Nùmero 3

Artistas
hablando
de
Artistas

Walter Crane - William Morris - Maxfiel Parrish - Futurismo - entre otros

 LUCES, CÁMARA... ¡REACCIÓN!

A
l César lo que del César y a Daniel lo
que es de Daniel. Por esos avatares y
caprichos del destino y de las com-
putadoras, el editorial que había sido
escrito por Daniel Tassara y que iba a
acompañar la presente edición desapareció como por
arte de magia de la bandeja de correo electrónico y
es irrecuperable hasta el momento. Las disculpas del
caso y este intento desesperado de suplir un texto que,
por primera vez, era escrito por un alumno.
¿Qué nos depara esta nueva edición de CREARTE,
la revista de los alumnos del Taller de Diseño Gráfico
1 de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas?
Pues un menú exquisito de tonalidades, cromatis-
mos, combinaciones, ritmo y movimiento. Desde la
religiosidad profana de Eric Gill hasta los devaneos
pixélicos de April Greiman, pasando por el obsesivo
orden de la escuela De Stijl, el juguetón encanto de
Lester Beall, el vintage clave de Tom Purvis, la marca
registrada de Milton Glaser y los arrebatos ornamen-
tales de William Morris. Todo, como siempre, bajo la
mirada atenta de un grupo de alumnos que empiezan
a experimentar en el arte del diseño y que ponen todo
de sí para lograr una edición atractiva tanto en lo vi-
sual como en lo narrativo.
Lo que empezó como un experimento se ha converti-
do en una sana costumbre que, ciclo tras ciclo, empie-
za a consolidarse como parte de los objetivos acadé-
micos de un curso que ha sido diseñado para que los
alumnos aprendan pero, sobre todo, para que tanto él
como el profesor se diviertan.
El profe

Gabriel
E Berge
ER D O1 Felipe C lund - Bladimir
TALL G R ÁFIC 406 Katherin hafloque - Jesú Berros
ÑO nH s Cuzca pi
DISE 010-1. Secció ’Ugard José Do
ne D’Ug
ard - Jac no
2 eD kelin
Ciclo K atherin
rc
Gianfran a - Alejandra M e Dioses
d a :
Porta Joaquín co Monte aynetto
Salas - M s - Rodrigo Ric
Daniel T aría Fern se
assara - anda Sá
Manuel nchez
Luis Alb Villanue
erto Wu va
Manuel Hugo
Villanueva
Alarcón
WALTER CRANE
EL ARTE A TODO COLOR

Por: Manuel Villananueva

 “Walter Crane impuso una nueva moda en el arte
grabado gracias a sus estudios en Japón”

F
ue un ilustrador los libros para niños, y uno innumerables obras con sus
victoriano, diseñador, de los primeros exponentes grabados inimitables en madera,
poeta, maestro, socialista del libro de imágenes a color. pero su arte no se limitó tan
y pintor cuya defensa solo a la ilustración gráfica, sino
de libros de imágenes de color Desde una temprana edad, también incluye relieves en
asequibles ayudó a influir en el mostró gran interés por el arte yeso, mosaicos, vitrales, alfarería,
aspecto de la literatura infantil gracias a la influencia de su empapelados y diseños textiles.
británica del siglo XIX. padre, Thomas Crane, quien fue Un elemento fundamental en su
un famoso pintor de retratos carrera como artista consistió en
Reconocido y famoso artista y pinturas. Por otro lado, fue el estudio de impresos coloreados
conocido como un reformador aprendiz del famoso diseñador de Japón, cuyos métodos fueron
de la sociedad, de nacionalidad y grabador William James Linton imitados y expuestos en una serie
inglesa, nacido en Liverpool, por tres años (1859 – 1862). de libros infantiles con los que
Crane fue uno de los ilustradores inició su carrera como artista y,
victorianos más populares de Durante su vida ilustró de esta manera, implantó una
nueva moda en el mundo del arte
grabado.

Jugó un papel pionero y

fundamental en el desarrollo del
modernismo (término con el que
se designa a una corriente de
renovación artística desarrollada
a finales del siglo XIX) y fue uno
de los máximos exponentes
del Arts & Crafts (movimiento
estético reformista que tuvo gran
influencia en la arquitectura, las
artes decorativas y las artesanías
británicas, e incluso en el diseño
de jardines), cuyo objetivo era
reformar las artes decorativas.

La naturaleza era una de sus mayores

inspiraciones y, en muchos de sus
cuadros, ésta queda reflejada mediante
colores claros, alegres y totalmente
llamativos como el amarillo, el rojo, el
naranja y el verde. Éste cuadro es uno
de los más conocidos y coloridos que
posee y es titulado como “La princesa”,
realizado en el año de 1894.

6
Objetivos lograría con la educación y no
con la revolución.
Deseaba elevar al diseñador
al status de los pintores y En el año 1892, publicó el
arquitectos a la vez que producir libro “Las demandas del arte
objetos bien diseñados y decorativo”, donde sostiene
asequibles a todos los niveles que el arte no puede
sociales. Utilizó su arte como prosperar en un mundo en
estandarte de la causa socialista donde el poder y la riqueza
y dedicó muchas horas, trabajo están tan mal distribuidos.
y energía al Gremio de los
trabajadores de Arte, Luego de vivir por unos
y a la Sociedad de años en la India, en 1907,
Exhibición de las Artes Crane publica “Impresiones
y de los Oficios. de la India”, en donde critica
severamente la forma en que
Su Ideología dicho país estaba siendo
gobernado por los ingleses.
En diciembre de
1884, Walter Crane Fue nombrado a tiempo
se une a la Liga parcial Director de Diseño
Socialista y, a en la Escuela de Arte
pesar de tener una de Manchester de 1893
ideología marxista, a 1896 y fue nombrado
estaba convencido de director de la Royal College of
que el socialismo se Marigold - Walter Crane (1897) Art desde 1897 hasta 1898.

“Los artistas
trabajan mejor y más
libremente sin una
referencia directa a
la naturaleza, y deben
haber aprendido las
formas que usan con
el corazón”

El movimiento artístico Arts & Crafts (Artes y oficios),

se desarrolla en Ingalterra y Estados Unidos a finales
del siglo XIX e inicios del siglo XX. Abogaba por la
supremacía del ser humano sobre la máquina.

7
Rodrigo
Ricse
Valdivia
William Morris

“La verdadera base

del arte reside en
la Artesanía”

Por: Rodrigo Ricse

 M
Artesano profesional
orris nació el 24 de marzo de
William
1834 Morriscerca
en Walthamsow, Fue de un La artesano, impresor, poeta, escritor, activista
ideología de Williams era

Londres, Perteneciente a una británico,
político,diseñador totalmentefundador del
socialista lo movimiento
llevó a Arts and Crafts.
familia acomodada. buscar que el arte fuese parte de

M
En 1848 inició su educación en el los objetos cotidianos, pero su
Marlborough College orris ynació
la com-
el 24 denegativa a la industrialización
expresion humana de la lo alegria
pletó en el Exetermarzo
College de la
de 1834 enllevódel a que sus diseños fuesen parte
trabajo” y lo consideró
Universidad de Oxford, donde es- extremadamente costosos, reduci-
tudió arquitectura, Walthamsow,
arte y religión. cerca esencial del bienestar humano. dad, en cantidades limitadas y
endo a sus clientes a únicamente
En esta época conoció a su futura
de Londres, dentrogente Laadinerada
ideología de Williams era ciertamente costosos, puesto que
esposa,
de Jane
una Burden,
familiade acomodada.
clase trataba de revestir objetos de uso
Las totalmente
creaciones desocialista:
William Mor-lo llevó a
obrera, cuyo pelo cobrizo diario con estas cualidades. Con
En 1848 inició su yeducación
piel ris ybuscar
de la Kelmscott Press
que el arte eran
fuese parte de
pálida eran considerados por Mor- objetos hermosos, de gran cali- el libro la Story of Glittering
en el Marlborough
ris y sus amigos como la máxima College los objetos cotidianos, pero Plain, Morris establece el estilo
su
expresión de la bellezaen
y la completó femenina.
el Exeter negativa a la industrialización lo definitivo para todos sus libros,
Morris repudiodeel concepto
College de
la Universidad llevó a que sus diseños fuesen consistente en el diseño de los
“Bellas bordes y las iniciales que lo car-
de Artes”
Oxford, y su compañia
donde estudió se
extremadamente costosos,
basá en el ideal del gremio me- acterizaron.
arquitectura, arte
dieval, en el que los artesanos y religión. reduciendo sus clientes a
diseñaban
En esta y ejecutaban
época conociósu obra. a su únicamente gente adinerada En 1890 Funda la Kelmscott
Definio
futurael esposa,
arte comoJane“la expresion
Burden, de Las creaciones de William Press, una imprenta privada de
humana altísima calidad, proyecto que
clase de la alegria
obrera, cuyodelpelo
trabajo”
cobrizo Morris y de la Kelmscott Press
y lo considero parte esencial del Morris guardaba desde temprana
y piel pálida
bienestar humano. eran considerados eran objetos hermosos, de edad haciendo libros totalmente
gran
por Morris y sus amigos calidad, en cantidades limitadas artesanales. Tomando como
como la máxima expresión y ciertamente costosos,asesor tipográfico a Emery Walt-
ker, quien había escuchado en una
de la belleza femenina. puesto que trataba de revestir conferencia sobre tipografías y
Morris repudió el concepto de objetos de uso diario con estas editorial.
“Bellas Artes” y la compañia cualidades. Con el libro The Entre 1890 y 1898 salieron de
que fundó se basa en el Story of glittering plain, Morris esta imprenta 53 libros, el primer
libro editado fue The Store of
ideal del gremio medieval, establece el estilo definitivo para the Glittering Plain en 1891, en
en el que los artesanos todos sus libros, consistente en 1896 crea según muchos su pieza
diseñaban y ejecutaban su el diseño de los bordes y las maestra The
obra.Definio el arte como “la iniciales que lo caracterizaron.
Works of Geoffrey Chaucer
Movimiento Arts and Crafts este ilustrado por Sir Edgard
Burne-Jones, de una bella en-
Este movimiento surgió en el Morris y sus seguidores cuadernación de piel blanca, con
año 1861, cuando el diseñador atacaron la esterilidad y tipografías y diseños decorativos
inglés William Morris fundó la fealdad de los productos realizados por Morris
empresa Morris, Marshall, & hechos a máquina, dedicando Asimismo, Morris crea tres tipo-
Faulkner. Argumentando que la su actividad a la producción degrafías: Golden Type esta inspira-
verdadera base del arte residía tejidos, libros, papel pintado y das en las romanas venecianas de
en la artesanía, mobiliario hecho a mano. Nicolás Jonson y dos góticas Troy
Type y Chaucer Type o llamada
10
PRODUJO OBRAS DECORATIVAS
TALES COMO ESCULTURAS,
TRABAJOS EN METAL, VIDRIERAS Y
ALFOMBRAS. ESTOS PRODUCTOS FUERON
APRECIADOS POR SU BELLEZA NATURAL
En 1890 Funda la Kelmscott Works of Geoffrey Chaucer,
Press, una imprenta ilustrado por Sir Edgard
privada de altísima calidad, Burne-Jones y de una bella
proyecto que Morris encuadernación de piel
guardaba desde temprana blanca, con tipografías
edad haciendo libros y diseños decorativos
totalmente artesanales, realizados por Morris.
tomando como asesor Asimismo, Morris crea tres
tipográfico a Emery Waltker, tipografías: Golden Type,
a quien había escuchado inspirada en las romanas
en una conferencia sobre venecianas de Nicolás
tipografías y editorial. Jonson, y dos góticas: Troy
Entre 1890 y 1898 salieron Type y Chaucer Type, o
de esta imprenta 53 libros, llamada también Ornaments.
el primer libro editado fue William Morris falleció el 3 de
The Store of the Glittering octubre de 1896; Sin duda tuvo
Plain en 1891, en 1896 una gran influencia histórica
crea según muchos en las artes visuales y en el
su pieza maestra The diseño industrial del siglo XIX.

En la imagen de la izquier-
da se puede ver el tapiz “El
carpintero” (1888) uno de
los tapices más famosos.
Así como los diversos tapi-
ces que creó como la ima-
gen del centro y de arriba,
en donde en algunos casos
transfiere las imagenes a
muebles como la imagen
de la pagina anterior.

11
Joaquín Alonso

S
Salas
Canitrot
Maxfield Parrish

Por: Joaquín Salas

Nacido el 25 de julio de 1870 y
fallecido a los 95 años de edad,
Maxfield Parrish le dedicó más
de medio siglo al arte, aportando
mucho a la pintura y la ilustración .
Maxfield Parrish fue un reconocido pintor e
ilustrador norteamericano, encuadrado en la Edad
Dorada de la Ilustración. Nació en Philadelphia,
Pennsylvania, y desde niño comenzó a dibujar por
su cuenta. Fue bautizado con el nombre de
Frederick Parrish, pero luego adoptó el
apellido de soltera de su abuela materna,
Maxfield, como su nombre central, que
se acabaría convirtiendo en su nombre
profesional.
Estudió en el Haverford College y en
la Pennsylvania Academy of the Fine
Arts. Desarrolló una carrera artística
que abarcó más de medio siglo, la
cual ayudó a formar la Edad de Oro
de la ilustración y las futuras artes
visuales americanas. Recibiendo
el encargo de ilustrar el Mother
Goose in Prose de L. Frank Baum
en 1897, su repertorio incluyó
muchos proyectos prestigiososo
como los Poems of Childhood
de Eugene Field (1904), así como
trabajos tradicionales como Arabian
Nights (1909).
Pág. 14
14
Lute Players
Los libros ilustrados por Parrish son objetos
muy codiciados por los coleccionistas.
Obtuvo también muchos encargos de
populares revistas en las décadas de 1910
y 1920, incluyendo Hearst’s, Colliers, y Life.
Fue también uno de los favoritos de los
anunciantes, incluyendo Wanamaker’s,
Edison-Mazda Lamps, Fisk Tires, Colgate
y Oneida Cutlery. En la década de 1920,
Parrish abandonó las ilustraciones y se
concentró en pintar. Los desnudos
andróginos en entornos fantásticos
eran un tema recurrente. Continuó
en esta línea muchos años, viviendo
confortablemente de los beneficios
obtenidos en la producción
de láminas y
calendarios.
Una de sus primeras
modelos fue Kitty
Owen, en los años
20. Lurgo, otra de sus
favoritas, Susan Lewin,
posó en multitud de
 Cinderella

trabajos y fue empleada en el hogar de

Parrish muchos años. Parrish posó para
un gran número de figuras masculinas
– y ocasionalmente femeninas - (ver
Potpourri, 1905).

In 1931 declaró a la Associated Press: “He

acabado con las mujeres sobre rocas”, y
en su lugar optó por focos sobre paisajes.
Aunque no fueron tan populares como
sus primeros trabajos, sacó provecho
de ellos. Usaría a menudo modelos de
los paisajes que deseaba pintar, usando
varias iluminaciones antes de decidir
la visión preferida, la cual fotografiaría
como una base para la pintura (como,
por ejemplo, The Millpond). Se instaló
en Cornish, New Hampshire, y pintó The reservoir at villa falconieri frascati, Riverbank in Autumn, Adam, Garden
hasta los 91 años de edad. ofallah

15
 ¿Cómo veían el futuro en el
pasado? o mejor dicho, ¿Qué
significaba para ellos hablar
del futuro, en este caso, del
futuro artístico? Transguedir los
conceptos pasados, lio en el la
pintura, movimiento, entre otras
cosas significó para el Siglo XX
el futuro del arte.
 G rá fi c o , e n la Arquitectura,
En el Diseño n o tr as ramas
ite ra tu ra y e
también en la L
l F u tu ri s m o tr ajo consigo un
del arte. E
a la s id e a s q u e se estaban
cambio radical
la re a li z a c ió n del arte.
teniendo sobre
v o lu c ió n d e la cual puede
Causó una re
e actual.
agradecer el art

E l Futurismo fue un
movimiento
dista del siglo XX que
vanguar-
tuvo su aparición en
Italia, y que finalizó,
aproximadamente,
1915. El escritor italiano,
Filippo Marinetti, en
1909, publica Manifesto
Futurista, con lo que da
inicio al Futurismo. Tuvo
una rápida expansión, con lo
que se llegó por el resto de Europa y
los Estados Unidos de América. Abarcó
el nivel artístico en todas sus ramas.
Entre sus máximos exponentes se puede
encontrar a su autor, Filippo Marinetti
(literatura); Henry Van de Velde y Josef
Hoffman (arquitectura) y Otto Eckmann
y Moser Koloman (diseño
gráfico).
Romper el pasado…
El Futurismo, como
su propio nombre lo
dice, rechazó todas las
Carrá. Caballo y Jinete.
Se observan líneas sin
un orden marcado y un
novedoso uso de colores.
tradiciones, valores e instituciones ya
arraigadas y buscaba romper con el
pasado y el academicismo.
Logró acabar con lo popularizado
basándose en la idea de incorporar
en
el movimiento y la velocidad a
las diversas expresiones artísticas.
Además, buscaba reflejar al mundo
el dinamismo, la fuerza interna de las
cosas, la exaltación de la guerra, las
máquinas; es decir, todo lo que fuese
moderno. Entre algunos temas que
trató a profundidad se encuentran la
metrópolis, la luz, la energía, los ruidos
mecánicos, la búsqueda del placer en la
ciudad, entre otros temas que recién se
proponían en la época.
Además de las ya mencionadas
exaltaciones de lo original y las
estructuras de movimiento, se pueden
encontrar las vibrantes composiciones
de color, el divisionismo, la abstracción,
la desmaterialización de objetos y
la multiplicación de posiciones de
un mismo elemento. Igualmente,
se puede rescatar la generación de
ritmos mediante formas y colores; la
utilización de colores resplandecientes;
las transparencias.
Además, se pueden observar diversas
modificaciones particulares en cada
“tipo” de arte anterior a este movimiento.

1909: Marinetti. 1910: Boccioni.Manifiesto 1910: Boccioni. Le 1912: Duchamps. Desnudo

Manifiesto Futurista. Técnico de la Pintura Cittá che sale bajando por la escalera nº2.

18
 Pintar el futuro… resaltó como fundamento esencial el
sistema de división de colores que los
En la pintura, se tienen representantes
neoimpresionistas habían desarrollado.
como Boccioni, Russolo y Carrá. Las
pinturas de estos personajes trataban e
indicaban la posibilidad de usar el arte
Exígete, innova…
como medio para captar los aspectos
plásticos como no plásticos de un entorno En 1914, Sant’Elia publica el Manifiesto de
que era reconocido más como dinámico la Arquitectura Futurista. Propuso un nuevo
que como estático. tipo de metrópolis, en relación con los nuevos
materiales y las invenciones estructurales
de la ingeniería. Su rechazo de las
“No queremos representar la líneas horizontales y verticales,
de las formas voluminosas
impresión óptica o analítica, y estáticas, y su reclamo
sino la experiencia psíquica y de una arquitectura de
total.” - Boccioni hormigón armado,
hierro, cristal, textiles
y todos aquellos
En el Manifiesto Técnico de la Pintura sustitutos de
Futurista, Boccioni afirma que “por la madera, el
medio de la persistencia de las imágenes ladrillo y la
en la retina, las cosas que están en piedra que
movimiento se multiplican y resultan permitan
distorsionadas, sucediéndose unas a m a y o r
otras como vibraciones en el espacio elasticidad
a través del cual pasan”. Boccioni y ligereza.

En el Diseño Gráfico
La novedad es el
nuevo uso tipográ-
fico, pues se le da
un sentido plástico y
estético. Con el Fu-
turismo la letra deja
las cajas, toma for-
mas circulares, ver-
ticales: la letra toma
cierta forma figu-
rativa, de manera que resalte el contenido de la imagen
gráfica. La letra ya había adquirido una cierta paridad
jerárquica con la imagen, gracias a la labor experimental
de algunos arquitectos modernistas (Van de Velde, Ber-
lage, Behrens) y de diseñadores gráficos preocupados por
el tema (Eckmalln, Bernhard, Moser). Ahora asume una
entidad pictórica. Para ellos, la forma de la tipografía de-
bía enfatizar el contenido escrito, huyendo además de las
normas establecidas por la tradición sobre la armonía.

1914: Sant`Elia. Manifiesto 1914: Carrá. Interven- 1916: Balla. La 1926: Russolo. Impres-
Futurista de la Arquitectura. tionist Demostration Guerra sions of Bombardment

19
 de

La s

Simplicidad

de
t

La i
utopia
Piet mondrian

theo van doesburg l

1917 1932

por Katherinne m.
d'ugard Liza
 Piet mondrian

Habia una vez...

El objetivo de
"Hay una vieja y una nueva la naturaleza
es el hombre,
conciencia de la epoca. La vieja el objetivo del
se dirige hacia el individuo. La hombre es el
nueva se dirige hacia lo universal.
El conflicto del individuo y lo
estilo
universal se refleja en la guerra
mundial, asi como en el arte actual."

... un mundo

21
 ...lleno

Rayas
de

e Stijl , que en holandes significa estilo, fue una revista

D dedicada a las artes plasticas fundada por Piet Mondrian
y Theo van Doesburg que surgio en 1917 y duro hasta 1931.
Esta revista iba a reunir un numero de artistas que
compartian ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban
a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino
que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez,
como organo difusor de este nuevo arte. Esta revista
que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las mas
influyentes de su tiempo ya que tenia la finalidad de lograr un
estilo valido, que sustituyera lo individual por lo universal.

E l movimiento de Stijl era considerando como

una variante del arte abstracto, que era
caracteristico de la modernidad. Este nuevo
arte no pretendia ser reproductivo ni
ilustrativo, tal como la habia sido el arte
tradicional, este queria ser comprensible a
partir de si mismo, sin referencias al mundo
de los objetos ni a la reproduccion figurativa.
theo van doesburg Su racionalismo formal estaba basado en un
amplio programa artistico, que a partir de los
elementos fundamentales de las artes plasticas,
pretendia configurar un nuevo mundo ideal. Para Stijl
el arte era un catalizador que debia lograr un estado
de armonia ideal, por esto el ideal de Stijl siempre estuvo
orientado hacia la realizacion de obras en todas las artes.

ideales
Los
Stijl abarcaron
de
L os ideales esteticos, el lenguaje formal y las
intenciones de los artistas que conformaban
el Stijl, estaban contenidos en el tratado
practicamente
todo, ellos fundamental de Mondrian, titulado “el
pretendieron nuevo modo de concebir la forma en la
pintura”. En este trabajo Mondrian define
configurar el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular,
la totalidad del sino como ja forma de expresion adecuada al mundo ideal.
mundo en el
que se desarrolla
la vida del ser
humano
L a esencia del Stijl puede describirse a traves de su
intencion universalista, expresaba la belleza pura, y
por ello debia utilizarce exclusivamente formas puras.
Uno de los ejemplos mas ilustrativos se aprecian en la
obra de Mondrian, donde combinaba su configuracion
abstracta a traves del equilibrio, utilizando los colores
primarios y las lineas rectas, las cuales forman rectangulos
que equilibran las apreciaciones entre espacio y tiempo, reposo y
movimiento en las relaciones que guardan las superficies entre si.
Es aqui donde el ideal de la armonia absoluta se concretiza.
22
Los ideales de Stijl abarcaron practicamente todo,
ellos pretendieron configurar la totalidad del mundo
en el que se desarrolla la vida del ser humano. Sus
artistas trabajaron como arquitectos, decoradores
de muebles, artistas graficos y escenografos, los
cuales produjeron una gran cantidad de obras.

De Stijl se desarrollo en tres etapas:

L a primera finaliza con

la separacion de algunos
colaboradores y el ingreso de
Rietveld (creador de la silla roja
azul) que aporto con su
diseno una proyeccion Pura abstraccion y
de la estetica De Stijl
en tres dimensiones. simplicidad
Tambien en esta etapa
exponen en la Galeria de
Leonce Rosenberen Paris.

L a segunda etapa abarca el

periodo apartir 1921 a 1925.
Se elimina el uso de columnas, simetria, y
principios esteticos y en 1924, deja de contribuir
repeticion de elementos (en fachadas).
con sus articulos en el periodico por sus diferencias
Llevando al estilo al Neoplasticismo
con Van Doesburg, quien se aleja del grupo en 1925.
(bautizada asi por Mondrian). Con nuevas
consignas referidas a la arquitectura se va
cerrando cada vez mas el estilo. L a tercera y ultima etapa de De Stijl abarca de 1925
hasta su fin en 1931. Stijl combino elementos del
Constructivismo y el Suprematismo, esta tendencia
En la Revista Van
llego hasta la Bauhaus y otros grupos, de quienes
Doesburg sera el vocero
del Constructivismo, tambien se nutrio para lograr un lenguaje especifico.
pero para 1923 naceran sus diferencias con Mondrian,al
querer incorporar la diagonal (surgiendo asi el Elementalismo).
Mondrian considero esto como una traicion a sus

Las rayas estan de

moda

La influencia del Stijl no solo abarco las areas de la pintura o la

arquitectura, sino tambien la industria de la moda.
Un ejemplo muy reciente de ello, es el nuevo lanzamiento de la
marca Nike. Este empresa tomo estilos que dejaron huella en
la historia del diseno y los plasmaron en unas muy originales
zapatillas, de edicion limitada.
Felipe Amador
Chafloque

C
Salinas
 Q SD Q B TU
W V X
P P X Q A S
AR AI P I V
AEKFYIBJFLPOGDFFGSFQVBKEÑOYFYHGFWVRAW

E G
KRGDCBPOVBEQSEJHKLHCÑKVFDTHBIJWKHSDQ
KRGDCBPOVBEQSEJHKLHCÑKVFDXPUYTHBIJWHJYUMBIJWH
AEKFYIBJFLPOGDFFGSFQVBKEÑOYFNHDYHGFWVNLKÑDFEP

GDFGJFRTBJWEFGVFQFNHAGNBVMFPLXZGDEJUTVBÑUDFGI
AEKFYIBJFLPOGDFFGSFQVBKEÑOYFNHDYHGFWVRLKÑGDFI
P D O Z
E J SP
R
N
A O
P
E Z
T U
D
E I
I J
FN X A U D
G
N
Ñ
S J L
CY A T
U X Z P
K
I X L
“Las letrasP sonS objetos, A
no
G Nde objetos”
dibujos Ñ Ñ
X
ZU G A Y Por Felipe Chafloque

O
 Estudiante del Theological Colle
Técnicas y Artes de Londres, Eric
famoso escultor y dibujante, pero
al diseñar y crear el famos

N
debió a que Gill solia mostrar figuras religiosas en pinturas donde el contenido sexual era
acido el 12 de febrero de 1882 en Brighton, Inglaterra, Gill se inició en el mundo
implícito, lo cual era completamente inaudito para una sociedad en la que la imagen de sacerdotes
de las artes bajo la tutela del tipógrafo y albañil Edward Johnston, el cual se
o personajes bíblicos e históricos es completamente sagrada. Este aspecto de las obras de
reflejó en la pureza y severidad de su trabajo. Este siempre se caracterizó
Gill se siguen discutiendo hasta en estos días. Gran parte de esta polémica se debe
por dejar de utilizar elementos superfluos y aplicar métodos más abstractos de
también al hecho que Gill fue una persona sexualmente activa, practicando y
representación, siendo calificado como Neo-Bizantino y Anti-Naturalístico.
desarrollando su vida sexual de modos poco ortodoxos, generéndole una
muy mala reputación.
Gill empezó su instrucción a los 17 años de edad, continuando su educacion en
Londres, dentro de la Escuela Central de Artes de la capital de Inglaterra. Es
Volviendo al ámbito artístico, con el tiempo Gill en empezaría a
aqui donde conoce a su tutor, el ya mencionado tipógrafo Edward Johnson. Esta
mejorar sus tecnicas tanto en la escultura como en grabado en
educación en Londres fue básicamente relacionada a la escultura y el grabado
madera. Pero su mayor reconocimiento no lo lograría en ninguno
en madera. También se tomó el tiempo para realizar diseños, su área de trabajo
de estos ambitos. Llegaría el momento en el que deja por un
se realizaba mayoritariamente en portadas de libros, donde trabajaba dibujando
tiempo la escultura y comenzaría a diseñar tipos para imprenta
y tallando en madera para diseñar las cubiertas de libros, entre los que se destacan
solamente después de una gran labor de persuasión
The Four Gospels.
ejercida sobre él por Stanley Morrison, ya que como él
decía la tipografía no era su campo de actuación y no
Durante su convivencia en Ditchling, Sussex, durante los años 1907 y 1924, Gill
tenía ninguna experiencia sobre el tema.
vivió rodeado de una comunidad de artistas y su fervor religioso se vio reflejado en
su trabajo. Juntándose con otros artistas que compartían su misma creencia, formó
Inicios en la tipografía
el Gremio de San José y Santo Domingo. Entre los artistas que lo acompañaron estuvieron David
Jones, Philip Hagreen, Hilary Pepler y Edward Johnston.
El primer tipo que diseñó, que más tarde se
conocería como el tipo de fuente de nombre
La religión y el erotismo: polémicas inspiraciones
Perpetua, tardó cinco años en convertirse
en realidad ya que para Gill era difícil resolver
Como escultor, jamás se mantuvo alejado de sus raíces religiosas, aunque también el
los problemas que se presentaban en la creación
erotismo formaba gran parte de ella, algo que Gill jamás tuvo miedo de combinar. Esta
de tipos para producción mecánica. Charles Malin,
combinación de gustos le trajo a Gill numerosos
un grabador que Stanley Morison introdujo en el
problemas, no solo con la crítica, sino
proyecto, fue el que resolvió estos problemas y
con la sociedad en la que vivió (y
Perpetua, después de algún cambio en su diseño, fue
las siguientes generaciones hasta
editada por la corporación Monotype en 1929. Aunque
la actualidad).
durante su vida activa diseñó otros tipos de letra, sus dos
Esto se
más conocidos serian Gill Sans y Perpetua.

Como punto aparte, se puede decir que Gill pertnecio a un

movimiento, el cual no fue artistico. Junto con algunos otros
artistas y personalidades, fundó el movimiento distributista.
Esta doctrina se enfocaba en la política y economía, siendo uno
de sus postulados más importantes, el de hacer de dominio publico las
propiedades privadas directamente relacionadas con medios de producción
y manejo de recursos.

Gill Sans: el trabajo que lo puso en la

historia

Tomando como inspiración el trabajo de Edward Johnston, Gill logra

desarrollar la famosa fuente Gill Sans, en la cual creó un tipo de letra
tomando como base las antiguas formas de letra románicas, la cual era poco

26
ege de Chichester y de la Escuela de
c Gill se convirtió en un renombrado y
o su mayor logro lo hizo como tipógrafo,
so formato de escritura Gill Sans.

común cuando se hablaba de Sans Serif.Pero probablemente lo que lo hacía más característico era
el hecho de no ser una fuente “mecánica” (o sea que todas las letras no partían del mismo diseño)
sino que le daba una diferente “personalidad” a cada letra. Aún a pesar de ser una fuente
de letras distintas, lograban entenderse con completa armonía cuando se utilizan en
conjunto, lo cual le dio mucho mayor prestigio al trabajo de Gill.

Es con el Gill Sans que Eric Gill logra combinar sus conocimientos
de escultura y los combina con sus recién adquiridos
conocimientos provenientes de su formación
en la tipografía (en la cual fue prácticamente El impacto de la marca Gill Sans
persuadido de hacer). Él logró encontrar el
punto medio entre el uso del grabador para El Gill Sans,
la creación de letras y la estructuración trabajo más
de las mismas a través de formas curvas y famoso de
diagonales que aprendió al hacer figuras en Gill, es
esculturas y dibujos eróticos, en los cuales utilizado
siempre se involucraban formas humanas. Es por
así que a Eric Gill se le atribuye comúnmente numerosas
el hecho de que él dotó de humanidad a la empresas y
era de la máquina, brindò caracteristicas corporaciones
jamas vistas a las letras. como letras de sus
logos. Esto debido
Cuando falleció en Noviembre a la reputación
de 1940 debido a un cáncer de que ha adquirido
pulmón, Gill esculpiò una lapida Gill con el tiempo.
en la cual indicaba que èl fue Esta letra alcanzó
un escultuor. Ciertamente, esto tal grado de
brinda cierta paradoja a su vida Aquí se puede observar los logos de reconocimiento
la BBC, United Colors of Benneton
y obra. Gill es mayoritariamente y la página de citas e-Harmony que se convirtió
reconocido por la creación de una utilizando la fuente de este artista. inmediatamente en
famosa fuente, pero él mismo quiere el legado
ser recordado por su trabajo en la de este artísta que que nunca pudo
escultura, debido a que fue su interés lograr ser recordado como escultor.
inicial (y probablemente único en el mundo
de las ates), siendo después forzado a realizar
trabajos de tipografia.

“El artista no es un tipo diferente

de persona, toda persona es un tipo
diferente de artista”.
Eric Gill

27
Alejandra Fiorella
Maynetto
Arostegui
 Tom
Purvis e
i n t a g
Sin la complejidad de los pla-
V
nos y los detalles y con la com-
binación de muchos colores,
Tom Purvis nos deleitó con su
peculiar estilo, único y muy
reconocido hasta.

Por Alejandra Maynetto

Volviendo a vivir...
Un pasado que perdura

UN POCO DE HISTORIA

T
om Purvis (12 de Junio de 1888 – 27 de Agosto de
1959) fue un pintor británico y cartelista comercial.
Nació en Bristol, hijo de marinero y artista marinos
TG Purvis. Estudió en Camberwell School of Art y traba-
jó durante seis años en la empresa de publicidad de Mather
y Crowther antes de convertirse en un diseñador freelance.
Purvis se caracteriza por haber desarrollado un estilo atre-
vido de dos dimensiones, en la cual utiliza una gran can-
tidad de planos de colores vivos eliminando los detalles.

Desde 1923 hasta 1945 trabajó para el Purvis LNER bajo la

dirección del Gerente de Publicidad William Teasdale y luego
su sucesor, Carlos Dandridge, que tanto le permitió una consi-
derable libertad en sus diseños. Durante su
tiempo en la Purvis LNER ha produ-
cido más de 100 carteles, alrededor
de 5 y 6 por año o una cada dos me-
ses. Él gozaba de un estatus muy alto
en el departamento de publicidad
de la LNER y fue uno de los
principales diseñadores
que participaron en la ela-
boración de los afiches y
gráficos para el estilo re-
conocible de LNER. Pur-
vis era tan importante para
LNER que le pagaron un
anticipo de, aproximada-
mente, £ 450 por año para
llevar a cabo su trabajo.
Se concentró en retratar a
los balnearios que fueron
los destinos de vacacio-
nes de los viajeros y las
actividades de ocio que
se puede disfrutar allí en los
carteles para LNER. un fuer-
te elemento de trabajo. Purvis
mostro en muchos carteles a
las mujeres en trajes de baño
con los brazos desnudos y
las piernas bastante subidas
de tono, algo verdaderamen-
te impensable para la época.
Además de carteles indivi-
duales, también produjo dos
series de seis carteles, los
cuales, al unirlos, formaban
una sola imagen. Además de
su trabajo para la LNER, Pur-
vis también diseñó carteles
¿QUÉ ES EL VINTAGE?
“un momen-
to del tiempo
al que todos
quisieran per-
tenecer, volver,
sentir, vestir o
usar...”
Hasta ahora, la expresión ha sido
utilizada para representar toda suer-
te de inclinaciones estéticas alter-
nativas; entre ellas, la de sentir un
placer al contemplar viejas fotogra-
fías con imágenes de personajes del
pasado en actitud seductora, pero
¿qué es el vintage?, ¿una moda?,
¿una estilo?, ¿una tendencia? o un
momento del tiempo al que todos
quisieran pertenecer, volver, sentir,
vestir o usar; bastante difícil de de-
para los proveedores de equipo de
caballeros ‘Austin Reed y para la
Feria de Industrias Británicas. En
1930 ingresó a la Compañía Indus-
trial de Artistas, un grupo que bus-
caba presionar a la industria para
mejorar los niveles de formación
para los diseñadores gráficos y pro-
porcionar una gama más amplia de
empleo para ellos. En 1936 se con-
virtió en uno de los primeros dise-
ñadores para la Industria. Abando-
nó el diseño de carteles después de
la Segunda Guerra Mundial para
pintar retratos y cuadros religiosos.
finir, ¿quizás es por eso que atrae
tanto?, esa sensación de inmorta-
lidad tan escasa en estos tiempo,
¿será eso lo que nos hipnotiza?. Es
complicado ponerse a descifrar los
efectos que causa el vintage en las
personas, lo único que está claro
e interiorizado es que es algo no-
vedoso, con onda y estilo que se
refleja desde el amor a la fotogra-
fía, del cine y del arte hasta la ins-
tauración increíble de tiendas de
ropa usada que siguen esa onda del
estilo. No se puede dejar de lado
su efecto en la publicidad y en el
diseño gráfico actual, que gracias
a la combinación armoniosa de
colores y siguiendo patrones de
antigüedad, se logra crear diseños
maravillosos. Lo que es impres-
cindible mencionar, es que hoy en
día todo se mezcla, todas las ten-
dencias se fusionan con aspectos
juveniles que dan origen a nue-
vos estilos como lo es el vintage.
Bladimir
Berrospi
Berrospi
TAMAÑO Y PESO
JUSTO
El uso de las dimensiones, el espacio y la forma para lograr la eficiencia

Por Bladimir Berrospi

Emil Ruder
 El estilo internacional de escritura, conocido también
como estilo tipográfico suizo, proveniente de un movi-
miento progresista y caracterizado por la utilización de
la grilla y palabras sin serif (sans-serif) para seccionar
y acomodar adecuadamente cada elemento presente
en la página; así como para dar mayor claridad y efi-
ciencia a las publicaciones, tuvo entre sus más grandes
defensores a Emil Ruder, tipógrafo y diseñador grafico
suizo, que sostenía que el uso de demarcaciones que
organizaran las secciones de las página (grillas), la
correcta jerarquización de los espacios y contenidos,
y la omisión de la serif en los textos era requisito indis-
pensable para que las comunicaciones fuesen claras.

Emil Ruder (1914-1970) fue, además de tipógrafo y diseñador, escritor y editor contribu-
yente de Typografische Monatsblätter. Su más grande publicación fue Emil Ruder : Typopgraphy, un
manual de tipografía básica originalmente editado en alemán y luego traducido al inglés y francés,
que se convirtió en un texto base para el diseño gráfico y la tipografía en Europa y América del Norte.

La grilla es la malla de columnas y filas separadas por espacios llamados gutter, utilizados
para dar respiro y espacio al diseño, por lo que los elementos no se ven demasiado juntos. Los cruces
y cuadros imaginarios ayudan a delimitar los lugares en los cuales se ubicarán las diferentes piezas
de la composición. Esto permite establecer rapidamente una idea general de disposición y jerarquía.

En su Manual de diseño tipográfico , Emil Ruder señala cómo las personas creamos
líneas imaginarias por las cuales nos guiamos al momento de ver una página. Así mismo, la interpretación
que les demos varía según el punto en el que estén colocados: dirigen la vista hacia un determinado punto
y marcan el orden por el cual no guiarnos en el proceso de identificación y comprensión del contenido.

La regla de un texto legible ,

para Emil Ruder, era un incon-
dicional, una regla que se debe
seguir por encima de otra para
lograr un entendimiento eficiente.

La cantidad de texto
presente no debe ser mayor a la
que el lector pueda hacer frente
fácilmente. Esto se sustentaba
en la afirmación de que líneas
que contuvieran más de sesenta
caracteres eran difíciles de leer.

Esquema de direcciones con fi-

guras presentado por Emil Ruder.
38
 Las palabras y el espaciado
entre líneas están estrechamente vinculados
y tienen una influencia importante en el logro
de la lectura sin esfuerzo y su entendimiento.

El orden , así como la adecuada jerar-

quización de los tamaños de letra presentes
en la composición, para lograr un acomodo
adecuado del contenido en la página, está
permitido mientras no se utilice un tipo de
letra diferente que distorsione la percepción
del conjunto como un todo equilibrado.

Ejercicio del manual de tipografia destina-

do a desarrollar el sentidode proporciones.

"Corresponde al
Lasirregularidades prohibidas
y la utilización de letras
se está restringido para evitar que se presenten problemas diseñador-tipógrafo
de comprensión de texto. Todo intento por infringir las normas (...) seleccionar,
dictadas va en contra del logro de una correcta tipografia.
estructurar esta masa
de materia impresa,
El conseguir una lectura sin conflictos a través
de un texto ordenado, sin problemas de distribución, es la premi- para que el lector
sa por la cual se debe guiar una composición. Para ello se debe pueda discernir
dar una forma visible y una naturaleza perenne a las palabras.
rápidamente lo que
La eliminación de lasperturbaciones y
sea de interés para él."
el logro de una tipografía equilibrada, son los objetivos finales
que se buscan conseguir con todas las anteriores premisas. Emil Ruder

El Estilo Tipográfico Internacional oEstilo Suizo fue

la corriente de diseño resultante del uso de las herramientas
mencionadas anteriormente. Este estilo prioriza la legibilidad,
el orden y la limpieza en cada pieza visual a través del uso de
sectores matrices previamente definidos, la experimentación
con tamaños y formas de tipografías adecuadas y la reducción
de los elementos visuales decorativos a su mínima expresión.

La sensación de racionalidad y la objetividad

en el resultado final son las características que deben
resaltar notablemente en la composición terminada.

En su Manual de Diseño Tipográfico, Emil

Ruder da un esquema que ilustra y da un
mejor entendimiento de las formas en cómo
vemos y organizamos los elementos.
39
Gianfranco
Montes
Vela
Pieter Brattinga

2
Notable diseñador gráfico y empresario,
Brattinga fue un gran pionero del diseño
gráfico europeo que pasara a la historia
por su notable visión empresarial en la
industria gráfica, influyendo y apadri-
nando a casi la totalidad de diseñadores
y artistas gráficos neerlandeses.

Gianfranco Montes Vela

Lima, 2010

Desde “con papá” hasta “conmigo”.
UNA MIRADA
AL GENIO...
Más que un diseñador
gráfico, Brattinga fue
un gran visionario que
propulsó a escalas altísimas
la Industria Gráfica,
N
convirtiéndose así en uno de
los padres del diseño gráfico.
acido en Hilversum, Países Bajos, en
1931, Brattinga estuvo desde muy
pequeño en contacto con el diseño
debido a que su padre poseía su propia
imprenta, la “Steendrukkerij de Jong
& Co.”, la cual se especializaba en
la impresión de afiches. Ahí, el joven
Brattinga, ya con 20 años, empezaría
a trabajar, dedicándose a dirigir los di-
seños de la empresa de su padre como
Jefe Gráfico.
Así, diseñadores como Willem
Sandberg, Dick Elffers, Wim Crouwel,
Gerard Wernars y Benno Wissing,
serían a los que Brattinga asistiría,
siempre asesorándolos.
+ Afiches realizados por Pieter Brattinga en la imprenta de su padre, entre 1951 a 1974.
42
Y en ese proceso, diría que veía su
tarea de imprenta no como la re-
producción, sino más bien como la
producción de las ideas del diseñador,
fundamental para poder llegar a una
pieza gráfica perfecta.
Paralelamente, Brattinga se dedicaría
también a hacer sus propios diseños,
los cuales expondría durante su esta-
día en la casa impresora de su padre.
Serían en total alrededor de ochenta
exposiciones; todas, realizadas por él
mismo.
Sus exhibiciones incluían una amplia
y variada temática, así como un buen
uso de medios gráficos, los cuales
consistían en tipografías, pinturas,
fotografías, realizaciones industriales,
entre otras más.
“Veía su tarea de imprenta no Dar y educar
como la reproducción, sino más
bien como la producción de las
ideas del diseñador”. Pieter Brattinga escribiría en
1970 la que es quizá su obra
Durante ese tiempo, Brattinga
más ilustre: Planning for Industry,
también se dedicaría a realizar
numerosos catálogos -denominados art & education. Aquí, en sus 191
Kwadraatbladen- sobre diseño, en los páginas llenas de ilustraciones
cuales resaltaría su buen gusto y su más que de palabras, plasmaría
amplio conocimiento del tema, lo que sus conceptos e ideas en cuanto
le generaría la aceptación no solo del
al diseño gráfico, dejando en
público, sino también del círculo de
claro que él apuntaba hacia una
prestigiosos diseñadores de su país.
Industria Gráfica poderosa y, so-
Es así, que tras el arrollador auge bre todo, profesional.
Lo cierto es que su libro tuvo una
gran aceptación por parte de los
demás diseñadores de la época,
quienes se inspirarían en él para
empezar con sus propias im-
prentas y compañías gráficas de
manera profesional.
Pero anteriormente ya había
escrito otros libros más, como
A History of Dutch Poster 1890 -
1960, con Dick Dooijes en 1968.
Además, saldría publicado el li-
bro Pieter Brattinga designer for
people, que escribiera su amigo
Genevi’ve Waldman.
También realizaría un documen-
tal con su buen amigo Ad Pe-
tersen en 1975, titulado Sand-
berg.
*
 + “El hombre detrás
de la Posterijen,
Telegrafie en Telefo-
nie (P. T. T.)” es un
afiche realizado en
homenaje a Pietter
Brattinga por su
extraordinario trabajo
para dicha compañía
que data de 1960.
A la derecha, diseño
realizado por Pieter
Brattinga que fue
publicado en la
exposición de Breda
(Holanda, Países
Bajos) en 1994, que
contiene información
del artista gráfico
Ger Dekkers en una
caja de cartón con
doce tarjetas de
metal con insertos
fotográficos a color
de los trabajos de
este.

de su prestigio, parte a Nueva York,

Estados Unidos, donde será profesor y
director de Comunicación Visual en el
Instituto Pratt, de 1960 a 1964.
Al regresar, Brattinga, con ya 33 años,
empesará con su propio estudio de
diseño, llamado For Mediation Inter-
nacional; sin dejar, claro, de trabajar
en la imprenta de su padre, la cual por
ese entonces era ya muy conocida tan-
to en Países Bajos como en Bélgica,
Luxemburgo y Alemania.
Es de ese modo que se encargaría de
importantísimas exposiciones artísti-
cas, como las realizadas en el presti-
gioso Museo Kröller-Muller, ubicado
en el Parque Nacional Hoge Veluwe,
en su país natal. También realizaría
sellos para la Posterijen, Telegrafie en
Telefonie (PTT) y de las señalizacio-
nes del metro de Amsterdam.
“Brattinga dio un aporte tremendamente significativo a la Industria
Gráfica, uniendo el arte con el lado empresarial”.
gráficos de la Benelux.
En 1971, inicia con su buen amigo,
Dick Bruna, la Mercis, compañía
gráfica que tendría un gran éxito en
la tierra del Sol Naciente -siendo él el
gerente general hasta 1995-.
Fue así que en 1988 le es otorgado
el premio Henri por su trabajo y
perfeccionamiento de los métidos
gráficos dentro de la Industria Gráfica.
Como si no fuera poco, ese mismo año
recibe el honroso título de “Ridder van
Orde van Oranje-Nassau” (Caballero
de la Orden de Orange-Nassau) de
manos de la propia corona neerlan-
desa, proveniente de la casa real de
Nassau. También ganaría ese mismo
año el premio Graphic Cultural
Awards.
La verdad es que Brattinga dio un
aporte tremendamente significativo a
la Industria Gráfica, uniendo el arte
con el lado empresarial.
Así, sería llamado “cosmopolita” y
“ciempiés” por los críticos, debido a
su notable labor.
Finalmente, murió en la tranquila
villa de Kootwijk (Berneveld, Países
Bajos), el 8 de julio de 2004, a la
edad de solo 73 años.
*

Con lo recaudado en esos trabajos,

Entre la realeza
Brattinga iniciaría su propia imprenta
gráfica, ofreciendo así plataformas
internacionales de primer nivel a dise- Para la celebración de las bodas de plata de la reina Juliana I de los
ñadores y artistas gráficos extranjeros. Países Bajos (1909 - 2004), en 1962, a Pietter Brattinga le fue enco-
Su prestigio crecería rápidamente, y mendada la tarea de realizar los sellos correspondientes que serían
para 1966 funda junto a Nico Hey y usados en las cartas de invitación y durante la celebración misma tras
Bob McLaren la Art Directors Club
el arrollador auge de su carrera gráfica en los Países Bajos, pues su
Netherlands, en la cual se mantuvo a
la cabeza por varios años.
nombre se encontraba ya en boca de todos los neerlandeses.

Esto, y sumado al hecho de que tres
años antes, en 1963, se había asociado
con la International Council of Gra-
phic Design Association, le traería un
prestigio nunca antes visto dentro de
la sociedad de diseñadores y artistas
Y a la familia real le gustó tanto el trabajo realizado por Brattinga, que le
sería nuevamente encomendada, en 1971, la rigurosa tarea de realizar
los sellos para la celebración del sesenta aniversario del príncipe Bern-
hard de Lippe-Biesterfeld (1911 - 2004), consorte de la reina Juliana I
y padre de la actual soberana neerlandesa, la reina Beatrix I (1938). *

43
José Augusto
Dorca
Dorca
Milton
Glaser

Conoce al genio
creador del
mítico logo de la
Gran Manzana

Por: Jose Dorca

 I Milton Glaser, el representante
MG
más famoso de la escuela norteamericana
de diseño gráfico.

T
rabaja en New York, donde nació en 1929 en el seno de una familia de inmi-
grantes húngaros, y donde fue durante veinte años el alma del célebre The Pus-
hpin Studio, estudio de diseño que Glaser fundó -junto a Seymour Chwast- en
1954, tras haber estudiado el arte del grabado en Italia, en la ciudad de Bolonia, en la
escuela de Giorgio Morandi. También fue educado en la High School of Music and Art
y en la Cooper Union Art School de la que posteriormente fue su director. Y gracias a
una beca a Fulbright, tuvo la oportunidad de ingresar en la Academia de Bellas Artes
en Bologna, Italia.

Glaser actúa en todos los campos de la comunicación visual con una sensibilidad que
lo lleva a extenderse desde el Art Nouveau hasta el lenguaje narrativo del cómic. Es
autor de carteles publicitarios y portadas de revistas, ilustrador de libros y diseñador de
juguetes, creador de logotipos e inventor de caracteres alfabéticos.

Es famoso por su perfil del cantante Bob Dylan, para el cual, como recuerda el propio Diseñó
Glaser en su libro titulado Graphics Design, se inspiró en un autorretrato recortado
sobre el papel del pintor francés Marcel Duchamp. también el
Glaser añadió al simple perfil masculino un elemento gráfico muy particular: la forma logo de la
y el color del cabello, que le fueron sugeridos por la tradición decorativa árabe. De
esta extraordinaria combinación surgió un estilo muy especial, que muchos consideran DC Comic,
típicamente “americano”, cuando en realidad es fruto de una experiencia cultural muy
compleja. conocido
El logotipo de la ciudad de Nueva York es uno de los gráficos más famosos, reproduci- como el DC
dos y copiados de la historia. La frase “I Love NY”, en el que un corazón rojo sustituye
a la palabra “Love”, fue creado en 1973 por este extraordinario diseñador. Bullet
46
 Arriba: El legendario logo de Nueva York. Derecha: Afiche de
1970 para la division de computadores de RCA. Abajo derecha:
El archifamoso perfil del cantante Bob Dylan.

Además de ser conocido por ser el creador del logotipo de

la ciudad, fue también, junto con Clay Felker, el co-funda-
dor de la revista New York Magazine en 1968, de la cual
fue presidente y director de diseño hasta 1977 –publicación
que se convirtió en modelo para las revistas citadinas, esti-
mulando un sinnúmero de imitaciones- y encargado de re-
diseñar los periódicos Washington Post, La Vanguardia
(Barcelona) y O Globo (Rio de Janeiro).

En 1974 fundó Milton Glaser, Inc. (Manhattan) donde

continúa actualmente produciendo una increíble cantidad
de trabajos en muchos campos del diseño. A sus 76 años,
es personalmente responsable del diseño e ilustración de
más de 300 afiches para editoriales, teatro, música, pelícu-
las, asociaciones civiles y diversos productos y servicios.

En 1975 realizó la imagen gráfica y decoración de los restau-

rantes en el World Trade Center (New York), al igual que el diseño
del Observatorio y la Exhibición Permanente que se exhibía en las
Torres Gemelas. También ha diseñado numerosos proyectos arqui-
tectónicos como el Sesame Place, un parque educativo en Pennsyl-
vania (1981-83), y la lista continúa.

Su obra está expuesta de forma permanente en lugares tan importan-

tes como el MOMA (Museo de Arte Moderno de New York), el Museo
de Israel (Jerusalén) y el Smithsonian Institute (Washington, D.C.).
Precisamente, entre los muchos premios merecidos a lo largo de los años,
Glaser recibió en el 2004 el Lifetime Achievement Award del Smithsonian
Cooper-Hewitt, National Design Museum, por su extensa, profunda y sig-
nificativa contribución a la práctica contemporánea del diseño.
47
María Fernanda

S
Sánchez
Cáceres
Luis Alberto
Wu
Crousillat
 Debido a su creatividad e innovaciones, Neville Brody ahora tra-
baja con varias marcas de mucho peso e importancia en el mun-
do, entre ellas BBC, Sony Playstation, The Times (Londres), Nike,
Apple, Microsoft, MTV (Europa), Philips y The Guardian.

N acido en Londres, Brody estudio en Horn-

sey School of Art y después en London Col-
lege of Printing (LCP), donde ahora enseña.
mundo, su primer best seller. La exhibición se
esparció extensivamente en Europa y Japón.

El Neville Brody Studio cambio de nombre a

Fue muy creativo desde los inicios de su car-
rera, cuando todavía estaba en la universi-
dad se unió a Rocking Russian donde creaba
carátulas de discos y de ahí se traslado a Stiff
Records haciendo lo mismo en 1980. Mien-
tras trabajaba en Stiff Records, Brody rompió
muchas de las barreras del diseño innovando
y creando nuevos estilos que lo llevaron a
convertirse en el director artístico en Fetish
Records, una marca independiente donde Bro-
dy llegó a producir sus proyectos más notables.
Research Studios en 1994, coincidiendo con
su segunda publicación por Thames y Hud-
son. Research Studios ahora tiene una nota-
ble presencia en Paris, Barcelona, Berlín y
Nueva York. Esta cadena trabaja una extensa
variedad de conocidas e importantes marcas
como por ejemplo BBC, Sony Playstation,
The Times (Londres), Nike, Apple, Micro-
soft, MTV (Europa), Philips y The Guardian.

En 1981, Brody se convirtió el director artístico

de una de las mas notables revistas públicas The
Face, y en 1986, se pasó a la revista considerada
la biblia en cuanto a el estilo del hombre y esti-
lo de vida, Arena. En Abril del 1988, el V&A Mu- “The Graphic
seum en Londres presento una exhibición con
los trabajos más notables para acompañar su Language of
primera monografía, “The Graphic Language of
Neville Brody” la cual se convirtió rápidamente Neville Brody
en el libro de diseño gráfico más vendido en el
se convirtió
rápidamente
en el libro de
diseño gráfico
más vendido
en el mundo,
su primer
best seller”

Carátula del best seller de Brody “The Graphic

Language of Neville Brody”

54
 En contacto
con la fama

Panel de Enemigos Públicos por Neville Brody

La compañía Research studios de Neville Brody tambien

ha tenido varios clientes en Hollywood, ya sea para pan-
eles de películas o afiches y tarjetas de presentacón de
estas mismas. Aparte de hacer las caratulas para la fam-
osa secuela de Ocean’s, tambien ha trabajo en Public En
emies. la película con Johnny Depp que estrenó el año
pasado, en el 2009.

Carátula
Caratula de Ocean’s Eleven y Ocean’s Twelve por Neville Brody

55
Gabriel
Bergelund
Werner
 p r i l
A m an
r e i
G
La M a c e s sólo
"
o tr o l á p
iz!”"

Por: Gabriel Bergelund

57
 d is eñ o n
i un s o
e
S siente
o ra z ó n , l o q u e di
c r t
im p o a .” c e e
n o l c er
A
pril Greiman es una diseña-
dora gráfica y artista que nació
en Estados Unidos en 1948. Es
reconocida por ser de los pri-
meras diseñadoras en incorporar la
computadora como herramienta de diseño.
Comenzó sus estudios en el Kansas City
Art Institute a finales de los sesenta para
completarlos en la Kunstgewerbeschule de
Basilea con el influyente Wolfgang Weingart. En
aquellos años Weingart comenzaba a poner en
cuestión algunos de los principios que habían
inspirado la metodología del Movimiento
Moderno como el estricto uso de la retícula o
la intocable pureza del espacio bidimensional.
A mediados de los setenta Greiman comenzó
a trabajar para el Taxi Project del Museum
of Modern Art en Nueva York diseñando las
publicaciones y demás elementos de promo-
ción. En 1976 se trasladó a Los Ángeles para
colaborar con el California Institute of Art
donde conoció al fotógrafo Jayme Odgers
y se interesó por la fotografía experimental
58
y el trabajo con computadoras.
Greiman creó una iconografía muy particu-
lar en sus impresos para el California Insti-
tute of Art, plenamente relacionado con lo
que después se conocería como New Wave,
una corriente que definitivamente rompía
con las corrientes más académicas del dise-
ño gráfico. Su concepción del diseño concibe
la página como si esta fuera un espacio tri-
dimensional donde la tipografía, la fotografía
y el resto de los elementos conviven sin
jerarquías y en un complejo orden. A partir
de 1984 comienza a utilizar la computadora
personal en su trabajo, utilizando imágenes
en baja resolución y tipografía bitmap, una
forma de trabajo que puede relacionarla con
otros creadores europeos como Terry Jones.
También destacan los trabajos en gran for-
mato que ha hecho utilizando las nuevas tec-
nologías, insertando con ellos al Diseño Gráfi-
co en el entorno urbano. Así mismo ha editado
varios libros como: Something from Nothing;
Design Process e Hybrid Imagery: The Fusion
of Technology and Graphic Design entre otros.
 el
e n
bi en

r o
r eb

59
Jesús Saúl
Cuzcano

C
Huari
 Onsenis
AAA
Onsenis rendunt
rendunt
Onsenis A
rendun
ia
ia
WOnsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
hit rendunt
Onsenis
Onsenis
Onsenis
quiatem.
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis
Onsenis A
rendunt
rendunt
rendun
rendunt
rendunt
rendunt
rendunt
rendun
rendunt
rendunt
rendunt
rendunt
Ut
rendunt
rendunt
rendunt
rendunt
rendun
rendun
rendun
rendunt
rendunt
rendunt
ia
ia
ia
abo
iaia
i
iaiii
ia
DAVID
RAOnsenis
Onsenis
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.rendunt
rendunt
quiatem.Ut
Ut Ut
UtA
aboreic
Ut ia
ia
abo
aboreic
Ut abor
abor
abo
R quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
con pa
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem.
quiatem. Ut
Ut
Ut
Ut
UtUt
UtUt
Ut
Ut
voluptae
Ut
Ut
Ut aboreic
Utaborei
Utabore
Ut
Ut
Utabor
Ut abo
aboreic
aborei
abore
abore
mo
abore
abore
abor
abor
abo
abo
abo
aboreic
aboreic
aborei
Acon
quiatem.
quiatem.
con
concon
con
con
conpa
con
con
con
pa
con
pa
paCAR5ON
papa
pa
Ut
Ut
voluptae
pa aboreic
aboreic
volupta
voluptae
pa
pa voluptae
voluptae
voluptae
voluptae
voluptae
voluptae
pa
voluptae
volupta mo
mo
mo
mo
m m m
con
con
Acon
concon
con
con
con
con
con pa
conpa
con
con
pa
pa
papa
pa
con
pa
pavoluptae
voluptae
pa
pavoluptae
voluptae
pa
voluptae
pa
voluptae
pa
voluptae
voluptae
voluptae
voluptae
volupta
voluptae
voluptae
voluptae mo
m
mom
m
mo
mom
m m
A W R WR R
con
con pa
pa voluptae
voluptae mo
mo

“Profeta o blasfemo”

David Carson ha sido considerado

como un dios del diseño por los
jóvenes y las nuevas generaciones,
pero también es visto como
un traidor al diseño por los
diseñadores más conservadores.

Por: Jesus Cuzcano

 ssearuptatem
As
As
As As
s
Asearuptatem
As
As
As
AsAs earuptatem
earuptatem
Asearuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem debitium
debitium
debitium
debitium
debitium
debitiumdebitium
as
debitiumas
as
debitium
debitium
debitium
debitium
debitium
debitium as as
asalitiusam
as
as
as as
as alitiusam
alitiusam
asasalitiusam
alitiusam
alitiusam
as alitiusam
alitiusam
alitiusam
alitiusam
alitiusam
alitiusam
alitiusam
alitiusam
As searuptatem
AsAsearuptatem
AsAs
earuptatem
earuptatem
earuptatem
earuptatem debitium
earuptatem debitium
debitium
debitiumas
debitium
debitium
debitium as
asalitiusam
asalitiusam
as alitiusam
alitiusam
as
as alitiusam
alitiusam
alitiusam
As
ut
aut
aut
ut ut As
aut
aut
aut earuptatem
fugit
fugit
aut
fugit
aut
aut As
aut
aut
fugit earuptatem
fugit
fugit
fugit
fugit atis
fugit
atisatis
fugit atis
ute
atis
atis ute
atis
ute
earuptatem
fugit
fugit
fugit
fugit
atis atis
atis
atis atis
atis
atis
ute debitium
ute
ute
ute
ute
ute utedebitium
debitatis
debitatis
debitatis
ute
ute
ute
ute debitatis
debitatis as
est
est
debitatis
debitatis est
debitium
debitatis
debitatis
debitatis
debitatis
debitatis
debitatis as
estalitiusam
est
est
incium
debitatisest
est
est as
estalitiusam
incium
incium
incium
est
est
est incium
incium
estincium
alitiusam
incium
incium
incium
incium
incium
inciumincium
aut
tutfugit
aut
aut
tatem
em fugit
aut
fugit
Diseñador
aut
ptatem atis
fugit
debitium atis
fugit
fugitatis ute
debitium
fugit ute
atisdebitatis
atis
atis
uteute
as
atis
debitium debitatis
ute
ute
as est
debitatis
alitiusam
por
uteasalitiusam est
debitatis
debitatis
debitatisestincium
est incium
est
incium
est
excelencia
debitatis
alitiusam est incium
incium
incium
incium
aut
uga.
a.ga.aut
fuga.fugit
fuga.
uga.
fuga.
Itaquia
fuga.
uga.
ga. aut
fuga.
fuga. fugit
Itaquia
Itaquia
fuga.
fuga. atis
Itaquia
fugit
Itaquia
Itaquia
Itaquia atis
Itaquia
Itaquia
Itaquia uteute
debitatis
ndicatiberum
Itaquiaatis
Itaquia
Itaquia
Itaquia ute debitatis
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum est est
nonsequi
debitatis
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum incium
nonsequi
nonsequi
estincium
nonsequi
nonsequi
nonsequi
nonsequi
nonsequi rem
rem
incium
nonsequi
nonsequi
nonsequi
nonsequi
nonsequi
nonsequi rem
remrem
remrem
rem
rem
rem
rem rem
rem
rem
ga.
uga.
satisuga.
tuga. Itaquia
fuga.
fuga.
ute ute
fuga.
atis Itaquia
fuga.
Itaquia
ute ndicatiberum
Itaquia
Itaquia
debitatis ndicatiberum
Itaquia
debitatis
Itaquia
debitatisndicatiberum
est est
incium
incium
ndicatiberum
est nonsequi
ndicatiberum
ndicatiberum
ndicatiberum
inciumnonsequi
nonsequi
nonsequi rem
nonsequi
nonsequi
nonsequi rem
remremrem
rem
rem
fuga. Itaquia
fuga. Itaquia ndicatiberum
Itaquia ndicatiberum
ndicatiberum nonsequi
nonsequi
nonsequi remrem
rem
quia
a ndicatiberum
ndicatiberum
aquia ndicatiberum nonsequi remnonsequi
nonsequi rem rem
n sociólogo America- Su Carrera
no que se graduo con
La carrera de David car-
“honores y distinción”
son ha consistido en vari-
de la universidad de San as etapas, ya que no solo
diego, quien una buena se dedicaba a diseñar re-
mañana descubrió que ex- vistas para culturas un-
istía una carrera llamada derground. Aparte de esto,
diseño gráfico y decidió redactó libros en donde en-
contramos una de sus obras
ponerla en marcha. Este
más conocidas: “El fin de
personaje es considerado la impresión: el diseño
uno de los pioneros del gráfico de David Carson”,
diseño estrafalario y el cual fue publicado en
alternativo. Es por eso 1995. Posteriormente, du-
que decidió dirigir sus rante los años 90’0 y el
nuevo milenio publicaría
creaciones a las cultur-
más libros como: “La vis-
as alternativas, como el ta segunda: diseño gráfi-
surf y el skate. Acaban- co después del fin de la
do los 80’s David carson impresión”, “Fotografiks:
ya había desarrollado un un equilibrio entre la fo-
estilo, en cuanto a la tografía y el diseño hasta
la expresión Gráfica que
tipografía, y también,
evoluciona de contenido”,
en el uso de fotografías “Cultura Surf: la histo-
no convencionales. por ria del arte de navegar”.
esto y por muchas co-
sas más, fue nombra-
do, posteriormente,
el padre del Grunge.
La época Carsoniana
Los 90’s fue la década del auge del
estilo de carson, ya que em este tiem-
po se interesó por la nueva escue-
la de tipografía y eso sirvió para
la inspiración de muchos diseñadores
jóvenes de la época. Además, de tam-
bién ser considerado uno de los dis-
eñadores más famosos del mundo. En
el sentido en que todos podían hab-
er escuchado de él alguna vez.
En el 200 abrió un estudio personal en
Charleston, posteriormente en 2004 se
convirtió en director creativo de gibbes
y diseño el especil de “Exploración”.
Carson no tardó en ser reconocido y a
partir de 1998 hasta el 2004, ha gana-
do ya 170 premios de los cuales puedo
mencionar: Mejor diseño de conjunto,
Portada del año, Premio a mejor uso
de la fotografía en diseño gráfico,
Diseñador del año en 1998, Diseñador
del año 1999, maestro de la tipografía
y el premio al Diseñador gráfico más
famoso del planeta. (abril del 2004)
La actualidad
En los últimos años, Carson se ha
diversificado hacia el cine y la
televisión para anuncios direc-
tos y videos. Dirigió los anuncios
de lanzamiento de las tecnologías
de Lucent y se asoció con William
Burroughs en el cortometraje de
Carson, “The End of Print”. Tam-
bién colaboró con la Harvard Busi-
ness School, John Kao profesor en
un documental titulado “El arte
y la Disciplina de la Creativi-
dad”. David diseñó la campaña de
marca en todo el mundo para Mi-
crosoft en 1998, así como la pub-
licidad de Giorgio Armani en todo
el mundo (Milán). Él ha aparecido
en los anuncios de aprobar Apple
Computers, monitores de Samsung y
varias empresas de papel. Carson
arte ha dirigido y diseñado Surf-
er, Skateboarding, Snowboarding,
Cultura Beach, revistas y Pis-
tola de Rayos. Él tiene una ex-
tensa lista de clientes internac-
ionales: Nine Inch Nails, Toyota,
Mercedes Benz, Banco de Montreal,
Microsoft, Quiksilver, Meg Ryan,
David Byrne, Bush, Pepsi y Xerox.
El trabajo de David sigue siendo
impulsado por la intuición, con
más énfasis en el material de lec-
tura antes de diseñar, y siempre
experimenta con formas de comunic-
arse en una variedad de medios.
Jackeline Marleny
Dioses
Huari
Daniel Alfredo
Tassara
Lafosse
Katherinne Milagros
D’Ugard
Liza