades, de formas humanoides.
1.51. Paleolítico
Paleolítico inferior: Se extiende desde hace 2,5 millones de años que aparede el primer hombre del
género Homo, hasta el 125 000 a.C., en esta etapa se desarrollan el Homo hábilis y el Homo erectus y los
instrumentos que elaboran son toscos, destacan las hachas de mano o bifaces.

Continúan elaborando los mismos materiales líticos que en la etapa anterior, mejora la técnica y se
desarrolla la tipología lítica (se crean los instrumentos con finalidades específicas).

El Paleolítico Superior: Abarca desde el 40 000 a. C. hasta el 10 000 antes de Cristo. Se desarrollan
las culturas creada por el Homo sapiens. En Europa principalmente es

Su industria lítica es muy elaborada: se realizan instrumentos líticos con mucha precisión y
especialización. Emplean otros materiales como el hueso. (Arpones de hueso, puntas de

Las civilizaciones encontradas fueron en el Noroeste de Europa y Nigeria, Tierra de Sahul, Cuevas de
Altamira (España) y La Madeleine (Francia).

A este homo sapiens le debemos el arte llamado

Paleolítico que es el arte de las cuevas, el arte Rupestre que
fueron los primeros relieves y pinturas, los pequeños utensilios
tallados en hueso, las primeras esculturas, este nace
aproximadamente hacia el año 30 000 a.C. Generalizando se
puede decir que lo seres humanos; ocupados en la búsqueda de
alimentos y garantizar la subsistencia y procreación intentaban
controlar de alguna forma el entorno en que vivían e utilizaron manifestaciones de creación artísticas con
intenciones propiciatorias (atraer la lluvia, la fertilidad femenina, certeras partidas de cacerías, pesca
provechosa y cosas como estas que conllevaron al desarrollo del pensamiento Abstracto.

Los seres humanos en este momento estrictamente eran cazadores-recolectores, lo que significa
que estaban constantemente en movimiento para la búsqueda de alimentos. El arte tiene dos características
fundamentales portátil y estacionario.
1.52. Neolítico
Estos megalitos poseían una complejidad constructiva que pueden hoy sorprendernos teniendo en
cuenta que fueron hechos tan remotamente en el tiempo por hombres en el periodo neolítico. Estos
conjuntos demuestran que estos hombres tenían conocimientos relacionados con las estaciones y los astros
como el sol, la luna y las estrellas ya que esos megalitos están orientados de forma que la luz del sol pasa
por ellos en determinadas fechas coincidiendo con los solsticios y los equinoccios.

El tipo de arte del “Neolítico” (es decir: edad de piedra, en que los pueblos aún no habían
descubierto cómo fundir metales) continuó floreciendo en las
Américas, África, Australia y en particular, Oceanía. La cerámica
en el neolítico Comienza a ser más decorada con figuras de animales
algunas y otras con bandas o ambas combinadas.

Líneas oscuras y espirales también se encuentran entre los

diseños. Hacia los finales de la época media del neolítico por
motivos aún no claros ocurre un abandono de la tendencia naturalista y figurativa hacia tendencias
simbólicas y abstractas donde el detalle de las figuras no es tenido en cuenta.

1.53. Edad de os metales

Hacia la Edad del Bronce medio, empezaron a aparecer en Anatolia, Mesopotamia, el
Subcontinente Indio, el Levante, las costas del mar Mediterráneo y Egipto, cantidades cada vez mayores
de objetos de hierro de fundición, distinguible del hierro meteórico por la ausencia de níquel. En algunos
lugares, su uso parece haber sido ceremonial, y el hierro era un metal caro, mucho más que el oro. Algunas
fuentes sugieren que el hierro se fabricaba en algunas partes como subproducto del proceso de obtención
de cobre, y que no era obtenible por separado mediante la metalurgia de la época.

Sin embargo, en Anatolia el hierro se producía de forma sistemática a partir de una fuente de hierro
meteórico, no muy lejos de vetas explotadas de otros metales durante la Edad de Bronce. De ahí surge el
uso y producción más antiguos de objetos de hierro. Las recientes investigaciones arqueológicas en el
valle del Ganges, en la India, descubrieron un primer uso y trabajo del hierro hacia el 1800 a. C.

Alrededor del 1200 a. C., el hierro era profusamente utilizado en Oriente Medio, pero aún no
reemplazó al uso dominante del broncedurante algún tiempo. Hacia el 1800 a. C., por razones aún
desconocidas para los arqueólogos, el estaño escaseó en el Levante, lo que llevó a una crisis en la
producción del bronce. El cobre también parecía escasear. Varias civilizaciones "piratas" del Mediterráneo
empezaron a atacar las ciudades fortificadas a partir del 1800-1700 a. C. con la intención de saquear el
bronce para refundirlo y convertirlo en armas. Anatolia había sido durante mucho tiempo un gran
productor de bronce, y su uso del hierro (desde el 2000 a. C. en adelante) permitió la existencia hacia el
1500 a. C. de una tecnología de armas superiores a las de bronce.

En África occidental, la producción de hierro comenzó casi en la misma época, y parece claro que
fue una invención independiente y simultánea. Los lugares que contenían mineral de hierro desarrollaron
una preeminencia en el último milenio a. C. que mantendrían en el futuro. La tecnología militar diseñada
para aprovechar el uso del hierro

se originó en Asiria, quien de hecho parece que consideraba la ciudad

de Troya como un puesto comercial (una cabeza de maza encontrada en 1902
en las ruinas de Troya, fechada en el 1200 a. C., es probablemente de
producción asiria). En cualquier caso, el comercio de hierro entre Asiria y la
ciudad independiente de Troya estaba ya bien establecido en esas fechas, y el
secreto de su producción era celosamente guardado por los asirios.

1.54. Arte Antiguo

El poblamiento humano de Oceanía se produjo en varias oleadas. Los
primeros pobladores de Oceanía fueron Homo sapiens procedentes del sureste
de Asia. Los primeros pobladores humanos de Oceanía procedían del sureste
de Asia: de ellos descienden los actuales papúes y nativos australianos. El
poblamiento de Australia y Nueva Guinea se remonta al 40 000 a.C. Una
segunda oleada mucho más reciente, es la que pobló el resto de islas del
pacífico. Esta segunda oleada humana fue la de los pueblos austronesios
(iniciada entre el 3000 a. C. y el 2000 a. C.), también de origen asiático, más
concretamente procedentes de Taiwán. Los austronesios fueron grandes navegantes y fueron los primeros
pobladores de muchas partes de Oceanía, en particular de Polinesia, Nueva Zelanda o Hawái, llegaron al
menos tan lejos como la Isla de Pascua. El poblamiento de Micronesia y Polinesia, se prolongó durante
tres milenios desde el 2000 a. C. hasta el I milenio d. C. Nueva Zelanda por ejemplo fue poblada entre el
s. IX y XIV por los maoríes.
 EL IMPERIO TU'I TONGA En el 950 d. C. el Imperio Tu'i Tonga dominó la mayoría de las islas
de Oceanía, en sus comienzos los reyes lograron deshacerse del dominio extranjero y consolidó el poder
del imperio en lo que hoy es Tonga. Cerca al año 1200 comenzó su expansión que se dio hasta,
aproximadamente el 1500. El imperio conquistó lo que hoy en día se conoce como Fiyi, partes de Samoay
otras islas de la polinesia como las Islas Cook y Niue. La gran habilidad para construir canoas y el buen
sistema aplicado a las invasiones facilitó que Tu'i Tonga se estableciera en más islas aún. Cercano al año
1500 se desataron muchos problemas en la realeza del imperio que debilitó su figura en las colonias, que
consiguieron mucha autonomía de la corona real y el poder central. En 1799 fue asesinado Tuku'aho, el
rey que poseía el poder en ese momento, lo que desató una terrible guerra civil. Ya con la presencia
europea la guerra civil terminó de

devastar a los dos bandos, dejando al imperio diezmado en manos de la corona británica.

Arte de Oceanía comprende los estilos, técnicas y tradiciones que reflejan las distintas culturas
que jalonan este continente, marcadas por su insularidad, que ha provocado un sinfín de rasgos culturales
en las distintas islas y archipiélagos, que durante mucho tiempo estuvieron aislados del mundo exterior.
Desde la época prehistórica se desarrollaron distintas culturas, producto de las distintas olas de
migraciones de los pobladores primitivos. Antes de la llegada del hombre occidental que supondrá un
nuevo tipo de mestizaje, se distinguían, y aún se distinguen, tres grupos étnicos principales: los aborígenes
australianos, los papúes, principalmente presentes en Nueva Guinea y los archipiélagos

1.55. Mesopotamia
Mesopotamia significa país entre dos ríos. Estos son el Tigris y el Eúfrates. Son sociedades
guerreras que descubren la escritura. Han sido varios los pueblos que han ocupado estas tierras. Vamos a
analizar la arquitectura y la escultura, diferenciando las
características de cada periodo. Arquitectura. - Se desarrolló en el
periodo sumerio (3.200 – 2.400 A.C.). - Se caracteriza por la
ausencia de la piedra y madera. Utilizan el barro (adobe y ladrillo),
que, por su escasa consistencia, no permite el arquitrabe. Con el
barro elaboraron piezas pequeñas, que, colocadas de manera radial,
ofrecen más resistencia que las grandes piedras horizontales. Ha nacido así el arco y la bóveda
(adosamientos de series de arcos unos tras otros). Los edificios principales son los Palacios y los templos
(zigurat). Aquí teneis la recreación del palacio de Korshubad en el que se ve el zigurat, o torre escalonada.
Los sucesivos pueblos (Babilonios y Asirios) continúan con esta tradición. Ej. Asirios: palacios de
Khorsabad, Nínive. Artes Plásticas. - Los principales tipos son esculturas de bulto redondo y los relieves
en diorita o alabastro. Su evolución va ligada a los pueblos que ocuparon Mesopotamia.

SUMERIOS. -Las ciudades sumerias son ciudades-templos. Por lo que van a aparecer estatuillas
votivas que los devotos ofrendaban. Entre las características de estas obras vemos rasgos de arcaísmo
como la ingenuidad de lo orantes (manos cruzadas en el pecho en posición impetratoria). También
destacamos que la cabeza es enorme en relación con el cuerpo. Tienen dificultad a la hora de representar
cómo doblar codos o rodillas. Sus ojos, de forma almendrada, están coloreados con un círculo intenso. Lo
que estas estatuas nos muestran es una quietud absoluta y sensación de Recogimiento. Aquí teneis la foto
del intendente Ebih-Il, que aparece con la falda típica: el Kaunakés.

1.56. Egipto
Oceanía está dividida, desde el punto de vista geográfico, y también en consideración a los grupos
humanos que la pueblan, en cuatro áreas bien definidas: Australia y Tasmania, Melanesia, Micronesia y
Polinesia.

Con excepción de Australia-Tasmania, cuya población aborigen (la de Tasmania totalmente

extinguida) no tiene relación alguna, ni racial ni cultural, con las poblaciones del resto de Oceanía, los
nativos que habitan en Melanesia, Micronesia y Polinesia son descendientes de sucesivas oleadas de
migraciones que procedían de Asia o Indonesia, que pertenecían a diferentes grupos raciales y se hallaban
en distintas fases de progreso cultural.

Según la naturaleza del hábitat en el que se establecieron, estos pueblos modificaron sus culturas
nativas para adaptarse a las circunstancias ambientales. Cuando
cesaron las migraciones procedentes del continente asiático, esas
culturas se desarrollaron a lo largo de varias centurias sin recibir
influencia alguna ajena a la propia Oceanía; no obstante, siempre
existió un intenso intercambio cultural entre los distintos
archipiélagos, dentro de zonas próximas, lo cual, de alguna

manera, produjo una cierta homogeneidad en rasgos culturales determinados y en especial en el

arte, de modo que no resulta abusivo hablar de un arte melanesio o de un arte polinesio, aunque es bastante
discutible establecer los rasgos que pudieron caracterizar al arte de Micronesia, prácticamente inexistente
en la actualidad
 Capítulo 2

2.1 Arte Clásico

Arte y cultura clásicos, o arte clásico y cultura clásica, son expresiones utilizadas para designar
un amplio conjunto de conceptos culturales y artísticos de la civilización occidental vinculados a las
civilizaciones clásicas, es decir, griega y la romana; cuya extensión geográfica fue el llamado mundo
grecorromano o grecolatino. Incluyen tanto la producción literaria de todo tipo como las
denominadas bellas artes, las artes menores y la cultura material; así como las instituciones, tradiciones
y costumbres. Fuera de su ámbito cronológico, también se incluye en estos conceptos su recuperación
y revaloración a partir del Renacimiento.

El Arte clásico y la Cultura clásica es el nombre que se da a las producciones intelectuales de

la Antigüedad clásica, es decir: el Arte griego y el Arte romano, o la cultura grecorromana, que en
el Renacimiento eran consideradas clásicas, es decir, dignas de imitación.

Incluyen las distintas formas de la literatura griega y la literatura latina como la poesía,
el teatro, la historia y la filosofía y también todas las bellas artes extendiéndose a veces a toda la cultura
material.

Sus límites temporales son tan imprecisos como los de la edad que le corresponde: del siglo
VIII a. C al siglo d. C; o bien terminando en el siglo III d C o bien comenzando en el III milenio a. C.

Personalizando en dos autores, la cultura clásica iría desde Homero hasta Apuleyo; en dos
obras, desde el palacio de Cnosos hasta la Columna Trajana.

En Grecia, se reserva el nombre de periodo clásico al que se conoce como siglo de Pericles de
mediados del siglo V a. C a mediados del siglo IV a. C, mientras que para Roma se hace lo propio
desde los últimos siglos de la República romana (siglo II a. C) hasta los primeros siglos del Imperio
Romano, con los Antoninos (siglo II d. C).

2.2 Arte Griego

No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental hasta nuestros días.

De Grecia parte el principio humanista y de ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante
25 siglos.
 Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.

Tras las invasiones de eolios, jonios, dorios y aqueos a finales del II milenio, la civilización
micénica va a desaparecer. Los eolios y los jonios van a ocupar los dos centros micénicos más
importantes: Atenas y Esparta.

Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a asentarse
una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas las cosas. Hay una
explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está determinado por la vida pública, por la
democracia. Grecia va a crear unas bases para la vida moderna.

 Las principales características del Arte Griego son:

Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.

Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.

Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros

momentos, pero, sobre todo, aportaciones propias.

El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo dirigido

por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.

Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de
dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy
representada en escultura.

Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Los períodos del arte griego son:

Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones.

Fase orientalizaste: s. VII - principios s. VI a.C.

Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo.

Período clásico: siglos V y IV

Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C.

Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo IV.

Período helenístico: 323 - s. I a.C.

 2.3 Arte Romano
El arte romano, al igual que su arquitectura e ingeniería, se extendió, como su imperio, a lo
largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo, siendo uno de los principales exponentes de la
avanzada civilización romana.

El arte romano hunde sus raíces en diversas influencias, especialmente del mundo etrusco y del
griego.

La fuerte organización y personalidad del Imperio Romano exige un arte y una arquitectura que
aúne el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy centralizado y
unitario que abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor o menor medida, a todas su
provincias.

No cabe duda que el arte romano es la manifestación artística más significativa de la historia
del mundo occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado de percibir a lo largo de los muchos
siglos desde su desaparición en toda Europa. No ha habido momento histórico (quizás el gótico es el
arte y arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor medida su
influencia.

Los romanos penetraron en la Península Ibérica en el 218 a.de C. y sobre todo, a partir de la
mitad del siglo II a. de C. empezaron a crearse asentamientos estables. No tardó en generarse una pronta
e intensa romanización que duró más de cinco siglos y que he dejado en nuestro suelo restos
arqueológicos de primer orden.

El Arte Romano tiene su principal manifestación en la arquitectura, tanto religiosa, como civil.
Pero otras manifestaciones de primer orden son su magnífica escultura y en menor medida la pintura.

2.4 Arte Medieval

Desde el siglo V al siglo XV, tiene lugar la época medieval. En este periodo se da el arte
medieval el cual se puede dividir en dos partes: el románico y el gótico. El románico aparece primero,
en Europa Occidental y se caracteriza por tener un estilo rural. Su nombre se debe a que se basa en gran
parte en el arte de los primeros cristianos en Roma. Por su parte, el gótico se origina en las ciudades y
lleva su nombre debido a su carácter primitivo. Ambos contienen fuertes influencias del cristianismo y
se manifiestan por diversos medios como la orfebrería, la escultura, las pinturas, los mosaicos, los
frescos y la arquitectura

Tiene su auge entre el siglo XI y XII, periodo románico; y el siglo XII y XV, periodo gótico. Su
principal característica seria rendir culto u ofrenda hacia Dios, consiguiendo así su gracia o indulgencia.
Debido a esto, su riqueza se encuentra en los adornos de monasterios, iglesias y lugares de culto, siendo
un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural, en donde se les rige ofrenda a los dogmas
de la fe cristiana.

Periodo Románico:

La población europea se acrecienta a un elevado ritmo.

La iglesia alcanza su mayor prestigio y poder, debido a ser considerada la única institución bien
organizada y jerarquizada.

La creciente construcción de templos más grandes debido a la cantidad de fieles.

La reforma de los monasterios.

 Periodo Gótico:

Las cruzadas entre los cristianos contra los musulmanes y sarracenos.

La prolongación del cristianismo.

La construcción de la iglesia abacial de San Dionisio por abad Suger.

La construcción de la catedral de Notre Dame (París).

La construcción de la catedral de Chartres.

Arquitectura románica: Se hizo más evidente en la construcción de templos, iglesias,

monasterios de gran magnitud, firmes y macizos, para evitar su destrucción y deterioro con el tiempo,
sirviendo de evolución para ir perfeccionando y resolviendo los problemas en dicha realización. Se
caracterizaba por sus muros y contrafuertes. El único fin de sus edificaciones era la ofrenda a lo
sagrado, por lo cual se les llamaba “fortalezas de Dios”. Se incluye el empleo de semicírculos en arcos
y bóvedas, el uso de piedras, la incorporación de torres y muros muy gruesos y con pocas aberturas.

Arquitectura gótica: Se construyen edificaciones altas con sentido simbólico, entre las que se
destaca la catedral. Se incluye la bóveda de crucería (formada por dos arcos cruzados diagonalmente),
los arbotantes y el arco apuntado, el arco ojival, y la liberación de los muros, lo que permitió la
colocación de vitrales. Además, predomina la combinación con elementos escultóricos que enmarcan
su decoración sagrada.

2.5 Arte Paleocristiano

El arte paleocristiano es el nexo de unión entre dos grandes etapas de la cultura y el arte
occidental. Nos referimos a la Antigüedad Clásica y a la Edad Media Cristiana.

Para el estudio del arte europeo de la Edad Media es imprescindible realizar un acercamiento al
arte paleocristiano pues en él se van a gestar dos manifestaciones artísticas de la importancia del templo
basilical y la iconografía narrativa y simbólica del cristianismo.

De esta última, por ejemplo, sobresale el crismón, que será ampliamente utilizado en periodo
romano.

Por tanto, se denomina Arte Paleocristiano al desarrollado en las primeras comunidades

cristianas de los siglos II y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente.

El arte paleocristiano se puede dividir en dos grandes periodos:

Periodo de persecución y clandestinidad (siglos II y III),

Periodo del gran arte paleocristiano en tiempos del cristianismo como religión oficial del
Imperio (parte del siglo IV). En esta fase será, por contra, un arte protegido e impulsado por las grandes
jerarquías eclesiásticas de la época.

Primer Periodo del Arte Paleocristiano. Siglos II y III

Se desarrolla entre Finales del siglo II y siglo III, años en los que las comunidades cristianas
son perseguidas y el Imperio.

Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae y los
Cimeterios.

 Domus Ecclesiae

Las Domus Ecclesiae fueron lugares para la celebración del rito cristiano, por tanto,
son equivalentes a las iglesias parroquiales posteriores.
 No tenían una forma especial debido a que se empleaban normalmente viviendas romanas
normales de dos pisos adaptándola a las funciones que necesitaban dividiéndola con tabiques.

 Cementerios

Durante esta fase los enterramientos cristianos tenían lugar en dos posibles lugares: el área y
las catacumbas.

Área
Lugares donde las tumbas estaban cubiertas por losas.

Por el ritual funerario de la época, era frecuente encontrar en estos cementerios salas o lugares
con mesas donde se celebraban los ágapes funerarios que se celebraban tras el entierro.

Catacumbas

Los cristianos encontraron problemas, durante este periodo de clandestinidad, para conseguir
terrenos para sus enterramientos.

Cuando las conseguían y se completaban se veían obligados a aprovechar el terreno abriendo

galerías subterráneas entrecruzadas. Aunque estos lugares eran estrechos, podían tener decoración,
especialmente si el difunto pertenecía a clases adineradas, como los patricios romanos, construyéndose,
incluso, pequeños mausoleos.

 Arte Paleocristiano en los siglos IV y V

El año 311 fue una fecha especialmente significativa para explicar el cambio que se va a
producir en el arte cristiano, de un arte típico de comunidades pobres y semiclandestinas a un arte
monumental y rico.

En esta fecha se promulgó el primer edicto de tolerancia, el Edicto de Valerio Augusto, aunque
tendrá más importancia el Edicto de Milán, del año 313, del mismo carácter tolerante que permite el
culto cristiano sin ningún tipo de cortapisas.

Ambos fueron promulgados por el emperador Augusto Valerio, pero al acceder al trono el
emperador Constantino se da un cambio, si cabe, más favorable para la iglesia cristiana puesto que una
gran parte de la familia de Constantino se va a convertir al cristianismo e incluso se especula sobre si
el propio emperador se hubiese convertido al final de su vida.
 Este proceso de dignificación del cristianismo culmina en al año 380 cuando el emperador
Teodosio proclama a la iglesia cristiana como iglesia oficial del Imperio.

A partir del año 313 los altos dignatarios de la Iglesia se van a convertir paulatinamente en
autoridades del Imperio. De este modo, las jerarquías eclesiásticas van a pasar a ocupar importantes
cargos de la administración pública y la Iglesia cristiana se convierte gradualmente en una institución
de poder estrechamente ligada al emperador y a la administración imperial.

Como consecuencia de ello, la liturgia cristiana comenzó a adoptar elementos característicos

del protocolo imperial. Se va a solemnizar y, en consecuencia, va a necesitar un nuevo vocabulario
artístico que iguale los edificios cristianos con los grandes edificios públicos, palacios y templos de la
sociedad romana.

En esta nueva etapa el arte cristiano es financiado por el alto clero y por las clases patricias e
incluso por los propios emperadores. Consecuencia de este alto poder económico nos encontramos con
un arte con tendencia al lujo muy considerable y realizado, por tanto, con materiales nobles
especialmente costosos.

Las principales manifestaciones de este arte van a ser dos: la arquitectura eclesiástica y la
pintura monumental que se va a plasmar a través de los mosaicos (musivaria, el arte de los mosaicos).

Los nuevos templos cristianos: las basílicas

El principal problema que se plantea la Iglesia en estos momentos es encontrar un modelo

arquitectónico para realizar sus celebraciones litúrgicas con toda pompa.

Evidentemente tiene muchos tipos de edificios a su alrededor que pueden inspirarles, como los
propios templos romanos, pero pronto se deshecha esta idea debido por un lado a planteamientos
puramente religiosos y por otro lado porque en los templos romanos no entra la multitud, pero en las
celebraciones cristianas sí.

Una vez que el cristianismo fue legalizado y posteriormente elevado a la categoría de Religión
Oficial, los cristiano llegaron a tener una enorme influencia política en el Imperio, por lo que sus
construcciones van a ser de gran calidad y valor.

Para la construcción de los templos cristianos se rechazó el modelo de templo anterior romano
por su asociación al paganismo.
 Se adoptó entonces la basílica, edificio de múltiples usos ya que no tenía ninguna función
específica y menos aún de carácter religioso.

Las basílicas romanas eran edificios de forma rectangular de tres o más naves en número impar
separadas por columnas, que solía tener una cabecera sobre elevada respecto al resto rematada en una
exedra

Edificios de planta centralizada: martiria y baptisterios

Si las basílicas para el culto tienen planta longitudinal, Las plantas centralizadas se van a
reservar para los martyria y para los baptisterios, con funciones litúrgicas distintas.

Los martiria fueron construcciones de carácter funerario.

En occidente van a tender a convertirse en plantas de cruz griega y normalmente estarán unidos
a la iglesia, mientras que en oriente adquieren una gran monumentalidad y se convierten en templos
normalmente poligonales que estarán exentos.

Los baptisterios, en occidente serán de planta octogonal y estarán próximos a la iglesia, pero
exentos, mientras que en oriente serán pequeñas salas de planta cuadrangular unidas al templo.

2.6 Arte Germánico

Con el término arte germánico englobamos el desarrollo artístico que se produce en el occidente
europeo entre los siglos V y XI. Podemos distinguir diferentes episodios bajo las siguientes etapas: arte
de los pueblos bárbaros; arte celta; renacimiento carolingio; y prerrománico español. El arte de los
pueblos que invadieron el Imperio Romano Occidental resulta muy primitivo si se compara con el arte
bizantino o el paleocristiano. Podemos hablar de un arte rústico, característico de tribus que apenas
sabían representar la figura humana. Esta es la razón por la que encontramos un mayor desarrollo de
las llamadas “artes menores” con armas, fíbulas, o diversas piezas de adorno, realizadas en oro o plata
y decoradas con piedras preciosas o vidrios policromos. Se siguen edificando iglesias, de las que apenas
quedan restos, dentro de las características basilicales -como los restos merovingios de Saint Pierre en
Vienne o Saint Laurent de Grenoble- mientras que los baptisterios mantienen la planta centralizada
como el de Saint Jean de Poitiers. En Italia el arte ostrogodo nos ha dejado como muestra la tumba de
Teodorico, edificio con falsa cúpula monolítica, y los restos del Palacio del mismo monarca, con una
profusa mezcla de estilos romano, oriental y bárbaro. El arte celta tuvo un especial desarrollo en Irlanda.
Los monasterios fueron un refugio cultural ya que el país no fue invadido y los monjes pudieron poner
en marcha una restauración cultural en la que destaca la miniatura y la orfebrería. Los códices miniados
como el Evangeliario de Lindisfarne o el Libro de Durrow son sus obras maestras. El renacimiento
carolingio se empieza a manifestar desde la coronación de Carlomagno como emperador en el año 800.
El monarca franco pone en marcha un importante programa cultural donde se recupera la tradición
romana. La corte carolingia será el principal centro de difusión artística como podemos observar en la
Capilla Palatina de Aquisgran con planta octogonal y tres pisos de arquerías que sujetan la cúpula de
aspecto bizantino. También destacan los palacios como el desaparecido de Aquisgran -del que formaba
parte la capilla- o los de Nimega e Ingelheim, así como destacadas obras de ingeniería entre las que
destaca el puente sobre el Rin cercano a Maguncia. La construcción de las grandes abadías de Saint-
Gall o Fulda bajo las influencias celtas establecen los primeros peldaños del futuro arte románico. En
la iglesia de Saint Germigny-des-Près se manifiestan influencias visigóticas por lo que podemos
considerar que la arquitectura carolingia es un crisol de brillantes resultados. La escultura carolingia
apenas nos ha dejado muestras mientras que en la pintura sobresale la escuela miniaturista dedicada a
la iluminación de Evangeliarios, responsable de auténticas joyas como el de El Escorial o el de Otón
II. La mayoría de los especialistas coinciden en considerar a España como el lugar donde “las
manifestaciones prerrománicas adquieren una singular importancia”. Los primeros momentos estarán
dominados por el arte visigodo cuya arquitectura es sobria, caracterizada por la utilización de la planta
rectangular, la bóveda de cañón y el arco de herradura diferente del musulmán. Las iglesias de Santa
Comba de Bande (Ourense), San Juan de Baños (Palencia), San Pedro de la Nave (Zamora) o
Quintanilla de las Viñas (Burgos) son buenos ejemplos de la arquitectura visigoda. En la escultura
destacan las decoraciones de los capiteles historiados de San Pedro de la Nave o los motivos
geométricos que aparecen en el resto de los ejemplos citados. La pintura visigoda apenas nos ha dejado
muestras, siendo destacables las miniaturas del códice llamado “Pentateuco Ashburnham” que guarda
la Biblioteca Nacional de París. Un apartado interesante del arte visigodo es la orfebrería, siendo las
cruces votivas del tesoro de Guarrazar las joyas más importantes, entre ellas la corona de Recesvinto.
El arte asturiano sucede al visigodo en calidad e importancia a lo largo de los siglos VIII y IX,
momentos en los que la mayoría de la península está ocupada por los diferentes gobiernos de al-
Andalus. La arquitectura asturiana presenta especial atracción hacia la planta basilical, tratándose de
pequeños edificios de considerable altura. Emplean mampostería y sillares como elementos
constructivos, bóvedas de medio cañón que apoyan sobre arcos fajones que descargan su peso en
contrafuertes exteriores, arcos peraltados y columnas con fustes estriados. Entre las joyas asturianas
destacan las iglesias de San Tirso y San Julián de los Prados en Oviedo, San Miguel de Lillo y el palacio
de Santa María en el monte Naranco. La Cámara Santa, San Salvador de Valdedios y Santa Cristina de
Pola de Lena se suman a esta terna de maravillas arquitectónicas que avanzan el románico. Si la
escultura asturiana no es muy destacable, el papel de la pintura será determinante como se aprecia en
el interior de San Julían de los Prados, cuyas paredes están decoradas con exquisitos frescos que
recuerdan a la plenitud romana de Pompeya. A lo largo del siglo X en España se desarrolla el arte
mozárabe, palabra con la que se designa a los cristianos que vivían en territorio musulmán. Este arte es
una excelente muestra del crisol de culturas que convivió en la península durante la Edad Media,
uniendo elementos visigodos con musulmanes. El arco de herradura define a esta arquitectura que
tendrá un amplio desarrollo geográfico. Sus construcciones más representativas se encuentran en la
zona de León con San Miguel de la Escalada -basílica de tres naves con un bello pórtico exterior de
arcos de herradura- y Santiago de Peñalba -una sola nave y un ábside en cada extremo -. En Castilla
destacan San Cebrián de Mazote -con tres capillas en la cabecera- y San Baudelio de Casillas de
Berlanga -con planta cuadrangular en cuyo centro arranca una gruesa columna de donde parten los
arcos de herradura que sujetan la bóveda-. San Millán de la Cogolla en La Rioja y San Pedro de Roda
en Cataluña completan el grupo de iglesias mozárabes. La escultura es muy escasa, mostrando los
pocos ejemplos influencia bizantina. Será la miniatura mozárabe una de las artes consagradas en este
siglo X, sirviendo como ejemplo al resto de Europa. Influencias musulmanas, carolingias y orientales
confluyen en este estilo que tiene en la Biblia Hispalense y el Beato Morgan sus mejores exponentes,
sobresaliendo por su colorido, su arabismo y su dramatismo

2.7 Arte Prerrománico

La caída del Imperio Romano de Occidente y el dominio político de los pueblos bárbaros o
germánicos supuso el choque de dos culturas y conceptos artísticos de gran personalidad y
características muy distintas.

Al naturalismo figurativo latino de las artes tardorromanas paleocristianas se le va a sumar la

estética abstracta geométrica y colorista de las artes menores bárbaras.

No obstante. La superioridad cultural romana va a prevalecer durante los primeros siglos

altomedievales. Especialmente en el área de la arquitectura, en la que los pueblos germánicos tenían
poco que aportar pues, al ser pueblos nómadas, carecían de ella. Por tanto, durante este comienzo de a
Edad Media no se puede hablar de un arte nuevo y propio.

No será hasta el siglo VII cuando ambas corrientes (romana-mediterránea y germánica) se

funden para crear verdaderos estilos artísticos prerrománicos novedosos en Europa.

En las Islas Británicas alcanza su plenitud el arte irlandés y anglosajón. En Francia, comienza
el arte merovingio, mientras que en Italia lo hace el lombardo y en Hispania florece la arquitectura
hispanovisigoda.

A partir de la subida al trono franco de Carlomagno, comienza una especie de renacimiento

artístico y cultural que vuelve sus ojos de nuevo al mundo romano.

Las principales aportaciones artísticas del mundo prerrománico carolingio serán básicamente
dos:

El establecimiento del modelo de monasterio benedictino que empleará Cluny en su expansión

y que será a su vez, el modelo básico seguido por los monasterios del periodo románico

Ser la base del florecimiento de la arquitectura otoniana del Sacro Imperio Germánico del siglo
X, que, combinada con corrientes bizantinas de la época, va a suponer uno de los gérmenes del
nacimiento y desarrollo del románico a partir del siglo XI.

2.8 Arte Bizantino

El arte bizantino constituye uno de los episodios más grandiosos del arte universal. Se
fundamenta en el arte griego y paleocristiano, con grandes influencias orientales (persa y musulmana).

Para los templos, se usa con preferencia la planta centralizada o de cruz griega con grandes
cúpulas sobre pechinas. Aunque los materiales constructivos no son especialmente ricos, sí lo es su
decoración a base de mosaicos y pinturas murales, donde la representación de la figura humana,
solemne y hierática, genera una gran sensación de espiritualidad que heredará posteriormente el arte
románico.

 El arte bizantino se va a dividir en tres grandes etapas:

Arte protobizantino: 527 - 726, año en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada
de este arte coincide con la época de Justiniano.
 La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726 - 843 y enfrentó a los iconoclastas contra
los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el
arte figurativo.

Primera Edad de Oro Bizantina: 913 - 1204, momento en que los cruzados destruyen
Constantinopla.

Segunda Edad de Oro Bizantina: 1261 - 1453, cuando los turcos toman Constantinopla.

El cesaropapismo va a durar durante todo este periodo y este arte va a ser fundamentalmente
áulico, al servicio del poder político, y cuando represente al emperador, hecho muy frecuente, será un
arte que aparentemente parece irreal, pero que es el reflejo de esa ostentación majestuosa y solemne
que rodeaba a los emperadores y les convertía en símbolos del poder político y religioso.

Arte y Arquitectura Bizantina en el periodo pre medieval.

Los emperadores, y especialmente Justiniano, utilizaron la arquitectura como un instrumento

político para impresionar a los pueblos, tanto del interior como del exterior del Imperio.

Por tanto, es una arquitectura imperial, normalmente costosa, puesto que el emperador podía
financiar los gastos necesarios para su programa constructivo.

Fue Justiniano el que buscó a un historiador llamado Procopio para que relatara en un volumen
cuáles y cómo eran sus construcciones, llamado "de edificios".

Hasta la llegada de Justiniano al poder, las construcciones religiosas tanto en oriente como en
occidente se habían basado en la basílica romana paleocristiana. Sin embargo, la situación cambia
totalmente en el siglo VI.

Occidente continúa adepto a la basílica, pero la arquitectura justinianea rompe con esta
tradición. El emperador prefiere iglesias de planta central y abovedada, inspirándose en modelos del
Bajo Imperio Romano que se habían desarrollado en torno a salones palaciegos, pabellones de jardín y
construcciones funerarias.
 2.9 Arte Islámico
Denominación que recibe el arte producido por individuos adscritos a la religión del islam, en
un marco geográfico que abarca tres continentes y que se extiende desde Indonesia hasta la Península
Ibérica. Maduró en los territorios de los imperios bizantino y sasánida, imbuido de la estética oriental.

Destacan como sus constantes ideológicas el rechazo de la imagen y la predilección por las
fantasías de fondo naturalista y geométrico.

En el mundo islámico se tiene la convicción de que el hombre no es ni el centro de la creación

ni la medida perfecta a la que deben adecuarse el resto de las cosas, y este dato se traduce en
prescripciones como la prohibición de reproducir imágenes de Alá y de los hombres, esta última no
siempre respetada. El rechazo a la presencia de imágenes provoca la ausencia de una escultura islámica
como tal, pues sólo está presente en función de la arquitectura, como un elemento para enriquecerla.
Miniaturas, murales o mosaicos son la alternativa a la estatuaria. Se tiende a representar la naturaleza
inanimada, lo que lleva a la predilección por las fantasías de fondo naturalista y geométrico como
complemento de la arquitectura y a la repetición de formas abstractas. Es constante la presencia de
polígonos y poliedros regulares o estrellados.

El ladrillo y la mampostería fueron los materiales constructivos más utilizados y sus materiales
decorativos por excelencia son el yeso y la escayola.

El constructor islámico elige el cuadrado como elemento organizador del espacio y emplea la
esfera cúbica para el desarrollo de las cúpulas. Como elementos sustentantes, emplean la columna y el
pilar, ambos de herencia romana, porque soportan techumbres ligeras, habitualmente de madera, y el
arco, normalmente el de herradura, con un ritmo binario de colores y de decoración en sus dovelas
paralelas. Con frecuencia aparece enmarcado en el alfiz, moldura que toca tangencialmente el arco.

Respecto a la decoración arquitectónica, predomina la geométrica (compuesta por arabescos,

lacerías y celosías recurriendo a la combinación de elementos extraídos de la naturaleza combinados
de maneras totalmente fantásticas en perpetua repetición simétrica) y la epigráfica (inscripciones con
versículos del Corán repetidos a veces con caligrafías diferentes) y se tiende a la policromía.

En las ciudades musulmanas, de trazado habitualmente caótico, destaca la presencia de zocos,

caravasares, baños y palacios, como de La Alhambra y el Generalife en Granada o Medina Azahara en
Córdoba, de madrassas, construcciones funerarias y mezquitas, lugar de oración y de reunión de la
comunidad para la plegaria del viernes.

La mezquita se articula en una zona abierta, compuesta por un patio rectangular o cuadrangular
con pórticos y una fuente para las abluciones, y una zona cubierta, o sala de oración, de forma cuadrada,
estructurada en naves columnadas unidas por arcos orientados en perpendicular al muro de la Quibla.
En el centro justo está la pared del mihrab, o espacio vacío que aumentará la voz del Imán cuando lea
el Corán desde el púlpito o mimbar. Es el elemento mejor decorado de la mezquita.

Son construcciones importantes la cúpula de la Roca, la gran mezquita de Damasco, la madrassa

del sultán Hassan de El Cairo o la mezquita de Ahmed I en Estambul.

2.10 Arte Románico

Llamamos arte románico a toda aquella producción artística generada en los países de Europa
Occidental durante los siglos XI y XII.

Se trata de un arte lleno de espiritualidad, fruto de la combinación armónica de diversas

influencias como la romana, prerrománica, bizantina, germánica, árabe, etc.

Los diferentes estilos fueron evolucionando hacia uno sólo, muy homogéneo, con
características casi idénticas en todos los países.

Dos hechos de importancia social y religiosa fueron relevantes para el desarrollo de este arte:

Por un lado, nos encontramos con el fenómeno popular que se extendió en la época de las largas
peregrinaciones a Santiago de Compostela, Roma y Jerusalén.

Por otro, la influencia de las órdenes religiosas a través de las nuevas reformas. La primera que
se llevó a cabo fue la del monasterio benedictino de Cluny, en Francia, expandiéndose por Europa.

La mayoría de construcciones románicas fueron realizadas gracias a las generosas aportaciones

de reyes y nobles, así como con los impuestos agrarios. Esto ayudó a incrementar en gran medida el
patrimonio y poder material de la Iglesia, mientras que los nobles buscaban así la salvación de su alma.

Además de edificios religiosos, se construyeron fortificaciones militares para refugio y defensa,

como también obras civiles. Estas últimas, se debió en gran parte al aumento en el paso de personas
hacia los lugares de culto.

De forma tradicional, se atribuyen una serie de características generales al estilo románico,

como son la solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir las fuerza y tensiones
de la estructura, el uso del arco de medio punto y la bóveda de medio cañón, tendencia a la
horizontalidad frente a la verticalidad del gótico, etc.

Su origen monacal lo convierte en una manifestación artística profundamente religiosa, a través

de la cual se invita, a los fieles, a la meditación, al recogimiento y a la oración como medio de
acercamiento a Dios.

La parte más atractiva de este arte es la combinación de formas arquitectónicas, siendo de gran
equilibrio y elegancia, dada su sencillez, sentido de la simetría y el orden y la utilización de escultura
de una extraña belleza, muy alejada de los cánones clásicos.

El arte románico en España es tan solo una variedad regional del estilo arquitectónico,
escultórico y pictórico de los siglos XI, XII y principios del XIII, que se desarrolló en Europa.

Arte Gótico

El arte gótico se corresponde con la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un
período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con
Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.

Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan
aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área
geográfica.

Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en
Europa.

Fue un arte que se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las
vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas.

2.11 Arte Gótico.

El término gótico fue empleado por primera vez por los adinerados del renacimiento, en sentido
peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (gótico
deriva de godo) comparado con el arte clásico.

A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante
diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico
implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.
 El gótico, como todos los estilos artísticos, tiene variantes regionales. Como ejemplos podemos
hablar de la escuela francesa donde destacan las catedrales de Notre-Dame de París, Sens, Chartes,
Laon, Reims y Amiens o la Saint-Chapelle levantada por san Luis.

La escuela española destaca por las catedrales de León, Burgos, Toledo, Gerona, Barcelona o
Sevilla.

La escuela portuguesa con los monasterios de Belem y Batalha o la iglesia de la Orden de Cristo
en Thomar.

En Alemania es famoso por las catedrales de Colonia, Estrasburgo o Ulm. Mientras que en
Inglaterra cuenta con las catedrales de Gloucester, Salisbury o Lincoln.

En cuanto a la escuela italiana, podemos diferenciar un gótico más revolucionario, contra el

tradicional en la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, o un estilo más próximo al gótico
europeo como en la catedral de Milán.

2.12 Arte en América

El arte monumental de los indios
este arte este hecho por nativos,
los testimonios más antiguos de arte americano.
Uno de los testimonio más antiguo que se ha localizado en América está en la Pedra Furada, en Brasil,
donde, junto a manifestaciones artísticas mucho más recientes se localizó un hogar datado por 14 C en
17 000, 400 de antigüedad junto al que había algunos trazos rojos paralelos que incuestionable mente
eran una creación artística muy esquemática, pero intencional.
complejo arqueológico alto río pinturas
Características generales de las civilizaciones antiguas americanas
Hace 3,000 años, en la región que hoy ocupan México, Centro y Sudamérica, surgió, prosperó y decayó
un espléndido conjunto de distintivas civilizaciones que más tarde fue absorbido por otras culturas que
se levantaron sobre sus extraordinarios logros. Cuando los invasores españoles llegaron al continente.
Sin embargo, los aztecas y los incas eran herederos de esas culturas anteriores: el enfoque, la diversidad
y la sofisticación de estas civilizaciones habían sido formados y enriquecidos, en su mayoría, por esas
culturas más tempranas.
La variedad artística es extraordinaria, y sólo se puede unificar en base a su adaptación al entorno, la
gran inventiva y la variedad de formas de expresión. Desde las casas portátiles de madera del noroeste
de Norteamérica, hasta las viviendas de barro en el cañón del Chaco, las molas panameñas, las cetas
hopi o las máscaras de plumas amazónicas (sin contar con las formas rupestres), existe tal variedad que
en este sólo podemos dar una visión general.
Hohokam y Mogollón
Ambos son indios de la tradición Cochise: el pueblo mogollon se dio en Arizona y Nuevo México y es
la antecesora de la Cultura Mogollón. Este pueblo habitaba la sierra, así llamada, de Nuevo México,
unos 200 años antes de nuestra era, sus componentes eran agricultores sedentarios y se les considera
los primeros alfareros del Oeste americano. Al ser una cultura longeva, fueron perfeccionando su
técnica cerámica, hasta alcanzar una finura exquisita, con una decoración entre naturalista y estilizada,
llena de movimiento (casi todas las piezas conocidas aparecieron en tumbas). Además de la cerámica,
en algunas tumbas aparecieron collares de concha, pulseras y cascabeles de hueso.
Anasazi
estos pueblos deben su nombre a la maestría con que confeccionaban cestos, con decoración
geométrica, y otros objetos de mimbre, fibras de yuca e, incluso, pelo humano. Los Pueblos cesteros
marcan el paso de una economía cazadora-recolectora a otra claramente agroalfarera, con una tosca
cerámica y sin ganadería (si exceptuamos a los perros). Se conservan grandes necrópolis en las que los
cadáveres iban acompañados, anud, de ricos ajuares, los cuales son una fuente inestimable para el
conocimiento de este pueblo.
Los constructores de Montículos
La construcción de montículos en la Prehistoria reciente es un fenómeno que se da en todos los estados
del este y del sureste de los Estados Unidos, aunque las mayores concentraciones se dan en Ohio (donde
se han localizado más de 10 000). Son de muy diversos tamaños y formas, y no pertenecen a una cultura
en concreto, sino que fueron construidos por diferentes pueblos y distintas funciones. Algunos tuvieron
fines funerarios, otros eran defensivos y los hay que son la base de centros ceremoniales.
El arte monumental de los indios del noroeste
En la franja litoral del pacífico norteamericano sobrevivieron una serie de tribus que, vivían de los
recursos marinos; gracias a la abundancia que proporcionaba su economía pudieron desarrollar sus
conocidas ceremonias llamadas potlatch y un arte de envergadura considerable. Éste se basaba,
fundamentalmente, en la madera policromada aplicada tanto a los postes totémicos, como a la
decoración de las viviendas comunales y ceremoniales. dado que estos pueblos eran seminómadas,
algunas de estas viviendas estaban diseñadas para ser desmontadas y transportadas, a pesar de su
complejidad. En los postes totémicos, además de dejar constancia de la estirpe tribal (generalmente
relacionada con el mundo animal), se hacía gala de una plástica colorista y expresionista de enorme
originalidad al combinar y disociar sus elementos del poste de un modo casi orgánico.
Sudamérica
En Colombia, se destaca el trabajo en oro y cobre de las culturas Quimbaya, Manabí, San Agustín,
Esmeraldas, Chibcha, Calima y Tairona. Este tipo de elementos se elaboraban mediante el
procedimiento artesanal de la cera perdida, así como la fabricación de finísimas láminas decoradas con
motivos de alambre o cintas, y figuras antropomorfas muy estilizadas en estos metales. También tejían
telas de algodón y trabajaban la cerámica realizando las mismas figuras antropomorfas estilizadas que
hoy en día es posible apreciar en museos de Colombia y de todo el mundo. Bellísimas expresiones de
las artes en orfebrería (e incluso de "tumbaga") que han sobrevivido a ser fundidas por los
conquistadores y posteriores "huaqueros" aún se pueden admirar en el museo del oro en Colombia
Mesoamérica.

2.13 Arte en África

El arte africano es una agrupación de diferentes manifestaciones o movimientos artísticos que
se fueron originando en los pueblos de “África negra” durante toda la historia del arte. Se podría decir,
que el arte africano se desarrolló por las diferentes culturas que existían, y todavía hoy existen, en el
continente africano. Dichas culturas se caracterizaban por tener diferentes idiomas, distintas tradiciones
y diversas maneras artísticas que caracterizaban a cada una de las culturas.

Existían una gran cantidad de tribus indígenas en África y gracias a que las técnicas
tradicionales artísticas, hoy en día todavía siguen estando presentes, se ha podido mantener los
diferentes movimientos estéticos desde su comienzo hasta épocas recientes. Es más, fue a partir del
siglo XX cuando el arte africano adquiere una gran importancia para Occidente.

Antes del siglo XIX África era un continente desconocido para todos los europeos, no solo
porque convivían una gran variedad de razas o hablaban más de diez mil idiomas distintas sino porque
nunca supieron de manifestaciones artísticas hasta tiempo después. El arte africano estuvo presente en
pequeñas poblaciones aisladas y con una gran variedad tanto de culturas como idiomas o técnicas
usadas. De forma general, al igual que otras manifestaciones de arte rupestre, este estilo de arte fue
plenamente funciona, es decir, siempre estaba relacionado con temas religiosos o sociales y por ello
está condicionado por fuertes influencias de creencias religiosas.
 Mucho tiempo antes de que la colonización se iniciara en todo el continente africano, una gran
parte de la población africana era animalista, dicho de otra manera, las personas otorgaban un principio
vital o un alma a todos los seres vivos que componían la naturaleza. Los africanos tenían una religión
que consistían en creer en un dios que era todopoderoso que no tenía ningún tipo de comunicación con
los seres humanos. Este dios concedía a todas las criaturas o seres vivos un espíritu. Por esta razón, los
africanos creían que los espíritus más poderosos eran los antepasados, es decir, los africanos creían que
cuando una persona moría su espíritu se separada del cuerpo y merodeaba por el lugar donde antes
había vivido.

En resumen, podríamos decir que la religión es un acto social y no individual. Y con este
contexto aparecen dos movimientos artísticos básicos denominados como máscara y fetiches. Por un
lado, los fetiches eran objetos a los que se le daba un poder divino o sobrenatural que servía para las
influencias beneficiosas o malignas. Por otro lado, las máscaras servían para canalizar la energía divina
o sobrenatural que poseían los espíritus, estos objetos se utilizaban sobre todo en ritos mágicos y
funerarios o en ceremonias que se celebraban para proporcionar fertilidad a la tierra.

2.14 Arte en Asia

En el gran continente asiático a lo largo de la Edad Media fueron surgiendo una serie de grandes
civilizaciones, la mayoría de las cuales serán una pura evolución de etapas históricas precedentes. En
el Asia oriental con su gran civilización china y sus largos caminos de penetración, y el Japón siempre
protegido por su situación insular. Como nexo de unión entre el Asia más occidental y la oriental el
mundo de las estepas se convertirá en más de una ocasión en el verdadero protagonista de la Historia
continental, llegando incluso con su impulso a influir directa o indirectamente en la Historia del
continente europeo

Pintura: Se caracteriza por ser muy animalista y por el trazo de líneas en tinta dándoles unos
acabados muy distintivos al igual que su aplicación de color en las mismas.
Las deidades con rasgos humanos muy perfectos y muy estéticos la apreciación del a naturaleza en sus
vestimentas o el entorno del personaje resalta mucho.
La conexión con la naturaleza y el hombre representando una serenidad y equilibrio entre ambos.
 Arquitectura: Se resalta la construcción de grandes mausoleos para los emperadores y los
rascacielos como las pagodas o la planificación urbana y su estatua

 China

Las cerámicas pintadas del neolítico, de hace más de seis mil años y con figuras de peces, ranas,
ciervos, pájaros y flores, presentan las primeras manifestaciones pictóricas de China. Los pictogramas
más tempranos estaban compuestos por los pequeños dibujos con líneas, que se desarrollarían
convirtiéndose en los caracteres chinos actuales. Como se usaban los mismos instrumentos para escribir
y dibujar, y las pinturas y pictogramas eran formados principalmente por líneas.

 Japón

El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la
influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea. La literatura japonesa tiene
una fuerte influencia china, debido sobre todo a la adopción de la escritura china. El testimonio más
antiguo conservado es el Kojiki.

 India

Intenta trasmitir una conexión con la naturaleza implementando en sus sobras los ríos montañas
de una forma pacífica. Influencia religiosa muy notoria.

 África

El continente africano acoge una gran variedad de culturas, caracterizadas cada una de ellas por
un idioma propio, unas tradiciones y unas formas artísticas características. Aunque la gran extensión
del desierto del Sahara actúa como barrera divisoria natural entre ellas.

2.15 Arte en Oceanía

Es un conglomerado de estilos, que reflejan las distintas culturas que cubren este continente
marcadas por su aislamiento insular durante muchos siglos, que ha provocado un sinfín de rasgos
culturales en las distintas islas.

Desde la época prehistórica, se desarrollaron las distintas culturas diferenciadas por la variedad
racial del continente, y producto de las distintas olas de migraciones de los pobladores primitivos.
Anteriores a la llegada del hombre occidental que supondrá un nuevo tipo de mestizaje, se distinguían,
tres grupos étnicos principales: los aborígenes australianos primitivos, los papúes de Nueva Guinea y
los austronesios y los polinesios que ocupan Hawái y Nueva Zelanda. Cada etnia generó distinta
civilización en los archipiélagos aislados que forman el continente oceánico. El arte oceánico se
caracteriza por su temática generalmente religiosa y por un tratamiento realista en sus representaciones
figurativas, con caracteres resumidos en ocasiones a un signo.

En Australia, se encuentran pinturas rupestres, grabados mágicos, placas rupestres de origen

religioso, así como las placas de madera o piedra, ovaladas y alargadas, con decoraciones geométricas,
abundando líneas y círculos.

Hawái ofrece sus trabajos en plumas de aves y los ídolos de maderas.

Isla de Pascua, son conocidas las estatuas de roca canica y estatuillas de madera con forma
humana.

Islas Marquesas, son típicas estatuas que representan divinidades, de formas humanoides.

Nueva Caledonia, utilizan tallas de madera para colocar en la puerta de la cabaña, esculpen en
piedra y máscaras para rituales religiosos

Nueva Zelanda, el arte maorí con rica decoración, tiene carácter mágico, representa tipos
humanos, collares y tallas de madera con decoración de formas geometrías en espiral.

Papúa Nueva Guinea, el arte está relacionado con el mundo de los muertos imágenes de los
antepasados en forma humana, con nariz en forma de pico de ave; y cráneos sobre los que modelan las
facciones.

Islas del Almirantazgo, figuras de madera con forma humana y recipientes para comida en
forma de animales, con decoración geométrica.

Nueva Irlanda, imágenes de antepasados, estatuas conmemorativas; l y de los antepasados

fallecidos, también son típicos de esta isla los adornos e instrumentos de música.

Islas Salomón, con esculturas en madera con incrustaciones de conchas y las figuras humanas
o animales.

Vanuatu, estatuas de gran realismo con figura humana, que en ocasiones llevan incorporado el
cráneo de un antecesor.
 CAPITULO 3

3.1 Arte de la Edad Moderna

Arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión

temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad
Moderna. No se ha de confundir con el concepto de arte
moderno, que no es cronológico sino estético, y que
corresponde a determinadas manifestaciones del arte
contemporáneo.

El período cronológico de la Edad Moderna corresponde con los siglos XV al XVIII (con distintos
hitos iniciales y finales, como la imprenta o el descubrimiento de América, y las revoluciones francesa o
industrial), y significó históricamente en Europa la conformación y posterior crisis del Antiguo Régimen
(concepto que incluye la transición del feudalismo al capitalismo, una sociedad estamental y preindustrial
y una monarquía autoritaria o absoluta desafiada por las primeras revoluciones burguesas). Desde la era
de los descubrimientos los cambios históricos se aceleraron, con el surgimiento del estado moderno, la
economía-mundo y la revolución científica; en el marco del inicio de una decisiva expansión europea a
través de la economía, la sociedad, la política, la técnica, la guerra, la religión y la cultura. Durante ese
periodo, los europeos se extendieron fundamentalmente por América y los espacios oceánicos. Con el
tiempo, ya al final del periodo, estos procesos terminaron por hacer dominante la civilización occidental
sobre el resto de las civilizaciones del mundo, y con ello determinaron la imposición de los modelos
propios del arte occidental, concretamente del arte europeo occidental, que desde el Renacimiento italiano
se identificó con un ideal estético formado a partir de la reelaboración de los elementos recuperados del
arte clásico greco-romano, aunque sometidos a una sucesión pendular de estilos (renacimiento,
manierismo, barroco, rococó, neoclasicismo, prerromanticismo) que, bien optaban por una mayor libertad
artística o bien por un mayor sometimiento a las reglas del arte institucionalizadas en el denominado arte
académico. La función social del artista comenzó a superar la del mero artesano para convertirse en una
personalidad individualista, que destacaba en la corte, o en una figura de éxito en el mercado libre de arte.
Al igual que en los demás ámbitos de la cultura, la modernidad aplicada al arte significó una progresiva
secularización o emancipación de lo religioso que llegó a su punto culminante con la Ilustración; aunque
el arte religioso continuó siendo uno de los más encargados, si no el que más, ya no dispuso de la
abrumadora presencia que había tenido en el arte medieval.
3.2 Arte de la Edad Renacimiento

El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El

término procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos,
publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico-
artística.

Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo

nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica
individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.

De hecho, el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición

artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo
de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo
del norte de Europa.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una
ruptura con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están
controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la burguesía. Nacen, así,
los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi. La figura del artista es engrandecida
y admirada, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el taller del maestro,
que controla el acceso a la profesión de los oficiales y
aprendices, y que es quien recibe los encargos de los
clientes. Además de la burguesía, la Iglesia y la
monarquía serán protectores de los artistas, ya que se
descubre el valor propagandístico del arte. Se establecen
tres tipos de relación entre el artista y el cliente: el
sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa
al artista para que trabaje; el mercado, en el que el artista
simplemente vende las obras que crea por encargo, y la
academia, en el que el artista trabaja para el Estado.

3.3 Arte de la Edad Manierismo

Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa

convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte
última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues
aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto
Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como
Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una
complicación laberíntica10 tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los
movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos
arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio alto-renacentistas, una
"violación de la figura"),11 que prefigura el "exceso"12 característico del Barroco. Por otro lado, también
se identifica el Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte
sensorial y popular.13 Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los grandes genios
del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los
leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte
como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico14 y una "afectación
artificiosa"15 cuya elegancia y grazia16 no fue apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo
XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.

El origen del término "manierista" proviene del uso de la palabra italiana maniera18 en ciertos
escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari (Le vite de' piú eccellenti architetti, pittori, et scultori
italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1550 y 1568), para quien significa "personalidad artística", es
decir "estilo" en el más amplio sentido de la palabra,19 entre otras diversas acepciones ("en la teoría de
Vasari, el concepto que representa el elemento individual del arte es la maniera");20 representando áreas
estilísticas y fases temporales (la maniera greca -"manera griega", la pintura de influencia bizantina-, la
maniera vecchia -"manera vieja"- y la terza maniera che noi vogliamo chiamare la moderna -"tercera
manera que queremos llamar la moderna"-).21 Por último, se calificó de manieristi ("manieristas") a los
artistas contemporáneos de Vasari, que pintaban alla maniera di... ("a la manera de..."), es decir, siguiendo
la línea de Leonardo (maniera leonardesca -los leonardeschi-), Rafael (maniera rafaelesca) o Miguel Ángel
(maniera michelangelesca o maniera grande),22 pero manteniendo, en principio, una clara personalidad
artística. El uso peyorativo del término comenzó más adelante, con los clasicistas académicos del siglo
XVII, para quienes esa maniera se entendía como una fría técnica imitativa de los grandes maestros, como
un ejercicio artístico rebuscado, en clichés reducibles a una serie de fórmulas.
3.4 Arte de la Edad Barroco

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental

originado por una nueva forma de concebir el arte (el «estilo barroco»)
y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo
obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura,
pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente
en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio
en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en
Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y
principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo
dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada
por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias
políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a
poner los cimientos del capitalismo.

Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales
del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió
hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo
un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente
revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugenio
d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), (1630-1680)
y «tardío» (1680-1750).2

Aunque se suele entender como un período artístico

específico, estéticamente el término «barroco» también indica
cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto
introducido por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término
«barroco» se puede emplear tanto como sustantivo como
adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico
atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de
fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el
romanticismo o el modernismo.
3.5 Arte de la Edad Rococó

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva

entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.

El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano, por el artista Ronald
Rizzo. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas
inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y
especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas,
que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable,
refinado, exótico y sensual.

Según Étienne-Jean Delécluze, el término «rococó» fue inventado en torno al año 1797 como una broma
por Pierre-Maurice Quays, alumno de Jacques-Louis David. Supuestamente se trataría de una asociación
de las palabras francesas "rocaille" y "baroque" (barroco), la primera de las cuales designa una
ornamentación que imita piedras naturales y ciertas formas curvadas de conchas de moluscos. El término
rococó tuvo durante mucho tiempo un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX
como un término propio de la historia del arte.

Su precedente se sitúa en los inicios del siglo

XVIII coincidiendo con la regencia de Felipe de
Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que
anunciaban el final del estilo tardo barroco y su
evolución hacia la expresión de un gusto más
contemporáneo, independiente y hedonista,
contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del
reinado de Luis XIV. La transición del Rococó, también
conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas y
expresiones artísticas empezó hacia 1720. Algunos historiadores del arte como Fiske Kimball establecen
la génesis del rococó en diversos decoradores franceses, como Claude Audran III, Pierre Lepautre y Gilles-
Marie Oppenordt.
3.6 Arte de la Edad Neoclasicismo

El término Neoclasicismo (del griego -νέος neos, el latín classicus y

el sufijo griego -ισμός -ismos) surgió en el siglo XVIII para
denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los
principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del
siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que
consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la
cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue
perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

Con el deseo de repetir y repercutir las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para
conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1750 emprendió desde Francia el arquitecto
Jérôme Charles Bellicard, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la
ville d'Herculaneum (“Observaciones sobre las antigüedades de la villa de Herculano”),1 una referencia

imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of

Dilettanti (“Sociedad de Amateurs”) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinas griegas
y romanas. De estas expediciones nacieron libros como: Le Antichitá di Ercolano (1757-1792) elaborada
publicación financiada por el rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvieron de fuente de
inspiración para los artistas de esta época actual, a pesar de su escasa divulgación.

También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas
de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada
uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la
llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma,2 que con sus numerosas sucursales o coloniae por
toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la
estética neoclásica.

La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos
acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim
Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés;
su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos
desde la antigüedad a los romanos.
3.7 Escultura en América

Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros
materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.

Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando

volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las
artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la
escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha
originado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como el
constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por
escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.

Giorgio Vasari (1511-1574), empieza Le vite de' più eccellenti

pittori, scultori e architettori con un prólogo técnico que habla de arquitectura, escultura y pintura, unas
disciplinas agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño». La obra es un tratado informativo y
valioso sobre las técnicas artísticas empleadas en la época. En referencia a la escultura comienza así el
escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a la forma que existe dentro de la mente del artista.

Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir Al

principio lo hizo con los materiales más simples y que tenía más a mano: piedra,
arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, oro, plomo, cera, yeso,
plastilina, resina de poliéster y plásticos con refuerzo de fibra de vidrio,
hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre otros. La escultura tuvo en su
principio una única función, su uso inmediato; posteriormente se añadió una
función ritual, mágica, funeraria y religiosa. Esta funcionalidad fue cambiando
con la evolución histórica, adquiriendo una principalmente estética o
simplemente ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.
3.8 Escultura en África

El arte africano es un conjunto de manifestaciones artísticas producidas por los pueblos del África negra
a lo largo de la historia.

El continente africano acoge una gran variedad de culturas, caracterizadas cada una de ellas por un
idioma propio, unas tradiciones y unas formas artísticas características. Aunque la gran extensión del
desierto del Sahara actúa como barrera divisoria natural entre el norte de África y el resto del continente,
hay considerables evidencias que confirman toda una serie de
influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales que
atravesaron África desde tiempos remotos.

En numerosas tribus indígenas de África, el arraigo de la

tradición artística autóctona ha permitido el mantenimiento de
diversas manifestaciones estéticas hasta épocas relativamente
recientes. De hecho, es precisamente a partir de principios del siglo
XX cuando este arte comienza a ser apreciado en Occidente, primero por los representantes de la
vanguardia y después por museos y público en general. Hay grandes diferencias estilísticas de unas zonas
a otras, encontramos desde figuras y máscaras esquemáticas a piezas muy naturalistas. Aunque casi todas
tienen en común la simetría, el darle más importancia a la cabeza y torso y mucho menos a las piernas,
que se suelen representar cortas y con menos detalle que el resto de las partes del cuerpo.

 Los principales temas de los objetos artísticos representan:

Fertilidad: En estas sociedades, con economías basadas en la agricultura, ganadería y pesca, los rituales
más importantes son los que más obras artísticas han producido, estando relacionados con la fecundidad
humana y por extensión la del ganado y los campos. Todos estos pueblos tienen numerosas esculturas de
maternidades, parejas y diferentes amuletos destinados a propiciar la fertilidad.

La muerte es otro ritual que genera una gran producción de objetos artísticos. Se piensa que, de algún
modo, los muertos siguen presentes en el mundo de los vivos y con capacidad de influenciar en sus vidas.
Por lo que hay que complacer a los difuntos, propiciando rituales y objetos escultóricos.

 Espiritualidad: El fetichero o Nganga es a la vez médico, psicólogo y guía espiritual. Dentro de las
prescripciones puede incluir el encargo de la realización de una escultura a la que inducirá los
poderes curativos concretos.
3.9 Escultura en Oceanía

Comprende los estilos, técnicas y tradiciones que reflejan las distintas

culturas que jalonan este continente, marcadas por su insularidad, que ha
provocado un sinfín de rasgos culturales en las distintas islas y
archipiélagos, que durante mucho tiempo estuvieron aislados del mundo
exterior.

Desde la época prehistórica se desarrollaron distintas culturas,

producto de las distintas olas de migraciones de los pobladores primitivos.
Antes de la llegada del hombre occidental que supondrá un nuevo tipo de
mestizaje, se distinguían, y aún se distinguen, tres grupos étnicos
principales: los aborígenes australianos, los papúes, principalmente presentes en Nueva Guinea y los
archipiélagos cercanos, y los descendientes de los austronesios, presentes en Oceanía Cercana y Oceanía
Lejana incluyendo Micronesia, de los que proceden los pueblos polinésicos que habitan dentro del gran
triángulo polinésico (Hawái, Rapa Nui, Nueva Zelanda). Cada etnia generó distintas y variadas
civilizaciones en los archipiélagos aislados que forman el continente oceánico.

El arte oceánico se caracteriza por su temática generalmente religiosa y de culto a los antepasados, y por
un tratamiento mágico-simbólico y una estilización y esquematización geométrica de las formas, llegando
a veces al simple signo.

La primera cultura desarrollada observada en la zona fue el lapita (1.500-500 a.C.), originada en el
entorno de Nueva Guinea y extendida por la Polinesia occidental (islas Salomón, Vanuatu, Nueva
Caledonia, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos
dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a.C. y el 500
d.C. continuó la colonización hacia Micronesia,
Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad,
Marquesas, isla de Pascua, Hawái), aunque en estas
primeras fases no se han hallado numerosos vestigios,
excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente
de conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres
de los aborígenes australianos, que son bastante
esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica.
 CAPITULO 4. PINTURA, ESCULTURA Y ARQUITECTURA

DEL SIGLO XIX

4.1 PINTURA
Las colecciones del Siglo XIX del Museo son,
simultáneamente, las más numerosas y las menos conocidas
entre los conjuntos de pintura conservados por el Prado.
Procedentes en buena medida del Museo de Arte Moderno,
que se integró en el Prado en 1971, fueron expuestas en el
Casón del Buen Retiro entre esa fecha y 1997. En 2007, una
selección de las mismas inauguró, bajo la rúbrica El siglo
XIX en el Prado, las salas de la ampliación del Museo.

La pintura de historia fue el género más importante desde la década de 1850 hasta la de 1880. Dado
que las mejores obras se adquirían en las Exposiciones Nacionales con destino al Museo, esta conserva la
casi totalidad de las obras maestras de este género, expuestas en tres grandes salas. La primera de ellas
está dedicada a Eduardo Rosales, representado además con pinturas de otros géneros que atestiguan la
relevancia de su orientación realista. En la segunda destaca la obra máxima de Francisco Pradilla, Doña
Juana la Loca, y, en la tercera, la de Antonio Gisbert, El fusilamiento de Torrijos y sus compañeros.

La Pintura del Siglo XIX no estuvo exonerada del quiebre histórico con su historia. Tampoco lo
estuvo de la multitud de corrientes de filosofía del arte. También se dejó influenciar por el fenómeno
político francés, la ruptura con el tradicional artista que muestra lo que la monarquía y su aristocracia
pretende. El mundo no está en orden, y eso pretende mostrar el
nuevo arte, al mismo tiempo que propone un nuevo orden: El
Pintura romántica Romanticismo. Allí donde el neoclasicismo
propone una belleza ideal, el racionalismo, la virtud, la línea,
el culto a la Antigüedad clásica y al Mediterráneo, el
romanticismo se opone y promueve el corazón, la pasión, lo
irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la
pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de la
Europa del Norte.
 La pintura del siglo XIX responde a todos los quiebres
históricos de la época. A principios del siglo la tendencia es el
Neoclasicismo, que propone una belleza ideal y el culto a la
antigüedad clásica, el racionalismo y el predominio de la línea.

El Romanticismo, que promueve, en oposición al anterior, la

pasión, lo irracional, lo imaginario, la exaltación, el color y el culto
a la Edad Media y las mitologías de la Europa del Norte.

Hacia mediados del siglo hay una vuelta al racionalismo,

fruto del desarrollo industrial provocado por la Revolución
Industrial y sus efectos secundarios, además de la frustración que produjeron los fracasos revolucionarios
de 1848

. El arte también cambió, Ya en el siglo XIX se vislumbraba una transformación completa con el
impresionismo, pero después, todo se hizo completamente distinto: ya no importaban las formas sino los
colores, el pensamiento inconsciente, lo que está detrás del creador de la obra de arte y por supuesto,
ponerle fin a la tradición de antes. Cada vanguardia artística que surgió era contradictoria a la anterior, los
artistas utilizaban recursos cada vez más amplios, desde óleo hasta arena o plástico y así, con Duchamp,
se llegó al tan afamado fin de la pintura para crear nuevos conceptos artísticos cada vez menos enmarcados
en las líneas del pincel

 CARACTERIASTICAS:
 Múltiples técnicas
 Géneros
 Corrientes y estilos
 Espacio y perspectiva
 El color
 La forma
 Textura
 Luminosidad
 La línea
 Unida
 4.1 ESCULTURA
La escultura española del siglo XIX se corresponde con tres momentos
históricos diferentes. El reinado de Fernando VII coincide con el
Neoclasicismo, el de Isabel II con el Romanticismo y la Restauración
alfonsina, en el último tercio de siglo, con las nuevas tendencias
realistas o naturalistas.

La escultura tuvo en su principio una única función, su uso

inmediato; posteriormente se añadió una función ritual, mágica,
funeraria y religiosa. Esta funcionalidad fue cambiando con la
evolución histórica, adquiriendo una principalmente estética o
simplemente ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin
policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble
sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega.

Igual que la arquitectura, se presenta pobre y desorientada, y no busca en la edad media su

inspiración. Apenas modifica el estilo Neoclásico, buscando más movimiento e inspiración en la
naturaleza. Los temas mitológicos se abandonan y se frecuentan los temas de la historia medieval y
contemporánea.

No hay ningún aporte en cuanto a la técnica o la inquietud estética. Todo parece indicar que durante
el Renacimiento y el Barroco se vencieron todas las dificultades que se le presentan al escultor en estos
terrenos.

Sin embargo, la escultura romántica se distingue de la neoclásica por los personajes, que expresan
emociones violentas, los movimientos se vuelven más intensos y exagerados.

 Neoclasicismo
El siglo XIX se inicia con el movimiento neoclásico procedente del siglo anterior.

Se produce la decadencia de la escultura religiosa y cobra importancia la escultura como elemento

decorativo de la arquitectura Su gran mecenas será la realeza que con la construcción de sus nuevos
palacios o la reforma de los existentes.
 se incluye dentro de una corriente de la filosofía y estética de una influyente difusión que se
desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y la América. Como reacción contra
la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición
greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo
de moralización.

Este cambio estuvo apoyado en dos partes principales: en primer lugar los ideales de la ilustración,
que surgían del racionalismo, combatiendo las supersticiones y dogmas religiosos, y enfatizaban el
desarrollo personal y el progreso social con una fuerte ética, y en segundo lugar, un interés científico
creciente en la antigüedad clásica que surgió entre la comunidad académica en todo el siglo XVIII,
estimulando las excavaciones arqueológicas, la formación de importantes colecciones públicas y privadas
y la publicación de estudios eruditos sobre el arte y la cultura antigua.

 Romanticismo
La escultura del romanticismo se desarrolló principalmente entre los años 1830 a 1850;
enfocándose con una expresión menos idealizada de las formas con respecto al barroco o al rococó y
comparándolo con el clasicismo tiende a un gestualismo si bien idealizado, con tendencias realistas
encaminadas a narrar hechos, en especial las esculturas que se erigían como monumentos conmemorativos
a los héroes o a sucesos importantes.

El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales para embellecer edificios o
erigir monumentos conmemorativos. A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta
de carácter y la desorientación Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros
criterios que desembocarán en un nuevo realismo.

 CARACTERISTICAS:
Características principales de la escultura del siglo XIX y sus principales artistas

En los primeros años continúa siendo la tradicional creación de imágenes religiosas realizadas en tallas de
madera. Posteriormente, se van imitando los modelos de la antigüedad greco-romana, representándose las figuras
humanas con pesos muy similares a las utilizadas en las estatuas clásicas, influencia q trajeron jóvenes artistas que
viajaron y cursaron estudios en países de Europa, así como artistas llegados de otras latitudes.

Dentro de los Escultores venezolanos más destacados que realizaron obras dentro de los siglos XIX y XX se
encuentran.
 4.1ARQUITECTURA
El siglo XIX es el siglo de las revoluciones la
Industrial, la francesa, las burguesas.

También es el siglo de los nacionalismos y de

unificaciones, como la de Italia y Alemania.

La arquitectura de este siglo viene marcada por dos

líneas que van a definir toda la labor arquitectónica
puede ser analizada como una rama del arte social y
moral.

La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los

hombres Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como
hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva
orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a
la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.

La arquitectura del siglo XIX retoma los estilos anteriores, especialmente el gótico, pero dándoles
nuevas formas y adaptándolos a las nuevas necesidades así se vuelven a poner de moda el arte egipcio por
Napoleón, el neoindio, el neogriego, el neogótico.

Este último se convierte, a partir de la década de 1.830 en la alternativa al neoclasicismo, aunque

sin reemplazarlo, ambas tendencias conviven a lo largo del siglo.

Sus principales teóricos fueron John Ruskin (1.819-1.900) y Eugene Viollet-Le-Duc (1.814-1.879).
Ambos autores, contrarios a la alteración del paisaje y de la vida humana por la industrialización, proponen
una arquitectura racionalista (funcional) que satisfaga las necesidades de la época.

Así, en los principales edificios europeos de imitará el estilo gótico. En Inglaterra se restaura y amplia
edificios como el castillo Windsor. Se construyó el Parlamento británico, obra de Charles Barry y Auguste
Pugin.

En lo que a la arquitectura hace referencia, a comienzos del siglo XIX todavía era abundante la producción
de edificios de traza neoclásica, tanto en el conjunto del continente europeo como en Norteamérica. Pero,
andando la centuria, el panorama va a hacerse mucho más variado, por el surgimiento de nuevas escuelas
y tendencias.
 Por otra parte, y como consecuencia del desarrollo de las revoluciones industriales, asistimos a un
rápido crecimiento de las ciudades y, en consecuencia, a la consolidación de los modelos de la vida urbana.
Ahora la ciudad se convierte en un espacio múltiple, en los que
malconviven las ordenadas zonas burgueses con los suburbios en los que
se asienta la clase obrera. Con ello, las geografías urbanas reflejarán la
nueva división social que caracteriza a las sociedades capitalistas
emergentes. Y, de este modo, reaparece con fuerza el urbanismo, la
necesidad de proceder a la planificación del crecimiento de la ciudad, de
forma que sus distintos elementos puedan cumplir las funciones a las que se les destina.

En general, la arquitectura se va haciendo receptora de los nuevos avances tecnológicos y, frente

a gustos más anclados en la tradición (neoclasicismo, historicismo) va a darse en este siglo el origen de lo
que podríamos considerar la inicial arquitectura moderna: aquella que levanta los primeros "rascacielos",
que recurre a los forjados de hormigón y al cristal o que emplea el hierro de forma masiva. En este aspecto,
será un país joven, como los Estados Unidos, donde esta corriente, magistralmente representada por la
Escuela de Chicago, adquiera mayor predicamento.

Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la
creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del
jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la
inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales.

Obras arquitectónicas
 Teatro de la Ópera (París) 1862-75
 Torre Eiffel (París) 1889
 Galería de máquinas 1889
 Escuela de Arte (Glasgow)
 Edificio de la Secession (Viena) 1898-99
 Estación de metro de la Porte Dauphine (París) 1900-04
 Caja Postal de Ahorros (Viena) 1904-06
 Casa Batlló (Barcelona) 1905-07
 Casa del Pueblo (Bruselas) 1895-99
 Palacio Stoclet (Bruselas) 1905-1
 4.2MATERIALES MAS USADOS EN LA ARQUITECTURA

Los materiales empleados fundamentalmente son piedra, barro y madera.

 Piedra
utilizada tanto en la cimentación como en los muros
de carga, vanos o huecos y las cubiertas. En los muros de
carga principalmente la composición son dos hojas de
mampostería concertada con un relleno interior de cascotes
o ripia, atadas con llaves de refuerzo.

La piedra natural se ha presentado a través de los tiempos como una alternativa lujosa de revestir
edificaciones, tanto en pisos como muros, interiores y exteriores. Sin embargo, la evolución del mercado
ha llevado a que hoy existan alternativas en piedra natural en formatos y precios muy atractivos. Estas
piedras naturales se clasifican en mármoles, granitos, basaltos, entre otros.

 Pizarras
En mampostería favorece el empleo de hiladas
muy regularizadas y el uso de poca argamasa. Las
areniscas carboníferas favorecen la sillería con muy
buenos acabados y la posibilidad de realizar elementos
decorativos tallados. Su utilización en cubiertas,
denominadas lousas o lousas, es la más extendida en los
tres concejos. Las losas de pizarra se extraían de
afloramientos locales de diferentes calidades en función del grosor de la exfoliación, que si es excesivo
condicionaba el peso y la sección del maderamen.

Los agentes suelen estar especializados en una tarea concreta o elemental. Todos ellos cooperan
para alcanzar una meta común, si bien, sus objetivos individuales no están aparentemente coordinados.

El comportamiento básico de cualquier agente consiste en examinar la pizarra, realizar su tarea y

escribir sus conclusiones en la misma pizarra. De esta manera, otro agente puede trabajar sobre los
resultados generados por otro La computación termina cuando se alcanza alguna condición deseada entre
los resultados escritos en la pizarra.
 La pizarra tiene un doble papel. Por una parte, coordina a los distintos agentes y, por otra, facilita
su intercomunicación. El estado inicial de la pizarra es una descripción del problema que resolver y el
estado final será la solución del problema. Los resultados generados por los agentes deben responder a un
lenguaje y semántica común. En general, se suelen utilizar formalismos lógicos o matemáticos, tales como
expresiones lógicas de primer orden.

 Cuarcitas
En mampostería se tallan con dificultad, por lo que
se procuran disponer en forma de hiladas homogéneas
enmarcadas por pizarras en las zonas más comprometidas.
La dificultad de talla o la falta local de tradición de cantería,
explican también el arraigo de las esquinas curvas en
muchas construcciones rectangulares.

Areniscas amarillas y calizas rosas de montaña,

mármol o granito: Su uso es excepcional. En los pueblos emplazados en las vegas, los cantos rodados
también se emplean como rellenos de paramentos o los de menor tamaño para pavimentos de firmes.

 Madera
El arte de la arquitectura en madera está más vivo que nunca en un mundo de materiales
tecnológicos que copan el mercado y que sin duda son los grandes competidores de las maderas más
nobles. Las construcciones de madera han alcanzado su esplendor moderno con arquitectos y diseñadores
que arriesgan por los materiales tradicionales, pero con
técnicas renovadoras que realzan la construcción con
traviesas, tablas y listones a su máximo esplendor.

La construcción con madera está teniendo un impacto

positivo en el usuario final donde encuentra es este material
sensaciones de comodidad y confort que en otros materiales
no son alcanzables. Casas de madera asequibles y bien
diseñadas conforman un mercado al alza. Muchos modelos son los que copan el mercado, algunos más
atractivos que otros, pero queremos mostrar las ideas de un arquitecto australiano especialista en construir
viviendas de madera, se llama Jackson Clements Burrows. Multitud de premios lo avalan y es que sus
trabajos ofrecen una mirada diferente del mundo de la arquitectura:
 4.3 EL ROMANTISISMO
Fue un movimiento cultural y político que surgió en Alemania
a finales del siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la
Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su
rasgo revolucionario es incuestionable. Su característica fundamental
es la ruptura con la tradición, con el orden y con la jerarquía de valores
culturales y sociales imperantes. Su rasgo más revolucionario es la
eterna búsqueda de la auténtica libertad. El romanticismo se representa
de manera diferente y particular en cada país ya que es un reflejo de la
manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al propio ser
humano. Incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias que se proyectan también
en todas las artes.

Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Alemania
a Inglaterra, Francia, Italia, España, Rusia, Polonia, Estados Unidos y las recién nacidas repúblicas
hispanoamericanas. Posteriormente, se fragmentó o transformó en diversas corrientes, como el
Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, subsumidas en la denominación
general de Post-romanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano y
español. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente,
una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo.

Es propio de este movimiento un gran aprecio de lo

personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un
culto al yo fundamental y al carácter nacional o Volksgeist,
frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en
el siglo XVIII; en ese sentido los héroes románticos son,
con frecuencia, prototipos de rebeldía (Don Juan, el pirata,
Prometeo) y los autores románticos quebrantan cualquier
normativa o tradición cultural que ahogue su libertad,
como por ejemplo las tres unidades aristotélicas (acción, tiempo y lugar) y la de estilo (mezclando prosa
y verso y utilizando polimetría en el teatro), o revolucionando la métrica y volviendo a rimas más libres y
populares como la asonante.
  Literatura del romanticismo
En la prosa, incluso el género didáctico pareció renovarse
con la aparición del cuadro o artículo de costumbres. La
prevalencia del individuo hace que empiecen a ponerse de moda
las autobiografías, como las Memorias de ultratumba de
François René de Chateaubriand. También surgió el género de
la novela histórica y la novela gótica o de terror, así como la
leyenda, y se prestó atención a géneros medievales como la
balada y el romance. Empiezan a escribirse novelas de aventuras y folletines o novelas por entregas.

El teatro fue el gran vehículo de comunicación de la expresión romántica, era el género más popular
y a través de él se canalizaron sus anhelos de libertad y de sentimiento nacional.

De forma diferente a la Ilustración dieciochesca, que había destacado en los géneros didácticos, el
Romanticismo sobresalió sobre todo en los géneros lírico y dramático; en este se crearon géneros nuevos
como el melólogo o el drama romántico que mezcla prosa y verso y no respeta las unidades aristotélicas.

CARACTERISTRICAS:
 El Romanticismo fue una reacción contra el racionalismo espíritu racional e hipercrítico de la
Ilustración y el Neoclasicismo, y favorecía, ante todo,
 Exaltación del yo individual
 Sentimiento de soledad
 Exaltación de la imaginación y del sentimiento
 Identificación con la naturaleza
 Ansia de libertad
 Espíritu de rebeldía
 Idealismo
 Papel de la intuición, imaginación e instinto
 La Razón no es suficiente
 Evasión
 Genio creador
 Nueva sensibilidad
 4.4 REALISMO
Es una corriente estética que supuso una ruptura con el romanticismo, tanto en los aspectos
ideológicos como en los formales, en la segunda mitad del siglo XIX. Se extendió también a las artes
plásticas en Latinoamérica.

Aparece aplicado a la literatura hacia 1825 para

referirse a la imitación por parte de los románticos de la
naturaleza y al detalle descriptivo de algunos de sus
novelistas y las escenografías aparatosas del
Romanticismo, llevaban a sus lienzos sencillas escenas
de la vida cotidiana; enseguida se aplicó el vocablo a las
obras literarias animadas de un propósito análogo de
recoger fieles testimonios de la sociedad de la época.

Hacia 1827 en Francia una serie de escritores y

críticos presentan ya al realismo como una nueva estética alejada u opuesta a la romántica. En 1856
aparece una revista titulada precisamente Realismo, que en uno de sus números dice:

El realismo pretende la reproducción exacta, completa, sincera, del ambiente social y de la época
en que vivimos. Esta reproducción debe ser lo más sencilla posible para que todos la comprendan.

El Realismo surgió en la Francia de la primera mitad del XIX tras la revolución burguesa de 1848.
Sus autores pioneros fueron Honoré Balzac y Henri Beyle "Stendhal", y se desarrolló plenamente con
Gustave Flaubert. Pero ya hacia la mitad de siglo publican grandes obras maestras de esta estética también
escritores ingleses como William M. Thackeray y Charles Dickens y el alemán Gustav Freytag, al que
seguirá al poco Wilhelm Raabe. En España, el inicio realista fue algo posterior y coincidió con
acontecimientos históricos capitales. Surgió hacia 1870, después de que se reprodujese la tardía revolución
burguesa de 1830 en La Gloriosa de 1868, y tuvo su
apogeo en la década de 1880 con autores como Pérez
Galdós, Leopoldo Alas y Emilia Pardo Bazán.
Finalmente decayó en la década de 1900.

Su nacimiento está ligado al ascenso, al

afianzamiento de la burguesía y a la nueva sociedad
urbana originada como consecuencia del desarrollo de
la Revolución industrial y el consiguiente éxodo masivo del campo a las ciudades. La mesocracia o
clase media preponderante, y progresivamente alfabetizada, impuso sus gustos en materia literaria, pues
la mayor parte de los lectores pertenecían a esta clase.

Cabe resaltar que el realismo también identifica una doctrina filosófica que se caracteriza por
resaltar la existencia objetiva de los conceptos de carácter universal. Desde la perspectiva de la filosofía
moderna, el realismo constituye un saber basado en la idea de que los objetos que pueden percibirse a
través de los sentidos poseen una existencia que resulta independiente respecto de ellos mismos.

El público estaba interesado, más que por lo lejano en el tiempo y espacio y lo exótico de los
románticos, por los problemas próximos y cotidianos de la sociedad contemporánea, siempre presente a
través del periodismo, que se desarrolla ampliamente en el siglo XIX después de haber nacido en el XVIII,
y de la fotografía, nueva técnica que reproduce al detalle la realidad.

En reacción contra el idealismo, se desarrolla el positivismo de Auguste Comte (su Sistema de

filosofía positiva se publica en 1850), que rechaza la especulación pura y la metafísica; en Inglaterra
domina el pensamiento empírico del utilitarismo (Jeremy Bentham, John Stuart Mill) y el evolucionismo
que Charles Darwin expone en su Origen de las especies (1859) pone de moda las ciencias naturales y la
clasificación empírica de los hechos, haciendo notar que todos los seres humanos están encadenados al
medio ambiente, que los moldea mediante la "adaptación al medio" en una "lucha por la vida" que provoca
una "selección natural"; el filósofo Herbert Spencer crea con este fundamento el Evolucionismo social y
cultural, al que se adhiere el mismo Comte.

El experimentalismo se desarrolla con el fisiólogo francés Claude Bernard, quien publica en 1865
su método experimental aplicado a la medicina.

Por último, se desarrolla una nueva ciencia, la

genética, a partir de que el botánico austriaco Gregor
Mendel publique en 1865 sus leyes de la herencia. Por
otra parte, la izquierda hegeliana desacredita la religión
(Ludwig Feuerbach) y las esperanzas de redención fuera
de este mundo y, sobre todo Karl Marx, llama la atención
sobre los condicionantes económicos y sociales de los
pueblos o materialismo histórico y la lucha de clases y
afirma que la realidad no debe ser teorizada, sino transformada.
CARACTERISTICAS:

Los rasgos fundamentales del realismo son los siguientes

 Procura mostrar en las obras una reproducción fiel y muy apegada a los detalles de la
realidad, por lo que abunda en descripciones.
 Se opone al romanticismo en su rechazo de lo sentimental y lo trascendental y en su
alejamiento de los escenarios exóticos; aspira, en cambio, a reflejar la realidad individual y social
burguesa en el marco del devenir histórico.
 Debido a su afán verista o de verosimilitud, el realismo literario se opone asimismo directamente
a la literatura fantástica.
 Hace un uso minucioso de la ejemplificación, para mostrar perfiles diversos de los temas,
personajes, situaciones e incluso lugares; lo cotidiano y no lo exótico es el tema central,
exponiendo problemas políticos, humanos y sociales según una mentalidad burguesa materialista
e individualista.
 El lenguaje utilizado en los diálogos de estas obras abarca diversos registros y niveles, ya que
expresa el habla común de todas las capas de la sociedad e incluso reproduce el habla popular, el
registro coloquial y las características propias de las hablas regionales; en los pasajes narrativos
sin embargo el estilo es académico, de largos y complejos periodos henchidos de subordinación.
 Conforme va avanzando esta estética comienza a utilizarse cada vez más el monólogo interior y
de la mera descripción física de los ambientes y los actos de los personajes se pasa a ahondar en
su psicología. Los distintos personajes son complejos, evolucionan e interactúan entre sí
influyéndose mutuamente.
 El autor analiza, reproduce y denuncia los males que aquejan a su sociedad, por lo que transmite
unas ideas tradicionales o progresistas de la forma más verídica y objetiva posible recurriendo
frecuentemente al género de la novela de tesis.
 La pintura se caracteriza por un cambio en los temas tratados.
 . Se busca reflejar la realidad social del pueblo. Surge el tema denuncia sobre la situación de los
trabajadores tanto urbanos como campesinos, el hombre trabajador es el nuevo héroe y es
representado en sus tareas normales; el tema de la fatiga es un motivo de inspiración.
 . Se le acusará con frecuencia de “feísmo”, pues no busca la belleza sino representar la vida diaria
de trabajadores y campesinos.
 4.5 EL IMPRESIONISMO
Es un movimiento artístico1 inicialmente definido
para la pintura impresionista, a partir del comentario
despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el
cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet,
generalizable a otros expuestos en el salón de artistas
independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo
de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pizarro, Edgar
Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley
y Berthe Morisot).

Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la
música (impresionismo musical Debussy y la literatura (literatura del Impresionismo hermanos Goncourt),
sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión,
incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin) y la arquitectura;4 de tal modo que suele decirse
que el impresionismo en sentido estricto solo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y
cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir hijo del pintor
impresionista Auguste Renoir

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa
principalmente en Francia caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión»
visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que
subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del posimpresionismo y las
vanguardias.

Con anterioridad al Impresionismo, el marco

artístico estaba dominado por el eclecticismo, al que
respondió la generación de las rupturas estilísticas, una
serie de rupturas que darán personalidad propia al arte
moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su
preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento,
resultado de una prolongada evolución, que coloca
definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que
busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo
extremo.
 Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin
mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus
complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos
terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y
sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y
la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura
y el paisaje.

El año 1873 marcará un giro característico del

Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de
florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo
adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres
estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún
más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total
influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo
que Monet o Renoir las flores del campo.

CARACTERÍSTICAS:
 Origen
 Precursores
 Principales exponentes
 Forma
 Paisajes
 Colores puros
 Pincelada gestáltica
 Recepción crítica
 Variantes individuales
 Exposiciones
 4.6 EL SIMBOLISMO
fue uno de los movimientos literarios más
importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia
y en Bélgica. En un manifiesto literario publicado en
1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como
«enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa
sensibilidad y la descripción objetiva Para los
simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el
poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas
que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud
establece una correspondencia entre las vocales y los
colores en su soneto Vocales.

El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire.
El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también
decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que
utilizaría. La estética del simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la
década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores
cansados de los movimientos realistas.

El simbolismo fue en sus comienzos una reacción literaria contra el naturalismo y el realismo,
movimientos anti-idealistas que exaltaban la realidad cotidiana y la ubicaban por encima del ideal.
Estos movimientos provocaron un fuerte rechazo en la juventud parisina, llevándolos a exaltar la
espiritualidad, la imaginación y los sueños. El primer escritor en reaccionar fue el poeta francés
Charles Baudelaire, hoy considerado padre de la lírica moderna y punto de partida de movimientos
como el Parnasianismo, el Decadentismo, el modernismo y el simbolismo. Sus obras, entre las que
destacan Las flores del mal, Los pequeños poemas en prosa y Los paraísos artificiales, fueron tan
renovadoras que algunas de ellas fueron prohibidas por considerarse oscuras e inmorales, al
retratar sin tapujos el uso de drogas, la sexualidad y el satanismo. El primer movimiento
descendiente de esta ideología postromántica sería el parnasianismo.

Los simbolistas fueron separándose del parnasianismo porque no compartían la devoción

de este por el verso perfecto. El Simbolismo se inclinaba más bien hacia el hermetismo,
desarrollando un modelo de versificación más libre y
desdeñando la claridad y objetividad del parnasianismo.

No obstante, varias características parnasianas fueron

acogidas, como su gusto por los juegos de palabras, la
musicalidad en los versos y, más que nada, el lema de Théophile
Gautier del arte por el arte. Los movimientos quedaron
completamente separados cuando Arthur Rimbaud y otros
poetas se mofaron del estilo perfeccionista parnasiano,
publicando varias parodias sobre el modo de escribir de sus más
prominentes figuras.

Otros dos precursores del simbolismo fueron los franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine.
Estos dos poetas, que para esa época tenían una azarosa relación amorosa, fueron decisivos para el
arranque del movimiento. Rimbaud, que contaba con 17 años, fue el más influyente, al buscar lo que
llamó su alquimia del verbo en la cual trataba de convertirse en vidente por medio del desarreglo
de todos los sentidos. Con este pretexto pasó a sumirse, junto a Verlaine, en toda una ola de excesos.
Vagabundeaba día y noche por las calles de París para luego presentarse en las reuniones literarias
con la ropa sucia o en estado etílico, hechos que rápidamente le dieron mala fama y el sobrenombre
de enfant terrible. Sus obras más representativas fueron Una temporada en el infierno e
Iluminaciones.

CARASCTERISTICAS:

 Origen
 Temática principal
 Objetivo
 Intencionalidad o mensaje
 Rol del lenguaje
 Musicalidad
 Relación entre lo sagrado y lo profano
 Autonomía del arte
 Uso del simbolismo
 4.7 MODERNISMO
Es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a
finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.
En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau en Bélgica y Francia, Jugendstil –
en Alemania y países nórdicos Sezession –en Austria Modern Style –en los países anglosajones–,
Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o Floreale –en Italia.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la

intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno,
que representara una ruptura con los estilos dominantes
en la época, tanto los de tradición academicista (el
historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas
(realismo o impresionismo).

En la estética nueva que se trató de crear,

predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se
incorporaban novedades derivadas de la revolución
industrial, como el acero y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de
mediados del siglo xix.

Dos ideas son fundamentales para entender la cultura moderna que estaba emergiendo: la
conciencia de que “el futuro ya ha comenzado, que se relaciona con el concepto de progreso; y la
convicción de que para tener futuro no sirven las pautas o doctrinas de etapas anteriores, sino que
es necesario crear sus propias normas. Existe la ruptura con el pasado y la apuesta con el futuro
desde el mismo presente.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William
Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los
objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, aunque sin
utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer
artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes tales como la pintura, escultura y arquitectura,
sino también las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario,
rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida
cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de
metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios. Muchos artistas identificados con el modernismo son
artistas integrales

Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que

intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de
uso diario que habían de contener.

El modernismo no fue unánimemente recibido: una amplia corriente de opinión identificaba

sus formas con el concepto de degeneración (una desintegración orgánica que corresponde a la
desintegración social.

Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de

Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque su propósito era
producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal
modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora.

A lo largo de la segunda mitad del siglo xix se fue intensificando la tendencia, visible en
movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William Morris o la Hermandad
Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes
libres, especialmente en el hierro forjado que se deja a la vista, se exhibe con profusión y se
aprovecha más allá de su función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma
irregular (vitraux). Algo similar ocurría en los diseños textiles florales.

CARACTERISTICAS:
 Oposición a la vulgaridad y mal gusto
 Notorio interés por lo exótico
 Cosmopolita
 Verso libre
 Rompe con la tradición en lo léxico
 Se nutre de otras corrientes
 Arquitectura modernista
 Recibió otros nombres fuera de Hispanoamérica
 Varias disciplinas creativas
 Sentimiento patriótico
 4.8 FOTOGRAFIA DE LA EPOCA
Estudia todos los aspectos relacionados con las imágenes
fotográficas, a través del tiempo: procedimientos, inventores,
fabricantes, autores de las fotografías, visión artística y
documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones,
comercialización y consumo de imágenes fotográficas, difusión
en otros medios de comunicación, conservación en museos y
colecciones. Y su análisis, clasificación e interpretación.

La historia de la fotografía empieza oficialmente en el año

1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.

Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias
fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó
varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.

A principios del siglo XIX, en el año 1824, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras
imágenes fotográficas, inéditas. La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen
conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y una
placa de peltre recubierta en betún.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena
luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su
invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco
antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones, regresando al uso de las
sales de plata que habían sido desestimadas por Niépce, y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y
gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la
que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los
tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros
métodos diferentes, sin conocerse entre sí. El procedimiento creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un
soporte de papel, y a partir de esos negativos reproducía copias positivas, también en papel. El procedimiento
negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.

Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos, y su calidad
de imagen era muy superior al calotipo. Estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a divulgarse entre la clase
burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta
nueva técnica.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo

XIX fueron muy diversos, empezando por el daguerrotipo, y el
calotipo.

A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de

colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a
la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos. Estas copias
a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado en
la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas se basaban en
procesos artesanales, y requerían destrezas manuales significativas
por parte de los fotógrafos, así como conocimientos prácticos de química y física.

Después de 1880 se desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que podían ser producidas de
modo industrial y comercializadas sin limitaciones. Los fotógrafos compraban cajas de placas vírgenes, ya
sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara. También eran placas de vidrio; pero pronto
empezó a usarse el soporte flexible de película de nitrato.

Tampoco deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten concluir el
camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes
de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema inventado por Kodak se complementaba además con el
revelado de las tomas luego de expuestas, y la carga de la cámara con nueva película. Bajo el concepto "Ud. aprieta
el botón, nosotros hacemos el resto", Kodak inauguraba la fotografía de aficionados.

 Fotografía en color
Exterior del estudio fotográfico de Kimbei, en Yokohama, Japón. Vista coloreada a mano, hacia 1881

Placa autocroma Lumière, hacia 1917. Biplano francés en sus colores fotográficos.

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por
su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores quedaran
fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861,
realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres
imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreaban a mano, con acuarelas, óleo,
anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época
del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se
coloreaban la mayoría de las copias a la albúmina para su venta a extranjeros, especialmente los retratos de tipos
populares y las vistas de paisajes y ciudades. Kusakabe Kimbei destacó en el coloreado de fotografías, realizando
verdaderas obras maestras, hasta el año 1912.

La auténtica primera placa fotográfica en color, conocida

comercialmente como Autochrome, fue patentada en diciembre de 1903
por los hermanos Lumière,4 pero no llegó a los mercados hasta 1907.
Esas placas autocromas se fabricaban en Francia, y eran transparencias
o diapositivas en soporte de vidrio. El sistema se basaba en una rejilla
con puntos, cada uno de los tres colores elementales, como las pantallas
de TV en color, que se ponía sobre una placa fotográfica en blanco y
negro, al revelarla, la intensidad de luz correspondía a la del color de
cada punto, formándose una imagen en colores. El procedimiento: 'Cibachrome', puesto a la venta en el último
cuarto del siglo XX, se basaba en la misma idea. Fueron utilizadas especialmente por fotógrafos aficionados de todo
el mundo. La mayor colección de placas autocromas se conserva en el Museo Albert-Kahn.

La primera película fotográfica en color moderna, Kodachrome, fue utilizada por primera vez en 1935, y dejó
de fabricarse en 2009. Eran diapositivas en color, producidas y reveladas por la compañía Eastman Kodak. Las
demás películas modernas se han basado en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

 Fotografía en el siglo XX: desde 1900 hasta la Segunda Guerra Mundial

Fotografía aérea de Colonia, destruida por bombardeos aliados durante la Segunda Guerra Mundial

La aproximación a este período histórico de la fotografía nos lleva ineludiblemente al análisis del periodismo
fotográfico, la relación de las vanguardias históricas y la fotografía y a una exposición de los diferentes realismos
fotográficos que se desarrollan en estos años.

El periodismo fotográfico es el que nos da a conocer por medio de una foto lo que pasa en un lugar. Estas
visualizaciones contienen mucha información, y permiten representarnos de un modo detallado -aunque siempre
con limitaciones, como toda representación- lo que ha pasado en ese lugar y momento específico.

La posibilidad de imprimir fotografías junto al texto en periódicos y revistas fue investigada durante el siglo
XIX mediante diferentes posibilidades, como la litografía o la xilografía. En 1880 se inventó la técnica de impresión
en medios tonos, que es la antecesora de los actuales procedimientos de ófset y fotocromía. Sin embargo, el
fotoperiodismo también se enfrentaba a problemas técnicos en la toma fotográfica, ya que las emulsiones aún tenían
sensibilidades muy bajas, por lo que tomar fotos en interiores o de noche se limitaba al uso irreemplazable del flash
(de magnesio, en aquel entonces), cuyo funcionamiento tornaba indisimulable la presencia del fotógrafo.
  La fotografía a partir de 1945
Todos los géneros fotográficos surgidos en momentos históricos anteriores tienen su continuación
tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Especial relevancia presenta la evolución en estos años
del periodismo fotográfico, en el ámbito de la fotografía documental y los nuevos diálogos que se
establecen entre la fotografía y las artes plásticas, que comienzan a fundirse en la denominación genérica
de artes visuales.

Asistimos, igualmente a la aparición de otros usos de la fotografía en este período, así como al
desarrollo de nuevas visiones de la fotografía de paisaje y del empleo masivo de la fotografía en color,
gracias a la obra de William Eggleston, entre otros autores.

En estos años merecen especial mención las obras de Robert Doisneau, W. Eugene Smith, Robert
Frank, Diane Arbus, entre muchos otros

 La fotografía en el siglo XXI: digitalización

Animación con la fotografía del Puente Golden Gate de San Francisco, EE. UU. En la imagen se puede ver
la original y el retoque.

A finales del siglo XX aparece un nuevo tipo de tecnología en los medios audiovisuales que supone un cambio
de rumbo en la forma de utilizarlos. La aparición de la primera cámara digital en 1990 constituye la base de la
creación inmediata de imágenes. A pesar de que en sus orígenes el precio de estas cámaras era elevado y las hacía
inaccesibles para muchos, con el tiempo no sólo han bajado de precio, sino que han aumentado su calidad técnica.
La digitalización ha liberado a la fotografía del carácter documental histórico ya que la manipulación de imágenes
a través de la infografía ha permitido recuperar el imaginario pictórico y narrativo que se había perdido de la cultura
visual como consecuencia de la aparición de la cámara.

"La fotografía digital entronca con la ideología del collage entendido como fotomontaje de vanguardia
dadaísta o constructivista, que mostraba el recorte y el carácter fragmentario de su construcción sin pretender
engañar a nadie. No obstante, la fotografía digital consigue eliminar las marcas del proceso de construcción del
"collage" y dotar al fotomontaje de carácter unitario".6

Desde su invención, la fotografía tenía total credibilidad como testimonio incuestionable de la realidad debido
al funcionamiento del dispositivo de captura. Posteriormente, la manera de registrar la realidad se ha considerado
un posicionamiento ideológico, que nada tiene que ver con el carácter neutral y objetivo de su funcionamiento.

Las nuevas tecnologías digitales tienen la capacidad de convertir lo real e intervenir sobre el registro de la
imagen, hasta el punto de manipular y distorsionar las imágenes sin perder el realismo fotográfico con el que fueron
captadas.
 La digitalización desposee a la fotografía de su carácter
objetivo y rompe la conexión física entre el referente y la impresión
fotosensible, es decir, entre la experiencia perceptiva de la realidad
por observación directa y la imagen mediada a través de una
tecnología. Con la pérdida de objetividad de la imagen fotográfica,
a comienzos de la década de los noventa, se empieza a hablar de la
era post-fotográfica, en la que se supera el paradigma fotográfico
como modelo de realismo. Lo real y lo virtual se mezclan dando
lugar a un nuevo tipo de imagen híbrida para definir las nuevas
creaciones pseudo-fotográficas. Los programas de manipulación de
la imagen son protagonistas en esta etapa, así como el retoque
fotográfico, la fusión de imágenes, la infografía o la generación de
tridimensionalidad, holografía.

 Cronología
1947 se funda la Agencia Magnum: una cooperativa de
fotógrafos preocupados por la manipulación de la información
fotográfica en los medios de prensa, que se autoorganiza para
controlar los temas a cubrir, y la edición fotográfica a la hora de su
publicación.

1950, nuevos procedimientos industriales permiten

incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las
películas en color y en blanco y negro. La velocidad de éstas últimas
se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5000 ISO,
mientras que en las de color se multiplicó por diez.

1960, que los primeros VTR (video tape recorder) que, en

1951, ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas
en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos) son utilizados por la NASA, para captar las primeras
fotografías electrónicas de Marte.

1969, es considerado el inicio de la carrera digital. Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica
del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device o Dispositivo de Carga Acoplada). Este dispositivo CCD
planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los
laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.
 5.1 SIGLO XX
Fue el período comprendido, entre el 1 de enero de 1901 y el 31 de diciembre de 2000. Es llamado
el Siglo de la Vanguardización, Fue el décimo y último siglo del II milenio.
El siglo xx se caracterizó por los avances de la tecnología; medicina y ciencia; fin de la esclavitud
en los llamados países subdesarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países
occidentales; pero más que todo por el creciente desarrollo de las industrias, convirtiendo a varios países
en potencias mundiales como pueden ser Los Estados Unidos de América, también el siglo se destacó por
las crisis y despotismos humanos en forma de regímenes totalitarios, que causaron efectos tales como las
Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del
desempleo y de la pobreza.5 Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al
desarrollo social, económico y tecnológico y en cuanto a la distribución de la riqueza entre los países, y
las grandes diferencias en la calidad de vida de los habitantes de las distintas regiones del mundo.
5.1 PINTURA DEL SIGLO XX,
ANTERIOR A LA II GUERRA MUNDIAL
El arte del siglo XX se caracteriza por la gran variedad de
movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa
antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el
neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo; en Estados Unidos
se desarrollaron el sincronismo y el hiperrealismo.
 Fauvismo
A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como
alemanes, mostraron su interés por el arte de las sociedades no-
occidentales. Después de investigar las llamadas tradiciones artísticas
primitivas en Bretaña, Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del
Sur. Su sentido decorativo del color y sus teorías influyeron sobre un
grupo posterior de pintores, conocidos como los fauves (‘fieras’), a la
cabeza de los cuales estaba Henri Matisse. Otros fauves conocidos
fueron André Derain, Georges Braque y Maurice de Vlaminck, que
presumían de ser los primeros artistas europeos en descubrir la escultura
africana.
 Expresionismo
La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos
y respuestas subjetivas, por medio de la distorsión de la línea y del color,
que por representar fielmente la realidad externa se fundió en un
movimiento conocido como expresionismo. En Alemania, el movimiento
abarcaba dos grupos. Los artistas jóvenes, activos entre 1905 y 1913, que
componían el grupo Die Brücke estaban, como los fauves, inspirados en
el arte africano, cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra. El
grupo estaba formado por Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt
Rottluff, Erich Hacker y Emil Nolde, entre otros. Representaban los sufrimientos de la humanidad con un
estilo parecido, en cierto modo, al fauvismo, pero con el ingrediente añadido de la angustia. La obra
temprana del noruego Edvard Muncho, de gran carga emocional, era bien conocida en Alemania y produjo
honda impresión en los artistas de Die Brücke. Algo más tarde, en 1911, Franz Marc y el artista nacido
en Rusia Wassily Kandinsky encabezaron la otra fase del expresionismo alemán por medio del grupo Der
Blaue Reiter, en Munich; se inspiraban en el llamado arte primitivo, en el fauvismo y en el arte popular,
y la modalidad expresionista que practicaban evolucionó hacia una forma de pintar que anticipaba el arte
abstracto. Los principales componentes de Der Blaue Reiter eran August Macke, Gabriele Münter, Paul
Klee y Alexéi von Jawlensky. En esos años, el uruguayo Pedro Figariproduce su obra neoimpresionista
en su país, en Buenos Aires y París.

 Cubismo
Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron
el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica,
que tenía Cézanne de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y
en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica. El cubismo
llegó a ser el estilo artístico que más influencia ejerció en todo el
siglo XX; se basa en la descomposición de la imagen tridimensional en
multitud de puntos de vista bidimensionales, rechazando los valores
tradicionales de la perspectiva, el escorzo, el modelado y el claroscuro.
La pintura cubista atravesó diferentes fases, entre las manos de Picasso y Braque inicialmente, y más tarde
las de Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Juan Gris, para ser modificado posteriormente
por un grupo de artistas italianos entre los que se encontraban Gino Severini, Umberto Boccioni, Carlo
Carrà y Giacomo Balla. Su intención de expresar en el arte el avance dinámico del siglo XX se conoce
como futurismo. El cubismo en América Latina tiene, entre otros representantes, al cubano Wifredo
Lam y al mexicano Diego Rivera en su obra de caballete. En la década de 1930 se da a conocer el
uruguayo Joaquín Torres García, precursor del constructivismo.
  Pintura abstracta
El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a
desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante
la segunda década del siglo XX. El cubismo fue crucial para su evolución,
sobre todo en Rusia, donde los artistas, que conocían las tendencias francesas,
bien a través de sus viajes a París, o contemplando el arte de vanguardia en las
colecciones moscovitas, empezaron a crear cuadros de composición
geométrica. Kazimir Malévich llamó suprematismo a su manera de abordar la
abstracción, mientras que a otros artistas rusos como Alexander
Rodchenko y El Lissitzky se les conoció como constructivistas.
Después de su contacto con el cubismo, Piet Mondrian desarrolló una
forma de abstracción llamada neoplasticismo. Sus pinturas de cuadrículas, poniendo de relieve la
bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del desarrollo de la abstracción
geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia destaca en América Latina
el ítalo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en una geometría sensible, con trazos menos
exactos y más imaginativos.
 Dadaísmo
Durante la I Guerra Mundial un grupo de intelectuales suizos, unidos por su rechazo hacia los
valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de guerra, eligió el vocablo dada, sin
significado alguno, para describir sus actividades de protesta y
repulsa, y el arte con el que desafiaban los criterios estéticos
establecidos. El más conocido de los dadaístas era el pintor
francés Marcel Duchamp, que expresó su
desaprobación por el “arte agradable y atractivo” añadiendo
bigote y barba a una reproducción de la Mona
Lisa de Leonardo da Vinci. La iconoclastia de Duchamp
encontró también expresión en lo que llamaba ready- made, los
objetos cotidianos que él presentaba como obras de arte. Otros
dadaístas famosos fueron Francis Picabia, George Grosz y Max Ernst.
 Surrealismo
Los dadaístas aprovechaban el accidente y la oportunidad para crear obras, métodos que fueron
adoptados por sus sucesores, los surrealistas. En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el
nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del
inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística. Los
surrealistas más importantes fueron Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René
Magritte, Jean Arp y André Masson. En América Latina destaca el
chileno Roberto Matta, que combina el surrealismo con la abstracción. Por
otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida Kahlo dentro de una
corriente surrealista influida por el arte popular.
  La pintura americana anterior a la II Guerra Mundial
A principios de siglo, los pintores estadounidenses que trabajaban con un estilo en cierto modo
impresionista, como Maurice Prendergast o Childe Hassam, realizaban agradables cuadros sobre la vida
de la clase alta. Otro grupo de artistas, entre los que se encontraban Robert Henri, John Sloany George
Bellows, rechazaron este tipo de arte y se dedicaron a representar la vida en las calles de la ciudad, con un
realismo vigoroso y directo. Más tarde, el grupo al que pertenecían fue apodado Ashcan school (en inglés
ash can, ‘cubo de basura’), reflejando su predilección por temas del lado sórdido de la vida. Pero fue
en 1913, año en que tuvo lugar el famoso Armory Show, exposición internacional celebrada en Nueva
York, cuando los artistas de Estados Unidos se pusieron al corriente de los estilos vanguardistas europeos.
Los artistas más destacados de ese periodo fueron Marsden Hartley, Joseph Stella, Arthur Dove, Georgia
O’Keeffe y Stuart Davis.
En una línea semejante se puede considerar al guatemalteco-mexicano Carlos Mérida, que mostraba
una dominante geométrica de inspiración surrealista. Durante la década de 1930, hubo otros pintores que
reaccionaron en contra de las influencias extranjeras y volvieron a representar, a su manera, la escena
estadounidense. La vida rural inspiró a regionalistas como Grant Wood, autor de la conocida obra Gótico
americano (1930, Instituto de Arte de Chicago). Ben Shahn puso un toque político en sus representaciones
de la vida ciudadana durante la depresión, mientras que el gran realista del siglo, Edward Hopper, elegía
para sus cuadros contemplativos y apacibles el tema de la soledad de los individuos en las ciudades
modernas.
En América Latina, la época posmuralista tuvo una vertiente inclinada hacia el arte popular de donde
surgió el mexicano Rufino Tamayo, que, más tarde, agregó una dosis de vanguardismo. En esa época se
da a conocer también el argentino Antonio Berni, que deriva con posterioridad en el collage con elementos
de Pop Art y de pintura política.

 La pintura a partir de la II guerra mundial

A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un importantísimo
papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el
expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el fotorrealismo y el minimalismo.

 Expresionismo abstracto
La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados fue sin duda el catalizador en
la creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas
de 1940 y 1950. Su investigación del inconsciente y de las técnicas basadas en el azar intrigó a Jackson
Pollock, Willem de Kooning, Hans Hofmann y

muchos otros. Estos artistas, partidarios del automatismo surrealista (una técnica similar a la
escritura automática) y del expresionismo, practicaban la técnica conocida como Action Painting.
 En manos de Pollock, por ejemplo, implicaba derramar colores
sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos abstractos.
Otros expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Barnett Newman,
desarrollaron la Colour-Field Painting, aplicando sobre el lienzo
grandes extensiones de color sutilmente modulado.
En Argentina destaca Ronaldo de Juan, que más tarde optó por grandes
cuadros de tonos grises. En Europa, se desarrolló en paralelo un
movimiento denominado informalismo, que cuenta entre sus principales
representantes a Jean Dubuffet, Hans Hartung, Antoni Tàpies y Manuel Millares, entre otros.
 Op Art y Pop Art
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos.
Algunos pintores siguieron en la senda de la abstracción, como denota el Op
Art de Victor Vasarely, Eusebio Sempere y Omar Rayo. Si bien el Op Art se
basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas, el Pop Art es
figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista
inglés Richard Hamilton. Los artistas Pop tomaban sus imágenes de los
anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos cotidianos.
Entre los más destacados artistas seguidores de esta corriente se
encuentran Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Jim Dine, Roy
Lichtenstein y Andy Warhol.
 Nuevo realismo
Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura
realista. Los realistas que se destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían
asumido algunos de los conceptos estéticos del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en
la fotografía para conseguir un tipo de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los
meticulosos paisajes urbanos de Richard Estes. Los desnudos rigurosamente estructurados de Philip
Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían también al realismo un
tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina empezaban a brillar figuras como el
ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las aristas pronunciadas y a la deformación para expresar
a menudo un contenido político.
 Nuevas tendencias abstractas
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia
una pureza formal más rigurosa e impersonal. La culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el
cual la pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. A la cabeza de
los minimalistas estaban Kenneth Noland, Larry Poons, Robert Ryman y Brice Marden. La Hard Edge
Painting (‘pintura de contornos nítidos’) fue un movimiento relacionado con el anterior, que evolucionó
hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas en las obras de Frank Stella y Al Held. Bajo
la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar “al servicio de la mente”, el
arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica. En esta época destaca el
uruguayo Nelson Ramos.
  La pintura europea de la posguerra
Entre los pintores que destacaron después de la II Guerra Mundial se encontraba Jean
Dubuffet y Karel Appel. En Gran Bretaña las agónicas figuras de Francis Bacon y los cuadros urbanos,
llenos de lirismo, de David Hockney dan fe de la vitalidad de la pintura figurativa inglesa. En América
Latina, el dibujante, pintor, moralista y escultor colombiano Fernando Botero empieza y exponer desde
principios de la década de 1950. La factura ingeniosa de sus personajes obesos deja ver la influencia de
los pintores italianos del quattrocento.
 Neoexpresionismo
En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza
formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado fue un resurgimiento de la
pintura figurativa y narrativa llamado neoexpresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento
evitaron la representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar
sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.

5.1 LA ESCULTURA DEL SIGLO XX

Los rasgos definitorios primordiales del arte escultórico durante el siglo XX fueron la pérdida de la
condición figurativa y, a través del amplio abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias, la
aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, convenientemente sometido
a la acción o a la interpretación del creador.

Las vanguardias históricas

El espíritu rupturista de las denominadas vanguardias históricas, que revolucionaron el mundo del
arte durante las primeras décadas del siglo XX, reavivó el interés por la escultura, que había permanecido
en segundo plano en épocas anteriores.
A este respecto cabe destacar como primera línea evolutiva la de los escultores cubistas, futuristas
y constructivistas.
 Cubismo: a fines de la primera década del siglo Pablo Picasso (1881-1973) y George
Braque (1882-1963) crearon el cubismo. El propio Picasso aproximó pintura y escultura a través
de la técnica del collage y desarrolló después su obra escultórica, fundamentalmente en hierro.
Otros artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a la escultura
fueron Alexandre Archipenko (1887-1964), Jacques Lipchitz (1891-1973) y Pablo
Gargallo (1881-1934). En la obra de todos ellos se percibe la articulación de planos y la síntesis
de formas propias del cubismo.
 Futurismo: la escultura del futurismo italiano aportó dinamismo y percepción de
movimiento a los principios cubistas de descomposición de perspectivas. El más destacado
escultor futurista fue Umberto Boccioni (1882-1916).
  Constructivismo: los escultores del constructivismo ruso adoptaron preceptos
semejantes, aunque orientados hacia el maquinismo y el uso de materiales industriales. En esta
corriente sobresalieron Anton Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977).
Dadaístas y surrealistas
El anti-arte planeado por los dadaístas y la valoración del trasfondo psicológico de los objetos y las
formas de los surrealistas dieron lugar a creadores de importancia capital para la evolución escultórica del
siglo XX. Entre estas figuras destacan las siguientes:
 Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al presentar como
obras de arte, en la década de 1910, una serie de objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su
espíritu transgresor su célebre Urinario (1917).
 Kurt Schwitters (1887-1948) fue, junto a Duchamp, el otro gran exponente de la escultura
dadaísta. Alcanzó su mayor dimensión creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a
partir de los cuales obtenía piezas de notable belleza.
 Alberto Giacometti (1901-1966), aportó una personal interpretación del surrealismo a
partir de sus longilíneas imágenes, la mayoría de ellas en hierro.
 Jean Arp (1887-1966) y Joan Miró (1893 -1983) realizaron una obra escultórica afín,
resultado de una refinada interpretación de las formas desde postulados surrealistas.
Cabe citar, por último, al rumano Constantin Brancusi (1876-1957), en cuya obra convergen los
principios escultóricos clásicos, refundidos en clave de vanguardia, aunque sin vinculación a un
movimiento concreto.

La escultura de la segunda mitad del siglo XX

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, muchas de las grandes personalidades de la
escultura de vanguardia del primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios
evolutivos.
Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti, desarrollaron sus singulares estilos una serie
de escultores que aportaron visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían
en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los siguientes:
 David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo rígidamente abstracto, precursor de
la mínima art.
 Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como el anterior, fue el creador de los
singulares móviles, conjuntos de piezas de hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el
primer antecedente de la escultura cinética.
 Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron una plástica esquemática en sus
planteamientos, pero incorporando elementos naturalistas.
 Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas muy personales una obra encuadrada
dentro del organicismo, en la que adquiría especial importancia la figura humana deformada a
través de huecos, líneas curvas y grandes volúmenes.
 Alexander Calder, móvil, escultura cinética al aire libre, (París).

 Del pop art al minimal art

La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los
planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la
exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada.
En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George
Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su
creación en los vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era
de la publicidad.

Sobre la premisa de prescindir del elemento humano como medio de expresión, la escultura de las
últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas
específicas como las que se enumeran a continuación:
 La corriente arte povera italiana utilizó materiales de
desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles
viejos o residuos de todo tipo.
 El minimal art redujo a su expresión más exigua la
expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de
iluminación e instalaciones provisionales.
 El land art propuso la intervención del escultor en la
naturaleza para emplearla como medio de expresión.
La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con
el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de
soporte de la obra escultórica.
 5.1 ARQUITECTURA DEL SIGLO XX

Pintura contemporánea La arquitectura del siglo XX. Biblioteca Menéndez Pelayo

(Santander) A lo largo del siglo XX Cantabria conoce un fuerte desarrollo de la arquitectura y las artes
plásticas, destacando numerosos artistas regionales que alcanzan fama nacional e internacional.
Cantabria no permanece ajena a la
confrontación que la arquitectura contemporánea
vive entre ideales artísticos y realidad social. La
necesidad de dar respuesta a las preocupaciones
higiénicas, la búsqueda del confort o el crecimiento
demográfico marca la evolución de la arquitectura,
que tratará de presentar soluciones cada vez más
válidas. Por otro lado, la internacionalización de la
cultura arquitectónica, a través de ferias,
publicaciones y exposiciones, hace que Cantabria deje de ser un núcleo secundario en el panorama
nacional, manteniéndose en contacto con las últimas tendencias.
Comenzando el siglo XX algunos arquitectos, como Valentín Casalís (palacio de los Pinares, en
Santander), o Javier González Riancho (casa de Don Adolfo Pardo, en Santander) se adhieren a la
búsqueda de una arquitectura nacional española. A principios del siglo XX Leonardo Rucabado populariza
la arquitectura regionalista montañesa, determinada por la evocación historicista de la arquitectura
montañesa de los siglos XVI, XVII y XVIII. Rucabado realiza en Santanderdestacadas obras, como
la Biblioteca y Museo Menéndez Pelayo, la Casuca y el Solaruco. Esta tendencia es seguida
posteriormente por diferentes arquitectos nacionales y regionales (oficina central de Correos de Santander,
Secundino Zuazo y Eugenio Fernández Quintanilla).
A partir de 1925 comienza a rechazarse la tradición clásica y regionalista, aceptando toda una
amalgama de influencias internacionales derivadas, tanto de una concepción arquitectónica basada en la
razón (racionalismo, constructivismo y neopositivismo), como de corrientes más utópicas (futurismo y
expresionismo). La mejor arquitectura realizada en Cantabria en este período surge de la conjunción de
ambas tendencias, como puede comprobarse en las obras que construyen en Santander José Enrique
Marrero (edificio Siboney), Gonzalo Bringas (Club Marítimo) y Eugenio Fernández Quintanilla (teatro
María Lisarda, actual cine Coliseum).
 Finalizada la Guerra Civil la arquitectura se impregna de un
cierto tradicionalismo, fomentando la preferencia por los materiales,
técnicas y temas nacionales. Ejemplo de esta tendencia lo constituye
el urbanismo grandilocuente (calle Isabel II, Lealtad) y los intentos
de monumentalización (Estaciones Centralizadas, Plaza Porticada)
utilizados en la reconstrucción de Santandertras el incendio de
1941. Sin embargo, algunos arquitectos como Luis Moya, desde la
tradición, buscan soluciones más modernas para sus obras (iglesia
de la Virgen Grande, en Torrelavega). Paulatinamente va
produciéndose una renovación arquitectónica que llega, unas veces
por la influencia del "regionalismo crítico" (Casa Olano, La
Rabia, Comillas), otras de la mano de soluciones organicistas o de
la definición de una nueva espacialidad, con la utilización de nuevos
materiales, como el hormigón o el cristal.
A partir de los años setenta la arquitectura realizada en
Cantabria se integra en el panorama internacional, caracterizado hasta la actualidad por una total
diversidad. Algunas construcciones recientes, como el Palacio de Festivales, en Santander, ponen de
manifiesto la reivindicación de una arquitectura posmoderna. Por otro lado, diversos arquitectos prefieren
recuperar las ideas del Movimiento Moderno (Casa de la Lluvia, en Liérganes, Juan Navarro Baldeweg).

Introducción.En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades
también, sin antecedentes referenciales. Ante todo, se revisa el verdadero significado de la arquitectura y
a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta
nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está
integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello. Desligados del compromiso
del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente
distintos productos de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades.

El racionalismo. El movimiento denominado Racionalismo agrupa las más fuertes personalidades

de este siglo; su obra y su teoría son individuales, pero tienen el denominador común de la simplicidad de
las formas, la forma sigue a la función: • Usa materiales altamente industrializados especialmente el
hormigón armado. Es un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la
construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además, permite la prefabricación en serie. Se alterna
con otros como acero, cristal o ladrillo.
• El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número
de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de
acero y hormigón. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman
el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.
• Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran
preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre
con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los
exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.
• Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo
ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de
Howard o la ciudad industrial de T. Yanier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales,
en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas
de conciertos y estadios deportivos.

El Proto racionalismo de Adolf Loos: La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena.
Estaba totalmente en contra de la ornamentación de la arquitectura. Esta ha de ser según él, utilidad, y sus
formas y volúmenes han de estar en relación con el ser humano.
Peter Brebens es, ante todo un arquitecto de fábricas como la AEG o la de turbinas de Berlin.
Aprovechó las máximas cualidades de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y
simplificación, sin reñir con la estética.
Auguste Perret representa el racionalismo en Francia, y es el autor de la Casa Franklin de París
(1902), en la que se sirve de cemento armado y cristal, igual que Tony Garnier que presentó una ciudad
industrial para 35.000 habitantes a base de los mismos materiales. Su obra se sitúa en utopías socialistas
de Owen y Fourier.

LA BAUHAUS, fundada por W. Gropius en Alemania como centro pedagógico y experimental de

arquitectura y diseño. Aunque entra en decadencia en 1930, ejerce una enorme influencia que crece al
emigrar sus componentes a otros países de Europa y EEUU. Walter Gropius: su primera obra importante
fue la Fábrica Fagus (1911) concebida como una hermosa combinación de hierro y vidrio, pero su gran
obra es el edificio Bauhaus en el que colaboraron tanto profesores como estudiantes. La planta está
formada por tres brazos que se extienden con libertad y multiplica los puntos de vista. Los muros son de
cemento armado y vidrio.
Mies van der Rohe. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de
1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro en el que se
situaron escaleras y ascensores. Entre 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 el pabellón de
Alemania en la Exposición Universal de Barcelona, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta
en el adecuado manejo de los materiales modernos, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro
cortina que sustituye al muro tradicional. Emigrado a EE.UU. construye un gran número de rascacielos
que parecen grandes cajas de cristal, en los que se percibe la devoción del arquitecto por las formas puras.

Le Corbusier: nace en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. Aprende
con Perret el uso del hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es la casa de Domino, en la que
se contempla la posibilidad de su construcción en serie.
Funda junto a su Primo J. Jeanneret y Ozefant un estudio del que salen propuestas urbanísticas:
ciudades para tres millones de habitantes. En 1926 realiza una de sus obras más conocidas, la Villa Savoya,
que consiste en una estructura de hormigón armado encalada de inspiración mediterránea que se
fundamentó en los cinco puntos en los que se resume su arquitectura:
Empleo de pilotis: A modo de pilares para que la estructura quede sustentada y separada del suelo
quedando un espacio transitable.
Fachada libre.
Terraza jardín: factible gracias al uso de hormigón que facilita la construcción de techos planos.
Multiplicación infinita de los vanos: ventanales corridos divididos por varillas metálicas.
La planta libre: al variar la función del muro, las plantas son mucho más diáfanas.
En su tratado de 1935, Le Modulor, recoge todas sus propuestas urbanísticas. Es un teórico, pero no
utópico, ya que la mayoría de sus propuestas se aplican en las obras. Una de sus aplicaciones inmediatas
fue la Unidad de Habitación de Marsella (1946-52), conjunto destinado a familias obreras, habitable y a
bajo precio. Hacia 1950 se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo expresado en su obra
maestra, la iglesia de Notre Dame du Haut en Ronschamps.
EL ORGANICISMO
Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que
tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Esta idea la podemos encontrar en la arquitectura desde
tiempos muy remotos, pero su verdadera formulación la redacta F. Lloyd Wrigt (1869-1959). Se define
por:
El sentido de lo interior como realidad.
La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes.
La unidad entre interior y exterior.
El uso de materiales naturales.
La casa como protección.
Con F. LL. Wrigt el Racionalismo comienza a ser olvidado y se ensayan nuevos caminos para la
arquitectura. De origen norteamericano, viaja a Tokyo, donde se siente fascinado por la arquitectura
japonesa, igual que por los templos mayas del Yucatán, por lo
 que puede decirse que tiene una formación cosmopolita. A esta amplia formación debemos la Casa
de la Cascada en Pensilvania, bella simbiosis entre naturaleza y arquitectura.
Con las formas curvas experimentó en el Museo Guggenheim de New York (1943-58). En este caso
se encargó de que el museo poseyera espacios luminosos con luz controlada, no relejada por las
superficies, por otro lado, un espacio para disfrutar ascendiendo una rampa de un modo continuo y sin
rupturas la exposición de objetos.

5.2 MATERIALES EN LA ARQUITECTURA

Ultra resistentes
Ultraligeros
Auto reparables
Se abre con todos estos materiales de construcción modernos, una nueva ventana que podría
revolucionar la construcción en los próximos años, haciéndola como hemos dicho antes más eficiente,
sostenible y duradera.
Os nombramos a continuación algunos de estos materiales:
Tejas sintéticas: hechas de piedra caliza y de plásticos reciclados. Son más baratas que las normales
y mucho más sostenibles. Se pueden reciclar y tienen una vida de 50 años.
Espuma de titanio: se fabrica de mezclar espuma de poliuretano con una solución de polvo de
titanio, logrando que sea ligero y resistente. Sus aplicaciones en la construcción pueden ser para realizar
cerramientos para fachadas de edificios.
Paneles de fibra: alternativa para los cerramientos y divisiones. Puede ser más resistente que un
tabique tradicional. Como es sintético no hay que preocuparse por roedores e insectos, ya que es inmune
a ellos, y esto hace que tenga una vida más larga. Produce menos residuos que el ladrillo normal.

5.3 VANGUARDISMO

El vanguardismo es un conjunto de movimientos y corrientes

artísticas que se dieron a fines del siglo XIX y principios del siglo XX.
Las diferentes corrientes vanguardistas se diferencian mucho entre sí
en sus medios, objetivos y organización.
Mientras algunas formaban grupos estructurados que incluso
contaban con manifiestos, otros eran grupos que creaban al azar y
mezclaban el arte con la vida. Las diferencias también se dieron en el
grado en que se involucraron con la política, ya que mientras algunos
artistas rechazaban toda forma de participación política, otros estaban
involucrados en partidos. Incluso el naciente fascismo en Europa hizo
uso del futurismo para sus propios fines.
Los puntos en común que tienen las corrientes vanguardistas en
todas las ramas del arte son la búsqueda de lo nuevo, la
experimentación y el rechazo al pasado. A continuación, y a modo de resumen del vanguardismo,
exponemos algunas de sus características generales.
1. Contexto histórico
En los primeros treinta años del siglo XX hay grandes tensiones entre los países de Europa, no sólo
por la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) sino también por el surgimiento de ideologías
socialista que dieron origen a la Unión Soviética (1917). Las épocas de prosperidad económica se
alternaban con largos períodos de recesión. En esta época la población se encontraba con:
 Nuevas formas de percibir la realidad: gracias al nacimiento del cine.
 Nuevas formas de percibir el espacio: gracias a los nuevos y más rápidos medios de
transporte.
 Una realidad constantemente cambiente: La industrialización a gran escala
cambiaba el ámbito cotidiano, y las nuevas tecnologías se aplicaban tanto en la vida diaria como
en los enfrentamientos armados.
 Nuevas formas de entender al ser humano: los descubrimientos de Sigmund Freud
sobre el inconsciente cambiaron no sólo la psiquiatría sino también la ciencia médica en general e
incluso la filosofía.
 Nuevas formas de entender la sociedad y la economía: gracias a las críticas
aportadas por Karl Marx.
2. Innovación
Las vanguardias buscan desafiar los límites impuestos por la tradición. Por un lado, se borran los
límites entre las disciplinas, la pintura se mezcla con escultura, la danza con el teatro, etc. Por otro lado,
se comienzan a tratar temas que se consideraban tabú, ajenos a las artes, como la prostitución y los
personajes marginales.
La experimentación es la regla, con nuevas nociones de belleza y fealdad, así como con la inclusión
de materiales inéditos.
El vanguardismo aborda temas que eran considerados tabú.
3. Mundo interior
En todas las artes se busca expresar el mundo interno
de los personajes o del artista. Esto se logra con múltiples
puntos de vista que evidencian la psicología de cada
personaje y múltiples narradores, incluyendo la introspección
psicológica (monólogo interior).
En pintura hay una visión simultánea de varios puntos
de vista del objeto, que expresa mejor la visión que un sujeto tiene del objeto al rodearlo. Se prioriza
la irracionalidad que expresa las contradicciones del pensamiento del sujeto, ajeno por momentos al
discurso lógico
 Obras y artistas de la vanguardia
“El grito” Eduardo Munch (1893).
A continuación, algunos de los autores o
representantes del vanguardismo en las diferentes
disciplinas:

 Pintura
 Oscar – Claude Monet. “Impresión, sol naciente” (1874) Impresionista.
 Henry Matisse. “La danza” Fauvista.
 Eduardo Munch. “El grito”. Expresionista.
 Paul Cézanne. “Cesto de manzanas” 1895.
 Escultura
 Edgar Degas: “Pequeña bailarina de catorce años” 1881.
 Aguste Rodin. “La edad de bronce” 1877.
 Paul Gauguin. “Tarro en forma de cabeza” 1889.
 Pablo Picasso: “Cabeza de mujer” 1909.
 Literatura europea
 Marcel Proust. “En busca del tiempo perdido”. Compone esta obra a lo largo
de toda su vida y la publica entre 1913 y 1927, en breves entregas.
 Albert Camus. Sus temas son el absurdo y las razones para vivir. “El
extranjero” 1942.
 Samuel Becket. Poeta, novelista y dramaturgo. Se identifica con el género
absurdo. “Malone Muere” 1951.
 Vanguardia pictórica latinoamericana
 Diego Rivera. México. “Festival de las flores.” 1925.
 Roberto Matta. Chile. Surrealista. “Invasión nocturna” 1941.
 Xul Solar. Argentina. “Rua Ruini” 1949.
 Vanguardia literaria latinoamericana
 César Vallejo. Perú. Modernista. “Fabla Salvaje” Calificada como “novela
psicológica”. 1923.
 Vicente Huidobro. Chile. Creacionista. “La gruta del silencio”.
 Jorge Luis Borges. Argentina. Ultraista. “El hombre de la esquina rosada”.
1927.
10. Corrientes vanguardistas
Impresionismo: Buscar el paisaje y la naturaleza. Usar el colór como poder
expresivo.
Expresionismo: Expresión de los sentimientos y sensaciones.
Fauvinismo: Usar el color puro. Se toman temas sin importancia, principalmente de
la naturaleza. Gran contraste entre colores.
 Dadaísmo: Ir en contra de toda lógica. Utilización del azar.
Ultraísmo: En literatura, uso de nexos y adjetivos inútiles. Ir en contra de las reglas.
Surrealismo: Con el objetivo de crear un nuevo individuo, mezcla el sueño, la
realidad y el arte.
Cubismo: Alejarse de la representación literal de la realidad. Presentar múltiples
puntos de vista de un mismo objeto al mismo tiempo. Uso de figuras geométricas.
Futurismo: Fundado por Marinetti. Primer movimiento artístico que se organiza
como tal. Rechazo a todo lo anterior, principalmente a los museos.

5.4 ÚLTIMAS TENDENCIAS.

Los estilos y formas de expresión que constituyen al arte como tal son dinámicos de forma natural,
se conciben, evolucionan y dan paso a nuevos y variantes conceptos a partir de una raíz. El camino que
ha recorrido el arte a través de su historia es muy interesante e intrincado, grupos enteros de personas
dedican su tiempo y esfuerzo a estudiar estos movimientos para explicarnos cómo se va dando este proceso
evolutivo y cómo se puede identificar.
El arte siempre se ha visto canalizado en diferentes rutas, cierto conjunto de obras o autores
comparten algunas características mutuas y dan paso a lo que se conoce como una corriente, la cual busca
la expresión de un sentimiento fundamental con las obras propias que se identifican con su movimiento.

Estas corrientes se extienden desde la primera

pintura rupestre hasta lo que podemos encontrar hoy en
día en museos como el Louvre de París o el MoMa de
Nueva York, y conforme pasa el tiempo estas
ramificaciones del concepto original del arte se van
multiplicando
hasta un punto
en el que más de
dos, tres, o
cuatro corrientes coexisten en el mismo espacio temporal.
El mundo del arte se encuentra en un proceso de cambio
desde que se dejó de tratar de reflejar la realidad y se priorizo la
expresión de ideas y sentimientos propios del artista.
 Tres de las tendencias artísticas más presentes que están dando de qué
hablar en el mundo actual son:
-Minimalismo:

Busca que con la menor cantidad de recursos o apoyo gráfico que se pueda
se transmita una idea simple que el receptor del mensaje capte puesto que es algo
que puede asociar con cualquier cosa que conoce. El arte minimalista se
caracteriza por ser simple y directo con lo que expresa, además de agradable y
constante en el sentido de su tolerancia, puesto que no cansa a quien lo aprecia.

2-Anti dualismo
Probablemente uno de los movimientos artísticos que
funge más como una característica heredada de algunas
percepciones sociales no binarias. Consiste en básicamente
rechazar la idea del blanco y el negro y adoptar una cultura
con valores intermedios de la escala o fuera de esta. Busca
una percepción del mundo sin paradigmas que dicten solo
dos posibilidades, apoyando la posibilidad de que hay más
de donde elegir que solo “A” o “B”.
3-Hipster

Esta corriente es la más actual de todas, nació originalmente en el

mundo de la música, pero se propagó rápidamente a otros campos y
comenzó a tener un alto impacto en el segmento juvenil de la población.
Consiste en una fusión de elementos de movimientos culturales
posteriores a la posguerra como el hippie y el punk, y a su vez reúne
cualidades encontradas en corrientes como el minimalismo, el
surrealismo y retro. Su principal atractivo es la descontextualización de
elementos de la cultura
pop y el uso de paletas de
colores muy variadas y
con amplios espectros.
El arte cada vez se
desplaza más al campo
del diseño gráfico, las exhibiciones de arte contemporáneo
son lugares donde lo clásico se une con lo innovador, e
incluso algunos movimientos buscan la fusión de estos dos
mundos, y quienes muestran sus trabajos en exhibiciones
para museos son diseñadores.
 Visita el museo Louvre de París, o el MoMa de Nueva York si buscas una experiencia fresca y
vanguardista, conoce el museo nacional de Bangkok si lo oriental te vá mejor, o para algo más tradicional
puedes probar con el museo San Ildefonso aquí en México. Sé líder global con AIESEC.

5.5 LA GLOBALIZACIÓN DEL ARTE

La globalización es inevitable, ocurre incluso en el
arte, en aquello que se define como “una expresión del
espíritu humano mismo, una ostensión que llega a rebasar
ideologías, colores, creencias, pero sobre todo que relata un
suceso muy personal de un artista por distintos medios
(pintura, escultura, literatura, música, arquitectura, etc.) que
puede interpretarse de mil maneras ante los ojos del
espectador, pero que manda un mensaje sencillo y claro al
ente más recóndito de nuestro ser”.
La gran mayoría de países desarrollados gozan de las condiciones necesarias para explotar las
capacidades creativas de sus habitantes; otros, como los subdesarrollados. sólo ven florecer a algunos
magnates de la creación, pues es una realidad que en un país donde la prioridad es la supervivencia, el arte
pasa a segundo término.

La globalización en el arte es inminente, aparece como correspondencia ante la raíz de ambos

conceptos, uno como manifestación universal (arte) y el otro como fenómeno global. Ésta se puede definir
como un acontecimiento donde la masificación de la información ha permitido la creación de nuevas
técnicas, la exploración de métodos poco conocidos y la propensión a afectar al arte local, que puede verse
influenciado por tendencias del exterior o puede arraigarse de manera ortodoxa. Un país que ha alcanzado
el desarrollo poniendo amplia atención en el progreso del arte y la cultura es Corea del Sur. Aquel Estado
asiático, que hoy en día ya tiene una economía madura y es la decimocuarta economía del mundo, conoce
perfectamente el fenómeno de la globalización del arte.

5.6 ARTES DECORATIVAS

Se denomina artes decorativas a todas aquellas actividades
relacionadas con el arte o la artesanía destinadas a producir objetos
con una finalidad a la vez utilitaria y ornamental.
Este tipo de técnicas entra dentro del concepto
de arte del latín ars, artis, y este del griego una manifestación
creativa del ser humano entendida generalmente como cualquier
actividad o producto realizado con una finalidad estética y
comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en
general, una visión del mundo, a través de diversos recursos y
materiales. El arte es un componente de la cultura, que refleja en su concepción los
sustratos económicos y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura
humana a lo largo del espacio y el tiempo.
Mosaico y taracea: el mosaico es la técnica de confeccionar imágenes mediante el embutido de
piedras duras, bien en el suelo o bien en la pared. Cuando está colocado a modo de pavimento recibe el
término griego de lithóstroton: el revestimiento es aplicado sobre cal, arena u otros materiales como
piedras, guijarros, losas de mármol, etc. Existen varios tipos: opus lapilli, pequeños guijarros de colores
naturales, que por sí mismos componen el dibujo; opus tessellatum, formado por teselas, piezas de forma
cuadrada de dos centímetros, con las que se elabora la composición, generalmente de tipo
geométrico; opus vermiculatum, igualmente elaborado con teselas, pero de diferentes contornos, pudiendo
formar así diversos trazados; opus sectile, formado por losas de mármol de forma irregular. El mosaico
propiamente dicho, también llamado opus musivum, es la misma técnica, pero aplicada a la decoración
mural: se realiza con teselas de pasta vítrea, aplicadas sobre la
pared preparada con varias capas de mortero, elaborando
figuras y dibujos. La taracea es una técnica similar a las
anteriores, puede ser pavimental o parietal, o incluso se puede
aplicar a muebles u otros objetos. Consiste en incrustar sobre
una superficie compacta finas losas de piedra y mármol de
color, cortado y encajado formando imágenes o composiciones
diversas. También puede realizarse en madera (intarsia), siendo
una técnica frecuente en ebanistería. En Carpi, en el siglo xvii,
surgió también una taracea en escayola. Otra variante es el
embutido de piedras duras.

5.7 LITERATURA CONTEMPORÁNEA

La literatura contemporánea engloba la

producción literaria “occidental” (producida
en Europa y América) durante la Edad
Contemporánea, es decir, a partir de la época de las
revoluciones (tanto la americana como la francesa).
Es un concepto difícil de aplicar a la literatura dado
la intrínseca imbricación de la mayoría de las obras
con sus antecesoras históricas, pero en este caso es
un concepto definido más por valores de
originalidad y ruptura estética que por cuestiones
puramente cronológicas. Al igual que el arte
moderno, la literatura contemporánea -también
llamada moderna- se conoce así no únicamente por haber sido escrita sobre todo a partir del siglo XIX,
sino por romper drásticamente con lo anterior.
Esta literatura contemporánea ha vivido varios movimientos o estilos literarios bien definidos:
El primero fue el romanticismo, un movimiento no sólo literario sino también cultural y político. El
rechazo de la razón, la libertad como causa suprema, y el sentimiento por encima de todo crearon obras
basadas en el predominio del “yo”, la evasión y la libertad formal. Goethe, Walter Scott, Lord Byron, José
Zorilla, Espronceda o Mary Shelley son algunos de los autores más representativos de esta escuela.
Tan representativa fue la anterior que la siguiente etapa del movimiento literario se conoció
como postromanticismo, aunque básicamente es un concepto artificial que designa al parnasianismo, el
simbolismo y el decadentismo, tres “evoluciones” diferentes del anterior tronco romántico.
El siguiente movimiento unificado llegó a mediados del siglo XIX y se conoce como realismo o
naturalismo. Fue a su modo una reacción a los excesos románticos; conservó el costumbrismo anterior,
pero se libró del sentimentalismo, la fantasía y la anarquía formal. Nació con él la novela social, reflejo
literario de la nueva sociedad de clases, y la novela psicológica, preocupada de los temperamentos y las
motivaciones. Dickens, Pérez Galdós, Dostoievski, Émile Zola y Flaubert son algunos de los autores más
representativos del movimiento.

Tras ellos llega la experimentación propia del Modernismo, que, aunque en España se ciñe a una
serie de autores concretos internacionalmente se conoce como el inicio de las vanguardias. El elitismo
frente a la cultura de masas, la de construcción y la experimentación encontraron en Hemingway, Proust,
Joyce, o Virginia Woolf algunos de sus mejores exponentes.
Tras la Primera Guerra Mundial la literatura entró de lleno en las vanguardias. Primero
con el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, luego con una serie casi incontable de estilos
personales y pura experimentación literaria. Jorge Guillén, Salinas, García Lorca, Luís Cernuda o Dámaso
Alonso en España; Neruda, Huidobro y Mistral en Latinoamérica, Beauvoir o Camus en la escena
internacional so
n algunos de los más claros exponentes de este estilo.
Características
 El narrador ya no es omnisciente
 El lector tiene que adoptar una postura activa
frente a lo que le es contado, ya que lo narrado no
aparece como algo perfectamente explicado.
 Se rompe con las unidades de tiempo y
realidad, el desarrollo de la obra es ahora sin principio
ni fin, los personajes aparecen y desaparecen, en
ocasiones las historias ocurren en un día; sin que
interese lo que pasa antes o después.
 La historia que se narra es una justificación
para que el autor exponga sus propios criterios sobre
el argumento o las situaciones que en ella se plantea.
  Aparece la figura del protagonismo colectivo, donde apenas se caracteriza a los personajes,
pues sobre el individualismo interesan más el sentimiento y las relaciones sociales.

Contexto literatura contemporánea.

Hechos históricos:
1. Finalización de las monarquías absolutistas.
Época de las grandes revoluciones: La Revolución Francesa
(Revolución Burguesa y Liberal)
2. La Guerra de la Independencia de EE.UU.
3. Coincide con dos grandes guerras en España:
4. La Guerra de la Sucesión (1700-1713), por la
sucesión al trono de Carlos II, en la que hay dos aspirantes
al trono: Felipe de Anjou (que pertenece a la casa de los
Borbones) y el Archiduque Carlos (de la casa de los
Austrias)
5. Coincide con la aparición de un movimiento denominado Ilustración, que es la
continuación del Renacimiento.
6. 9 noviembre 1989 – Caída del Muro de Berlín.
7. 1939 ofensiva nacional española en Cataluña. – Caída de Barcelona. – Los alemanes
invaden Checoslovaquia, Hitler entra en Praga. – Termina la Guerra Civil Española
8. 1914 estalla la Primera Guerra Mundial
Hechos culturales
En el aspecto literario, era precisa una profunda renovación que
superase al romanticismo, al realismo, el neoclasicismo. La lucha
contra las tradiciones, procurando la novedad y la libertad.
Hechos Artísticos:
En pintura: Se expresa la agresividad y la violencia violentando
las formas y utilizando colores estridentes. Surgen diseños
geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un
objeto.
En la literatura, y concretamente en la poesía el texto va a ser
realizado a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes.
Rómpase tanto con la estrofa, la puntuación, la métrica de los versos
como con la sintaxis alterando por completo con la estructura
tradicional de las composiciones
 Fotografía: La fotografía abre una de las expresiones artísticas que mejor define las luces y sombras
del siglo XX.
Cine: vivió su auge con la creación de los estudios de Hollywood.
Comics: nació de la mezcla de las tiras cómicas para periódicos con las revistas novelizadas, aunque
en algunos lugares se les llamó “chistes

Hechos sociales:
La cuestión social, es decir, la conciencia de la grave situación de las clases bajas, y su percepción como
amenaza por parte de las clases medias y altas, se había convertido en un tópico. Los escasos medios
paliativos de la caridad tradicional, del paternalismo de muchos empresarios y de las llamadas a la justicia
social por parte de instituciones religiosas o de otro tipo de

asociaciones humanitarias, no parecían suficientes dada la magnitud de las masas degradadas a la

condición de lumpen. Incluso desde las posiciones políticas burguesas (conservadoras, reformistas o
liberales) se planteaba la necesidad de leyes (el derecho laboral) que protegieran a los trabajadores de las
consecuencias más graves del pauperismo y la degradación social, a pesar de que tal cosa fuera
incompatible con el concepto de estado mínimo liberal o con el respeto a la literalidad de las propuestas
de la economía clásica. Desde fechas tan tempranas como 1830, aunque de forma esporádica e inorgánica,
se fueron prohibiendo o limitando el trabajo infantil y el trabajo femenino; y mucho más adelante se fueron
estableciendo diferentes tipos de controles sanitarios o de seguridad laboral e inspección de trabajo.
Hechos políticos:
La política en este tiempo es muy complicada. Hasta el año 1868 la política responde a un signo
liberal moderado. En dicho año se produce una Revolución, la Gloriosa, tras la cual Isabel queda
destronada y en la que vence la burguesía progresista. Posteriormente se proclama en 1869 una
Constitución que proclama amplias libertades como la libertad de expresión, la libertad de prensa, la
libertad de culto. Pese a todo no acertó a encontrar una fórmula estable de gobierno ya que se produjo una
fuerte reacción del sector tradicionalista. Esto dio lugar a la tercera guerra carlista. En el año 1875 la
Restauración de la monarquía cierra esta época. En el gobierno se alternan los partidos dinásticos: los
conservadores y los progresistas.
REPRESENTANTES DE LA LITERATURA CONTEMPORANEA.
 José Saramago.
 Marcel Proust.
 Arthur Miller.
 James Joyce.

5.8 TEATRO CONTEMPORÁNEO.

 Desde el Renacimiento, el teatro intentó mostrar un
realismo total, pero a fines del siglo XIX, hubo una reacción
contraria. Los movimientos vanguardistas experimentaron
con alternativas a la producción realista, ya que pensaban
que representaba una visión superficial y limitada de la
realidad, entonces buscaron en lo espiritual, y en el
inconsciente. Otras vertientes pensaban que el teatro había
perdido contacto con sus orígenes y que carecía de sentido en la sociedad moderna.
Historia
Durante la segunda mitad del siglo XX. La característica primordial del teatro contemporáneo
es el eclecticismo (mezcla de tendencias). Este teatro está influido por una serie de tendencias que se
manifiestan durante la primera mitad del siglo XX. El rasgo común de estas tendencias es el rechazo
al realismo, por lo tanto, utilizará diversas técnicas para romper con la realidad. El teatro
contemporáneo no pretende lograr la identificación del público.
Movimientos teatrales en el teatro contemporáneo
Uno de los principales impulsores del antirrealismo fue el compositor alemán Richter Wagner,
ya que pensaba que el trabajo del dramaturgo consistía en crear mitos, con lo que presentaba un mundo
ideal, para compartir con el público, como se hacía en la antigüedad. Se representaba entonces el
interior de los personajes, priorizados sobre los aspectos realistas. También se le atribuye haber
modificado la arquitectura teatral y la presentación dramática con su teatro en Bayreuth Alemania,
donde sustituyó los palcos y plateas por gradas en abanico.
Simbolismo.
El sistema de símbolos que permite representar un concepto, una creencia o un seceso se conoce
simbolismo. Este sistema funciona a base de la asociación de ideas que promueven los simbolismos y
de las redes de estos que van surgiendo.
Expresionismo
fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación
en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. El
expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más
subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a
la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a
cualquier época y espacio geográfico.
Existencialismo.
El existencialismo es una corriente filosófica que persigue el conocimiento de la realidad a través
de la experiencia inmediata de la propia existencia. No existe, sin embargo, una teoría precisa o exacta
que defina qué quiere decir.
 5.9 MÚSICA CONTEMPORÁNEA
El concepto de música contemporánea se
aplica a la música académica o docta creada
después de 1945. Sus inicios se remontan a tres
décadas antes cuando autores como Edgard
Varese, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg,
Anton Webern y Alban Berg plantearon cambios
radicales sobre la armonía, la melodía y el ritmo.
Es la época del expresionismo musical, la
atonalidad, la dodecafonía y el neoclasicismo. A
fines de la década de 1940, una nueva generación
continúa con esos quiebres, dando origen a los
cambios más rápidos y progresivos que conozca la historia de la música occidental. Se cuestionan
entonces la naturaleza de la música, la notación, los actos de composición e interpretación y el lugar
de la música en la sociedad. En los países europeos se prefiere el término “nueva música” y bajo su
alero surgen corrientes como el serialismo integral, la música aleatoria, la música concreta, la música
electroacústica y el minimalismo, las que son asimiladas de distinta manera en Chile por una
generación de compositores a partir de la década de 1950.

5.10 LA DANZA CONTEMPORÁNEA.

La danza contemporánea surge como una reacción

a las formas clásicas y probablemente como una
necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es
una clase de danza en la que se busca expresar, a través
del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, al
igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos
corporales propios del siglo XX y XXI.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX.
En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta
técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos
menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en
las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otras
técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final
de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su
evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces
emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un
torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué
patrones se siguen. Se dice que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".

5.11 HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA SIGLO XX.

HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
Inicialmente la fotografía y las cámaras no eran como es hoy día. La evolución ha sido

impresionante, y en los siguientes meses podrás aprender un poco sobre ello

SIGLO XX
A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y
negro abrieron camino a todos aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados
procedimientos del siglo anterior.
En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de
película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los
franceses Auguste y Louis Lumière.

En esta época las fotografías en color se tomaban con

cámaras de tres exposiciones.
En la década siguiente, el perfeccionamiento de los
sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una
gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y
revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la
fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos
fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación
profesional para un gran número de personas.

Camara Mamut
Cámara Leica
La cámara de 35 mm, que requería película pequeña
y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se
introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño
tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los
fotógrafos profesionales y los aficionados.
La Camara Leica fue construida a partir de 1913 por
el mecánico de precisión de la firma Leitz, Oskar Barnack.
Su comercialización a partir de 1925 planteó nuevos estándares en lo que a la fotografía de aficionados
se refiere.
 Gracias a las mejoras introducidas en el campo de los materiales fotográficos fue posible
construir una cámara de precisión con un formato de imagen de 24×36 mm, pudiendo obtener hasta
36 imágenes en un solo carrete.
Los 30’s
Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz
artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz
brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de
magnesio como fuente de luz.

La Pelicula Kodak
Hasta su aparición solo se fotografiaba sobre placas. Esto requería cambiar
de material después de captar cada imagen. Puesto que había que realizarlo en
plena oscuridad, el fotógrafo tenía que llevar consigo un gran saco que no
permitiese pasar la luz.
La Fotografia en Color
Las primeras tentativas se debieron a Edmond Becquerel en 1848. En 1851,
Niepce de S. Victor (sobrino del inventor de la fotografía) consiguió una placa de
plata recubierta de cloruro de plata que reproducía directamente los colores, pero
de forma inestable.
Como vimos anteriormente, en 1869, Luis Ducos de Hauron consiguió la primera fotografía en
color, aplicando el principio demostrado por Maxwell de la descomposición de la luz en tres colores
fundamentales. Realizó tres fotos de un mismo sujeto, a trav é s de un filtro cada vez, obteniendo tres
positivos y superponiendo exactamente las tres imágenes, obtuvo la restitución de los colores.
El físico Gabriel Lipman recibió en 1906 el Premio Nobel por haber descubierto en 1891 el
medio de obtener fotos directamente en colores sobre una sola placa. Por ser demasiado complejo este
invento permaneció en el laboratorio no pudiéndose obtener un resultado comercial.
Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las
que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color.

Los 40’s
La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.
Con las películas Kodak solo había que hacer correr el carrete, después el aparato estaba
dispuesto para una nueva toma. La película estaba constituida por un rollo de papel dotado de una
emulsión fotosensible. Sobre dicha capa se obtienen los negativos. A fin de positivarlos sobre el papel,
la capa fotosensible debía separarse con cuidado. Al ser algo complicado este proceso las cámaras se
enviaban al laboratorio Kodak para su procesado. El cliente recibía además de 100 fotos circulares la
cámara cargada con un nuevo carrete.
 Kodak first produced Kodachrome film in
1935.
Muchas innovaciones fotográficas, que
aparecieron para su empleo en el campo militar
durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a
disposición del público en general al final de la
guerra.
Entre éstas figuran nuevos productos
químicos para el revelado y fijado de la película.
El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó,
en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes.
Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para
las cámaras de aquella época.
En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico
estadounidense Edwin Herbert Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir
fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.
En el interior de las cámaras el material fotográfico, compuesto por 3 capas de halogenuro de
plata, cada una sensible a un color primario, contiene las sustancias necesarias para la reproducción
de dichos colores. Dichas sustancias se liberan tras la exposición, iniciando de forma automática el
revelado. Pocos minutos después las capas se separan entre sí liberando la imagen fotográfica
registrada.

Primera Camara Instantánea de la historia (Polaroid Land

Camera) (Par, 1947).
Los 50’s
En el decenio siguiente los nuevos procedimientos
industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y
la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y
negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo
de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las
de color se multiplicó por diez.
Esta década quedó también marcada por la introducción de
dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que
intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la
tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en
los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente
el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.
Los 60’s
 En la década de 1960 se introdujo la película Itek RS, que permitía utilizar productos químicos
más baratos, como el zinc, el sulfuro de cadmio y el óxido de titanio, en lugar de los caros compuestos
de plata. La nueva técnica llamada fotopolimerización hizo posible la producción de copias por
contacto sobre papel normal no sensibilizado.
Los 70’s
En la década de los 70 se produce un cambio definitivo en las relaciones entre arte y fotografía.
Los planteamientos estéticos de las vanguardias, preocupados por cuestiones formales, dan paso a una
actitud artística más abierta y menos dogmática.
Durante esta década se produce una mayor interrelación entre arte y vida y con ello una
preocupación por reivindicar lo cotidiano, la poética de lo personal, el paisaje de lo íntimo y los
planteamientos documentales no convencionales. En este contexto artístico e histórico la fotografía se
convierte en una herramienta idónea.
Durante la década de los 70 un aire nuevo agitó el mundo del arte y sus efectos se hicieron notar
en el medio fotográfico cambiando muchas de las reglas que lo mantenían encorsetado. Una vez
abandonadas las vanguardias y su exaltación de la estética por la estética, para muchos artistas de
aquel momento era prioritario encontrar una forma de enfocar su entorno de forma más realista, pero
no por ello menos imaginativa y compleja.
Esa nueva mirada proporcionó a las imágenes fotográficas el protagonismo que hasta entonces
no habían conseguido dentro de las grandes disciplinas artísticas. Al volver a centrarse el interés en la
vida y el día a día la fotografía se reveló como la disciplina que mejor se adaptaba al nuevo espíritu,
la herramienta ideal para captar lo cotidiano y, al mismo tiempo, buscando nuevas vías de
experimentación a la hora de documentar hechos y sensaciones.
En la década de los 70 la electrónica irrumpe en la fotografía de pequeño formato,
incorporándose un gran número de funciones electrónicas. El elemento innovador más destacado es el
fotómetro automático que regula el diafragma o el tiempo de exposición.
Poco después el microprocesador pasa a formar parte de las cámaras más innovadoras,
controlando el arrastre, el ajuste de sensibilidad o el flash electrónico.
La Cámara Digital
La primera cámara digital registrada fue desarrollada por la empresa Kodak, que encargó la
construcción de un prototipo al ingeniero Steven J. Sasson en 1975. Esta cámara usaba los entonces
nuevos sensores CCD desarrollados por Fairchild Semiconductor en 1973.
 El primer cámara digital pesaba 7 libras (más de
3 kg.), con una resolución de 0.01 megapixeles, y
hacia fotos en blanco y negro.
Utilizó los novedosos chips de estado sólido del
CCD. La cámara fotográfica registraba las imágenes
en una cinta de cassette y tardó 23 segundos en
capturar su primera imagen, en diciembre de 1975.
Este prototipo de cámara fotográfica era un ejercicio
técnico, no previsto para la producción.
Los 80’s
Las cámaras fotográficas electrónicas de mano,
en el sentido de un dispositivo hecho para ser llevado
y utilizado como una cámara fotográfica de mano de
película, aparecieron en 1981 con la demostración de Sony Macica (cámara de vídeo magnética). Este
modelo no debe ser confundido con las cámaras fotográficas más modernas de Sony que también usan
el nombre de Macica. Esta era una cámara fotográfica analógica basada en la tecnología de televisión
que grababa en un “diskette de vídeo” de una pulgada x 2. Escencialmente era una cámara de vídeo
que registraba imágenes fijas, 50 por disco en modo de campo y 25 por disco en modo del marco. La
calidad de la imagen era considerada igual a la de televisiones de la época.
Las cámaras fotográficas electrónicas analógicas no parecen haber alcanzado el mercado hasta
1986 con la Canon RC-701. Canon mostró este modelo en las Olimpiadas de 1984, imprimiendo las
imágenes en periódicos. Varios factores retrasaron la adopción extensa de cámaras fotográficas
análogas: el coste (arriba de $20.000), calidad pobre de la imagen en comparación a la película, la
carencia de las impresoras de calidad. La captura e impresión de una imagen requirió originalmente el
acceso a equipo como un framegrabber, que estaba más allá del alcance del consumidor medio. Los
discos de vídeo tuvieron después varios dispositivos lectores disponibles para ver en una pantalla, pero
nunca fueron estandardizados al impulso de las computadoras.
Los primeros en adoptarlas tendieron a ser del medio noticiario, donde el coste fue superado por
la utilidad y la capacidad de transmitir imágenes por líneas telefónicas. La calidad pobre fue
compensada por la resolución baja de los gráficos de periódico.
La primera cámara fotográfica analógica para venta a los consumidores fue la Canon RC-250
Xapshot en 1988. Una cámara fotográfica analógica notable producida en el mismo año era el Nikon
QV-1000C, que vendió aproximadamente 100 unidades y registraba imágenes en escalas de grises, y
la calidad de impresión en periódico era igual a las cámaras fotográficas de película. En aspecto se
asemejaba a una cámara fotográfica digital moderna réflex.
La transición a formatos digitales fue ayudada por la formación de los primeros estándares JPEG
y MPEG en 1988, que permitieron que los archivos de imagen y vídeo se comprimieran para su
almacenamiento.

Los 90’s
 La primera cámara fotográfica digital disponible en
el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también
fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaba
un sensor CCD, grababa digitalmente las imágenes, y
disponía de un cable de conexión para descarga directa
en la computadora.
En 1991, Kodak lanzó al mercado su modelo DCS-
100, el primero de una larga línea de cámaras
fotográficas profesionales SLR de Kodak que fueron
basadas, en parte, en cámaras para película, a menudo de marca Nikon. Utilizaba un sensor de 1,3
megapixeles y se vendía en unos $13.000.
La primera cámara fotográfica dirigida a consumidores con una pantalla de cristal líquido en la
parte posterior fue la Casio QV-10 en 1995, y la primera cámara fotográfica en utilizar tarjetas de
memoria CompactFlash fue la Kodak DC-25 en 1996.
El mercado para las cámaras fotográficas digitales dirigidas al consumidor estaba formado
originalmente por cámaras fotográficas de baja resolución.
En 1997 se ofrecieron las primeras cámaras fotográficas para consumidores de 1 megapixel. La
primera cámara fotográfica que ofreció la capacidad de registrar clips de vídeo fue la Ricoh RDC-1
en 1995.
En 1999 con la introducción del Nikon D1, una cámara fotográfica de 2.74 megapixeles, que fue
una de las primeras SLR digitales, la compañía se convirtió en un fabricante importante, y, con un
costo inicial de menos de $6.000, era accesible tanto para fotógrafos profesionales como para
consumidores de alto perfil. Esta cámara fotográfica también utilizaba lentes Nikon F, lo que
significaba que los fotógrafos podrían utilizar muchas de las mismas lentes que ya tenían para sus
cámaras de película.
Fue asi como poco a poco, la fotografía digital se hace accesible al público. Se va mejorando la
tecnológía y coexiste con la fotografía tradicional.
 5.12 HISTORIETA.
Una historieta es una serie de dibujos que
constituyen un relato, con o sin texto, así como
al medio de comunicación en su conjunto.
Partiendo de la concepción de Will
Eisner de esta narrativa gráfica como un arte
secuencial, Scott McCloud llega a la siguiente
definición: Ilustraciones yuxtapuestas y otras
imágenes en secuencia deliberada con el
propósito de transmitir información u obtener
una respuesta estética del lector. Sin embargo, no todos los teóricos están de acuerdo con esta
definición, la más popular en la actualidad, dado que permite la inclusión de la fotonovela y, en
cambio, ignora el denominado humor gráfico.
El interés por la historieta puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al
sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado incluso
un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que en la
década de 1960 se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que Morris y luego Francis Lacas
sin han propuesto considerarlo como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas
disciplinas a las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía, de 1825)
y séptimo (cine, de 1886). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más la hayan
influido, pero no hay que olvidar tampoco que su particular estético ha salido de las viñetas para
alcanzar a la publicidad, el diseño, la moda y, no digamos, el cine.
Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, web cómics y
similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro
(álbum, novela gráfica o tankōbon). Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud
de géneros. Al profesional o aficionado que las guioniza, dibuja, rotula o colorea se le conoce
como historietista.

5.13 ARTE EFÍMERO.

Se denomina arte efímero a toda aquella
expresión artística concebida bajo un concepto de
fugacidad en el tiempo, de no permanencia
como objeto artístico material y conservable. Por su
carácter perecedero y transitorio, el arte efímero no
deja una obra perdurable, o si la deja como sería el
caso de la moda ya no es representativa del momento
en que fue creada. En estas expresiones es decisivo el
criterio del gusto social, que es el que marca las
tendencias, para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación, así como de
la crítica de arte.

Independientemente de que cualquier expresión artística pueda ser o no perdurable en el tiempo,

y que muchas obras concebidas bajo criterios de durabilidad puedan desaparecer en un breve lapso de
tiempo por cualquier circunstancia indeterminada, el arte efímero tiene en su génesis un componente
de transitoriedad, de objeto o expresión fugaz en el tiempo. Es un arte pasajero, momentáneo,
concebido para su consunción instantánea. Partiendo de este presupuesto, se denominan artes efímeras
a aquellas cuya naturaleza es la de no perdurar en el tiempo, o bien aquellas que cambian y fluctúan
constantemente. Dentro de ese género pueden considerarse artes efímeras a expresiones como la moda,
la peluquería, la perfumería, la gastronomía y la pirotecnia, así como diversas manifestaciones de arte
corporal como el tatuaje y el piercing. También entrarían dentro del concepto de arte efímero las
diversas modalidades englobadas en el llamado arte de acción, como el happening, la performance,
el environment y la instalación, o bien del denominado arte conceptual, como el body art y el land art,
así como otras expresiones de cultura popular, como el grafiti. Por último, dentro de
la arquitectura también hay una tipología de construcciones que se suelen expresar como arquitectura
efímera, ya que son concebidas como edificaciones transitorias que cumplen una función restringida
a un plazo de tiempo.

Fundamentos del arte efímero

El carácter efímero de ciertas expresiones artísticas es ante todo un concepto subjetivo sujeto a
la propia definición del arte, término controvertido y abierto a múltiples significados, que han ido
oscilando y evolucionando con el tiempo y el espacio geográfico, ya que no en todas las épocas y todos
los lugares se ha entendido lo mismo con el vocablo arte. Aunque diversas manifestaciones que puedan
ser consideradas como arte efímero han existido desde los inicios de la expresividad artística del ser
humano incluso podría considerarse como algo inherente a una cierta concepción del arte, ha sido en
el siglo XX cuando estas formas de expresión han adquirido un gran auge. La estética contemporánea
ha presentado una gran diversidad de tendencias, en paralelo con la atomización de estilos producida
en el arte del siglo XX. Tanto la estética como el arte actual reflejan ideas culturales y filosóficas que
se fueron gestando en el cambio de siglo XIX-XX.
El arte contemporáneo está íntimamente ligado a la sociedad, a la evolución de los conceptos
sociales, como el mecanicismo y la desvalorización del tiempo y la belleza. Es un arte que destaca por
su instantaneidad, necesita poco tiempo de percepción. El arte actual tiene oscilaciones continuas del
gusto, cambia simultáneamente. La percepción de lo efímero no se aprecia por igual en el arte
occidental que en otros ámbitos y otras culturas, de igual manera que no en todas las civilizaciones
existe un mismo concepto sobre el arte efímero.
 6.1 HISTORIA DEL DIBUJO

Los dibujos más antiguos se encuentran en cavernas como Altamira, donde el homo erectas grabó
en las piedras representando escenas de caza. El dibujo representa ideas y emociones que podemos
expresar también con la palabra. La primera manifestación conocida de dibujo no espontáneo de
naturaleza propiamente técnico, data del año 2450 aC, en un dibujo que aparece esculpido en la estatua
del rey sumerio Judea, llamada El arquitecto, -museo del Louvre en París. En dicha escultura, se
representan los planos de un edificio.

Del año 1650 a C data el papiro de Ahmed, escriba egipcio que redactó en un papiro de 33x548
cm., una exposición de contenido geométrico dividida en cinco partes que abarcan: aritmética,
estereotomía, geometría y cálculo de pirámides. En este papiro se llega a dar valor aproximado al número
ð.

En el año 600 a C, aparece Tales, filósofo griego nacido en Mileto. Fue el fundador de la filosofía griega,
y está considerado como uno de los Siete Sabios de Grecia. Tenía conocimientos en todas las ciencias, y
llegó a ser famoso por sus conocimientos de astronomía, después de predecir el eclipse de sol que ocurrió
el 28 de mayo del 585 aC. Se dice de él que introdujo la geometría en Grecia, ciencia que aprendió en
Egipto. Sus conocimientos, le sirvieron para descubrir importantes propiedades geométricas. Tales no
dejaron escritos; el conocimiento que se tiene de él, procede de lo que se cuenta en la metafísica de
Aristóteles.

Del mismo siglo que Tales, es Pitágoras, filósofo griego, cuyas doctrinas influyeron en Platón.
Nacido en la isla de Samos, Pitágoras fue instruido en las enseñanzas de los primeros filósofos jonios,
Tales de Mileto, Anaximandro y Anaxímedes. Fundó un movimiento con propósitos religiosos, políticos
y filosóficos, conocido como pitagorismo. A dicha escuela se le atribuye el estudio y trazado de los tres
primeros poliedros regulares: tetraedro, hexaedro y octaedro. Pero quizás su contribución más conocida
en el campo de la geometría es el teorema de la hipotenusa, conocido como teorema de Pitágoras, que
establece que "en un triángulo rectángulo, el cuadrado de la hipotenusa, es igual a la suma de los cuadrados
de los catetos".

Del año 300 aC, del matemático griego Euclides procede la principal obra sobre Dibujo y
Matemáticas "Elementos", que es un extenso tratado de matemáticas en XIII volúmenes sobre: geometría
plana, magnitudes inconmensurables y geometría del espacio. La influencia de esta obra se extiende hasta
el siglo XIX cuando aparecen la primera geometría no-euclidianas que expanden las fronteras en
contenidos y en formas y dibujos.

La primera prueba escrita de la aplicación del dibujo tuvo lugar en el año 30 aC, cuando el
arquitecto romano Vitrubio escribió en su tratado sobre arquitectura que “El arquitecto debe ser diestro
con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los
dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir”. Es durante el
Renacimiento, cuando las representaciones técnicas, adquieren una
verdadera madurez, son el caso de los trabajos del arquitecto
Brunelleschi, los dibujos de Leonardo da Vinci, y tantos otros. Pero
no es, hasta bien entrado el siglo XVIII, cuando se produce un
significativo avance en las representaciones técnicas.

6.2 CONCEPTOS BASICO DEL DIBUJO

El dibujo es el inicio de toda obra de arte, es la base estructural de cualquier proyecto artístico. El
primer paso para crear una pintura consiste en esbozar, es decir, crear el dibujo preparatorio para que sirva
de guía para la consecución de la obra de arte. Por esta razón, es esencial aprender a dibujar bien. En este
artículo, voy a explicar varios puntos importantes para iniciarse en el dibujo

Materiales Básicos en el dibujo

La elección del material en el dibujo es de gran importancia, pues de ello dependen los efectos
gráficos que se derivan, que pueden ir desde el dibujo realizado con suaves líneas intensas, gestuales e
impulsivas. Por lo tanto, el primer paso para aprender a dibujar es familiarizarse con los materiales básicos
del dibujo. A partir de distintas pruebas se descubrirá que cada medio de dibujo ofrece unas características
particulares.
 El dibujo con lápiz de grafito

El lápiz es el instrumento más extendido para realizar el dibujo. Está compuesto por una mina que
mezcla grafito natural con arcilla insertada en un palo de madera. El lápiz se caracteriza por su fácil
manejo, ya que es un medio poco quebradizo y muy limpio. La línea puede verse alterada variando la
presión ejercida con la punta y la inclinación del lápiz. Con una suave presión y una punta redondeada, la
línea resultante se muestra débil, mientras que con mayor presión y con la punta afilada el trazo es intenso.
Si lo que se quiere es dar sombras, se debe inclinar el lápiz unos 45 grados.

Los lápices de grafito se clasifican según su dureza; los lápices blandos tienen una mina más gruesa
y grasa, y su trazo en el dibujo es muy intenso, pero tiene el inconveniente de que la punta se gasta con
mayor facilidad. Estos lápieces están marcados con la letra B acompañados por un número que define el
grado de dureza. Por otra parte, los lápices duros son de un gris más pálido, y, debido a su mayor
consistencia, mantienen durante más tiempo su punta afilada y el trazo resultante más apagado. En este
caso los lápices llevan una H y son ideales para dibujos de gran precisión o en aquellos en los que se desea
obtener un resultado muy limpio.

El dibujo a carbón y sus derivados

El carboncillo es un trozo de rama carbonizada que tiene un alto poder de pigmentación. Su trazo
es negro, aunque poco consistente, ya que es fácil borrarlo, pero es esta peculiaridad lo que lo hace el
favorito para los que están empezando y para los artistas a la hora de comezar una obra de arte en un
lienzo. El carboncillo facilita el manchado rápido y las correcciones oportunas (esta técnica es la que se
pide en las pruebas de acceso de BBAA).

El carboncillo es muy útil para combinar el trabajo lineal con efectos de sombreado que se consigue
fundiendo y difuminando los trazos con la yema de los dedos. La facilidad con la que se desprende el
pigmento adherido en la superficie del papel permite obtener ricos matices y gradaciones de calidad
llegando a parecer pictórica.
 Las barras de carbón se fabrican en bastones de un diámetro de entre 1,5 a 5 centímetros. Su
longitud oscila entre los 11 y los 15 centímetros. También pueden adquirirse el lápiz y la barra de carbón
compuesto o prensado. Esta última se trata de una mina de carbón vegetal pulverizado y mezclado con
cola. Su trazo es más intenso y cuesta más de difuminar.

Uso de trapos y difumino en el dibujo

El dibujo con técnicas de frotación, como el carbón, la sanguina o las cretas, requiere el uso de un
trapo de algodón para borrar o rectificar. Si se prefiere, se puede adquirir un difumino, un cilindro de papel
que se utiliza para difuminar el pigmento sobre el papel. Este utensilio es aconsejable cuando se trabaja
en dibujos de pequeño formato. Para los amplios difuminados, se recomienda frotar con la palma de la
mano o la yema de los dedos, según el tamaño del dibujo. Para borrar se utilizará una goma maleable,
especial para carboncillo.

El dibujo a plumilla

Consiste en una punta metálica que se inserta en el mango de madera. Al sumergir la punta en tinta
china retiene una carga que deposita sobre el papel con cada trazo. El dibujo a plumilla es lento, pero es
el complemento ideal a las aplicaciones con aguada. Existen diferentes tipos de puntas metálicas que dar
lugar a diferentes tamaños de trazo y que pueden intercambiarse e insertarse en el mango según se necesite.

Soportes para el Dibujo

El soporte natural para el dibujo es el papel. Cada medio de dibujo descrito requiere el uso de un
papel determinado. Para el lápiz de grafito es recomendable el uso de papeles satinados o de grano fino.
El papel para el carbón y las cretas deberían retener mejor el pigmento en polvo del dibujo, por esto se
recomiendan los de grano medio o los verjurados. Si se trabaja con aguadas, la elección debe ser la de
papeles de acuarela, o en su detrimento, papeles más gruesos y que absorban mejor el agua sin doblegarse.
El papel de grano grueso suele reservarse para el dibujo con sombreados enérgicos y pocos detalles.
Espero que todo lo expuesto hasta ahora en este artículo, te anime a comenzar a aprender a dibujar,
ensayando con alguno de los materiales descritos para conocer en qué medio te sientes más cómodo.

6.3 CLASIFICACION DEL DIBUJO

Dibujo artístico: El dibujo artístico se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas
filosóficas o estéticas, así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal
como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su
entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

Dibujo técnico: Se dice que el dibujo técnico es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por
medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud
precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega
a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en "Dibujo Técnico
Especializado", según la necesidad o aplicación los más utilizados o difundidos en el entorno técnico y
profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente
normalizada legalmente.

Dibujo geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye
un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los
primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -
bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano sobre el plano.

Dibujo mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas,

maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos
que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados
planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto
de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de
montaje.
Dibujo arquitectónico: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en la concepción visual
que altera el paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a
escala de reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como finalidad ayudar al
hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente, forma parte de lo que en
fenomenología explica el porqué, según las experiencias humanas, se logra una mejora en la calidad de
vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad y del individuo colectivamente.
El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los
planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc... Se dibuja el proyecto con
instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones.

6.4 SEGÚN SU CONCEPCIÓN

El dibujo es el lenguaje universal, ya que sin mediar palabras es posible transmitir ideas de modo
gráfico que resulten comprensibles para todos. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura,
denominados símbolos. Otros ejemplos son los pertenecientes a la señalética, actividad que se encarga de
comunicar parámetros de comportamiento en determinada locación
por medio del lenguaje gráfico.
Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el
dibujo, la poesía y las matemáticas.

Dibujar y pintar

Dibujar y pintar no significa lo mismo. Por su naturaleza

física, el dibujo es un subconjunto de las manifestaciones artísticas
conocidas como pintura, pero no forma parte de la pintura como técnica de representación. El dibujo es el
arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana; es base de toda creación plástica y es
un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la
estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas.
Las técnicas de pintar y dibujar pueden ser confundidas, porque las herramientas son en ocasiones las
mismas. Sin embargo la técnica es distinta: pintar involucra la aplicación de pigmentos, generalmente
mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo, y el dibujo es la delineación en una superficie,
generalmente papel. En otras palabras, el acto de pintar utiliza la mancha como recurso comunicativo
mientras que el dibujo utiliza la línea.
El término dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente
exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste,
la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabado del dibujo mediante la inserción de
pigmentos.
El dibujo es un arte gráfica, que consiste en plasmar sobre algún soporte real o virtual: papel,
cartón, vidrio, madera, o el ordenador (en este último caso se denomina dibujo digital) los
contornos de un objeto real o ficticio, el que puede pintarse con colores o ser blanco y negro o
sombreado. Por lo tanto, un dibujo puede o no estar pintado. El lápiz es
el instrumento fundamental del dibujante.
El dibujo fue una expresión cultural que ya practicaron los primeros hombres en
la Prehistoria y una muestra de ello son las pinturas rupestres. En la Edad Media como
expresión del pensamiento oscurantista de su época, los dibujos representaban figuras
esencialmente religiosas. Con el Renacimiento, los dibujos comenzaron a graficar imágenes
humanas, en consonancia con un mundo cuyo fin era satisfacer las necesidades de las
personas.
Los dibujos pueden ser figurativos, representando objetos de la realidad o no figurativos
(abstractos). Algunos dibujos incorporan la técnica de la perspectiva, que grafican los objetos según
la distancia y ubicación donde se hallan en la forma en que son vistos por el observador.
La persona que dibuja se llama dibujante, y plasma sus visiones y sentimientos mediante imágenes
visuales, que son captadas por los destinatarios por el sentido de la vista.
 En cine los dibujos animados son un conjunto de
ellos, representativos del movimiento en distintas fases,
para ser filmados.
A diferencia del dibujo artístico que no necesariamente debe
concordar con la realidad, el dibujo técnico debe ser exacto,
preciso, coincidente en extremo con la realidad, y requiere
conocimientos matemáticos y de geometría. En la industria
se utiliza el dibujo para representar piezas industriales o
maquinarias.

6.5 SEGÚN SU OBJETIVO

Los objetivos generales de la especialidad de Dibujo Técnico, orientan aldesarrollo de los conoci
mientos, las habilidades y las destrezas que lespermitan a los y las estudiantes:

Interpretar informaci n técnica asociada con el !rea del dibujo técnico""

utilizar las funciones y aplicaciones disponibles en diferentes herramientas tecno

gicas para el dise$o digital de diferentes elementos yproductos asociados al dibujo técnico"

Determinar los elementos, las funciones y las aplicaciones disponibles endiferentes paquetes de s
oft%are espec&'cos en el dise$o y construcci n de dibujos geométricos, mec! nicos y arquitect nicos"

(¡plicar los principios y las normas b!

sicas para la representaci n gr!'cade diferentes elementos geométricos"

_
 tilizar los principios y las reglas fundamentales para la representaci ngr!'ca de diferentes elemen
tos mecnicos"

mplear los principios y las reglas fundamentales para la representaci ngr!'ca de diferentes eleme
ntos oproyectos arquitect nicos"

ensibilizar al individuo en temas relacionados con el ambiente para quelo incorpore dentro de la
especialidad"

#sar la tecnolog&a y la inform!tica como una herramienta de trabajo"

+conocer el compendio de norma

1. Conocer y valorar las posibilidades del dibujo técnico como instrumento de investigación,
apreciando la universalidad del mismo como lenguaje objetivo y universal y valorando la
necesidad de conocer su sintaxis para poder expresar y comprender las informaciones.
2. Valorar el carácter abstracto del dibujo técnico y relacionarlo con otras materias, comprendiendo
su papel como lenguaje universal para la industria, el diseño, la arquitectura, el arte o en la vida
cotidiana.
3. Conocer y comprender los fundamentos del dibujo técnico para aplicarlos a la lectura e
interpretación de los diseños, planos y productos artísticos, científicos o técnicos, para la
representación de formas de todo tipo ateniéndose a las diversas normas y para la elaboración de
soluciones razonadas ante los problemas que se plantean en el campo de la técnica y del arte.
4. Planificar y reflexionar, de forma individual y colectiva, sobre el proceso de realización de
cualquier construcción geométrica, relacionándose con otras personas en las actividades colectivas
con flexibilidad y responsabilidad.
5. Valorar la universalidad de la normalización en el dibujo técnico como convencionalismo idóneo
para facilitar no sólo la producción, sino también la comunicación; aplicar las principales normas
UNE e ISO, especialmente las referidas a la obtención, posición, representación y acotación de las
vistas de cuerpos.
6. Utilizar adecuadamente y con cierta destreza los instrumentos y terminología específica del dibujo
técnico y de los diversos contenidos de la materia.
7. Integrar los conocimientos de dibujo técnico dentro de los procesos tecnológicos, científicos o
artísticos, fomentando el método y el razonamiento del dibujo como medio de transmisión de ideas
científico-técnicas o artísticas y sus aplicaciones en la vida cotidiana, revisando y valorando el
estado de consecución del proyecto o actividad siempre que sea necesario.
8. Utilizar con destreza los instrumentos específicos del dibujo técnico, valorando la importancia que
tiene el correcto acabado y presentación del dibujo en lo referido a la diferenciación de los distintos
trazos que lo configuran, la exactitud de los mismos, la limpieza y cuidado del soporte, así como
las mejoras que puedan introducir tanto las diversas técnicas gráficas como los recursos
informáticos en la representación.
9. Emplear el croquis y la perspectiva a mano alzada como medio de expresión gráfica y conseguir
la destreza y rapidez necesarias.
10. Conocer y comprender los principales fundamentos de la geometría métrica aplicada para resolver
gráficamente problemas de configuración de formas en el plano, valorando la importancia que
tienen la precisión y la exactitud en la representación de las soluciones.
11. Comprender y emplear los sistemas de representación para resolver problemas geométricos en el
espacio o representar figuras tridimensionales en el plano.
12. Escoger las construcciones geométricas más adecuadas a cada problema, razonando en cada caso
su aplicación, y elegir el sistema de representación más adecuado para cada necesidad.
 13. Adquirir una visión general para la orientación profesional
hacia estudios superiores relacionados con el dibujo técnico.
14. Interesarse por las tecnologías de la sociedad de la información
y por los programas de diseño, disfrutando con su utilización
y valorando sus posibilidades en la realización de planos
técnicos.

6.6 DIBUJO ARTISTICO

El dibujo artístico es la representación gráfica al servicio de las ideas. Es una rama del dibujo que
nos permite la representación bidimensional y racionalizada de los objetos, para expresar sentimientos e
ideas, por medio de la intelectualización de la observación.

El dibujo artístico es la representación gráfica bidimensional, de aquello que el ojo percibe

tridimensionalmente. Es una técnica que permite representar la forma y el volumen empleando la línea
como manifestación de sentimientos y pensamientos. Se realiza mediante técnicas gráficas sobre un
soporte bidimensional, y representa de manera objetiva y subjetiva, la realidad y los conceptos.

Es el lenguaje de las imágenes, empleado para la comunicación y expresión del ser humano,
transmitiendo ideas, descripciones, mostrando los sentimientos.

El lenguaje del dibujo supera las barrearas idiomáticas, pues tiene un carácter universal y facilita
las relaciones interculturales.

En definitiva, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, que sirve para expresar visualmente
las ideas. Distinguimos entonces una dimensión objetiva del dibujo, que tiene intención analítica, basada
en la observación y representación del objeto. Y la dimensión subjetiva, que pretende manifestar ideas y
despertar sentimientos y emociones, por medio de la representación gráfica.

Para emprender esta vertiente del dibujo, es necesario conocer y dominar los recursos
procedimentales, los instrumentos, los materiales y técnicas que permiten la expresión de un pensamiento
en forma visual.
 Este procedimiento implica un proceso de intelectualización de lo percibido visualmente que
permita una síntesis descriptiva y una representación objetiva y racional.

Procedimientos del dibujo artístico:

Para realizar dibujo artístico, es necesario profundizar en el conocimiento y representación de las

formas complejas. También requiere de un dominio importante de los materiales y técnicas, para lograr
una intencionalidad en la interpretación de dichas formas.

Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen una intelectualización de
la observación.

Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el

trabajo debe abordarse de manera racional y ordenada.

Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y

de la forma, para emplearlo en la representación analítica de los
objetos. También hay que comprender las características formales de
los objetos, respecto a su organización estructural y sus relaciones
espaciales.

El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el

conglomerado de las formas, para poder representarlos en forma
prioritaria, según su importancia, para llegar al resultado deseado.

6.7 DIBUJO GEOMETRICO

dibujo geométrico es aquel que se hace siguiendo las pautas de esta área. Estas representaciones
se realizan a través de figuras planas, las cuales se crean siguiendo un método coherente. Generalmente
se recurre a diversos trazados básicos tales como, círculos, cuadrados, triángulos, entre otros. Se usan para
realizar los dibujos. Los dibujos geométricos pueden usarse con diversos propósitos. A veces se trata de
representaciones artísticas que buscan producir varios efectos ópticos. En este caso, se busca un resultado
estético. De igual forma existen dibujos geométricos que hacen los expertos en el marco de otros tipos de
dibujos (como un arquitecto que utiliza un rectángulo para simbolizar un espacio en un plano). Los niños,
por otro lado, pueden aprender a identificar las diferentes figuras de la geometría e inclusive a pintar
mediante los dibujos geométricos. El dibujo geométrico emplea en su elaboración diversos sistemas de
proyección como lo son: proyecciones ortogonales, perspectivas y axonometrías. Esta última consiste en
un sistema de representación gráfica que representa elementos geométricos o volúmenes en un plano de
tal forma que conserven sus proporciones en las tres direcciones del espacio (altura, anchura y longitud).
Además, el dibujo geométrico incluye el uso de la proyección oblicua utilizada para el cálculo científico
de las sombras propias y arrojadas.

Consisten en aquellos que se usan para hacer las líneas gráficas. Entre las más importantes
herramientas de trazado que se requieren para poder hacer dibujos geométricos se pueden mencionar el
compás, los lápices y el juego de escuadras (cartabón y escuadra).

INSTRUMENTO DE MEDIDAS

Funcionan para calcular las diversas dimensiones de los objetos para poder hacer los gráficos en
un plano o lámina de dibujo. La más empleada es la regla milimetrada, pero también se puede usar el
alcalímetro (que funciona para medir y para usar diversas clases de escalas), el transportador de ángulos
(para calcular y crear ángulos), el calibre (empleado para medir objetos de tres dimensiones), entre otros.

SOPORTE

Sin embargo, los dibujos, diseños o cualquier clase de simbolización tienen que hacerse en un
soporte. Existe el papel para croquis, papel vegetal, milimetrado, papel pautado, papel opaco, entre otros.
El que se emplea con frecuencia, según la actividad es el papel blanco, opaco y de tamaño específico.

COMPLEMENTOS

Entre las herramientas del dibujo, se conoce como complementos a aquellos objetos que facilitan
otorgar una buena terminación al dibujo. Entre los diversos complementos, se puede mencionar las gomas
de borrar. Hay diferentes clases de gomas de borrar, para lápiz, más blandas, para tinta, más duras, entre
otras. Se aconseja usar una goma de borrar, blanda y blanca para que no se ensucie tanto el dibujo que se
está haciendo.
 APLICACIONES PARA TRABAJ DIBUJO GEOMETRICO

Sedeo

Esta aplicación es ideal para dibujar mediante gráficos vectoriales con la tableta. Skedio tiene
diversos instrumentos de edición y facilita realizar imágenes nuevas, pero también puede editar algunas
que ya existen. En el interior de este instrumento pueden localizarse muchas herramientas: diferentes
clases de bocetos, muchas posibilidades de realización de curvas, una gran cantidad de formas
geométricas, duplicación, escalamiento, entre otras.

GEOGEBRA

Este instrumento es adecuado para aprender geometría y dibujo. Facilita la realización de dibujos
polígonos de toda clase y calcular muchos factores, su área, por ejemplo. O inclusive se pueden trazar
elipses o circunferencias si no se tiene consigo un compás. La aplicación es apropiada para enseñar dibujo
geométrico a los niños, debido a que es muy sencillo, porque tiene una interfaz fácil. Asimismo, también
es ideal para practicar álgebra, cálculo y demás disciplinas
vinculadas a las matemáticas.

GEOMETRY101

La fundamental cualidad de este instrumento es la visión

tridimensional que da a los objetos geométricos. Además, es muy
beneficioso ya que facilita integrar imágenes gráficas de los
cuerpos creados en la aplicación en otros instrumentos, como
pueden ser Keynote o Word y otorgar volúmenes y áreas de los
polígonos.

6.8 DIBUJO TECNICO

El dibujo técnico
es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de
proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar su
futura construcción y mantenimiento. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o,
directamente, sobre el papel u otros soportes planos.
 La representación gráfica se basa en la geometría descriptiva y utiliza las proyecciones
ortogonales para dibujar las distintas vistas de un objeto.

Los objetos, piezas, máquinas, edificios, planos urbanos, entre otros , se suelen representar
en planta (vista superior, vista de techo, planta de piso, cubierta, entre otros ), alzado (vista frontal o
anterior) y lateral (acotaciones); son necesarias un mínimo de dos proyecciones (vistas del objeto) para
aportar información útil del objeto, dependiendo esto de la complejidad del mismo. Las vistas
mencionadas de acuerdo al sistema ortogonal se llaman fundamentales por pertenecer al triedro
fundamental, este triedro lo conforman el plano anterior, superior y lateral.

Con el objetivo de unificar el lenguaje del dibujo técnico se establecieron normativas aprobadas
internacionalmente, pero cada país tiene su organismo nacional de normalización para el estudio y
aprobación de las diferentes Normas (en Argentina es IRAM la única organización que realiza esta
tarea). Aplicando estas normativas cualquier plano podrá ser interpretado por cualquier profesional del
área correspondiente.

EL DIBUJO TECNICO

es una rama del dibujo conocido como el sistema que representa gráficamente uno o más objetos,
con el fin de otorgar información útil para un posible y consecuente análisis que permitirá una próxima
construcción y mantenimiento del objeto.

EL DIBUJO TECNICO

es el lenguaje gráfico que se utiliza para comunicar, en el marco de actividades industriales y de

diseño, desde las ideas más globales hasta los detalles vinculados con un contenido tecnológico.

EL DIBUJO TECNICO

también se ha definido como el sistema de representación gráfica de objetos ya existentes o bien

de prototipos, atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por instituciones reguladoras. Eso
permite describir de forma precisa y con claridad las dimensiones, formas y características de esos objetos
materiales.
 Cabe señalar que la idea de dibujo técnico va a menudo en oposición a la de dibujo
artístico. Mientras el primero tiene por finalidad manifestar impresiones o sensaciones personales,
influenciadas por la imaginación y las vivencias individuales, por lo que resulta eminentemente subjetivo,
el dibujo técnico pretende ser objetivo y representar los objetos lo mejor posible tal cual son, de forma
totalmente objetiva, a fin de proporcionar a cualquier observador la información técnica necesaria para
su análisis técnico, ayudando eventualmente a su diseño, construcción y/o mantenimiento.

Respecto de la historia del dibujo técnico, no se puede dejar de mencionar a los primeros
matemáticos griegos como Tales, Pitágoras y Euclides, quienes sentaron las bases de la denominada
geometría del espacio, fundamental en esta disciplina. Durante el Renacimiento sobresalen los aportes
de Brunelleschi y del célebre y polifacético Leonardo da Vinci.

Los esquemas, los croquis, los diagramas y los planos son modalidades de dibujo técnico que
contienen especificaciones correspondientes a medidas de longitud, de altura, de ángulos, de superficie,
etc. Las vistas básicas en el dibujo técnico son la de planta (vista desde arriba), la de alzada, que puede
ser la frontal o lateral; y la de secciones o cortes en dos proyecciones. La definición de escalas ayuda a
la interpretación de estas representaciones.

TIPOS DE DIBUJO TECNICO

Dentro del dibujo técnico se engloban algunos tipos puntuales, como:

 Dibujo técnico arquitectónico: Engloba diferentes representaciones gráficas, las cuales sirven para realizar
planos para la construcción futura de edificios, casas, puentes, institutos, etcétera.

 Dibujo técnico mecánico: Su uso es requerido para la realización de planos que representen partes de una
máquina, automóviles, aviones, motocicletas y maquinaria industrial.

 Dibujo técnico eléctrico: Sirve para representar instalaciones eléctricas simples, como las de una vivienda,
o más bien complejas, como las de una industria. Estos últimos suelen representar claramente la ubicación
del tablero principal, de los interruptores y toma corrientes, entre otros.
 Dibujo técnico geológico: Usado en los campos de geología y geografía para la representación de las
diversas capas de la tierra mediante una simbología que permite conocer los minerales que se hallan en
dicha capa.

 Dibujo urbanístico: Se emplea para representar de manera funcional el desarrollo y la infraestructura de

ciudades y demás centros urbanos, tanto de aquellos ya existentes o los que están en etapa de proyecto.

 Dibujo topográfico: Se dedica a plasmar en un plano las principales características de un terreno, como la
altura, la pendiente, la presencia de accidentes naturales o artificiales, las cotas, las curvas de nivel.

 Dibujo técnico de las instalaciones sanitarias: Tiene como objetivo representar todas las instalaciones
sanitarias: baño, ducha, lavamanos, etcétera. A su vez representa también la ubicación de tuberías externas
e internas.

 Dibujo técnico electrónico: Se basa en la representación de gráficos y croquis electrónicos de circuitos de

circulación de corriente.

 Dibujo técnico de construcciones metálicas: Representa planos para la construcción de estructuras de

herrería.

El dibujo técnico se puede plasmar en diferentes soportes (papel, acetato, passe-partout), y se

lleva a cabo generalmente sobre un tablero, con la ayuda de elementos como regla T, escuadra, cartabón,
tiralíneas, compás, rotulador. Mediante el desarrollo de programas como el AutoCAD, por ejemplo, la
informática ha contribuido en gran medida al desarrollo del dibujo técnico.

 Puede servirte: Dibujo.

LINEAS UTILIZADAS EN EL DIBUJO TECNICO

Dentro de la rama del dibujo técnico aparece la línea, una característica fundamental de éste,
importante para ilustrar los diferentes objetos. Existen, entonces, diferentes tipos de líneas, entre las
principales se encuentran:

1. Línea guía: Sirve para señalar una parte del objeto a la cual hace referencia una nota.

2. Línea de ruptura: Utilizada con el fin de representar una pieza larga la cual es acortada.
 3. Línea oculta: Líneas segmentadas que representan
esquinas o vértices de objetos que se encuentran
ocultas a la percepción.

4. Línea de corte plano: Se utiliza para representar

dónde se realizó un corte imaginario.

6.9 DIBUJO GEODÉS

Triángulo geodésico sobre una esfera. La línea geodésica sería cualquiera de los arcos que forman
los triángulos.

En geometría, la línea geodésica se define como la línea de mínima longitud que une dos puntos en una
superficie dada, y está contenida en esta superficie. El plano osculador de la geodésica es perpendicular
en cualquier punto al plano tangente a la superficie. Las geodésicas de una superficie son las líneas "más
rectas" posibles (con menor curvatura) fijado un punto y una dirección dada sobre dicha superficie.

Más generalmente, se puede hablar de geodésicas en "espacios curvados" de dimensión superior

llamados variedades riemannianas en donde, si el espacio contiene una métrica natural, entonces las
geodésicas son (localmente) la distancia más corta entre dos puntos en el espacio. Un ejemplo físico, de
variedad semiriemanniana es el que aparece en la teoría de la relatividad general las partículas materiales
se mueven a lo largo de geodésicas temporales del espacio-tiempo curvo.

El término "geodésico" proviene de la palabra geodesia, la ciencia de medir el tamaño y forma del
planeta Tierra; en el sentido original, fue la ruta más corta entre dos puntos sobre la superficie de la Tierra,
específicamente, el segmento de un gran círculo.

Dibujo geodésico: Mapa físico-político de la Tierra.

Un mapa bidimensional del mundo, como si la tierra fuera plana, deben trazarse
los meridianos (círculos concéntricos verticales) en forma de líneas rectas verticales (Europa estaría
situada proporcionalmente mucho más alejada de América). En algunos mapas, los paralelos (círculos
paralelos horizontales) se dibujan como líneas horizontales paralelas, y los meridianos son curvas que
parten de los polos (situando Europa a una distancia proporcional de América).

Geodésico: Sirve para dibujar objetos de superficie redonda, o esférica, por lo que le hace
correcciones a la perspectiva en proporción a lo cerca o
lejos que se encuentren de los polos de la esfera.

Un ejemplo simplista: Un mapa del mundo, en

forma geométrica, como si la tierra fuera plana, tendría
las líneas de todos los paralelos en forma vertical, y
tendrías China muy a la derecha de EU... Un mapa
geodésico, tendría las mismas líneas de los paralelos en
forma concéntrica, como radios que parten del polo
norte, y tendrías a China justo frente a EU, con el polo
norte entre ambas.
 6.10 HISTORIA DE LO INSTRUMENTO DE DIBUJO

Se sabe que los antiguos egipcios ya utilizaban reglas con forma de triángulo rectángulo
(escuadras) de madera.[1] En la antigua cultura neurálgica de la isla de Cerdeña se utilizaban compases de
bronce, como el que se exhibe en el Museo Arqueológico Nacional. A. Sanna de la ciudad sarda de Sácer.
En la Grecia antigua se han hallado evidencias del uso de estiletes y de cinceles de metal, de reglas de
escala y de plantillas triangulares. También se encontró en las excavaciones de Pompeya una caja de
utensilios de bronce de la época romana, conteniendo plantillas triángulares, compases y una regla para
ser utilizadas con una plumilla.[2]

Plano del puente de Galton, proyectado por Thomas Telford, Plano de la fachada de Ennis Hose, 1969 (todavía delineado a
1838 mano)

A pesar de que los estiletes se conocían desde épocas antiguas, en el siglo XVIII las plumas de
ave eran todavía la principal herramienta de dibujo. Los estiletes también se fabricaban de marfil o de
madera de ébano.[2]
Los transportadores han sido utilizados para la medida de ángulos y para el dibujo de arcos de círculo con
exactitud desde el siglo XIII, a pesar de que la matemática y la ciencia requerían instrumentos de dibujo
más precisos.[3] El angular ajustable fue desarrollado en el siglo XVII, pero no dispuso de una versión con
un tornillo de sujeción hasta la década de 1920.[2]
 Distintos tipos de tiralíneas
Sujetando un tiralíneas (1901)
(E.O. Richter)

Los artistas del Renacimiento (incluyendo a Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Nicolas Bion y
George Adams) generalmente fabricaban sus propias herramientas de dibujo.[1] La producción industrial
de instrumentos de dibujo técnico comenzó en 1853, cuando el inglés William Stanley (1829–1909) fundó
su compañía en Londres. Incluso entonces, la mayoría de los utensilios de dibujo eran todavía fabricados
a mano.[2]

En el siglo XVII se desarrolló una pluma capaz de dibujar una línea de ancho ajustable,
el tiralíneas, que consistía en dos piezas paralelas de metal curvadas y afiladas, fijadas a un pequeño
mango cilíndrico, y unidas por un tornillo ajustable. Para empezar a dibujar, había que poner una gota de
tinta entre las dos hojas metálicas, que fluía regularmente mientras se recorría el papel. Su diseño básico
se mantuvo prácticamente inalterable durante muchos años, hasta la década de 1930, cuando llegaron al
mercado las plumas de dibujo técnico inventadas y desarrolladas en Alemania.[2]
 Tiralíneas automático de pletina//Tiralíneas automático con mango
Tiralíneas doble para líneas paralelas//Tiralíneas "loco"

Hasta bien entrado el siglo XX, los tiralíneas fueron el instrumento comúnmente utilizado para la
delineación de planos técnicos. Para facilitar el trabajo de rotulación, se diseñaron una serie de ingeniosos
mecanismos, que permitían simplificar o sistematizar determinadas tareas difíciles de realizar con los
tiralíneas normales:

 Trazadores de patrones de líneas: para sistematizar el aspecto de las características líneas discontinuas de la
rotulación técnica (puntos; trazos; y trazos y puntos), se disponía de dos tipos de instrumentos, basados en
mecanismos que mediante ruedas con patrones dentados eran capaces de alzar y posar sobre el papel el tiralíneas
en una serie de secuencias preestablecidas. Podían ser tiralíneas con mango y el sistema mecánico adjunto a la punta
del instrumento, o bien una pletina metálica dotada de un sistema de bielas y una serie de ruedas graduadas
intercambiables para los distintos patrones de líneas, que debía utilizarse con reglas de madera para que la rueda
accionadora del mecanismo no resbalase.

 Tiralíneas de líneas paralelas: algunos trabajos de delineación exigían trazar a mano alzada parejas de líneas curvas
a una distancia fija (por ejemplo, los raíles de un ferrocarril). Con este propósito, se disponía de unos tiralíneas
dobles especiales, con la distancia entre sus puntas regulable mediante un tornillo de ajuste.

 Tiralíneas loco: para la representación de curvas cerradas a mano alzada (como las curvas de nivel de los planos
cartográficos), el tiralíneas normal no es adecuado, pues solo es capaz de dibujar con facilidad líneas rectas o
circunferencias. Para este otro tipo de curvas, se utilizaba un tiralíneas especial dotado de una rótula, que permitía
que la punta del instrumento girase libremente para orientarse en la dirección marcada por la mano del dibujante.

La mayoría de estos instrumentos exigían una considerable habilidad para ser empleados
apropiadamente, y su utilización no era tan generalizada como la de los tiralíneas normales.

Como ya se ha señalado, en la década de 1930 el equipamiento técnico disponible aumentó

considerablemente: aparecieron distintos aparatos de dibujo (como los tecnígrafos) y las plumas
técnicas (rapidógrafos), mejorando la calidad del trazado y permitiendo disponer de anchos de línea
normalizados.[2] Además de los rapidógrafos, durante un tiempo se utilizó también un tipo de pluma más
tradicional, denominado Grafos, en el que se podía modificar el ancho de línea cambiando el plumín. Por
ejemplo, la pluma Grafos se siguió utilizando en Finlandia como herramienta básica de dibujo hasta la
década de 1970.

El equipamiento cambió radicalmente durante los años 1990, cuando el diseño asistido por
ordenador desbancó casi por completo al dibujo técnico a mano. Los planos ya no son "dibujados", si no
que se diseñan mediante un modelo gráfico virtual, y no son necesariamente reproducidos en papel, siendo
impresos automáticamente por un programa de ordenador en caso necesario. Solamente el dibujo a mano
alzada es todavía ampliamente utilizado en las etapas preliminares de algunos diseños.

6.11 UTENSILIOS DE DIBUJO

Los utensilios de trazado usados tradicionalmente en el dibujo técnico son el lápiz y las plumas
técnicas.

Los lápices utilizados normalmente son portaminas, con grosores y tipos de mina normalizados.
Los anchos de línea habituales son 0.18 mm, 0.25 mm, 0.5 mm y 0.7 mm; y la dureza varía normalmente
de HB a 2H. Las minas más blandas dan un mejor contraste, pero las minas más duras proporcionan una
línea más limpia (es decir, menos propensa a emborronarse) aunque no tan visible. El poco contraste de
las marcas de lápiz es en general problemático cuando hay que fotocopiar el original, pero las nuevas
técnicas de copia de barrido han mejorado notablemente el resultado final. El papel o las superficies
plásticas requieren sus propios tipos de mina especiales.
 En muchos casos, los planos finales son dibujados con tinta sobre soportes plásticos o sobre papel
translúcido, utilizándose por lo general juegos de plumas técnicas con trazos de distintos grosores
normalizados. Estas plumas tienen un depósito de tinta que alimenta un puntero, formado por un cilindro
metálico hueco, dentro del cual puede deslizar un filamento de metal delgado unido a un émbolo de plomo.
La tinta es absorbida por capilaridad entre el filamento y la pared interior del tubo, impidiendo que se
libere una cantidad excesiva de tinta. Cuando se agita ligeramente la pluma arriba y abajo, el peso del
émbolo libera el extremo interior del tubo, reactivando la alimentación de la tinta. Originalmente, los
depósitos se rellenaban con tinta que se suministraba en botellas o pequeños envases; si bien los modelos
más recientes utilizan cartuchos desechables.

Cada pluma está equipada con un puntero de un ancho determinado. Estos anchos de línea
están normalizados: los juegos de plumas generalmente utilizados en Filandia incluyen los grosores 0.13
mm, 0.18 mm, 0.25 mm, 0.35 mm, 0.50 mm y 0.70 mm; aunque también es habitual encontrar grosores
graduados en décimas de milímetro (0.10 mm, 0.20 mm, 0.30 mm... 0.80 mm, e incluso hasta 1,00 mm).
Los punteros para dibujar sobre papel y sobre plástico son distintos, porque el plástico requiere un tipo de
puntero más duro. Para funcionar correctamente requieren
un mantenimiento regular, en especial las plumas de los
grosores más finos, cuyos filamentos metálicos son tan
extraordinariamente delgados que se pueden romper con
relativa facilidad si la tinta llega a secarse en el interior del
puntero.
 6.12 LAPICES (TODO TIPO DE UTILIZADO)

LÁPICES DE GRAFICO

Estos son los tipos más comunes de lápices. Se hacen de una mezcla de arcilla y grafito y su
oscuridad varía de gris claro a negro. Su composición permite trazos más lisos.

LÁPICES DE CARBON LEÑA

Se hacen del carbón de leña y proporcionan negros más llenos que los lápices del grafito, pero
tienden a manchar fácilmente y son más abrasivos que el grafito. Los lápices en tono sepia y blancos están
también disponibles para la técnica duotone.
Lápices de color

Conocidos comúnmente como lápices coloreados, estos tienen una mina de cera con el pigmento
y otros aditivos. Múltiples colores se mezclan a menudo juntos. La variedad de un conjunto de lápices de
color se puede determinar por el número de colores únicos que contiene.

LÁPICES DE GRASA
También conocidos como marcadores de China. Escriben virtualmente en cualquier superficie
(incluyendo vidrio, plástico, metal y fotografías). Los lápices de grasa más comúnmente encontrados están
envueltos en papel (Berol y Sanford adhesivos), pero pueden también estar envueltos en madera
(Staedtler Omnichrom).

LÁPICES DE ACUARELAS
Estos se diseñan para el uso con técnicas de acuarela. Los lápices se pueden utilizar solos para las
líneas agudas y en negrilla. Los trazos hechos por el lápiz se pueden también saturar con agua y extender
con pinceles.
 LÁPICES DE CARPINTERIA

Estos lápices tienen dos características principales: su forma ovalada les evita rodar y su mina es
fuerte. El lápiz más viejo que subsiste es un lápiz de carpintería alemán que data a del siglo XVII y ahora
está en la colección de Faber-Castell y Lyra Industrial.

LÁPICES DE COPIADO

Estos son lápices de grafito con un tinte agregado que crea una marca indeleble. Fueron inventados
a fines del siglo XIX para la imprenta de la prensa y como un substituto práctico para las plumas. Sus
marcas son a menudo visualmente indistinguibles de las de los lápices estándar del grafito, pero cuando
están humedecidas sus marcas se disuelven a una tinta coloreada, que luego se imprime a otra pieza de
papel. Se utilizó hasta comienzos del siglo XX, en que el bolígrafo los sustituyó lentamente.

LÁPICES DE COLOR BORRABLE

Contrario a los lápices de color a base de cera, estos pueden ser borrados fácilmente. Se usa
principalmente en bosquejos, donde el objetivo es crear un esquema usando el mismo color que otros
medios (tales como lápices de cera, o pinturas de acuarela) llenarían, o cuando el objetivo es explorar el
bosquejo del color. Algunos animadores prefieren lápices borrables de color a los lápices del grafito
porque estos no manchan fácilmente, y los diversos colores permiten una mejor separación de objetos en
el bosquejo. Copio-editores los encuentran útiles también, pues sus marcas se destacan más que el grafito,
pero pueden ser borradas.

NO REPRODUCIBLE

Los lápices azules non-photo, como Sanford's Copy-not o Staedtler' Mars Non-photo, o whiteprint,
como Staedtler' s Mars Non-Print, hacen marcas que no son reproducidas por las fotocopiadoras o por las
copiadoras.

LÁPIZ DE ESTENÓGRAFO

Se espera que estos lápices sean muy confiables, y su mina es a prueba de roturas. Los lápices del
estenógrafo se afilan a veces en ambos extremos.
 LÁPIZ DE GOLF

Los llamados lápices de golf son generalmente cortos (una longitud común es los 9 cm) y muy
baratos. También se conocen como lápices de biblioteca, ya que muchas bibliotecas los ofrecen como
instrumentos de escritura desechables e inderramables.

6.13 CRAYONES (TODO TIPO UTILIZADO)

CRAYONES DE CERA

Estos crayones fueron diseñados especialmente para los niños. Pero, aunque sean recomendados
para ellos, los podemos usar... No quiere decir que también seamos niños. Esta clase de crayones se pueden
usar para dibujos grandes y pequeños. En los dibujos pequeños te quedará más fuerte el color y en los
grandes puedes retocarlos varias veces. Con estos crayones cuando yo los uso, pinto el dibujo y les paso
la uña para remover el crayón y así dejar reflejos en el dibujo.

CRAYONES DE MADERA

Estos crayones se usan más que los de cera. Cuando uso esta clase de crayones lo que hago es que:
pinto la orilla del dibujo a manera que quede más fuerte y lo demás normal. Les recomiendo estos crayones
para dibujos pequeños.

CRAYONES PASTEL

Es mi clase de crayones favoritos. Puesto que estos son muy útiles para carteles, dibujos grandes,
medianos y pequeños. La diferencia de estos es que no se deben utilizar para pintar como cualquier otra
clase de crayones; estos son recomendados para difuminar

CRAYOLA PINTA-CARA
 Uno se puede pintar la cara con pintura, pero existen crayolas hechas para el mismo propósito.
Estas crayolas son fáciles de usar en la piel, y se limpian con agua y jabón. La pintura puede causar
mucho desorden y ser más tardada, especialmente con niños muy activos. Con crayolas para cara,
puedes dibujar más rápido y con mejor control que con pincel. Estas crayolas pueden ser usadas en
muchas partes del cuerpo para arte y diversión.

CON FORMAS

Las crayolas pueden venir en formas y tamaños únicos. Estás son crayolas con formas de cosas
que pueden atraer a los niños, como perros o automóviles. También vienen en forma triangular, en lugar
de circular, para evitar que rueden en la mesa. Crayolas de tamaño más grande pueden ser compradas
para niños pequeños que están aprendiendo a sostener objetos pequeños; son más fáciles de manipular
por manos pequeñas y son un riesgo menor de ahogarse.

ESPECIALIDAD

Crayolas únicas que tienen usos o características especiales pueden ser compradas en cera,
vegetarianas y otros materiales. Algunos ejemplos de crayolas de especialidad son los brillosos, que
dejan brillos en el papel al colorear. Las crayolas de colores metálicos de bronce, plata y oro son útiles
al dibujar joyería o máquinas. Las crayolas para ventana dibujan en vidrio y pueden limpiarse. Se puede
dibujar en tela y camisetas con crayolas para tela. Las crayolas de borrador sirven para pintarrones.

VEGETARIANAS

La mayoría de las crayolas están hechas

con cera, colorante y sebo (grasa animal). Para
los vegetarianos, veganos y activistas animales,
las crayolas vegetarianas pueden servir. Estas no
contienen sebo, pero dibujan igual que las
tradicionales. Pueden ser encontradas en línea y
en tiendas de comida saludable. Las compañías
que fabrican crayolas vegetarianas tienen
usualmente una variedad de colores tan amplia
como la de las compañías que usan cera.
 6.14 MARCADORES (TODO TIPO UTILIZADO)

MARCADORES GENETICOS

Permiten localizar posiciones y seleccionar todo el audio entre dos puntos, por ejemplo. Los
marcadores genéricos se pueden crear durante la grabación.

MARCADORES TEMPORALES

Se pueden utilizar para cualquier fin. Los marcadores temporales se borran cuando se cierra el
archivo correspondiente.

MARCADORES DE INICIO DE REPRODUCION

Definen un punto de inicio de reproducción.

MARCADORES DE INICIO Y FIN DE LA PISTA CD

Indican dónde empieza y acaba una pista de CD. Los marcadores de inicio y final de pista de CD
también sirven para discos DVD-A. Los marcadores de CD/DVD se utilizan por pares.

MARCADORES DE TRANSICIO DE PISTA FE CD

Se utilizan cuando una pista de CD empieza exactamente dónde acaba otra. Los marcadores de
transición de pista de CD también sirven para discos DVD-A.

MARCADORES DE INDICE DE LA PISTA DE CD

Se utilizan para crear puntos de índice en pistas de CD. Los marcadores de índice de pista de CD
también sirven para discos DVD-A.
 MARCADORES DE INICIO Y FIN DE LA REGION

Definen los puntos de inicio y fin para regiones genéricas. Los marcadores de inicio y fin de región
se pueden crear durante la grabación y se usan en parejas.

MARCADORES DE INICIO Y FIN DE BUCLE

Se utilizan para definir puntos de bucle y se necesitan para acceder a las funciones de edición de
bucles de la pestaña Proceso del Editor de audio. Los marcadores de inicio y fin de bucle están conectados
con el modo Bucle al reproducir audio. Estos marcadores son útiles para editar y crear bucles antes de
transferir un sonido a un muestreador. Los marcadores de bucles se utilizan por pares.

MARCADORES DE INICIO Y FIN DE LA EXCLUCION

Permiten silenciar temporalmente una sección. Las secciones entre las regiones de exclusión se
ignoran si Omitir rango está activado en el menú emergente Reproducir rango de audio en la barra de
transporte. El diálogo Mezclar (renderizar) también permite excluir regiones de la mezcla. Los marcadores
de exclusión se utilizan por pares.

MARCADORES DE INICIO Y FIN DEL ERROR

Se utilizan para resaltar errores, tales como clics. Los marcadores de inicio y fin de error se guardan
en archivos de audio si se activa Guardar marcadores de error y de corrección en las Preferencias de
archivos de audio, en la pestaña Archivo. Los marcadores de inicio y fin de error se pueden colocar
manualmente, pero su principal es en combinación con la herramienta Corrección de errores.

MARCADORES DE INICIO Y FIN DE LA CORRECCION

Se utilizan para resaltar correcciones realizadas en regiones marcadas previamente como errores.
Los marcadores de inicio y fin de corrección se guardan en archivos de audio si se activa Guardar
marcadores de error y de corrección en las Preferencias de archivos de audio, en la pestaña Archivo. Los
marcadores de corrección se pueden colocar manualmente, pero su principal uso es en combinación con
la herramienta Corrección de errores.

6.15 PLUMA (TODO TIPO UTILIZADO)

PRIMARIAS

Generalmente son 10 plumas en cada ala. Son las más largas y están situadas en el extremo del ala.
La función que tienen es dar velocidad a la paloma al volar, se localizan en los extremos de las alas y que
se encuentran insertadas en los huesos de la mano. Son largas, fuertes y rígidas, tienen la función
primordial del vuelo, proporcionando la fuerza de propulsión y la velocidad del vuelo. Se les llama
también remeras, pues sirven para “remar” en el aire.

SECUNDARIAS

9Están más cerca del cuerpo y completan con las primarias el ala de la paloma, se encuentran en
la parte interna y paralelas a las primarias; están insertadas en la ulna, el hueso del antebrazo. Junto con
las primarias son denominadas plumas remeras, y su función principal es retener el aire durante el vuelo
facilitando la elevación y ayudando al sostén del ave en el aire.

TIMONERAS O RECTRICES

Casi siempre son 12 plumas (2×6). Hacen de timón es decir son aquellas que forman la cola y
participan, como su nombre lo dice, en la dirección del vuelo, de manera semejante a la cola de los aviones,
y para efectuar los movimientos de maniobra aérea, aterrizaje o en su caso a la evasión de aves rapaces,

COBERTERAS

Cubren el cuerpo del palomo, aislándolo y protegiéndolo contra la humedad.

PLUMÓN
 El plumón es un tipo de pluma caracterizada por tener un raquis muy corto o ausente, por lo que
su apariencia es la de un mechón muy fino, lo que le da una importante función en la termorregulación.
Por lo general es el primer tipo de pluma que aparece en las aves al salir del cascarón, pues el plumaje
típico de los pollos está constituido únicamente por este tipo de pluma, aunque también está presente en
los adultos debajo de las plumas típicas del cuerpo.

En los pichones la muda será total o parcial dependiendo de la época de su nacimiento. Los que
abandonan sus nidos en el mes de marzo, efectúan una muda total a partir del mes siguiente. Por el
contrario, los tardíos, es decir, los nacidos en agosto o septiembre efectúan una muda parcial, debido a
que el frío del invierno corta el proceso fisiológico normal. Ésta vuelve a reanudarse a la primavera
siguiente.

Cuando el pichón tiene la edad de unas seis semanas empieza la muda: a esta edad cambian su
primera pluma primaria y después, aproximadamente cada 20 días, la siguiente en un proceso que dura
unos 200 días, o sea, 7 meses; siempre de dentro hacia fuera. Cuando la nueva pluma tiene ya un 75% de
longitud tira la siguiente, entretanto los pichones van renovando también algunas de las secundarias, las
de la cola, coberteras y plumón. Cuando quedan pocas primarias para cambiar, empieza la gran muda.
No siempre los pichones cambian todas las plumas secundarias, sin embargo, siempre cambian todas las
primarias

Tanto jóvenes como adultos cambian el plumón durante todo el año.

En los adultos la muda comienza por la caída de las remeras primarias. Tiene lugar normalmente de abril
a noviembre. Las primeras seis remeras primarias caen a intervalos de tres semanas; a partir de aquí la
muda se extiende a las plumas pequeñas del cuerpo, comenzando por las plumillas que se encuentran en
el nacimiento del pico.

Las remeras secundarias tienen un régimen especial. La paloma puede mudar sólo 1, 2, 3 o incluso
todas las secundarias cada año. La nueva pluma sale un poco más ancha, un poco más corta (1 ó 2
milímetros) y su extremidad es un poco más redondeada.
Las doce timoneras se renuevan cada año. Caen por pares de tal manera que el plano inclinado que forman
durante el vuelo se mantiene constantemente lo más perfecto posible.
 En la salud del plumaje juega un papel fundamental la glándula uropigia o luza. Se trata de una
glándula situada en la base de la cola y cuya función es secretar una sustancia (compuesta por ceras, ácidos
grasos, grasa y agua) que cuando es aplicada por el pico permite limpiar las plumas, darles flexibilidad y
preservarlas de la humedad. Esta secreción además ayuda a regular la flora bacteriana y fúngica de las
plumas.

La muda es un periodo muy estresante con

intensos cambios fisiológicos, aumentando
considerablemente la vulnerabilidad del palomo a las
enfermedades. Por esta razón se debe prestar especial
atención durante esta etapa y facilitar al palomo todo lo
necesario para que la pelecha se haga de forma correcta.

6.16 TABLERO DE DIBUJO

Un tablero de dibujo con una regla deslizante para dibujar paralelas horizontales (también
denominado "paralex"). Grabado publicado en la revista técnica noruega Teknisk Ukeblad en 1893. En el
artículo describía un nuevo tipo de aparato de dibujo vertical. El tablero estaba equipado con un
mecanismo elevador, mejorando su ergonomía cuando había que realizar dibujos grandes.

El tablero de dibujo es una herramienta esencial, puesto que es necesario sujetar y mantener
alineado el papel sobre una superficie completamente plana de modo que se pueda realizar el dibujo con
la exactitud requerida. Generalmente, para dibujar y tomar medidas se utilizan diferentes tipos de reglas
auxiliares, montadas con bastidores deslizantes o articulados sobre el tablero de dibujo, que normalmente
va a su vez instalado sobre un pedestal orientable y regulable en altura.

También existen tableros de dibujo más pequeños, pensados para ser utilizados en

mesas de escritorio normales.

 En los siglos XVIII y XIX, el papel se humedecía y se pegaban sus bordes al tablero. Después de
secarse, el papel quedaba perfectamente plano y liso, recortándose el dibujo una vez completado. [4] El
papel también se aseguraba al tablero de dibujo mediante alfileres o chinchetas, o incluso con presillas o
pinzas. [5] En épocas más recientes se utilizaba cinta autoadhesiva para sujetar el papel, incluyendo el uso
de dispensadores de puntos adhesivos.

Algunos tableros de dibujo están imantados, sujetándose entonces el papel gracias a la atracción
sobe una serie de bandas de acero. Otro sistema habitual en tableros con poca inclinación era disponer
unas pesas de plomo forradas de cuero en las cuatro esquinas del papel.
Las mesas utilizadas para superponer diseños o en animación pueden incluir alfileres o barras de sujeción
para asegurar la perfecta alineación de las múltiples capas del dibujo.
Para facilitar la perfecta visibilidad de la zona de trabajo, las mesas de dibujo estaban dotadas de una
lámpara tipo flexo, montada sobre el borde superior del tablero con un brazo articulado, de forma que no
deslumbrase al delineante y evitase el problema de las sombras arrojadas por las manos sobre el dibujo.

El tablero es el soporte sobre el que colocamos los papeles, su superficie debe ser lisa, plana e
indeformable. Sus dimensiones deben estar adaptadas al formato del papel en el que dibujamos.

Los tableros suelen ser mesas fijas inclinadas u horizontales; o bien tablas más pequeñas,
fácilmente transportables y que se puedan colocar encima de cualquier mesa de trabajo.

El papel se adhiere al tablero mediante una cinta adhesiva, la más adecuada es la de carrocero,
en ningún caso emplearemos las chinchetas para su sujeción, pues deteriora tanto el papel como el
tablero.

Actualmente se fabrican de materiales plásticos, metálicos y de madera. Para preservarlos de

posibles deterioros conviene forrarlos con una lámina de plástico autoadhesiva o con un papel grueso.

Por último, es importante considerar la iluminación en nuestra zona de dibujo. Tanto si es

natural como si es artificial esta debe entrar por la izquierda para evitar sombras; claro que si eres
zurdo tendrás que invertir el sentido.

Sobre el papel de dibujo podemos colocar una serie de útiles que nos facilitarán el trazado:
  El paralex: que nos permite dibujar líneas paralelas.
 El tecnígrafo: nos permite el trazado de todo tipo de
ángulos con precisión.
 El pantógrafo: se emplea para la copia, ampliación y
reducción de un dibujo.

6.17 REGLA EN T
La regla T es un instrumento que se utiliza para dibujar con un juego de escuadras, las cuales se
deslizan de un lado a otro y de arriba hacia abajo, transportando las líneas o ángulos. Su estructura está
formada por una cabeza y un cuerpo, perpendiculares entre sí. La regla T se desliza de arriba hacia abajo
sobre la superficie de dibujo, siempre teniendo cuidado de que su cabezal se encuentre bien apoyado sobre
el canto del pupitre o mesa de dibujo. La regla T es la versión fácilmente transportable e instalable de
la regla paralela.

El material del que está fabricada puede ser madera, acrílico o aluminio. Puede tener graduación
en centímetros o en pulgadas. Es usada básicamente en especialidades relacionadas con las artes
gráficas como el dibujo técnico o el diseño industrial.
La regla T recibe ese nombre por su semejanza con la letra T. Posee
dos brazos perpendiculares entre sí. El brazo transversal es más
corto. Se fabrican de madera o plástico. Se emplea para trazar líneas
paralelas horizontales en forma rápida y precisa. También sirve
como punto de apoyo a las escuadras y para alinear el formato y
proceder a su fijación.

[Material de dibujo] Es un instrumento muy común en las

salas de dibujo. Para el estudiante significa disponer, para ser
utilizada sobre un tablero portátil, del equipo base para la realización
de su trabajo Los dibujantes profesionales la utilizan para el trazado de líneas horizontales y para apoyar
las escuadras al trazar líneas verticales e inclinadas.
 Tipos

Los tipos principales son:

De madera. Son totalmente planas y sirven para trabajar con lápiz y portaminas.
De madera y plástico. Con cantos de material plásticos y fabricados de manera que no tocan el papel.
Sirven para trazar líneas con tiralíneas o con plumas fuentes para tinta china.
De metal. Útiles para determinados trabajos. Tienen la propiedad de no deformarse.

Cuidado

Como todos los instrumentos de dibujo, la regla T es delicada y requiere de un trato adecuado.
Para su conservación se recomiendan las precauciones siguientes:

Mantenerla apoyada en su totalidad sobre una superficie plana.

Evitar que sus cantos sufran daños Al trazar con lápiz debe evitarse hacer presión exagerada contra el
canto.

Al trazar con tiralíneas debe cuidarse de que éste no cause daños al canto.
La Regla T debe limpiarse con un trapo seco y lavarse con bencina.

TECNIGRAFO
El tecnígrafo es una herramienta de ayuda al dibujo técnico que consiste en una escuadra (un par
de reglas en ángulo recto) montada en un goniómetro articulado que permite una rotación angular.[1][2]
El conjunto (pareja de reglas y goniómetro) es capaz de moverse libremente por toda la superficie
del tablero de dibujo, con un desplazamiento directo o indirecto mediante dos guías ancladas al tablero
de dibujo. Estas guías, que actúan por separado, aseguran el movimiento del conjunto, en dirección
horizontal o vertical del plano de trabajo, respectivamente, y se pueden bloquear de forma independiente
la una de la otra.
 El tecnígrafo (en inglés "drafting machine" o "máquina de dibujar") fue inventado por Charles H.
Little en 1901 (U.S. Patent No. 1,081,758). Little fundó la empresa 'Universal Drafting Machine
Company', en Cleveland, Ohio; para fabricar y vender la herramienta

El aparato estuvo presente en las oficinas de diseño de las empresas europeas desde la segunda
década del siglo XX. Es curioso ver cómo la autoridad de la Encyclopaedia Britannica especifica
explícitamente 1930 como el año de la introducción de esta herramienta:

En los equipos de diseño más antiguos, el movimiento del grupo quedaba asegurado mediante un
'brazo' que permite mantener el conjunto con el misma ángulo durante todo su recorrido. El brazo se
equilibraba mediante un sistema de contrapesos o muelles.

Normalmente, el tecnígrafo va montado en el tablero de trabajo de una mesa de dibujo con una
superficie dura y lisa, anclada a una base que permite su inclinación y elevación. De esta manera la
realización del dibujo se puede llevar a cabo de la forma más conveniente tanto en una superficie de
trabajo horizontal, como vertical.

Existen versiones especiales para mesas de dibujo de formato doble A0 (para realizar dibujos de
grandes dimensiones), o para mesas con una caja de iluminación de trasfondo, para las que son necesarios
unos equipos que proporcione el apoyo específico.
Con el tecnígrafo se pueden llevar a cabo una serie de operaciones de dibujo que de otra manera sólo se
pueden conseguir con un uso mucho más complejo de los utensilios
clásicos regla, escuadra y transportador, como, por ejemplo, el trazado de rectasparalelas, de
rectas perpendiculares, rectas inclinadas según un ángulo preestablecido, medida de ángulos, etc.
 Con el desarrollo del software de diseño asistido por ordenador (CAD), la utilización del tecnígrafo
—especialmente en el sector profesional— se ha visto drásticamente reducida, y la impresión sobre
soporte de papel, ahora, se confía al plotter.

El tecnígrafo es un dispositivo de ayuda el dibujo técnico que se instala en la mesa de trabajo.

Un tecnígrafo consta de un par de reglas en

posicion perpendicular (en ángulo recto entre ellas),
que van montadas sobre un transportador. Esto
permite al dispositivo girar a cualquier grado las
reglas perpendiculares. Todo el conjunto va montado
sobre unas guias que permiten desplazar las reglas por
la mesa de dibujo.

Algunas herramientas de los programas

profesionals para dibujo técnico, como Autocad,
incluyen herramientas basadas en el tecnígrafo.
 CAPITULO 7

7.1Rapidografo

Un Rapidógrafo es un instrumento especializado utilizado por un

ingeniero, arquitecto o dibujante para hacer líneas de ancho constante
para dibujos arquitectónicos, de ingeniería o técnicos. Los corrales
técnicos usan un depósito de tinta recargable o un cartucho de tinta
reemplazable.

Se denomina rapidógrafo o estilógrafo a un instrumento de

dibujo, que funciona utilizando tinta china o aceite, similar a
una pluma estilográfica, cuyo diseño es especial para el uso
en arquitectura y dibujode precisión.

Es una evolución al campo profesional de la pluma fuente, patentado por Lewis E. Waterman con el
sistema de almacenamiento de tinta o cartucho, y dividida en módulos desarmables con una plumilla que
posee un surco recto que distribuye la tinta, además de un sistema al vacío con un orificio que compensa
la presión entre la tinta y el aire, salvo la diferencia del sistema de impresión de tinta, generalmente
distribuida por un tubo mediante acción capilar de la tinta gracias al mismo sistema de bomba de vacío,
pues el mismo involucra una entrada de aire.

Los tubos se clasifican según su diámetro en milímetros (mm). Por ejemplo, 0.3 o .3 representa el
30% de un milímetro. Las menores medidas utilizadas oscilan entre 0.2. 0.1 y 0.09 mm (no común), aun
cuando estos extremos sólo se proveen en las marcas de mayor calidad y conllevan problemas con la tinta,
debiendo extremarse los parámetros de calidad y densidad. Las tintas suelen ser tinta china y tintas
especiales de muy baja tensión superficial.

 Artline
Es excelente, muy duradero, la punta no se deforma tan
fácilmente como las demás marcas.
Faber-Castell

Es excelente muy parecido al

“Artline”, pero más “económico”.

 Pelikan

Esta marca también es buena, la tinta sobre el

papel es bonita, pero estos rapidógrafos son muy

delicados, me pasó un par de veces que botó la

tinta (por suerte nunca sobre mis trabajos) y otra desventaja es que se acaban muy rápido.

 Graphicliner

Estosrápidografos tienen algo particular y es que la tapita es de rosca, sino está pendiente de
colocar bien la tapita esta se sale (se me secaron unos dos
rapidógrafos por este descuido). En mi percepción la punta
es bastante dura (esto puede ser bueno o malo dependiendo
de la persona) y como había comentado antes, la tinta se
corre sobre el papel vegetal. ¡Yo los he utilizado sobre papel croquis y funcionan perfecto!

7.2Reglas Graduadas

La regla graduada, por lo tanto, es el instrumento que dispone de una escala de valores para conocer
la longitud de algo. Lo habitual es que esta regla se encuentre dividida en pulgadas o centímetros, con
cada segmento marcado sobre su superficie: de este modo, al posar la regla graduada sobre algo, podemos
saber cuánto mide con solo observar la escala.

Las reglas graduadas también permiten dibujar líneas rectas de una longitud específica, ya que es
posible comenzar y finalizar el trazo en el lugar exacto que marca la escala. Más allá de la graduación,
estas reglas también permiten, por supuesto, crear líneas rectas sin prestar atención a la medición
La regla graduada más popular es aquella que mide 30 centímetros. En la
escala, además de centímetros, pueden estar mencionados los milímetros
y los decímetros, dos unidades que resultan útiles en ciertos contextos.

La regla graduada, así como muchos otros instrumentos que

usamos en la actualidad, tiene una historia muy antigua, y algunos de los
primeros ejemplares se fabricaron con una precisión admirable. El
primer material que se utilizó para su construcción fue el marfil, y más
tarde se pasó a la madera; sin embargo, en la actualidad se aprovecha
una variedad bastante amplia de materiales, entre los que se cuentan el
vidrio, el plástico y el acero, según la tarea a la cual se vaya a aplicar y
la precisión deseada.

 Regla de escritorio
: Es la clase más común y se usa para la medición, para trazar líneas
rectas y como referencia para realizar cortes. Por lo general se construye en
madera o plástico y mide entre 20 centímetros y 1 metro, con graduación en
milímetros (a veces, también incluye medios milímetros);

 Metro plegable:
Aunque su nombre no lo indique, éste también es una regla graduada, con la particularidad de
aprovechar mejor el espacio, gracias a estar partido en varios segmentos que se articulan fácilmente.

El primero en darse a conocer data del año 1851, en manos de su

inventor, Anton Ullrich. Se fabrica en metal o nylon, entre otros
materiales. Es importante señalar que destaca por no ser muy preciso;
  Cinta métrica:
Este tipo de regla graduada puede enrollarse, pero también permite la medición de superficies
curvas, dada su flexibilidad. Se fabrica en plástico, hule o acero inoxidable, y su extensión suele estar
entre 1 y 2 metros. Dentro de este grupo se encuentra la cinta de costura.

7.3 COMPAS

Un compás es un instrumento que se puede utilizar para realizar círculos o arcos de

circunferencia. También se puede utilizar como una herramienta para
tomar distancias, en particular en los mapas. Los compases se pueden
utilizar en matemáticas, para dibujo, navegación y otros fines.

Los compases se fabrican generalmente de metal, y constan de

dos partes unidas por una bisagra que se puede ajustar. Normalmente, una
parte tiene una punta en su extremo, y la otra un lápiz, o a veces un
bolígrafo. Las circunferencias se pueden hacer apretando una punta del
compás en el papel, apoyando el lápiz en el papel y moviéndolo alrededor
mientras se mantiene la bisagra con la misma apertura. El radio del círculo puede ser ajustado cambiando
la apertura de la bisagra.

 Compás de brazos planos

Tipo de compás empleado en la medición de interiores y
exteriores. Este posee una tuerca que se ajusta por medio de un tornillo
y tiene un resorte en el arco. Con esta tuerza es que se puede controlar
la presión sobre los brazos a la hora de buscar la posición ideal.
  Compas de puntas
Se refiere al compás que se utilizar para medir líneas y puntos,
y para trazar círculos y arcos. Estos también son empleados para
transportar ciertas medidas tomadas con una regla de acero. Sus puntas
suelen estar aladas.

 Compás de barra
Es el instrumento con el cual se realizar arcos y círculos grandes en el
interior de otros círculos. Conformado por una barra larga y horizontal donde se
fijan dos patillas móviles, donde una contiene el lápiz y la otra el punzón. Ambas
patillas mantienen una distancia con respecto al radio del círculo.

 Compás áureo
Usado por los grandes artistas y matemáticos (Da vinci, Fibonacci,
etc.), el compás áureo faculta la medición de la divina proporción de una
manera inmediata y precisa, siendo un instrumento indispensable a la hora de
generar una composición armónica y perfecta.

 El compás áureo de dos patas

El compás áureo de dos patas sirve para averiguar si dos
longitudes están en la razón aurea
  El compás áureo de tres patas
El compás áureo de tres patas sirve para comprobar si un
segmento está divido según la proporción aurea. Esto facilita hacer
diseños artísticos.

 Compás de bomba
Es el compás que se suele utilizar para trazar circunferencias que
tienen un radio pequeño. Este posee un brazo que gira libremente sobre el otro
brazo, el cual lleva la porta mina. El brazo carente de porta mina es que le sirve
de eje.

 Compás de proporción
Instrumento formado por dos reglas iguales unidas
a charnela, que abriéndolas completamente forman una sola
de doble longitud, de tal forma que los bordes quedan en
línea recta. Es aquel instrumento compuesto por dos reglas
que tienen la misma medida y que están unidas a charnela.
Suelen crear una sola regla con doble longitud cuando son
abiertas en su totalidad
  Compás de dibujar
Es el compás más común y utilizado por los estudiantes, el cual está
conformado por dos brazos que pueden articularse por un extremo, donde se
acopla la pieza cilíndrica o mango. Uno de los brazos dispone de una aguja de
acero en su punta, la cual se puede graduar por medio de un tornillo de presión,
y el otro dispone de un artefacto donde se ubica la mina o cualquier otro
accesorio.

 Compás de central
Refiere a aquellos compases que posee dos puntas
combinadas, una de ellas es gruesa y la otra curva. Se suelen utilizar
para trazar líneas paralelas donde se parte desde un borde para
realizar dicho trazo, o simplemente se usa el borde para encontrar el
centro cuando el objeto es cilíndrico.

 Compás de puntas secas

Tipo de compás con punta de acero aguda en cada extremo de
sus brazos, el cual es de gran uso en la toma y traslado de medidas. Es
con estos compases que es posible tomar cualquier medida y a la vez
grabar ciertos círculos en sólidos que tienen una gran dureza como es el
plástico, la madera, el hierro y el bronce.
  Compás de bigotera
Es el usado para hacer circunferencias de diversos diámetros,
donde con tan solo graduar la abertura de sus brazos se consigue el tamaño
deseado del círculo, para ello solo se debe manejar el tornillo o eje roscado.

 Compás de espesor
Es el compás que tiene rectos sus brazos y dispone de dos ramas curvas
dentro, el cual es usado en el cálculo del área de superficies curvas.

 Compás de mecánico
Tipo de compás que se utiliza a la hora de trazar
circunferencias en talleres de mecanizado, del mismo modo es
usado a la hora de analizar los diámetros de piezas exteriores e
interiores.

Plantilla Murmester

Las plantillas Burmester o pistoletes son un útil empleado en dibujo técnico para
rotular curvas cónicas u otras curvas suaves. Usualmente están fabricadas en metal,
plástico o madera, y están compuestas por varios perfiles diferentes (habitualmente
forman un juego de tres plantillas). Las formas son segmentos de espiral.
logarítmica o de clotoide. La plantilla se coloca sobre la superficie de trabajo (papel, cartón, madera. y
con cualquier útil de dibujo (o con una cuchilla) se recorre su contorno para reproducir el perfil deseado.
Deben su nombre al geómetra alemán Ludwig Burmester(1840-1927).

En la actualidad los programas informáticos han sustituido en gran parte estas plantillas mediante
las curvas de Bézier

7.4 Flexicurva

Una flexicurva o curvaflexible (también denominada frecuentemente en español con la palabra

inglesa spline, por su relación con este tipo de curvas) es un elemento largo y flexible, tradicionalmente
utilizado como utensilio de diseño para dibujar curvas suaves que pasan por una serie de puntos dados
(normalmente de un plano)

7.5 Plantillas

Una plantilla o dispositivo de interfaz, suele proporcionar una

separación entre la forma o estructura y el contenido. Es un medio o
aparato o sistema, que permite guiar, portar, o construir, un diseño o
esquema predefinido

 Sistemas de patrones perforados

Patrón perforado, es un pequeño material ya sea de papel,
cartón o hirero, que contiene pequeños orificios que te permiten trazar
una figura deseado o enmarcada en la textura. Este sirve para realiza
recursos para los murales y figuras para los niños

7.6 Plantilla (Sistemas de patrones grabados)

 En relación con la morfología, las primas presentan en condiciones normales u orto típicas
tres patrones morfo estructurales distintos cuando se utiliza la
técnica del grabado acido. Dicha técnica que es frecuente en la
práctica odontológica, permite eliminar la placa dentaria y
descalcificar el esmalte a una profundidad de +/- 10 µm,
facilitando la adhesión de los distintos materiales de restauración.
La técnica del grabado acido permite establecer, como acabamos
de indicar, tres patrones distintos.

La existencia de dichos patrones no está

claramente explicada, aunque se relaciona con la composición química de los prismas y, sobre todo con
posibles diferencias regionales en distintas piezas dentarias.

 Patrón tipo I
El centro del prisma parece erosionado permaneciendo insoluble la periferia

 Patrón tipo II
La periferia de los prismas aparece erosionada y permanece insoluble lazonacentral

 Patrón tipo III

Se produce una erosión generalizada y se configuran imágenes que vagamente recuerdan la morfología
prismática en escamas de pescado o en ojo de cerradura
7.7 Maquina De Perspectiva

Otros muchos han utilizado este mismo sistema u otros parecidos, para calcular la
perspectiva, por ejemplo, la cámara oscura, modelo por excelencia de la Óptica: por un orificio (como la
pupila) practicado en una habitación o en una caja entra la luz exterior, que se proyecta sobre la pared de
enfrente o sobre cualquier superficie interpuesta proyectando una la imagen plana que se podía copiar
fielmente. Otro ejemplo es la linterna mágica que en realidad es una aplicación de la cámara oscura: una
lámpara reflejada en un espejo cóncavo sustituye a la luz del sol. El objeto es ahora una trasparencia y se
puede interponer una lente entre la trasparencia y la pantalla de proyección para enfocar la figura y variar
su tamaño. Utilizado en los S. XVII y XVIII. Otros métodos son conocidos como el portillo de Durero, o
el velo de Alberti, o el instrumento de
Vignola que tiene el mismo fundamento
que el portillo, o el perspectógrafo que es
una máquina de dibujar que traza
directamente en perspectiva cuyos
principios se basan en la semejanza
geométrica...

7.8 Material de Dibujo

 Lápiz
Lápices Duros (H) y Blandos (B)Los lápices se pueden
clasificar según su dureza, desde el más duro 8H, pasando por 7H,
6H, 5H, 4H, 3H, 2H, 1H, HB, 1B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, hasta
8B, el más blando. En el centro tenemos el HB que es lo que te
suelen dar cuando

pides un lápiz "a secas". Los lápices duros se utilizan

para perfilar o calcar, ya que hacen un trazo más nítido y fino, y
son muy
 limpios. Los blandos se acercan más al carboncillo, son muy suaves al dibujar y se logran
unos negros muy intensos. Se utilizan más para abocetar.

En realidad, a no ser que vayas a hacer cómics con grises de lápiz todo esto sobra un poco, ya
que la mayoría utilizamos un HB normalito tanto para encajar (apretando menos) como para definir
(apretando más). Ya que luego el entintado tapará el trabajo de línea.

 Portaminas 0,5 HB
El artefacto que desterró al sacapuntas. Básicamente es un
lápiz recargable. Las minas normales son 0,5 HB. HB hace referencia a
la dureza de la mina (ver apartado anterior) y 0,5 (mm) al grosor. Así que
los que rompéis demasiado las minas deberíais saber que existen minas
(mucho) más gruesas que podríais probar. Aunque tendríais que comprar
otro portaminas... y un sacapuntas especial (!).

 Lápiz Azul
Lo utilizan mucho los que trabajan en dibujos animados, y algunos dibujantes de cómic han
adoptado sus técnicas (ver mesa de luz, más abajo). Se usa para
abocetar. La ventaja que tenía es que el azul no salía en el fotolitado
de la imprenta y por tanto no había que borrarlo. En las exposiciones
de originales se puede apreciar perfectamente. Actualmente el
proceso ha cambiado, ya que se escanean las páginas, para rotular y
maquetar, y en el ordenador sí aparece el azul -aunque es fácil de
quitar. La otra ventaja que se suele comentar es que el azul ayuda a
calcular mejor los volúmenes (¿!?). En cualquier caso, sí que da una
apariencia más bonita a los bocetos.
  GOMAS
 Milán"
La de toda la vida". Borra muy bien, pero para las páginas grandes de
cómic no es muy práctica ya que suelta mucha miga.

 Läuferplast 120
Es translucida y su virtud es que no suelta tanta miga (sólo una
especie de chorizones gordos negros). El número hace referencia al
tamaño, 120 es el tamaño mediano. Esta goma es la que utilizo para borrar
las páginas completas después de entintar.

 Goma maleable
Es como un pegote de plastilina gris. Al pasarla se va
quedando pegado el grafito y va clareando el dibujo (al tiempo que ella
se va poniendo negra). No suelta NADA de miga y

puede coger formas en punta para borrar detalles. Se usa

mucho en bellas artes, aunque a mí no me convence demasiado.

 Portagomas
Es como la Milán "de toda la vida" versión canutillo que se mete
en una especie de portaminas para gomas. Recargable (aunque dura una
eternidad). Excelente para borrar detalles.
  Portagomas eléctrico
Una chorradita que me han enseñado alguna vez y que
comento porque me hace gracia. Es algo así como un hibrido entre un
portagomas y una taladradora. Muy práctico si tenéis que hacer trabajos con
grises.

 Lápiz goma
Es un lápiz que tiene una goma dura en vez de mina. Se saca punta igual. Yo he visto
utilizarlo a ilustradores para sacar matices a los grises de lápiz.

Papeles y Cartulinas

El gramaje y la textura. El gramaje (de gramo) es el peso, el grosor de la cartulina. Para los
dibujos a lápiz el papel normal es suficiente. Para la tinta se necesita algo más grueso y resistente. Si vais
a colorear con acuarela, acrílico, tempera, se necesita una cartulina tan gruesa que no se deforme y absorba
bien todo. Para el óleo se utiliza una tela gruesa tratada y tensada. Las cartulinas no son demasiado baratas,
así que hay que utilizar la más adecuada al trabajo que vayamos a hacer. En las tiendas especializadas de
cartulinas (sí, hay muchos tipos) las venden en pliegos grandes que salen algo más baratos, aunque hay
que pedir que te las corten. Los "restos" los podéis utilizar para
hacer pruebas de color o avioncitos.

La textura se puede dividir en tres grandes

categorías: rugosa, alisada y satinada. La rugosa absorbe mejor
la acuarela y da un toque rasgado

y seco a los trazos de lápiz. Para la tinta no es muy

práctica, ya que queda demasiado tosca, y si entintáis con plumilla es directamente impracticable (se
engancha la punta). La satinada es muy suave. Es muy limpia para el lápiz y va muy bien para el pincel y
la plumilla. El problema es que el color "resbala", no agarra bien y tarda más en secar. La alisada está a
medio camino entre las dos.

 Tinta
Lo fundamental en una tinta es que sea negra. Parece una
perogrullada, pero no lo es. Si no es lo suficientemente negra y
espesa, al llenar grandes masas quedan "calvas", zonas grisáceas
donde se ve el trazo, lo cual nos obliga a dar otra pasada, con la
consiguiente pérdida de tiempo (y gasto de tinta).

 Talens
Ni muy espesa ni muy líquida. En su punto. Algunas épocas me han costado
mucho encontrarla.

 Pelikan
La tienen en todos lados (en casi cualquier papelería de
barrio), pero es bastante mala. Yo sólo la utilizaría para entintar
con plumilla. Hay un truco para espesar la tinta que es echar un
pegotón de tempera negra en el bote y dejar que se disuelva. El
problema es que la tempera se va con agua, con lo que al final
tienes una tinta que destiñe (!).
  Pinceles
Hay muchos tipos de pinceles, muchos
grosores, muchos tipos de punta y, sobre todo, muchas
marcas. Para entintar, lo que nos interesa es que tenga la
punta muy fina. Fijaos que sólo digo la punta, el grosor
(cantidad de pelos) no tiene por qué ser demasiado fino. Al
contrario que con los rotuladores calibrados, que hay que
cubrir una gama de finos, medianos y gruesos, la ventaja
del pincel es que no hay que cambiar de herramienta para
conseguir distintos grosores de trazo. Así, yo recomiendo
comprar sólo dos pinceles: uno sintético, en plan brocha
gorda, para las GRANDES masas de negro, y uno de pelo
de marta mediano (aproximadamente un nº4, depende de la marca), para todas las líneas y para las
pequeñas y medianas masas de negro.

 Palillero/Manguillo
Es el soporte de madera o plástico de la plumilla. De esto sólo
necesitaréis comprar uno.

 Plumilla
Es la piececita de acero o bronce con que se entinta y que se coloca en un extremo del
palillero. Comprad varias para tener de repuesto, especialmente los principiantes porque las suelen
estropear bastante rápido (aprietan demasiado, deformándola, o la usan al revés - ¿! -, o se les engancha
en el papel). Hay de varios tipos, sobre todo para caligrafía. Al comprarlas decid claramente al dependiente
que la vais a usar para entintar dibujos, porque lo que nos interesa es
que haga varios tipos de grosor de trazo en función de la fuerza que empleemos. Cada vez son más difíciles
de encontrar en papelerías, aunque por internet hay varios sitios que las
sirven sin problemas.

 Rotuladores
Como en todo lo referido al material de papelería y a todo lo
dicho hasta ahora "hay muchos tipos y marcas" de rotuladores.
Centrándonos en los cómics nos interesa especialmente que ponga por
algún lado aquello de "Indelebles/ Permanentes/ Resistentes al agua
y a la luz". Eso se debe a que, si luego vamos a colorear con acuarela,
acrílico, o cualquier técnica que emplee agua, incluida la tempera
blanca y el típex, nos ahorraremos más de un susto.

 Calibrados
Se vende en varios grosores: 0,1/0,2.... 0,7/0,8. Por comodidad, suelo acabar comprando el pack
0,2/ 0,4/ 0,8 Son los rotuladores con que se suelen entintar los
bordes de las viñetas y los bocadillos; y con lo que se rotula, si es
que no lo hacéis por ordenador. El 0,2 yo lo utilizo incluso como
sustituto del pincel para cosas muy pequeñas (pupilas, cejas, uñas)
porque lo controlo mejor. Hay varias marcas, todas bastante buenas:
Pilot, Staedler, Faber-Castell. Si probáis otras marcas, hay varios
factores que a mí me sacan de quicio: que sean caros, que su sistema
recargable sea

engorroso (prefiero los desechables), que su tinta no sea indeleble, y lo peor si cuando bajas la velocidad
del trazo sueltan más tinta y aparece un punto al final de la línea.
  Rotulador Pincel
¡La herramienta del futuro! ¡Un pincel auto
recargable! La marca que más me gusta es PITT Artist Pen de
Faber-Castell, porque no es demasiado blandurrio; digamos
que es más rotulador que pincel, mientras que otras marcas son
más pincel que rotulador. Es de usar y tirar, y más barato que
un calibrado. En cualquier caso, siempre recomiendo aprender
primero a entintar con un pincel de verdad, ya que el "tacto" de
un pincel no tiene nada que ver con un rotulador. ¡Con un pincel no haces fuerza contra el papel! En fin,
que son una maravilla, pero no hacen milagros, sólo son herramientas. Si no sabes entintar... los
rotuladores-pincel no son auto-ejecutables!

 Reglas
Escuadra y Cartabón

 Compas
Para hacer círculos, claro. El modelo más práctico para los dibujantes
es probablemente el más barato. Es ese con una ruedecita ajustable en uno de
los extremos que te

permite poner la herramienta que quieras. Así nos sirve tanto para el
lápiz como para los distintos rotuladores calibrados.
  Cuiter
Básicamente es una cuchilla con mango. Yo la utilizo para
cortar cartones cuando tengo que hacer "emparedados" al enviar
originales. Aunque también se utiliza para cortar viñetas y para raspar
pequeños fallos del entintado.

 Tempera
Sólo me refiero aquí al color blanco, para corregir
fallos. Lo bueno que tiene la témpera (o guache, pronunciado
guash) frente al tipex, es que con la tempera puedes echarle agua
para diluirla y usarla más líquida o más espesa al gusto -si la
diluís bastante podréis usarla con el pincel para hacer líneas ¡y
hasta con la plumilla! -. La marca Peli kan está bien y se
encuentra sin problema

7.9 Papel de borrador

7.10 Papel de borrador grueso

7.10 Tela

Una tela es una estructura laminar flexible, resultante de la unión de hilos o fibras de manera coherente al
entrelazarlos o al unirlos por otros medios. A la industria que fabrica telas tejidas a partir de hilos se le
llama en general tejeduría.

 Tipos de telas
Acetato: Tela artificial con apariencia de seda, fabricada con
hilos de fibra de acetato de celulosa. No encoge, no destiñe, no
se arruga.

Acrílicos. Tela artificial que semeja al tejido de lana. Colores

nítidos.:

Alpaca. Tela fabricada con fibras de lana de Alpaca. Tejido fino,

sedoso y liviano.

Damasco. Reversible con patrones ondulados.

Franela. Suave, con la superficie satinada que casi anula la textura

del tejido. Terminación deslucida. Dull finish. Made in a variety of
weights. Encoge si no es tratada.

Gabardina. Terminación nítida, tejido denso, durable, resistente al

desgaste. Difícil de planchar, brilla con el uso.

Gasa. Semi-transparente y liviana.

Mezclilla. Azul, café o gris oscuro, tejido de alta torsión, para ropa de trabajo. Grueso, delgado y crudo.

Nailon. Tela de material sintético resistente a la abrasión y acción de químicos. Es elástica, fácil de lavar,
de aspecto lustroso. Recupera su forma con facilidad, no es absorbente, seca rápido y admite algunos tipos
de teñido.

7.11 Soporte Plástico Indeformable

Incluir los tableros de dibujo, los tecnígrafos o el propio ortsope empleado (papel o plástico). Estos
utensilios pueden ser utilizados tanto para representar
 Casete

de audio, con una carcasa de material cerámico

que era prácticamente indeformable y aseguraba la correcta
posición del casete dentro del equipo reproductor

7.12 Tinta

 Tres tinteros y una pluma.

La tinta es un líquido que contiene varios pigmentos o colorantes utilizados para colorear una
superficie con el fin de crear imágenes o textos. Comúnmente se considera que la tinta es utilizada en
lapiceras, bolígrafos o pinceles; sin embargo, es utilizada extensivamente en toda clase de impresiones.
Tabla de contenidos.
  Tipos de tinta
Las variedades más antiguas de tinta que se conocen incluyen a la tinta china, varios colorantes
hechos a partir de metales, la cáscara o cobertura de diferentes semillas y animales marinos como el
calamar o el pulpo. La tinta china es negra y originaria de Asia. La tinta de nuez fue utilizada por muchos
artistas antiguos para obtener coloración marrón-dorado utilizada en sus dibujos

Las tintas pigmentadas contienen otros

componentes para asegurar la adhesión del
pigmento a la superficie y prevenir que sea
removida por efecto de abrasión mecánica. Estos
materiales son generalmente resinas (en tintas
solventes) o aglutinantes (en tintas al agua)

Las tintas pigmentadas tienen la ventaja

que cuando son empleadas sobre papel, éstas
permanecen sobre la superficie aplicada. Esto es
una característica deseable, porque cuanta más
cantidad de tinta queda sobre el papel, se necesita
menos cantidad de tinta para obtener la misma intensidad de color.

Los colorantes, sin embargo, son generalmente mucho más fuertes y pueden producir más
color de una densidad dada por unidad de masa. Sin embargo, debido a que los colorantes son disueltos
en una fase líquida, tienen una tendencia a ser absorbidos por el papel, haciendo a

la tinta menos eficiente y también permitiendo que se corra de su lugar, produciendo un

efecto desprolijo y de poca calidad en la impresión

Para solucionar este problema, las tintas basadas en colorantes son fabricadas con solventes
que hacen su secado mucho más rápido o son utilizadas con métodos de impresión de secado rápido, como
el soplado con aire cálido sobre la impresión fresca. Otros métodos, particularmente aconsejables para
tintas que no son utilizadas en aplicaciones industriales
 (debido a que poseen una alta toxicidad) tales como las impresiones a chorro, incluyen el
recubrimiento del papel con una capa cargada. Si el colorante tiene la carga contraria, entonces es atraído
y retenido por esta capa, mientras que el solvente es absorbido por el papel.

Una ventaja adicional de los sistemas basados en la tinta con colorantes es que las moléculas de
los colorantes interactúan químicamente con los otros componentes de la tinta. Esto significa que ellos
pueden beneficiarse más que la tinta pigmentada de aclaradores ópticos y de resaltadores de color para
incrementar la intensidad y apariencia de los colorantes. A causa de que los colorantes adquieren su color
a partir de la interacción de electrones en sus moléculas, la manera en que los electrones se puedan mover
es determinada por la carga y rango de la dislocación del electrón con los otros ingredientes de la tinta. El
color surge de en función de la energía de la luz que recae sobre el colorante.

7.13 Transferibles
 8.1 HISTORIA DEL DISEÑO GRAFICO

El génesis del diseño lo podemos encontrar en las pinturas rupestres, 20 mil A.C.
aproximadamente, en las mismas se observan figuras representando animales y otros seres humanos, se
estima, con fines religiosos.

Los egipcios elaboraron un avanzado sistema de escritura, los jeroglíficos, pronto diseñaron
también un soporte más resistente al paso del tiempo llamado papiro. Llegando a la edad media se
comienza a prestar atención a las ornamentaciones y decoraciones, añadiendo atractivas misceláneas e
ilustraciones a los textos principalmente religiosos. Había especial interés de la iglesia en escribir biblias
llamativas para ayudar difundir el mensaje religioso. Ya para el año 1440 Johan Gutenberg diseña la
imprenta, un artefacto capaz de reproducir textos e imágenes sobre papel en escala masiva. Nace la
industria de la imprenta moderna, esto permitió lanzar un sinfín de productos impresos en todo el mundo.
Se crean nuevos materiales, nuevas tintas, fuentes tipográficas de todo tipo y se crea una nueva profesión:
el tipógrafo o cajista, un técnico especialista en maquetación y ajuste de textos que luego serían impresos
por los impresores.

Una etapa decisiva en la concepción del diseño gráfico como profesión actual, fue durante
la revolución industrial. Con el surgimiento de la industria mecanizada se desarrollan la economía y los
mercados, los campesinos se desplazan a las ciudades para trabajar en las fábricas y aparecen las zonas
comerciales y la competencia para vender a las masas los nuevos productos elaborados, es así como se
desarrolla la técnica publicitaria que se ocupa de enviar a los posibles consumidores información acerca
de las nuevas mercancías. Esto provoco la necesidad comercial de un profesional con los conocimientos
necesarios para manejar de manera correcta diversos elementos visuales: formas, textos, tipografías, tonos,
ilustraciones fotografías, debían ser orquestadas coherentemente para comunicar masivamente ideas
puntuales a los posibles consumidores, es entonces que aparecen los primeros diseñadores gráficos y la
comunicación publicitaria cobra gran fuerza. A finales el siglo XX comienza la era digital, las
computadoras, al principio muy costosas, se vuelven productos cada vez más y más masivos. Esto y el
uso de programas especiales, permitió que el diseño gráfico pueda ser realizado de manera digital,
empujando los límites visuales más lejos y redefiniendo toda la profesión. Los diseñadores deben
readaptarse a las nuevas tecnologías.

Con los computadores los tiempos de producción se

aceleran, pero también, al multiplicarse los medios y los
formatos, crece la demanda de diseño gráfico. Internet es el
último de los desafíos hasta el día de hoy, la interacción de
animaciones, contenidos multimedia con textos y
aplicaciones online, abre nuevos caminos y propone nuevos
desafíos.
 8.2 ANTECEDENTES

Fundamentos Muchos ven el diseño, como la rama que se dedica a hacer que las cosas se vean
bonitas, si bien esto es parte del diseño no abarca en su totalidad la función del diseño como tal. Si miramos
a nuestro alrededor por un momento, veremos que el diseño de los inmuebles no solamente está para
adornar, por ejemplo, un escritorio.

Clasificación Vemos los campos de actuación del diseño son muchos casi tantos como los objetos
que usamos y consumimos cada día. No obstante, en orden a clarificar ideas vamos a establecer una
primera clasificación del diseño por tipos: Diseño gráfico: que integra la edición, la publicidad y la
identidad. Un ejemplo de diseño gráfico es el proyecto de identidad corporativa de la Comunidad que
estudiaremos en esta unidad. Diseño industrial: esencialmente orientado a proyectar desde una doble
capacidad expresiva y funcional objetos que se puedan fabricar a través de un proceso industrial. Un
ejemplo de diseño industrial puede ser cualquiera de las consolas de videojuegos que utilizas.

 Divisiones Diseño gráfico publicitario:

la publicidad ya que facilita a las personas a mostrar sus productos ya que este es una rama
muy amplia pues con el diseño puedes informar por medio digital o impreso. Diseño editorial: es
aquel que se utiliza en los Periódicos de una forma que critica constructivamente y juzga de
acuerdo con el autor, Pero no tiene firma de quien lo escribe Diseño de entidad corporativa: El
diseño también se concentra en lo visual en todo lo que vemos, observamos y detallamos ya que
todo lo que miramos lo queremos dar a conocer y este es un método muy fácil y didáctico el cual
podemos facilitar a las personas
 Diseños tipográficos:
El diseño en esta parte es muy esencial el cual hay diferentes tipos de letras y tú tienes la
posibilidad de escoger en una gran cantidad de formas de letras como quieras para los trabajos, o
demás cosas que quieras o necesites hacer Diseño multimedia: Este es el campo más amplio para
el diseño pues aquí te darás el gusto de crear e innovar cosas
nuevas para todo; la multimedia abarca todo lo que tiene que
ver con animación , video, música, imágenes, texto, sonido,
esto se deduce a todo lo que tiene que ver con la tecnología
ósea seremos ayudantes de la creación de la tecnología.
 Características
El diseño gráfico busca transmitir las ideas esenciales
del mensaje de forma clara y directa, usando para ello
diferentes elementos gráficos que den forma al mensaje y lo
hagan fácilmente entendible por los destinatarios del mismo.
Conceptualización de ideas La conceptualización es una
perspectiva abstracta y simplificada del conocimiento que
tenemos del "mundo", y que por cualquier razón queremos representar.
 8.3 El Siglo XIX
La invención de la máquina de vapor aunada a las mejoras conseguidas en la extracción del hierro
y la fabricación de un mejor acero llevaron a la industrialización de grandes ciudades europeas y
norteamericanas, el país que llevó la delantera en este proceso fue Inglaterra. Este desarrollo de la industria
generó también una migración enorme de campesinos hacia las ciudades que pronto se convirtieron en
focos de problemas de hacinamiento, pobreza y maltrato por las condiciones infrahumanas en que
trabajaban los obreros de las fábricas, muchos de ellos niños, en jornadas que llegaban a 16 horas diarias.

En ese entorno surgen movimientos sociales y Karl Marx escribe "El Capital", generando la idea
del socialismo y el comunismo como alternativa al capitalismo descarnado que se vivió durante las
décadas iniciales del siglo XIX.

Es también en estas condiciones que escribe Ruskin sobre el deterioro evidente de la belleza de los
productos que se producían en ese momento, mostrando cómo la industrialización había destruido el buen
gusto, William Morris llega más lejos aún al rechazar el uso de la máquina e intentar volver a la artesanía
para crear productos de calidad, fundó la imprenta KelmscottPress y es parte fundamental del movimiento
Arts&Crafts, precursor de algunos de los movimientos posteriores como el Art Nouveau, siendo socialista
sus intentos fueron enfocados a la clase obrera pero pronto se vio que los únicos que podían pagar artesanía
de calidad era la misma clase burguesa que siempre la había adquirido.

A pesar de ese fracaso, Morris sentó la idea de que el diseño debía

ser para todas las clases sociales, abriendo el camino que en el siglo XX
sería la tónica, pues la industria actual produce diseño de calidad de todo
precio y se ha generado un aprecio al diseño que trasciende a la mayor parte
de la humanidad.

Su tipo Golden nos remite al tipo creado por Jenson en el S. XV y el

tipo Troy es una mezcla de gótico con elementos romanos. Asimismo, creó
líneas, ornamentos e iniciales para apoyar y complementar sus alfabetos. El
movimiento fue el mayor estímulo para el modernismo del S. XX. Hubo
fundiciones americanas y europeas que no sólo copiaron los tipos de Morris,
sino que pusieron en marcha sus propias iniciativas de recuperación,
relanzando nuevas versiones de los tipos antiguos y de transición, caídos en
desgracia hacía tiempo.
 8.4 PRIMERAS VANGUARDIAS

La principal característica de estas vanguardias, que incurren de lleno en la originaria

construcción de un nuevo diseño gráfico cada vez más especializado, es la reivindicación de lo original,
de la innovación, de la actitud provocadora, desafiando los modelos tradicionales, violentando las formas
y utilizando colores estridentes. Hablar de estas vanguardias es hablar de libertad de forma y de libertad
individual, de audacia ya sé que desecha todo lo anterior por desfasado y de su carácter experimental.

 Cubismo
El Cubismo fue un movimiento artístico originado en 1907, con la
obra de Pablo Picasso “Les Demoisellesd’Avignon”. El objetivo
primordial del movimiento era alejarse de una representación naturalista
del mundo y la consecución de poder plasmar en el cuadro la visión de un
objeto desde distintos ángulos, las figuras representadas adquieren planos
geométricos, se crean en muchas ocasiones ilusiones espaciales y la
perspectiva varía, observando simultáneamente a la figura representada
desde varios puntos de vista.
 Futurismo
El futurismo es un movimiento surgido en Italia a principios del
siglo XX influenciado por el cubismo y que aun hoy ofrece una amplia
inspiración para las artes gráficas. Marinetti fue su precursor y publicó
su primer manifiesto en la primera página de Le Figaro en 1909. Rompía
con lo tradicional, con lo pasado. Buscaba una renovación de la
sensibilidad humana a través del movimiento, el dinamismo, la
velocidad, la multiplicación, la, la fuerza interna de las cosas.
 Dadaísmo
El Dadaísmo surgió durante la Primera Guerra Mundial,
concretamente en 1916. El autor emblemático de este movimiento
vanguardista fue Tristán Tzara, el cual junto con los demás autores
del movimiento se reunían en el Cabaret Voltaire de Zurich. El
movimiento dadaísta se caracterizó sobre todo en la intención de
destruir los códigos establecidos en el mundo del arte, se podría
definir al Dadaísmo como un movimiento anti-arte, anti-literatura y anti-poesía.
 Surrealismo
El surrealismo comienza en el año 1924 con la publicación del
'' Manifiesto Surrealista'' de André Breton quién defendía que, en el
contexto histórico de la posguerra, se necesitaba la aparición de un
nuevo arte que fuera capaz de profundizar en el interior del ser
humano. Por ello él en su obra intenta descubrir las profundidades del
espíritu.
 8.5LAS ESCUELAS DE DISEÑO

 BAUHAUS
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se
dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura Las
actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años
treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al
pensamiento avanzado del diseño. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado
y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal. La forma visual se
consideró como una escritura universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al
cerebro En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse tanto a la escritura
como al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o imagen simple.
 ULM
La Escuela De Ulm creada en 1953 y clausurada en 1968, fue una escuela universitaria
radicada en Ulm, Alemania, que se dedicó a la enseñanza, la investigación y el desarrollo en el
campo del diseño A grandes rasgos, esta escuela se destaco por la integración del proceso de diseño
al proceso de industrialización y por dotar de carácter metodológico el proceso decreación.
Comienza en 1933, año en el que se disuelve la Bauhaus a causa de la segunda guerra mundial, la
concepción del mundo cambio, los diseñadores empezaron a cambiar de mentalidad. Se puede
decir que la principal preocupación de esta escuela era definir el diseño “no como una extensión
del arte a la vida, sino de un giro hacia el dominio practico” Fundada, entre otros, por Inge Aicher-
Scholl, OtlAicher y Max Bill, ganó rápidamente el reconocimiento internacional, ya que durante
su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro
de los departamentos de : Comunicación Visual, Diseño Industrial , Construcción, Informática, y
más tarde de Cinematografía. Principalmente su historia se formó por medio de la innovación y el
cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución
experimental.
 Escuelas suizas de diseño:
Basilea y Surich En la primera mitad del siglo XX,
Suiza se encontraba en una situación social, política y
económica que ofrecía en el ámbito de la creación
gráfica, unas condiciones idóneas para su libre
desarrollo, en contraposición a los países vecinos,
Alemania, Francia e Italia, entonces sumidos en graves
conflictos políticos y sociales. Por ello, numerosos
tipógrafos y artistas gráficos, procedentes de estos
países, escogieron Suiza, durante estos años, como lugar
de residencia, deseosos de encontrar un ambiente
propicio, que no pusiera trabas al desarrollo de todo su potencial creativo.
 8.6SEGUNDA VANGUARDIAS

Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las
consecuencias de tan brutal acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la
emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que las nuevas tendencias del arte pasen de Europa
a América, de Francia a USA, de París a Nueva York que se convierte en la nueva capital del arte, el
epicentro de las nuevas vanguardias. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente debido a
los medios de comunicación, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez fueron
acogidas de un modo más natural, menos traumático. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta
tranquilidad y sosiego al mundo del arte, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada.

 Tendencias informalistas
el peso del surrealismo a pesar de su desarrollo independiente; asimismo
surge el automatismo y la improvisación psíquica como revelación del mundo
subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura,
en ocasiones con aditivos ajenos, como arena, polvo de mármol, yeso… Su
pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más
representativo del estilo fue Jean Dubuffet.
 Expresionismo abstracto
americano. Tendencia que muestra grandes e importantes influencias
como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con
la naturaleza y la figuración en este movimiento están más que superados. Un
importante grupo de artistas componen esta tendencia, artistas que se conocen
personalmente, comparten estudio y salas de exposiciones, y reflexiones
acerca del movimiento.

 Minimal Art.
El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su
proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del
siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como
lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto
industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le
añadirá ni uno más. De esta forma, produce imágenes limpias,
aparentemente vacías y simples, con gran carga estética más que funcional.
  Pop Art.
Primera vanguardia neo representativa de origen británico y
norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el
cómic, la ilustración y el cartel, incluso la fotografía instantánea. La
mayoría de artistas encuadrados en esta tendencia comienzan sus carreras
con el arte comercial: Andy Warhol era un ilustrador de éxito y diseñador
gráfico, Ed Ruscha también fue diseñador gráfico, y James Rosenquist
comenzó como pintor de carteles publicitarios.

8.7ACTUALIDAD

El Diseño Gráfico es hoy en día una parte fundamental del desarrollo de la economía de un país,
este genera un nexo entre lo que una empresa quiere comunicar y el común de las personas, es parte
esencial del éxito de una campaña publicitaria. Un buen diseño (que cumpla su objetivo) es un “plan
concebido mentalmente”, una solución eficiente, una respuesta a un profundo análisis, una decisión y sus
respectivas consecuencias ante el planteamiento de un problema, que bien integrado, llegará a nuestras
manos de una manera natural, en base a una adecuada correspondencia entre la forma y su sentido. En el
campo se actúa en el sentido de que, usando el diseño gráfico como herramienta de persuasión, se puede
convencer a los clientes potenciales de que cada negocio tiene características e ideologías concretas que
se adecúan a un tipo de cliente en particular y tratando de mostrar cual negocio va mejor con cada tipo de
persona.

Al hacer esto, cada negocio crea una identidad propia que va de acuerdo con los ideales que buscan
alcanzar y proyectar hacia los posibles consumidores resultando en una adherencia por parte del
consumidor, haciéndolo sentir como parte de la empresa, en vez de un ente aislado de ella. Como ya se
mencionó el diseño gráfico cumple una labor comunicativa y otra práctica, -comunicar la información de
un modo nuevo que resulte interesante al público- que hacen referencia a las funciones a cumplir por los
objetos y la satisfacción de las necesidades del usuario. Desde un punto de vista industrial, un producto
diseñado no debe ser sólo susceptible de realización, sino que, en sí mismo.

Desde el campo de la comunicación podemos decir, que el diseño es la adaptación de los

conocimientos de composición gráfica a cualquier medio expresivo, actualmente basados en el desarrollo
de las nuevas tecnologías convirtiendo el diseño gráfico en un
campo en constante movimiento; actualmente, el campo del
diseño gráfico es mucho más amplio que en el pasado y abarca
disciplinas incipientes como la gráfica en movimiento, la
comunicación medioambiental y los nuevos medios de
comunicación. Debido a esto el diseñador se encuentra ante el
desafío de explotar todas las posibilidades que los nuevos
medios le ofrecen. tarea del diseñador actual ha aumentado
enormemente con el continuo progreso de la economía, la
industria y la electrónica audiovisual.
 Los nuevos procesos industriales generan productos nuevos realizados en nuevos materiales y con
nuevas formas. Los problemas que se le plantean al diseñador han cambiado, al igual que las exigencias
que son cada vez mayores. Ya no basta con satisfacer la demanda hasta ahora presente en su profesión,
sino que se le hace obligatoria una especial evolución de su labor hacia otros campos relacionados con
cuestiones comunicativas, psicológicas y sociales.

8.8HERRAMIENTAS DIGITALES PARA EL DISEÑO GRÁFICO

Durante la última década ha cambiado por completo el proceso de producción editorial, y como se
preparan los textos y gráficos que constituyen las publicaciones impresas o digitales. Los sistemas
digitales se han impuesto por completo.

Los programas que son la esencia del auto edición o composición digital de documentos son:

Los programas que son la esencia de la autoedición o composición digital de documentos son:

Los programas de composición de página como Pagemarker, QuarXpress o Indesign. Pretenden

hacer los mismo algunas alternativas más domesticas como el Publishr de Microsoft o Serif PagePlus.

Aplicaciones de ilustración o dibujo vectorial como Ilustrator, Corel Draw o Freehand.

Utilidades de tratamiento de imágenes y fotografías, como Photoshop o Paintshop Pro.

De hecho, estos últimos años se ha dado una tendencia a engordar estos programas, añadiendo
prestaciones, de modo que pueden llevar a cabo tareas
casi las tres bases de la autoedición comentadas. La
consecuencia principal ha sido la aparición de
programas monstruosos, innecesariamente complicados,
devoradores de recursos y lentos, que a veces hacen
añorar las primeras versiones, más rápidas simples y
fiables, y con un mejor enfoque en trabajos específicos.

La forma a trabajar y los formatos de archivo

que usaremos depende mucho de si el producto final
será publicación escrita o si será un documento para
colgar en la red.
 8.9CorelDRAW.

Aplicación informática de manejo vectorial flexible, relativamente básica y relativamente sencilla

de usar que hace parte del paquete de aplicaciones CorelDRAWGraphics Suite ofrecida por la
corporación Corel y que está diseñada para suplir de forma rápida y fácil múltiples necesidades, como el
dibujo, la maquetación de páginas para impresión y/o la publicación web, todas incluidas en un mismo
programa.

CorelDRAW es pensado para ser usado por un público general,

pudiendo ser manejado por personas con poco o nada de conocimiento
en manejo de éste tipo de herramientas como también por diseñadores
de un nivel de experiencia promedio que va del básico al moderado,
razón por la cual, sus herramientas tienden a ser intuitivas haciéndolas
simples de aprender y usar, esto, y su capacidad de "todo en uno", lo
han convertido en una especie de "estándar" de éste sector en algunos
países, sin embargo, usuarios de un nivel más experto utilizan ya
aplicaciones más avanzadas y especializadas en un sólo propósito
como Adobe Illustratorpara ilustración, Adobe
InDesign o QuarkXPress para maquetación y Adobe
Dreamweaver o Microsoft Expression Web para publicación
en internet.

8.10InDesign
Es una aplicación para la composición digital de páginas desarrollada por la compañía Adobe
Systems y dirigida a maquetadores profesionales. Presentada en 1999, su objetivo era constituirse en la
alternativa a QuarkXPress (QXP), de Quark Inc., que desde hacía doce años venía ejerciendo el monopolio
de facto en la composición profesional de páginas.

Entre los analistas llamaba la atención el hecho de que Adobe, impulsor de la tipografía digital,
inventor del PostScript y líder indiscutible de las aplicaciones de creación gráfica Adobe Illustrator® y
Adobe Photoshop, no pudiera ofrecer una solución global de diseño gráfico al no contar en su catálogo
con la herramienta que debería aglutinar a las demás, es decir, una
aplicación de composición de páginas. Esa situación empezó a cambiar en
1994: unos meses antes de absorber a FrameTechnology y su FrameMaker
(FM), Adobe Systems llegó a un acuerdo de fusión con Aldus. La operación
incluía, además del propio PM, el formato de archivo gráfico TIFF, el
programa de animación AfterEffects y aplicación de edición de video
Premiere, entre otros. Pero la razón de fondo de la operación era Shuksan,
que en San José rebautizaron como K2, el germen de lo que después sería
InDesign.
 8.11Adobe Photoshop

Es un editor de gráficos rasterizados desarrollado por Adobe SystemsIncorporated. Usado

principalmente para el retoque de fotografías y gráficos, su nombre en español significa literalmente "taller
de fotos". Es líder mundial del mercado de las aplicaciones de edición de imágenes y domina este sector
de tal manera que su nombre es ampliamente empleado como sinónimo para la edición de imágenes en
general.

En 1987, Thomas Knoll, un estudiante de la Universidad de Míchigan escribió un programa en

Macintosh Plus para mostrar imágenes a escala de grises en pantallas
monocromáticas. Este programa, llamado Display, llamó la atención de su
hermano, John Knoll, un trabajador de Industrial Light &Magic, que
recomendó a Thomas convertir su programa en un programa completo editor
de imágenes. En 1988, se reescribió el código Display para que funcionara
en monitores a colores y juntos los hermanos expandieron la capacidad del
programa, Thomas por un lado mejorando la habilidad para leer y escribir
en múltiples formatos y John desarrollando rutinas de procesamiento de
imágenes que más tarde se llamaron filtros.

8.12Adobe Illustrator

Adobe Illustrator (AI) es un editor de gráficos vectoriales en forma de taller de arte que trabaja
sobre un tablero de dibujo, conocido como «mesa de trabajo» y está destinado a la creación artística de
dibujo y pintura para ilustración (ilustración como rama del arte digital aplicado a la ilustración técnica o
el diseño gráfico, entre otros). Es desarrollado y comercializado por Adobe Systems y constituye su primer
programa oficial de su tipo en ser lanzado por esta compañía definiendo en cierta manera el lenguaje
gráfico contemporáneo mediante el dibujo vectorial. Adobe Illustrator contiene opciones creativas, un
acceso más sencillo a las herramientas y una gran versatilidad para
producir rápidamente gráficos flexibles cuyos usos se dan en
(maquetación-publicación) impresión, vídeo, publicación en la Web y
dispositivos móviles. Las impresionantes ilustraciones que se crean con
este programa le han dado una fama de talla mundial a esta aplicación
de manejo vectorial entre artistas gráficos digitales de todo el planeta,
sin embargo, el hecho de que hubiese sido lanzado en un principio para
ejecutarse solo con el sistema operativo Macintosh y que su manejo no
resultara muy intuitivo para las personas con muy poco trasfondo en
manejo de herramientas tan avanzadas afectó la aceptación de este
programa entre el público general de algunos países.
 8.13URL 2 PNG

A pesar de que el llamado URL es un mecanismo que usamos cada segundo que permanecemos
delante de la pantalla de la PC usando un navegador, lo cierto es que muchos de nosotros ignoramos casi
por completo qué es y cómo funciona, y desconocemos que, sin su presencia, encontrar lo que estamos
buscando en la intrincada telaraña de la gran red de redes sería una tarea imposible de realizar. Tal es su
importancia.

Básicamente, la URL es una dirección única que poseen

todos los elementos en Internet, es decir que literalmente existe
una URL por cada página, imagen, video y documento en
Internet, lo que nos permitirá ubicarlos fácilmente gracias que la
información que contiene. Siempre que visitemos una página
web, será a través de su URL y en cada oportunidad en que
pulsemos sobre cualquier enlace que contenga la página o sitio,
también nos dirigirá a otra URL. Si deseas conocer un poco más
acerca de este asombroso mecanismo, te invitamos a seguir
leyendo el resto del artículo

8.14Pixie
Ampliando lo suficiente una imagen (zoom) en la pantalla de una computadora, pueden observarse
los píxeles que la componen. Los píxeles son los puntos de color (siendo la escala de grises una gama de
color monocromática). Las imágenes se forman como una sucesión de píxeles. La sucesión marca la
coherencia de la información presentada, siendo su conjunto una matriz coherente de información para el
uso digital. El área donde se proyectan estas matrices suele ser rectangular. La representación del píxel en
pantalla, al punto de ser accesible a la vista por unidad, forma un área homogénea en cuanto a la variación
del color y densidad por pulgada, siendo esta variación nula, y definiendo cada punto sobre la base de la
densidad, en lo referente al área.

En las imágenes de mapa de bits, o en los dispositivos gráficos, cada píxel se codifica mediante un
conjunto de bits de longitud determinada (la profundidad de color); por ejemplo, puede codificarse un
píxel con un byte (8 bits), de manera que cada píxel admite hasta 256 variaciones de color (28 posibilidades
binarias), de 0 a 255. En las imágenes llamadas de color verdadero, normalmente se usan tres bytes (24
bits) para definir el color de un píxel; es decir, en total se pueden representar unos 224 colores, esto es
16.777.216 variaciones de color. Una imagen en la que se utilicen 32 bits para representar un píxel tiene
la misma cantidad de colores que la de 24 bits, ya que los otros 8 bits son usados para efectos de
transparencia.
 Para poder visualizar, almacenar y procesar la información numérica representada en cada píxel,
se debe conocer, además de la profundidad y brillo del color, el modelo de color que se utiliza. Por
ejemplo, el modelo de color RGB (Red-Green-Blue) permite crear un color compuesto por los tres colores
primarios según el sistema de mezcla aditiva. De esta forma,
según la cantidad de cada uno de ellos que se use en cada píxel
será el resultado del color final del mismo. Por ejemplo, el color
magenta se logra mezclando el rojo y el azul, sin componente
verde (este byte se pone en 0). Las distintas tonalidades del mismo
color se logran variando la proporción en que intervienen ambas
componentes (se altera el valor de esos dos bytes de color del
píxel). En el modelo RGB lo más frecuente es usar 8 bits al
representar la proporción de cada una de las tres componentes de
color primarias. Así, cuando una de las componentes vale 0,
significa que ella no interviene en la mezcla y cuando vale 255
(28 – 1) significa que interviene dando el máximo de ese tono,
valores intermedios proveen la intensidad correspondiente.

8.13Otros programas del diseño grafico

Ilustrador

Con un total de 46.136 usuarios, este programa es uno de los cuales deben ser base en los
conocimientos de un diseñador de logotipos o vectores.

Google Sketshup

Con 52.534 usuarios, es una plataforma enfocada a la creación de objetos en 3D. Es gratuita

ACDsee Pro

Es un programa que cuenta con muchas herramientas de edición de fotografías y 65.239 usuarios
la prefieren.

Gimp

Con 93.317 votos, esta aplicación es la equivalencia a photoshop, pero gratuita.

Corel Draw
 Es el oponente más fuerte de photoshop, durante
sus inicios era la plataforma más famosa y usada.
168.871 personas la siguen prefiriendo.

Picasa

Con 424.505 preferencias, esta plataforma para

editar fotografías, no es considera como una de las más
profesionales, pero sí de las más efectivas y rápidas.

8.14Formatos de diseño
Formato JPEG

El formato JPEG (Grupo conjunto de expertos en fotografía, JointPhotographicExpertsGroup) se

utiliza habitualmente para mostrar fotografías y otras imágenes de tono continuo en documentos HTML.
El formato JPEG admite los modos de color CMYK, RGB y Escala de grises, pero no admite
transparencias. A diferencia del formato GIF, JPEG conserva toda la información de color de una imagen
RGB, pero comprime el tamaño de archivo descartando datos selectivamente.
Una imagen JPEG se descomprime automáticamente al abrirla. Un nivel de compresión alto
produce una calidad de imagen inferior y uno bajo una mejor calidad de imagen. En la mayoría de los
casos, la opción de calidad máxima produce un resultado idéntico al original.
Formato PNG

Desarrollado como una alternativa sin patente al formato GIF, el formato de gráficos de red
portátiles (PNG) se utiliza para una compresión sin pérdidas y para la visualización de imágenes en
Internet. A diferencia del formato GIF, PNG admite imágenes de 24 bits y produce transparencia de fondo
sin bordes irregulares; sin embargo, algunos navegadores web no admiten imágenes PNG. El formato
PNG admite imágenes RGB, de color indexado, en escala de grises y de modo de mapa de bits sin canales
alfa. PNG conserva la transparencia en imágenes en escala de grises y RGB.
Formato (PSD)

El formato Photoshop (PSD) es el formato de archivo por defecto y el único formato, junto con
Formato de documento grande (PSB), que admite todas las características de Photoshop. Dadas las
grandes posibilidades de integración entre los productos Adobe, otras aplicaciones Adobe como Adobe
Illustrator, Adobe InDesign, Adobe Premiere, Adobe After Effects y Adobe GoLive pueden importar
directamente archivos PSD y conservar muchas de las características de Photoshop. Si desea más
información, consulte la ayuda de las aplicaciones Adobe específicas.
Al guardar un archivo PSD, puede definir una preferencia para maximizar la compatibilidad de
archivos. Esto guarda una versión compuesta de una imagen con capas en el archivo de modo que pueda
ser leído por otras aplicaciones, incluidas las versiones anteriores de Photoshop. También mantiene la
apariencia del documento, en caso de que las futuras versiones de Photoshop cambien el comportamiento
de algunas características. El compuesto también hace que sea más rápido cargar la imagen y utilizarla en
aplicaciones que no sean Photoshop, y a veces puede ser necesario para que otras aplicaciones puedan leer
la imagen.
HTML
El HTML no es más que el lenguaje en el que se escriben las páginas web, o mas concretamente
es el lenguaje con el cual se crean la mayoría de las páginas web.
Los diseñadores utilizan el lenguaje HTML para crear sus páginas web, y nuestros servidores
muestran el contenido de las páginas web luego de haber leído su contenido HTML.
Eguíluz dice: El lenguaje HTML es un
estándar reconocido en todo el mundo y cuyas normas
define un organismo sin ánimo de lucro llamado
World Wide Web Consortium, más conocido como
W3C. Como se trata de un estándar reconocido por
todas las empresas relacionadas el mundo del Internet,
una misma página HTML se visualiza de forma muy
similar en cualquier navegador de cualquier sistema
operativo. (p.
 9.1 CROMATOLOGIA DEL COLOR
Dentro del ámbito icono lingüístico, la bromatología se define como el estudio del color como uno
de los constituyentes fundamentales de la forma del significante icónico. Suele decirse bromatología,
añadiendo la referencia a la icono lingüística para evitar la confusión respecto a otros conceptos a los que
también, tradicionalmente, se ha venido con el término bromatología (conceptos, sobre todo, de
la cromatografía y de la ciencia del color). Es desde la perspectiva del estudio icono lingüístico (de los
lenguajes icónicos) como se enfoca cualquier concepto bromatológico del significante de las imágenes a
nivel formal. El concepto de bromatología icono lingüística fue
incluido por primera vez, con el simple término de bromatología,
en la primera edición de El lenguaje del color, de Juan Carlos
Sanz, publicado en 1985.La bromatología es el estudio
del color como uno de los constituyentes fundamentales de la
forma del significante icónico. Suele decirse bromatología icono
lingüística, añadiendo la referencia al icono lingüística para
evitar la confusión respecto a otros conceptos. La bromatología
se basa en la idea de que todos los colores que son comprendidos
y expresados (mediante los diferentes lenguajes icónicos)
pertenecen al acervo icono lingüístico cultural en el que se fundamenta la manifestación del colorido de
cualquier imagen en el pensamiento visual y en la comunicación visual.

 Armonizar:
Significa coordinar los diferentes valores que el color adquiere en una composición, es decir, cuando
en una composición todos los colores poseen una parte comunal resto de los colores componentes. Armónicas son
las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en
su mezcla mantienen los unos partes de los mismos pigmentos de los restantes. En todas las armonías cromáticas, se
pueden observar tres colores: Dominante: que es el más neutro y de mayor extensión (su función es destacar los otros
colores que conforman nuestra composición). Tónico: normalmente en la gama del complementario de la dominante,
es el más potente en color y valor. Mediación: que su función es actuar como conciliador y modo de transición
de los anteriores y suele tener una situación en el círculo cromático próxima a la del color tónico. La
armonía más sencilla es aquella en la que se conjugan tonos de la misma gama o de una misma parte del círculo, aunque
puede resultar un tanto carente de vivacidad. Según diversas teorías la sensación de armonía o concordancia suscitada por
una composición gráfica tiene su origen exclusivamente en las relaciones y en las proporciones de sus componentes
cromáticos. Sería el resultado de yuxtaponer colores equidistantes en el círculo cromático o colores afines entre
sí, o de tonos de la misma gama representados en gradaciones constantes, o del fuerte contraste entre tonos
complementarios, o de los contrastes más suavizados entre un color saturado y otro no saturado y también
de las relaciones entre las superficies que se asignen a cada valor tonal de nuestra composición.

9.2 CROMATOGRAFIA Y CROMATICA

Desde el punto de vista general de la icono lingüística, la cromatografía se basa en la idea de que
todos los colores que son comprendidos y expresados (mediante los diferentes lenguajes icónicos)
pertenecen al acervo icono lingüístico cultural en el que se fundamenta la manifestación del colorido de
cualquier imagen en el pensamiento visual y en la comunicación visual. Por esto, todo color que se estudia
bajo el enfoque de la cromatografía es considerado una coloración icono lingüística. La precisión de las
referencias a la apariencia del color considerado como objeto de estudio bromatológico se fundamenta
tanto en los principios como en las técnicas de especificación y medida de la cromática, es decir, de la
ciencia del color aplicada al estudio icono lingüístico de las imágenes.
 9.3 CIRCULO CROMATICO
El círculo cromático es una representación visual de los colores primarios, rojo, amarillo y azul, y
su combinación para crear todos los demás colores visibles. Ayuda a las personas a comprender las
relaciones entre los colores para el arte y la planificación del diseño, por ejemplo, las combinaciones de
colores. Recuerde que el negro y el blanco no aparecen en el círculo. El efecto del negro y el blanco en
relación al espacio de color se trata en la página de CARACTERÍSTICAS DEL COLOR y se denomina
"valor". En la industria de la pintura, el círculo cromático se utiliza para ayudar a los diseñadores y
consumidores a tener el suficiente conocimiento para crear combinaciones de colores para hogares y
negocios. Aunque los químicos no lo utilizan directamente para formular colores específicos, es muy útil
para planificar combinaciones. Estas son algunas normas sencillas para utilizar el círculo cromático para
crear combinaciones. Pero tal como con cualquier conjunto de normas sobre el color, se aplican en la
mayoría de los casos, pero no siempre. Por medio de la práctica puede aprender a confiar en sus ojos para
decidir qué colores combinan. Todos los rojos combinan, Todos los azules combinan, Todos los verdes
combinan, Los naranjas suaves crean una sensación de calidez, El amarillo combina con los verdes y
naranjas, Los verdes pueden utilizarse como color neutral, La violeta combina con el verde, Los grises y
colores neutrales combinan bien

De modo que utilice el círculo para ayudar a sus clientes a darse cuenta de que la selección de
colores no es tan difícil como pueda parecer. Es una gran herramienta para facilitar la planificación de las
combinaciones. Un hexagrama es una figura en forma de estrella que se coloca en el círculo cromático en
el cual la cantidad de picos que tenga la estrella será por la cantidad de colores que hayas, la estrella te
mostrará los colores complementarios. El modelo aditivo de colores, es un método que se transmite por la
luz directa de una fuente de iluminación. Los colores
opuestos son los que se encuentran uno frente al otro, donde se
puede decir: que el color lo contrario al color azul, el tono
magenta es lo contrario al color verde y el color azul cian es el
color contrario al rojo.
 9.4 COLORES PRIMARIOS
Como ya mencionamos, los colores primarios son el rojo, amarillo y
azul. Se denominan primarios porque no se basan en algún otro color.
Pueden combinarse para crear cualquiera de los otros colores del círculo
cromático. La mezcla de pigmentos de los tres colores primarios forma
el color café.

 COLORES SECUNDARIOS
Los colores secundarios son tres. Se crean mediante la mezcla
en cantidades iguales de dos colores primarios. Aparecen en el
círculo cromático entre los dos colores primarios que los
componen. Naranja = rojo + amarillo, Verde = azul + amarillo,
Morado = rojo + azul

 COLORES TERCIARIOS
Terciario se refiere a "tercero". Estos seis colores son el tercer nivel de mezcla de colores RYB. Se
forman mediante la mezcla de un color secundario con uno de los colores primarios adyacentes en el
círculo cromático. Todos los colores del rojo al amarillo puro se denominan “cálidos”. Del amarillo-verde
al rojo-morado se denominan “fríos”. Entre los colores
terciarios están: Azul-verde, Rojo-naranja, Amarillo-
naranja, Amarillo-verde, Rojo-morado, Azul-morado
 9.5 FORMATO CMYK
El modelo CMYK (siglas de Cian, Magenta, Ello y Key) es un modelo de color sustractivo que se
utiliza en la impresión en colores. Es la versión moderna y más precisa del antiguo modelo tradicional de
coloración (RYB), que se utiliza todavía en pintura y artes plásticas. Permite representar una gama de
colores más amplia que este último, y tiene una mejor adaptación a los medios industriales.

Este modelo se basa en la mezcla de pigmentos de los siguientes colores para crear otros más:

 C = Cian (Cian).
 M = Magenta (Magenta).
 Y = Ello (Amarillo).
 K = Black o Key (Negro).

La mezcla de colores CMY

ideales es sustractiva (puesto que la
mezcla de cian, magenta y amarillo en
fondo blanco resulta en el color
negro). El modelo CMYK se basa en
la absorción de la luz. El color que
presenta un objeto corresponde a la
parte de la luz que incide sobre éste y
que no es absorbida por el objeto.

El cian es el opuesto al rojo, lo que

significa que actúa como un filtro que
absorbe dicho color (-R +G
+B). Magenta es el opuesto al verde (+R -G +B) y amarillo el opuesto al azul (+R +G -B).
  FORMATOS RGB
RGB (sigla en inglés de red, Green, blue, en español «rojo, verde y azul») o RVA (sigla preferida por
la ASALE y la RAE) es la composición del color en términos de la intensidad de los colores primarios de
la luz.

 MODELO DE COLOR RGB: RGB es un modelo de color basado en la síntesis aditiva, con el que
es posible representar un color mediante la mezcla por adición de los tres colores de luz primarios.
El modelo de color RGB no define por sí mismo lo que significa exactamente rojo, verde o azul,
por lo que los mismos valores RGB pueden mostrar colores notablemente diferentes en distintos
dispositivos que usen este modelo de color. Aunque utilicen un mismo modelo de color, sus
espacios de color pueden variar considerablemente.
 PERCEPCION Y SENSACION DEL COLOR: Los ojos humanos tienen dos tipos de células
sensibles a la luz o foto receptores: los
bastones y los conos. Estos últimos son los
encargados de aportar la información de
color.

Para saber cómo es percibido un color, hay

que tener en cuenta que existen tres tipos de
conos con respuestas frecuencia les
diferentes, y que tienen máxima sensibilidad
a los colores que forman la terna RGB. Aunque los conos, que reciben información del verde y el rojo,
tienen una curva de sensibilidad similar, la respuesta al color azul es una veinteava (1/20) parte de la
respuesta a los otros dos colores. Este hecho lo aprovechan algunos sistema de codificación de imagen y
vídeo, como el JPEG o el MPEG, "perdiendo" de manera consciente más información de la componente
azul, ya que el ser humano no percibe esta pérdida. La sensación de color se puede definir como la
respuesta de cada una de las curvas de sensibilidad al espectro radiado por el objeto observado. De esta
manera, obtenemos tres respuestas diferentes, una por cada color. El hecho de que la sensación de color
se obtenga de este modo, hace que dos objetos observados, radiando un espectro diferente, puedan
producir la misma sensación. Y en esta limitación de la visión humana se basa el modelo de síntesis del
color, mediante el cual podemos obtener a partir de estímulos visuales estudiados y con una mezcla de los
tres colores primarios, el color de un objeto con un espectro determinado.
  FORMATOS PANTONE

Pantone Inc. es una empresa con sede en Carlstadt, Nueva Jersey (Estados Unidos), creador
del Pantone Matching System, un sistema de identificación, comparación y comunicación del color para
las artes gráficas. Su sistema de definición cromática es el más reconocido y utilizado por lo que
normalmente se llama Pantone al sistema de control de colores. Este modo de color a diferencia de los
modos CMYK y RGB suele denominarse color sólido.1 Pantone fue adquirida en octubre de 2007 por X-
Rite Inc. DEFINICION: Pantone fue fundada en 1962 por Lawrence Herbert. Al comienzo, Pantone era
un pequeño negocio que comerciaba tarjetas de colores para compañías de cosméticos. Herbert pronto
adquiriría Pantone, creando el primer sistema de identificación cromática en 1963. El sistema se basa en
una paleta o gama de colores, las Guías Pantone, de manera que muchas veces es posible obtener otros
por mezclas de tintas predeterminadas que proporciona el fabricante. Por ejemplo, es un sistema muy
empleado en la producción de pinturas de color por mezcla de tintes. Estas guías consisten en un gran
número de pequeñas tarjetas (15×5 cm aproximadamente) de papel estucado o no estucado, sobre las que
se ha impreso en un lado muestras de color, organizadas todas en un abanico de pequeñas dimensiones.
Por ejemplo, una página concreta podría incluir una gama de amarillos
variando en luminosidad del más claro al más oscuro. Las ediciones de las
Guías Pantone se distribuyen anualmente debido a la degradación
progresiva de la tinta. Para poder conseguir el resultado que se espera se
debe tener unas muestras de colores sobre diferentes tipos de papel a modo
de comprobación. Cada color se describe por una numeración y unas siglas en función de la superficie o
material en el que se va a aplicar el color: M para acabado mate, C y CP para papel
estucado (Coated), EC para estucado según el estándar europeo (Euro Coated), U y UP para papel
texturado (Uncoated), TC y TCX para tejidos (Textil Color extended), TPX para papel (Textil Paper
eXtended), Q para plásticos opacos (opaQue), T para plásticos transparentes (Transparent). La ventaja de
este sistema es que cada una de las muestras está numerada y una vez seleccionada es posible recrear el
color de manera exacta. Para hacernos una idea, es algo parecido a las cartas de colores que miramos
cuando vamos a seleccionar un color para pintar nuestra casa. Pantone ha ampliado su sistema a otros
sectores que también trabajan con el color, como el diseño web, los textiles, los plásticos, el interiorismo
y la pintura, creando distintas gamas de colores: solid, pastels&neons, metallic, plastic, color
bridge, CMYK, Goe Guide, Goe Bridge y Fashion+Home.
  FORMATOS HSV

Espacio de color HSV. Representación tridimensional del color basado en los componentes
de tinte, matiz o tonalidad (hue, en inglés), saturación (saturation) y brillo o valor (value).

Fue definido en 1978 por Alvy Ray Smith. A diferencia del modelo RGB ampliamente usado en los
monitores, televisores, etc., si bien las coordenadas de aquel son euclideanas; el color HSV sigue una
representación más parecida a las coordenadas cilíndricas. Además, es una representación más cercana a
la forma en que los humanos perciben los colores y sus propiedades, pues se agrupan las tonalidades de
color, lo cual es distinto al caso RGB donde los colores no están necesariamente tan agrupados. Se
diferencia con HSL en el uso del componente de saturación DEFINICION: El modelo de color HSV es
una transformación no lineal del modelo RGB
en coordenadas cilíndricas de manera que cada
color viene definido por las siguientes dimensiones:

 Tinte o matiz: Ángulo que representa el matiz,

normalmente definido entre 0o y 360o.
 Saturación: Nivel saturación del color, dado
entre 0 y 1, 0 representa sin saturación alguna
(blanco), hasta 1 que sería el matiz en toda su
intensidad. Es común también darlo en
percentiles 0%-100%.
 Brillo: Nivel del brillo entre 0 y 1. 0 es negro; 1, blanco. Al igual que la saturación puede darse en
porcientos entre 0% y 100%. De esta forma el 50% indica el nivel medio o normal del brillo del color.
 9.6 DISEÑO INDUSTRIAL
El diseño industrial es la disciplina orientada a la creación y al desarrollo de los productos
industriales (que pueden ser producidos en serie y a gran escala). Como toda actividad de diseño, se pone
en juego la creatividad y la inventiva. Actualmente el diseño industrial es un campo fundamental en áreas
tales como la automoción, la juguetería, la industria electrónica o el sector del mueble, entre otras. En este
último caso, por ejemplo, el diseño industrial es esencial a la hora de poder crear mobiliario ergonómico,
funcional y cómodo que permita que cualquier usuario no sólo pueda hacer uso del mismo de una forma
sencilla sino también que sea confortable. El diseño forma parte del desarrollo humano. Con la aplicación
de nociones del diseño, el hombre ha podido evolucionar y satisfacer sus necesidades.

SE UTILIZA EN: Es empleado por la mercadotecnia como un instrumento que ayuda a posicionar
los productos en el mercado, no solo a través de sus cualidades intrínsecas, sino además de los medios que
permiten exhibirlo en el mercado ya sean este estand de feria, envases, envolturas, Las tiendas o puntos
de ventas, solo por mencionar algunos. Las
especializaciones en las que se pueden enfocar los
diseñadores industriales son: Diseño de producto,
Diseño asistido por ordenador, Ingeniería de Diseño,
Interiores y mobiliario, Vehículos y componentes,
Diseño de Estructuras Metálicas, Simulación de
Prototipos (Mecánicos, eléctricos, automatizados,
etc.), Matriceria y Moldes, Diseño digital
y animación, Diseño experiencial, Comunicación y Social Media, Marketing estratégico y publicidad.

 Campo de trabajo: Industria automotriz. Industria aeronáutica. Industria del mueble. Maquinaria y
equipo. Agroindustria Productos electrodomésticos. Productos de madera. Productos de cerámica.
Productos de vidrio. Productos de plástico. Productos de transformación. Industria de la moda.
Industria del calzado. Artes gráficas. Industria juguetera. Podrá participar en la investigación y
desarrollo de productos. Agencias de publicidad, en el diseño de exposiciones, interiores,
planeación de puntos de venta, etc. Despachos de arquitectos en el área de interiorismo y de
espacios inteligentes. Dar asesoría y consultorías. Dentro de una institución de enseñanza superior,
participando en la formación de diseñadores capaces de desempeñarse en cualquiera de las áreas
de la disciplina.
 9.7 PROMOCIONALES
Cuando una marca lanza un producto o servicio nuevo al mercado, una de las formas que tiene
para presentarlo al público es realizando diversas estrategias de marketing que integran en su diseño
presentaciones, así como promociones y artículos de regalo con motivos o diseños especiales.
Precisamente estos últimos, también llamados artículos promocionales, son una de las formas más
comunes que usan las firmas para lograr permanecer presentes en la mente del consumidor. Al respecto,
el Departamento de Investigación de Merca2.0 realizó un estudio para evaluar cuáles son los más
populares en el tema y cuáles son los que representan un mayor nivel de utilidad para el consumidor. Los
datos obtenidos reflejan que los bolígrafos son los productos promocionales más regalados, ya que el 15.1
por ciento de los consumidores reconocieron haber recibido este tipo de artículo durante alguna
promoción. En segundo término, se ubicaron las
bolsas ecológicas que fueron referidas por el 7.9 por
ciento de los consultados y en tercer lugar están los
llaveros, con 7.5 por ciento. Más abajo encontramos
otros artículos que son muy comunes en las
promociones, como los calendarios, termos,
cilindros, gorras, tazas, memorias USB, entre otros.
Cabe destacar que este tipo de objetos
promocionales de las marcas son con la finalidad de
permanecer presentes en la mente de los
consumidores y reforzar el engagement. El estudio
“Artículos promocionales 2015” que incluye la encuesta a 368 personas, también revela que los
consultados consideran que estos obsequios son para “recordar a la marca”, “vender más”, “impulsar una
compra”, y “desarrollar relaciones de negocios”.
 9.8 MATERIALES DE IMPRESIÓN (PAPELES Y CARTULINA)

TIPOS DE PAPEL PARA IMPRIMIR: Actualmente se habla mucho del tipo de papel para
imprimir, puesto que existe tal variedad de papel para imprimir publicidad, que la elección se vuelve
complicada. Por eso, para poder escoger, te damos los consejos de los tipos de papel que son más usados
en las imprentas. Papel Adhesivo: El papel adhesivo o papel autoadhesivo es uno de los tipos de papel para
imprimir. Su principal característica, como dice su nombre, es que cuenta con una parte de pegatina que
le permite ser pegado y despegado en varias superficies. Hoy en día existen varios tipos de papel adhesivo,
puesto que la mayor parte de los materiales tienen esta versión (cartulina, couché, bond…). Este tipo de
papel es recomendado principalmente para productos como pegatinas, etiquetas o vinilos.

 PAPEL DE CARTA: El papel de carta, también llamado papel Bond, es el papel más común.
Cuenta con opacidad, alta calidad y resistencia tanto para imprimir como para escribir sobre él. El
papel de carta típico es blanco, sin embargo, también se fabrica en tonos hueso o a color. Te
recomendamos utilizar este tipo de papel para imprimir membretes para tu empresa.

 PAPEL COUCHE: El papel Couché es considerado uno de los mejores tipos de papel para
imprimir, y el más indicado, ya que posee una característica principal: una base de recubrimiento
que lo hace compacto y le otorga una superficie lisa y suave, a diferencia de otros papeles.

 CARTULINA CLA: La cartulina es un material más grueso que el papel. La Cartulina CLA es un
material con mayor rigidez y volumen, que está disponible tanto para impresión a una cara como
a dos caras, y su rugosidad es característica y diferenciadora.
 Su alta rigidez la convierte en el mejor tipo de
papel para aplicar una gran variedad de acabados,
realzados, barnizados, etc. Este tipo de cartulina se
usa principalmente para imprimir carpetas,
volantes, paquetes, folletos, tarjetas de citas, entre
otro tipo de materiales publicitarios. Además, esta
cartulina protege al producto, lo dignifica y
ennoblece, y se adapta a varias formas y funciones.
9.9 MATERIALES DE IMPRESIÓN (VINILOS)

 VINILO CLARO ESTATICO ESM-CSC: Este vinilo transparente estático de 7 mil está
formulado específicamente para la impresión de tinta eco-solvente. ESM-CSC es un vinilo
transparente estático que no requiere adhesivos, se aplica rápidamente al vidrio y en la mayoría de
superficies suaves y pulidas, y se retira fácilmente. Compatible con las tintas Eco-Sol MAX, el
producto es una excelente alternativa a los productos con reverso adhesivo y menos capaces para
adherirse estáticamente. Compatible con las impresoras SOLJET, VersaArt, VersaCAMM,
VersaStudio y VersaUV.

 VINILO TÉXTIL PARA IMPRESIÓN POLI-FLOCK: Es un film termo sellable de gran

calidad a base de fibras de viscosa que le dan un aspecto afelpado terciopelado). La alta densidad
de fibras brinda una apariencia preciosa, con una excelente intensidad de color. Aun letras muy
diminutas y motivos de filigrana pueden ser cortados y pelados con facilidad. POLI-FLOCK es
ideal para rotular textiles tales como ropa
de deporte o de ocio y vestuario
profesional. También sirve como acabado
estético para superficies promocionales y
de diseño. POLI-FLEX: Printable 4015,
film de poliéster autoadhesivo, blanco,
imprimible. Apropiado para aplicaciones en tejidos claros y oscuros. Adhesivo de poliuretano
hotel. Se puede imprimir con cualquier impresora injerto usando tintas eco solvente y solvente.
 9.10 MATERIALES DE IMPRESIÓN (VARIOS)

En un mercado globalizado, no hay nada más valioso que contar con una imagen visual que pueda
transmitir a sus clientes en todos sus productos gráficos, desde folletos hasta carteles, y los servicios de
impresión digital pueden plasmar esta imagen o diseño en todo lo que se desee imprimir. También los
tamaños en la impresión digital ya no se limitan a los tamaños estándar que solían ofrecer los métodos de
impresión tradicionales. Ahora puede tener su diseño impreso sin importar cuán grande o pequeño sea.
Empezando por algo tan básico como el papel, este también tiende a ser personalizado, ofreciendo
diferentes texturas, tamaños, grosor y diseños a elección, aplicables a tarjetas personales, folletos,
catálogos, postales, diplomas, carpetas corporativas, etc. Entre las variedades de papel puede elegir entre
el común (90grs), opalino grueso, blanco (120, 160, 200, 250, 300 grs), texturado (200 grs), autoadhesivo
brillo/mate, y satinado doble faz (120, 160, 200, 250, grs), loa cuales pueden ser laminados o no. El
laminado es una excelente opción para proteger el papel. El laminado brillo se utiliza para proteger, dar
rigidez y resaltar la impresión mientras que el laminado
mate brinda un acabado profesional al tiempo que cumple
una función antirreflejo. El laminado texturado, como su
nombre lo indica, frece un acabado de interesante textura
y regidez. Sin embargo, existen casi infinitas
posibilidades de comunicación empresarial e
institucional aparte del papel. La mayoría de los
materiales más comunes utilizados en la impresión digital
son: Papel brillante con acabado brillante se utiliza en afiches. Vinilo adhesivo base blanca, ideal para
rótulos luminosos, murales, stickers, PVC y acrílico. Vinilo adhesivo base transparente, se utiliza para
cubrir ventanas. Vinilo estático, aplicado en las ventanas, se quita fácilmente. Vinilo lienzo, usado para
banderas. Vinilo lienzo translucido, utilizado para rótulos luminosos. Lona front, lona back y micro
perforado, ideales para impresiones expuestas a las inclemencias climáticas. El vinilo por ejemplo es un
material flexible pero muy resistente, que puede soportar gran desgaste. Es ideal para campañas
publicitarias que requieren ser expuestas a los elementos climáticos.
 9.11 DEFINICION DE LOGOTIPO

Un logotipo, conocido coloquialmente también como logo, es aquel distintivo o emblema conformado
a partir de letras, abreviaturas, entre las alternativas más comunes, peculiar y particular de una empresa,
producto o marca determinada, que justamente es aquel que nos permite reconocer, identificar la marca o
empresa en cuestión con tan solo mirarlos, es decir, aparecen ante nuestros ojos y de inmediato pensamos
en esa marca, producto, entre otros. La publicidad por caso hace un extendidísimo uso de los logotipos y
entonces esto lleva a que los mismos se reproduzcan en diversos soportes. Por caso, al idearlos hay que
pensar en ello y en que sean fáciles de distinguir y de generar impacto. Normalmente el logo incluye algún
símbolo que permita a los observadores del mismo asociarlo de inmediato con la marca, empresa o
producto en cuestión. El Logotipo de la cadena de comida rápida Mc Donald’s son dos arcos dorados que
forman a su vez una M.
Para que un logotipo resulte congruente y
exitoso, debe ser conforme al principio
fundamental del diseño donde «menos es más».
Dicha simplicidad permite que sea:

1. Legible - hasta el tamaño más pequeño.

2. Escalable - a cualquier tamaño requerido.
3. Reproducible - sin restricciones
materiales.
4. Distinguible - tanto en positivo como en negativo.
5. Memorable - que impacte y no se olvide.

Las marcas construidas exclusivamente con letras llegan a tener tanta fuerza o más que aquellas
que, si bien cuentan con un icono gráfico, requieren la asociación del texto para posicionarse desde el
inicio; tal es el caso, por ejemplo, de las marcas de automóviles. Posteriormente, la imagen queda
intrínsecamente asociada al sonido del nombre de la marca original.
 9.12 DEFINICION DE ISOTIPO

Se refiere a la parte, generalmente icónica o más reconocible, de la disposición espacial

en diseño de una marca, ya sea corporativa, institucional o personal. Es el elemento constitutivo de un
diseño de identidad, que connota la mayor jerarquía dentro de un proyecto y que a su vez delinea el mapa
connotativo para el diseño del logotipo, así como la siguiente aplicación de diseño en las restantes etapas
de un proyecto de identidad corporativa, como la aplicación en papelería, vehículos. La
palabra isotopo hace referencia a aquello que es "igual al tipo". El isotopo, como se dice anteriormente,
es el elemento fundamental de un proyecto de diseño de identidad. El isotopo debe comunicar
efectivamente las connotaciones del proyecto, en los porcentajes de jerarquización establecidos
previamente en la etapa de metodología. Muchos autores lo manejan como "imago tipo", el cual es una
simbología gráfica abstracta, que se puede presentar en diferentes formas geométricas, siendo esta la parte
llamativa. Por otro lado, el logotipo puede presentarse de dos formas: en forma de gráfico o en forma de
chapa. En un ejemplo, tomando la
marca de cigarrillos Marlboro.

 El isotopo es el escudo Philip

Morris, coronado, con dos
corceles a sus costados.

 El logotipo es la palabra
escrita Marlboro, con su tipografía, color e interletraje original real.

 La figura trapezoidal roja es una aplicación de diseño que se desprende de las figuras geométricas
predominantes.

 El tamaño y ubicación de cada elemento corresponde a las normas de ubicación espacial.

Estos cuatro elementos juntos, además de la regularización del color y la textura, constituyen la marca
corporativa de Marlboro.
 9.13 DEFINICION DE BRANDING

Branding es un término anglicismo empleado en mercadotecnia que hace referencia al proceso de

hacer y construir una marca (en inglés, brand equity) mediante la administración estratégica del conjunto
total de activos vinculados en forma directa o indirecta al nombre y/o símbolo (logotipo) que identifican
a la marca influyendo en el valor de la marca, tanto para el cliente como para la empresa propietaria de la
marca. En este proceso se identifica o define los conceptos; supone el desarrollo creativo de una identidad.
El branding está conformado por cinco elementos:

1. Naming, o creación de un nombre.

2. Identidad corporativa.
3. Posicionamiento.
4. Lealtad de marca, desarcas.
5. Arquitectura de marca.

En ciertos casos, el término también se refiere a la suma total del valor de una empresa,
considerando los activos y pasivos; tangibles e intangibles, de aspectos tales como sus
productos, servicios, gente, publicidad, colocación, y cultura. El branding de una marca siempre está
vinculada a una estrategia. Esto se debe a que el uso de su línea gráfica, identidad, cromática, entre muchas
otras cosas son necesarias para implementarlas en varias plataformas. Un ejemplo es la utilización del
branding en las redes sociales, con el objetivo de humanizar a la marca y además de causar una respuesta
emocional en su target, logrando así una fidelización del mismo. Una estrategia para branding tiene que
tener en cuenta varios aspectos como son:

 Madurez de la empresa: Es decir en qué etapa de desarrollo se encuentra la empresa. No es lo mismo

crear una marca para una empresa nueva que renovar la marca de una marca que ya está en el mercado
varios años y ya posee un cierto número de seguidores.
 Estudio de mercado: Este estudio busca descifrar como su target visualiza la marca, cuáles son sus
puntos fuertes y en que se encuentra fallando o simplemente no existe en la mente del consumidor.
 Plataformas: Se plantea las principales plataformas que pueden ser utilizadas por la marca para tener
el mayor impacto posible en el mercado actual.
 Tipo de publicidad: En este nivel la publicidad que puede utilizar una marca puede ser variada, pero
siempre se debe complementar entre sí. Es decir, una marca no puede desvirtuar su identidad,3 ya que
es uno de los aspectos básicos para posicionarse en la mente de su público objetivo.

9.14 DEFINICION DE LETTERING

La caligrafía la definimos como el arte de escribir a mano y de una forma bella y correcta. También
es asociada a la escritura con pinceles, plumas, bambú. En cambio, la tipografía es un conjunto de
caracteres que comparten un estilo. Se crea el
abecedario completo para poder utilizar dicha
tipografía. Además de números y signos.
Como evolucionamos cada vez más, la
tipografía paso de ser manual con la
utilización de tipos a ser digital, por lo que
podemos utilizar diferentes tipografías para
crear nuestros proyectos. Así encontramos lo
que llamamos fuentes, que son la
representación gráfica de las tipografías. Y
por último el lettering significa “letras
dibujadas”. Lo que entendemos por trabajos con un gesto manual y, por lo tanto, por su imperfección y
estilo libre. En la actualidad, está de moda debido al movimiento de “hecho a mano” y el vintage. Si lo
traducimos al castellano sería algo así como "letras dibujadas a mano", así que precisamente el Lettering
lo podemos entender como aquellos trabajos que han sido dibujados, es decir letras dibujadas NO escritas.
Es el arte de dibujar la letra. Es importante remarcar que en este caso la letra no está escrita sino dibujada.
Se puede realizar con cualquier instrumento en cualquier superficie o soporte.
En muchas ocasiones se usa como punto de partida un trabajo caligráfico para luego retocar y redibujar
las letras. “La rotulación o lettering, por otro lado, es la escritura llevada a cabo mediante formas
compuestas. En la rotulación, las formas son más adaptables que en la escritura a mano, ya que admiten
trazos de retoque que pueden, gradualmente, mejorar (o empeorar) la calidad de las formas”
 9.15 DEFINICION DE SLOGAN
La palabra slogan es un término inglés que se utiliza en el medio de la publicidad para referirse a
una consigna que generalmente es de carácter comercial o político, formando parte de una propaganda
con la finalidad de crear y darle forma a una idea, lo importante es que dicha frase sea sencilla de recordar
para las personas.

Un slogan básicamente lo que busca es que las personas se sientan atraídas por ciertos y
determinados productos o servicios, haciendo mucho énfasis en sus características o vinculándolo con
algún valor representativo. Las personas encargadas de crear los slogans, siempre utilizan la nemotecnia,
que es un procedimiento mental que ayuda a facilitar el recuerdo de algo, por ejemplo alguno de los
recursos utilizados son: los juegos de palabras, rimas, secuencias de figuras, etc. Generalmente los slogans
suelen ser cortos y sencillos de comprender, aunque su creación no es algo tan fácil de hacer, todo lo
contrario, considerando que esa frase o lema que se elabore va a representar la marca o servicio de
algún producto para siempre, es necesario el estudio de muchos factores para poder encontrar el
slogan perfecto. A continuación, se presentan una serie de tipos que se debe tener presente al momento de
crear un acertado slogan: primero debe ser sencillo para que pueda ser incluido en las conversaciones
cotidianas, luego lo recomendable
es comenzar con un verbo, debe
estar complementado con el
nombre de la empresa, en donde se
refleje su trayectoria, sus objetivos,
etc. El slogan no debe ser superior
a 5 palabras. La cantidad de
palabras debe ser proporcional a la
cantidad de silabas.
 9.16 DEFINICION DE SPOT PUBLICITARIO
El spot publicitario es uno de los recursos más eficaces para dar a conocer una marca o producto
concreto y para convencer y estimular el deseo de la audiencia al que va dirigido hacia un determinado
objetivo. Pero también es de los que tienen un precio más elevad0, por lo que suelen ser breves. Por lo
general no duran más de un minuto. Y es que pocas son las empresas que cuentan con un presupuesto lo
suficientemente amplio como para pagar anuncios extensos en canales reconocidos y en horario de
máxima audiencia. Precisamente por el coste que suponen es por lo que es muy importante analizar bien
el público objetivo al que queremos dirigirnos y buscar la franja horaria que mejor se ajusta al mismo,
de acuerdo con la edad y las características de la audiencia. Por este motivo, hay muchos tipos de spots
publicitarios, diseñados tanto en base al público como al producto o marca que se pretende dar a
conocer.

 CABEZAS PARLANTES
Son los anuncios en los que
un presentador habla sobre
las ventajas de un
determinado producto. Con
lo cual, la fuerza del spot
reside en él, en lo que dice y
en la forma en que lo dice.

 TESTIMONIALES: Los más efectivos son aquellos en los que los propios clientes de la marca
predican las virtudes del producto. Pueden ser expertos del sector, personas famosas o personas
corrientes. Un fiel reflejo de ello son los anuncios del Sorteo de Oro.
 ESCENAS COTIDIANAS: En este tipo de spot publicitario un actor habla sobre las ventajas del
producto dentro de una situación de la vida cotidiana.
 TROZOS DE CINE: Es un anuncio a modo de historia, pero más corto que una película y puede
ser tanto de humor como de miedo o suspense. En ellos, el producto aparece de forma natural
dentro de la historia.
 9.17 DEFINICION DE ETIQUETA

La etiqueta un fin más que nada descriptivo, pero también sirven para que el público identifique
y diferencie una marca o variedad de otra. Éstas pueden ser de diferentes materiales, inclusive
combinados entre ellos, como plástico y soga, cartón e hilo, papeles autoadhesivos, solo plástico,
papel, tela, prácticamente de cualquier material. Las etiquetas atraviesan normalmente un proceso de
diseño, ya que se supone que deben ser atractivas para generar deseo, con colores, palabras clave
impactantes, dibujos, el logo de la marca y otras opciones.

Las etiquetas en las prendas de vestir contienen información como talle, precio, código de barras,
composición, indicaciones de lavado, etcétera. Las prendas de vestir suelen tener más de una etiqueta. Por
ejemplo, una camisa: tendremos una etiqueta cosida del lado de adentro casi sobre la cadera que tiene
detalles que ayudarán al cuidado de la prenda, y suele ser de plástico. Luego, suele tener en el cuello una
etiqueta de tela o un material similar que anuncia el talle de la prenda y su marca. Además de éstas, la
prenda suele tener una etiqueta
colgada con otros detalles.
Las etiquetas de los productos
comestibles contienen detalles
de los valores nutricionales del
mismo, fecha de vencimiento y
de elaboración, ingredientes,
etcétera.
 9.18 DEFINICION DE MARCA
Una marca (en inglés brand) es una identificación comercial primordial y/o el conjunto de varios
identificadores con los que se relaciona y ofrece un producto o servicio en el mercado. Es un error común
confundir el concepto de logo como un sinónimo de marca, siendo la principal diferencia que esta debe
ser construida más allá de la representación visual que identifica a una empresa u organización. Un logo
puede ser la misma marca o ser el identificador principal de la misma en conjunto con otros signos como
el nombre único, una frase de venta, grafismos secundarios, iconografía, tono de comunicación, etc. Es
de subrayar que no todo logo califica para ser denominado marca, mientras que una marca debe en su
sistema comercial más mínimo no prescindir de un logo. La marca es uno o el conjunto de signos
distintivos de un producto o servicio en el mercado. Algunas personas resaltan el aspecto psicológico de
la marca desde el aspecto experimental. El aspecto experimental consiste en la suma de todos los puntos
de contacto con la marca y se conoce como la experiencia de marca. El aspecto psicológico, al que a veces
se refieren como imagen de marca, es una construcción simbólica creada dentro de las mentes de las
personas y consisten en toda la información y expectativas asociadas con el producto o servicios. Las
personas encargadas del posicionamiento de la marca buscan planear o alinear las expectativas
relacionadas con la experiencia de la marca, lo que crea la impresión que la marca asociada a un producto
o servicio tiene ciertas cualidades o características que la hace especial o única. Una marca es por lo tanto
uno de los elementos más valiosos en el tema de publicidad, como lo demuestra lo que el dueño de la
marca es capaz de ofrecer en el mercado. La gerencia cuidadosa de la marca busca crear un servicio o
producto importante para el público meta. Por lo tanto, la creación de campañas de productos que son en
realidad muy baratos de fabricar. Este concepto conocido como creación de valor consiste esencialmente
en manipular la imagen con que se proyecta
el producto de manera que el consumidor
perciba que el precio del producto es justo
por la cantidad que el anunciante quiere que
él/ella pague, en vez de llevar a cabo una
evaluación más racional que comprenda el
conocimiento de la procedencia de la
materia prima, el costo de fabricación y el
costo de distribución.
 9.19 ENVASES Y EMPAQUES
 ENVASE: Un envase es un producto que puede estar fabricado en una gran cantidad de materiales
y que sirve para contener, proteger, manipular, distribuir y presentar mercancías en cualquier fase
de su proceso productivo, de distribución o de venta.
Los primeros contenedores fueron tomados directamente de la naturaleza,
como conchas de mar o frutos como el coco. Posteriormente, se elaboraron artesanalmente
en madera envases que imitaban la forma de esos contenedores naturales. Estos fueron reemplazados por
fibras de plantas, las que tejidas constituyeron los canastos que fueron los primeros contenedores livianos
a gran escala. Otro material que se usó para contenedores de agua fue la piel de animales. Posteriormente,
se fabricaron contenedores de arcilla en Siria, Mesopotamia y Egipto, donde además de su funcionalidad
los contenedores fueron un medio de expresión artística que actualmente provee importante información
de las culturas antiguas y sus valores. El vidrio también fue y es un importante material de envases. Fue
usado primero por los egipcios y con él se inició la producción en cantidad y variedad de todo tipo de
contenedores de vidrio. Mientras que los metales como el cobre, fierro y estaño aparecieron al mismo
tiempo que las arcillas, solo en los tiempos modernos estos comenzaron a jugar un rol importante en el
envasado ya que demostró ser más robusto y más durable que otros materiales. Las latas de estaño
y acero fueron ampliamente aceptadas durante la Segunda Guerra Mundial. El aumento de su demanda
condujo también a aumentar sus costos provocando que los productores de latas buscaran un sustituto
económico. Hoy existen principalmente 6 materiales de envase, entre ellos los envases de papel y cartón,
los envases de plástico, los de metal, los de vidrio, los de madera, y los textiles.

 EMPAQUE: En la actualidad, el "empaque" es una parte fundamental del producto, porque

además de contener, proteger y/o preservar el producto permitiendo que este llegue en óptimas
condiciones al consumidor final, es una poderosa herramienta de promoción y venta.

El empaque es el contenedor de un producto, diseñado y producido para protegerlo y/o preservarlo

adecuadamente durante su transporte, almacenamiento
y entrega al consumidor o cliente final; pero, además,
también es muy útil para promocionar y diferenciar el
producto o marca, comunicar la información de la
etiqueta y brindarle un plus al cliente.
 9.20 MERCADOTECNIA APLICADA AL DISEÑO

Valorados e integrados, los diseñadores gráficos pueden convertirse en el aliado ideal de la

estrategia de venta. Sin embargo, en muchas ocasiones son ignorados y subestimados por los equipos
de marketing, catalogados como simples proveedores de estéticas atractivas. ¿Por qué escuchar, entonces,
su visión de la problemática? ¿Para qué esforzarse en dominar su terminología y sus aspectos técnicos?
Es preciso comprender que la mercadotecnia, aquella máquina generadora de ideas de comercialización,
no podrá funcionar nunca correctamente si no incorpora a su mecanismo racional ese importante tornillo
que permitirá activar eficazmente la atracción en el punto de venta. Es por esa razón que el reconocido
especialista en packaging y branding argentino, Adrián Pierini, plantea, a través de este interesante
artículo, dos puntos claves de esta situación: por un lado, la necesidad real de aumentar el nivel de
coparticipación de los diseñadores durante todas las etapas previas al lanzamiento y, por el otro, la
necesidad de que el conocimiento técnico básico
que subyace en la práctica proyectual sea
dominado con mayor precisión por parte de los
mercad logos. Una maquinaria funciona por la
correcta interacción de todos sus componentes

Si tomamos esta verdad y la trasladamos

al mundo del marketing, deberíamos sostener
que para lograr triunfar en las estrategias
comerciales es precisa una absoluta sinergia
entre sus protagonistas. Ahora bien, ¿el diseño o,
mejor dicho, el diseñador, es considerado
relevante para quienes tienen a su cargo el
destino de una marca?
 CONCLUSIONES:
Como en los primeros temas nos da mucho a entender sobre todo lo que es arte, la historia
de cómo se inventó y como se originó, edad de los metales y todos los artes antiguos, los artes en Grecia,
Roma, Clásico, Islámico Romántico, etc., y todo lo de arte en la edad moderna, de la edad de renacimiento,
en la edad de barroco etc.

También nos explica sobre las pinturas, esculturas y arquitecturas en el siglo XIX y XX los
materiales más usados en la arquitectura, y también sobre el impresionismo, simbolismo modernismo, las
fotografías de la época, la literatura contemporánea, teatro contemporáneo, danza contemporánea,
fotografías del siglo XX, historieta, arte efímero.

Bueno en estos temas se explicó todo relacionado sobre arte de cómo, dónde y quien lo
invento, el instrumento básico para que la conciencia humana se desarrolle y no se atrofie el espíritu creo
que es necesario para la vida para reflejar aspectos esenciales de la vida en los que se deben reflexionar,
por medio de las artes el hombre ha podido comprender la esencia y la naturaleza de las cosas, además del
poder desarrollar sus sentidos y sensoriales y mostrarlos.

El arte no intenta representar toda la realidad como un todo ni todas las apariencias, al
contrario, recoge el significativo de las experiencias humanas para proyectar sentimientos en distintos
niveles.
  En algunas de los temas nos explica sobre todo lo que es dibujo su historia conceptos básicos de
dibujo, su clasificación según su definición, tipos de dibujos y toda la historia de instrumentos que
se utilizan, utensilios de dibujo, y los lápices, crayones, marcadores, plumas de todo tipo utilizado,
tablero de dibujo, rapidografos, tipos de reglas graduadas compas, flexicurvas, máquinas de
perspectiva, papeles de trazados de todo tipo, todo tipo de tintas etc.

Aunque para una mejor comprensión de cada uno de los fines para los cuales nos servimos
del dibujo se ha tratado de cada uno de ellos por separado, bien se puede decir que son como distintas
facetas de una misma única realidad. En efecto, el conocimiento de las cosas que nos rodea, que se obtiene
al dibujarlas, estimula, por ejemplo, nuestra capacidad creativa nos ayuda a encontrar el mejor modo de
representarlas y este esfuerzo redunda, a su vez, en una mayor habilidad para dar a conocer esa realidad
conocida o nuestras ideas a otras personas.

El recurso al dibujo de be ser inseparable de nuestro quehacer profesional y de la enseñanza

del diseño arquitectónico en cualquier facultad de arquitectura. Llama la atención, en efecto comprobar
que, muchas veces, los estudiantes creen que el dibujo es cosa aparte de la esencia de la arquitectura y lo
considera un instrumento pasivo, sin conexión con la práctica arquitectónica.
  En las ultimas temas se enfoca más lo que es diseño su historia de cómo fue, herramientas digitales
para el diseño gráfico, las programas más utilizadas en diseño como: Corel Draw, InDesign,
Adove photoshop, Adove Illustrator, otros programas de diseño gráfico, formatos de diseño gráfico
(JPG, PNG, PSD, HTML), cromatologia de color, cromatografía y cromática, todos los tipos de
colores, todo tipo de promocionales, materiales de impresión, definición de logotipo, isotipo
slogan etc. Y mercadotecnia aplicada al diseño.

Todos estos temas son muy importantes para toda persona, porque creo que todos traemos el
diseño en nuestro ser, bueno digo porque desde niño o con forme que vamos creciendo siempre estamos
tratando de crear cosas como dibujos, diseñar uniformes para nuestros equipos, buscamos como
facilitarnos las cosas inventado algún objeto útil, al fin y acabo todo es diseño uno puede crear diseño
desde que nos imaginamos cosas. Por eso lo de que lo traemos dentro.

Para cerrar ahora la presentación de todo eso, que para la reflexión ¨para el creador no deben
existir limitantes en concepto y técnicas, no debe refrescarse en corriente de moda, sino siempre estar en
una constante búsqueda por lo que no se ha dicho ni expresado
 Recomendaciones

 Mejorar en la realización de la forma en que trabajamos, en los métodos de

redacción de la información, de análisis de trabajo.

 La planificación de un mejor método para la realización de un próximo trabajo

similar.

 La distribución eficaz de los temas que le correspondan a los integrantes del grupo.
 GLOSARIO.

Godos: antiguo pueblo germanio

Mecenas: confidente de cesar a gusto y confidente de las artes
Tiziano: fue un pintor italiano
Clichés: estereotipo
Peyorativo: transmite una expresión una connotación de desprecio
Helenístico: una etapa histórica de la antigüedad
Rocaille: es una palabra francesa que se refiere al arte o un término artístico
Papúes: es un término para describir a los diferentes términos
Papiro: planta acuática de tallo hueco
Misceláneas: equipamiento
Hacinamiento: estado de cosas lamentable
Infrahumanas: indigno de ser humano
Nouveau: es un proyecto foos
Dadaísmo: es un movimiento artístico
Gestalt: una forma o imagen simple
Mínimal: es un concepto musical basado en tendencia artística
Susceptible: tiene la condición necesaria para que suceda
Incipientes: es cuando se quiere dar cuenta que algo está iniciando
Monopolio: ejercicio exclusivo de una actividad
Aglutinar: unir cosas con una sustancia
Gimp: es un usuario
Indexado: es un método para incluir en el índice
Wid: página de inicio
Bromatología: estudio de los alimentos